Huelga de Arte 2000 - 2001

-A:FERNANDO GARCIA DELGADO (A 3 de Septiembre de 1999)
A-KAREN ELIOT /LUTHER BLISSETT (a 11 de Febrero de 1999)
B-CLEMENTE PADIN/CESAR REGLERO
C-SEAFREE
D-SINTOMAS (15 de Febrero 1999)
E-EL ARTE HA MUERTO (a 13 de Enero de 1999)
F-MERZ MAIL/ POSICIONAMIENTO (a 10 de Febrero de 1999)
G-DE CESAR REGLERO A FERNANDO GARCIA DELGADO ( a 10 de Abril de 1999)
H-CLEMENTE PADIN (A 17 de Abril 1999)


1-1-2000
Asunto:
        ::eco:: artstrike
  Fecha:
        Sat, 01 Jan 2000 05:54:57 +0100
    De:
        Luther Blissett <mikuerpo@redestb.es>
     A:
        eco@listas.aleph-arts.org

:::: mensaje enviado por la lista de difusión de noticias eco ::::

COMUNICADO DEL COMITÉ DE aRTISTAS cONTRA EL ARTE

Hoy, 1 de enero del año 2000, cada uno de l*s componentes
del Comité de artistas contra el Arte de Madrid abandona
toda actividad artística hasta el 31 de diciembre del año
2001 y se dispone a intensificar sus acciones de sabotaje
cultural vírico y anónimo que se extenderán a lo largo de
estos dos años. Ésta es su respuesta a la convocatoria de
huelga de arte lanzada por Karen Eliot & Luther Blissett &
Monty Cantsin, a la que apoyó desde su formación y en cuya
propaganda ha participado.
        Tal y como se expresaba en esta propaganda, la huelga
de arte no debe ser un mero abandono de los utensilios y
canales de producción, sino que ha de ser una "huelga activa".
Nuestra interpretación pone su énfasis en este último aspecto,
por lo que asume la responsabilidad de continuar su extensión
por todos los medios que no nos hagan incurrir en la lógica
del espectáculo. Sabemos identificar estos medios y sabemos
darles uso. Por ello, y a la luz del nuevo contexto que
instauran los últimos acontecimientos, queremos añadir además:
"…y ofensiva".
        No tenemos la menor intención de quedarnos en el subsuelo.
No queremos conquistar ninguna posición funcional en el actual
contexto cultural globalizador. Nuestras opciones se reducen y
nos declaramos en huelga, pero aspiramos con nuestra defección
a hacernos presentes del único modo posible en cuanto artistas.
Ello nos lleva a continuar la propaganda, extendiendo la
descomposición y acogiendo con entusiasmo futuras adhesiones.
        Convocada para Madrid y Barcelona y extendida posteriormente
a Bilbao, en los últimos meses se ha sumado un eje muy activo en
Granada, Cuenca y Ciudad Real. Este segundo triángulo es el que
más activo se ha mostrado en los últimos días, denunciando por
ejemplo la celebración de un evento mistificador en la ciudad de
Cuenca al que se ha llamado, al socaire de una cierta moda y
desde diversos patrocinios culturales a cuál más sospechoso:
"situaciones".
        El propósito de la huelga no deja de ser claro para nosotr*s:
la destrucción de la dinámica espectacular y la instauración de un
poder cultural paralelo que la contradiga, creando la base para la
apropiación civil de los instrumentos (materiales y conceptuales)
de producción de sentido. Nos consideramos solidari*s de cualquier
interpretación de la huelga que tenga este ideal como horizonte,
sean cuales sean sus modos de aplicación, y nos consideramos
abiert*s a mantener la mayor relación posible con quienes las
ejecuten.
         Tenemos que denunciar el intento de manipulación llevado
a cabo por el grupo editor del pseudoboletín "Refractor" en una
"Declaración de Donostia" leída a nuestras espaldas en Arteleku
el verano pasado. En dicha declaración no existe otra intención
que la de hacerse oír personalmente a propósito de la huelga,
como hicieron anteriormente a propósito de personas concretas.
Su falsa interpretación no es producto de la desinformación,
pues el grupo mencionado la posee de primera mano, sino a su
falta de escrúpulos y a las "malas artes" que quedan al descubierto
en el escrito de Luther Blissett "Lo que son y lo que pretenden los
amigos del Refractor":
http://www.geocities.com/SoHo/Lofts/8666/refractor.htm
        Una de sus falsificaciones consiste en denunciar la condición
virtual del Comité de artistas contra el Arte. Este comité, creado
para el apoyo de la huelga en Madrid, donde la adhesión es
particularmente numerosa y lo desborda, nunca estuvo compuesto por
menos de cuatro personas, y actualmente supera la docena de individuos,
la mayoría de ellos relacionados con el movimiento de fanedición de
mediados de los noventa, del que constituyeron la expresión más lúcida
y radical antes de su disolución en modas y eventos municipales.
Por otra parte, nunca funcionó como "órgano decisorio central"
en el contexto de una huelga desjerarquizada y difusa como esta,
sin centro ni promotores, lo que nos impide precisamente hacer
declaraciones a título personal.
        Pero ya no es preciso defender la existencia de este comité.
Como toda vanguardia que conoce su papel ha decidido disolverse, con
fecha de hoy, en el momento mismo de pasar a la acción.

        El resto, el ruido del que no dejamos de hablar,
es el de nuestras propias voces.

Comité de artistas contra el Arte, 1 de enero del 2000

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CARTA ABIERTA A LA HUELGA DE ARTE 2000-2001

VORTICE ARGENTINA
c/o Fernando García Delgado
 

La intención de esta carta es dar a conocer ciertas impresiones frente a la próxima Huelga de Arte, sin teorías ni adornos conceptuales, porque no soy ni teórico ni escritor, sencillamente un activo mailartista.
Entiendo la convocatoria de la Huelga de Arte como un foro de discusión, una mecha que enciende opiniones, sensaciones, discusiones y teorías de las más variadas sobre los condicionamientos y actitudes del artista en la estructura del arte.
Como punto de partida, apoyo el sentido, la acción generadora de la Huelga, y la propuesta de compartir y expresar problemáticas que nos incumben a todos.  Pero, por otro lado, no creo que nosotros -los mailartistas- tengamos que “parar” dos años de producir y generar proyectos, obras y acciones dado que, desde los comienzos del Mail Art y hasta el día de hoy, seguimos manteniendo en pie los principios básicos por los cuales estamos fuera de la estructura a la que la convocatoria de la Huelga se refiere: el mercado de arte, las ferias internacionales, los críticos, las galerías, las instituciones oficiales de la cultura y las jerarquías artísticas.
Lo que sí creo conveniente realizar es la difusión y comunicación de los cuestionamientos de la misma hacia esa estructura, primordialmente, a los artistas, siendo éstos los dientes esenciales del engranaje del arte, los que tendrían que “parar” el juego y pensar un poco hacia dónde va todo esto...
Hay que tener en cuenta es que una especie de ceguera los envuelve, sin permitirse un minuto de meditación en su “carrera” por el posicionamiento en el mercado, qué crítico escribe su prólogo, ocupar espacios, conseguir una nota en un diario, trabajar para ciertos concursos, competir ferozmente por los premios en salones y concursos, ampliar su curriculum con todo lo que se cruce en su camino, sin importar quién pinta el cuadro...
Algunos prefieren bajar la cabeza ante ciertas situaciones por miedo a que lo “marquen” y no pueda entrar en una beca o ganarse un premio, mientras que por dentro explotan de rabia o discuten de políticas del arte en una mesa de café. El artista ha pasado a ser un empresario de su arte, preocupado por la comercialización e inserción dentro del mercado, mientras que la obra es el medio para lograr su posición. Son cómplices y esclavos de esa misma estructura que los destruye. Tan sólo cabe preguntarse, porqué no existe un sindicato que defiendan los derechos de los artistas frente a los continuos maltratos y trabas que encontramos a diario...???
Las problemáticas de los artistas pueden ser semejantes pero la cuestión está en las diferentes actitudes y acciones que se toman frente a determinadas situaciones corruptas que nos afectan a todos.
Personalmente he cambiado el rumbo cuando “descubrí verdaderamente” el Arte Correo y su amplio abanico de posibilidades en desarrollar mi obra como artista. Por esta sencilla razón decidí dedicarme por completo a esta actividad, transitando un camino diferente en la estructura general del arte. Mi cambio está dado por las siguientes acciones:
1- creando un espacio, como la Barraca Vorticista, donde poder organizar exhibiciones y encuentros vinculados al Arte Correo y la Poesía Visual.
2- denunciando los atropellos, discriminaciones, censuras, soberbias y la corrupción en el medio artístico-cultural.
3- abandonando las jerarquías artísticas, priorizando la obra más allá de quien la firma.
4- soportando el esfuerzo que implica concretar ideas y desarrollar proyectos de este tipo, con los problemas económicos que nunca faltan, donde uno gasta hasta lo que no tiene para seguir luchando por lo que uno cree.
La diversidad de respuestas al proyecto reflejan que se acrecienta la participación de artistas, desamparados y perdidos en la pegajosa maraña de esa estructura, que se vuelcan al desarrollo de actividades “alternativas”        -como puede ser el arte correo- donde descubren la solidaridad y el trato de igual a igual entre artistas. Que quede claro que no estoy diciendo que deban abandonar o renunciar a esa estructura pero sí modificar su actitud como artista frente a la misma.
Lo reconfortante de todo este esfuerzo es que uno se siente acompañado y apoyado por colegas que te reconocen, fortaleciendo la dignidad y recuperando las fuerzas de creer que en el arte uno puede encontrar y seguir teniendo razones para ser y hacer.
Considero que a través de toda esta energía volcada en un proyecto abierto como VORTICE -en cuatro años de existencia- siento a los colegas que colaboran y participan en él, a través de sus obras, cartas, estampillas, publicaciones, adhiriendo a proyectos, y por las diferentes vías de comunicación, el correo, el e-mail y hasta un llamado de teléfono, una hermandad y solidaridad que difícilmente uno encuentre esta sensación de otra manera.
Hacer una huelga de arte sería dejar de creer en todo el esfuerzo realizado y cortar con toda esta comunicación que fortalece nuestro espíritu en pro de una idea de cambio un tanto ilusoria.
Por esta serie de ideas y sentimientos es que no adhiero por completo a la Huelga de Arte 2000-2001, pero sí apoyaré, difundiré y trataré de hacer llegar el mensaje de la misma a todos aquellos que tendrían más razones para “parar”, pensar y accionar sobre estos temas, logrando mejorar y modificar el entorno artístico en el cual estamos todos involucrados.

Buenos Aires, 3 de septiembre de 1999
 

A,B,C,D Y E: Tres...8 supuestos en torno a un mismo fenómeno ...A 22 DE DICIEMBRE DE 1998
 LUTHER BLISSETT
  INTERVENCIÓN SOBRE ARCO
  Fecha:
        Thu, 11 Feb 1999 13:38:47 -0800
    De:
        archivo situacionista <kakart@geocities.com>
     A:
        eco@listas.aleph-arts.org
    CC:
        merzmail@abaforum.es

12 LUTHERS PRESENTAN LA HUELGA DE ARTE EN ARCO '99

        El 10 de febrero hacia las 20.30 de la tarde, 12 luthers
interrumpieron los actos de inauguración de la Feria de Arte
Contemporáneo (ARCO) para llevar a cabo la presentación pública
(no programada) de la convocatoria de huelga de arte para los
años 2000-1. Se trata de la acción que Luther Blissett había
anunciado el 1 de mayo de 1998, como respuesta a la intervención
policial sobre la distribución de panfletos en las puertas del
recinto en la pasada edición de la feria.
        A pesar del cada vez más impresionante despliegue
que acompaña a este certamen, 12 luthers se infiltraron en el
recinto y desviaron durante unos minutos la atención del público
y los medios circundantes, que en ese momento cubrían la presencia
de una tal cristina y su marido futbolista. Portando cada un* una
camiseta blanca con una letra, l*s doce luthers se despojaron
rápidamente de la ropa que la cubría y se alinearon de espaldas
al público formando el concepto "HUELGA DE ARTE", a la vez que
arrojaban panfletos sobre las cientos de personas que se concentraron
alrededor en pocos segundos. Dada la rapidez con que se atrajo
la atención de l*s presentes no hubo intervención policial alguna,
completándose la acción sin ningún incidente.
 
archivo situacionista
VALOR DE USO
http://www.geocities.com/SoHo/Lofts/8666
 
 
 

KAREN ELIOT
A-2000-2001 HUELGA DE ARTE EN LA UNIVERSIDAD ART STRIKE IN THE UNIVERSITY La Huelga de Arte "Barcelona-Madrid 2000-2001" fue motivo recurrente de reflexion en la mesa redonda "Contracultura y subcultura: una propuesta estetica o una propuesta artistica", celebrada en la Facultad de Bellas Artes de la U. Complutense de Madrid el 21 de abril. Los dos ponentes que cumplimentaron el epígrafe dedicado a "Las huelgas de arte" realizaron una denuncia de la "contracultura" como mecanismo productor de ideología estructuralmente indispensable para el funcionamiento del espectáculo mercantil ("el movimiento contracultural más importante de nuestro siglo es el capitalismo"), y realizaron una interpretación dialectica de las sucesivas huelgas de arte acontecidas desde los 70 (la afirmación del papel del artista y sus derechos frente a la patronal en la convocatoria de Metzger, su cuestionamiento por parte del circuito alternativo de las redes de mail art en la de Karen Eliot, y lo que vendría a significar su superacion en practicas alternativas, correspondientes a los nuevas redes de interaccion, en la convocatoria que permanece abierta para los años 2000-2001 en Madrid y Barcelona). Se repartieron entre l*s jovenes buena parte de los panfletos que no pudieron hallar su objetivo en la ultima Feria de ARCO. Luther Blissett, que anduvo camuflada en la multitud, aunque no comparecio esta vez en publico, destacó la disposicion positiva de l*s jovenes a debatir la cuestion, y la exactitud de los terminos en que esta se planteo en algunos casos, y aseguro que la huelga de arte estara presente en la proxima Feria de ARCO con todas las garantias.
 

EL TRABAJO EN LO "ECHADO A PERDER"
Declaraciones de Luther Blissett sobre la Huelga de Arte 2000-2001
(Archivo Situacionista: 10/11/98)
Mabel Quiñones: ¿Puedes anticiparnos en qué va a consistir la Huelga de Arte?
Luther Blissett: En absoluto. Sólo podría especular sobre algo que aún no
ha sucedido. Cuando Luther Blissett & Karen Eliot & Monty Cantsin lanzaron
hace más de un año la convocatoria para Madrid y Barcelona estaban muy
lejos de concebir esta iniciativa como algo definido, sabiamente diseñado
por especialistas para producir un único tipo de eventos. Más bien se
pretendía generar un marco de intervención, una oportunidad para extremar y
poner en evidencia una serie de contradicciones, y ver qué resulta de ello.
Si otras convocatorias tuvieron su representación formal antecedente en la
recontextualización de elementos que propicia el collage, esta iniciativa
se plantea como un contexto de intervención colectiva análogo a los que
desde hace años invaden las redes de mail-art según el procedimiento de
"añadir, copiar y pasar". No se trata de reproducir en todos el mismo
esquema, sino de suscitar la misma inquietud. Semejante planteamiento se
expresa hoy a través de muchas iniciativas interesantes, como los
Encuentros Incongruentes o el propio proyecto Luther Blissett.

MQ: Pero existirá algún punto de partida, alguna descripción del marco vacío.
LB: Creo que el mero enunciado de una huelga de arte constituye una
motivación suficiente para provocar un alud de reflexiones y de
posibilidades. Nos hemos permitido sin embargo enunciar en un documento
anterior [cf. Por una huelga espectacular] aquello que la huelga no debiera
ser para nosotr@s. En aquel documento señalábamos tres puntos que no agotan
las incertidumbres de las que partimos: decíamos que no es una huelga de
silencio. Estamos hartos de minutos de silencio, de lazos de colores y de
las doscientasmil firmas. No queremos que la huelga se convierta en un
gesto reivindicativo-ritual, y desde el principio propusimos una huelga
activa. Tenemos que enfrentarnos a la paradoja de la visibilidad en todo
contexto espectacular enfocando el espectáculo y proyectando sobre él sus
propios fantasmas. La huelga de arte del año 2000-1 debe ponerse de
manifiesto dentro y fuera del cuadro, debe saber estar presente allí donde
no se la espere, en forma de piquete o de farsa arrojadiza. Decíamos
también que no es una huelga de artistas ni contra el arte, con mayúscula o
con minúscula. Los artistas dejaron de interesarnos en el impreciso momento
en que se convirtieron en mercancías de saldo ambulantes. Las vanguardias
han convertido al artista, cuando no se ha refugiado en el mundo del diseño
industrial, la publicidad o los guiones televisivos, en un replicante
infeliz de gestos desesperados, y sólo su suicidio resulta relevante para
una sociedad ávida de patetismo. Hoy se les soporta "casi sin asesinarlos"
[extracto de un tema de "Los Ilegales": El apóstol de la lujuria], ya que
en nuestro siglo no han logrado mantener su función más que atacándola,
cuando no ejerciendo un amanerado sacerdocio de pasiones adolescentes. El
mundo que vivimos está de vuelta. El anti-arte ya es cosa de ayer, así que
adiós, artistas, adiós para siempre. Y es que, como señalábamos finalmente,
no es tampoco una huelga de producción. Tal planteamiento seguiría anclado
en el reconocimiento de un ámbito de actividad separado que no se
corresponde con la situación presente, en que la gestión del capital
simbólico se ha hecho difusa y entrópica debido en parte a la dinámica de
las redes de comunicación y en parte al despliegue de un mundo estetizado.

MQ: En lugar de eso, un boicot de consumo.
LB: Quizá para simplificar, y para distinguirla de un modo preciso de una
táctica errónea como sería una "huelga a la japonesa", en su momento la
presentamos de esta forma, pero este planteamiento no me preocupa menos que
el otro, en la medida en que parece suponer el mismo ámbito separado
contemplado desde otra perspectiva. Creo que, en efecto, en el capitalismo
tardío el boicot sobre el consumo resultaría más eficaz que los parones
productivos, puesto que hoy se especula más en el mercado que en la
industria o los talleres. Pero con las redes electrónicas, las prácticas do
it yourself (fluxus, mail-art y un flujo cada vez más intenso de fanzines y
producciones alternativas), los llamamientos a la participación desde los
medios de comunicación de masas, es todo mucho más complejo: un nuevo
género de producción se superpone al ordenamiento económico de los
impulsos, lo niega y lo alimenta. Es difícil identificar hoy al consumidor
en estado puro en un mundo donde la propia imagen resulta negociable y
donde la tendencia decadente se desplaza ya de la voracidad consumista
hacia el vértigo masoquista de ser consumidos.
Hace poco tiempo hemos asistido en España a un comportamiento masivo que
plantea un buen precedente de cara a lo que queremos decir. Me refiero a la
movilización de internautas ocurrida en septiembre contra las nuevas
tarifas telefónicas aprobadas por el Ministerio de Fomento, que alcanzó una
participación notable a pesar de las diversas manipulaciones de cifras que
el propio uso de la red propicia. Evidentemente, aunque la conexión a
internet sólo puede interpretarse como el consumo de un recurso en el orden
económico, más aún en el caso del sistema monopolístico español, este
modelo no agota la interacción con las redes. Una de las acciones consistió
en una huelga de "páginas caídas". Otra, en una acción coordinada que
consiguió bloquear la humilde centralita de Telefónica, y algunos intentos
de cambiar los contenidos de su web no pudieron llevarse a cabo. Con todo,
esta movilización responde ya a un nuevo concepto, y ha hecho que los
internautas adquieran una mayor conciencia de su poder. No pienso que esto
vaya a cambiar mucho las cosas, pero invita a meditar sobre ello.

MQ: ¿Reside acaso en estas peculiaridades el sentido propio que diferencia
a esta convocatoria de otras anteriores?
LB: ¿Quieres decir que si es un concepto original? Ante todo quiero
subrayar que no necesita serlo. Ni siquiera la convocatoria de 1990-93 que
lanzó Karen Eliot pretendía ser original, e insiste con frecuencia en la
existencia de precedentes que podría perfectamente haber obviado. Nada
surge sin una composición de lugar que lo haga posible. Esta huelga partió
de un contexto local como oposición a la candidatura de Barcelona para la
capitalidad de la cultura europea en el año 2000. En Madrid ya se sabía lo
que eso significaba con la experiencia de 1992 y hoy podemos hablar de sus
lamentables consecuencias. La cuestión es que cuando la candidatura de
Barcelona fue retirada el concepto ya había prendido en otros lugares y por
otras razones, y no fue poco el entusiasmo con que algunos lo asumieron. ¿Y
quiénes somos nosotros para evitarlo? Aquella primera convocatoria no
penetró en su día en el ámbito hispánico, y en consecuencia muchos
activistas perdieron la ocasión de asumir esta experiencia, como muchas
otras, lo que ha llevado a la cultura y la contracultura españolas a un
provincianismo que resulta chocante cuando uno contempla la enorme cantidad
y variedad de hispanohablantes que existen en el mundo. Ahora bien: ¿cómo
"traducir" esta experiencia, de forma que sea comprendida por quienes no la
han vivido? ¿Presentándola como algo realizado y con unas consecuencias más
o menos irrelevantes? En vez de eso teníamos que transmitir la vivencia del
suceso, y eso nos forzó a buscar en los precedentes las líneas de apertura,
las emergencias a las que se puede aspirar a partir de lo conocido. La
situación es otra porque el momento es otro, pero además es otra porque
tiene precedentes que determinan posiciones que tal vez no podríamos
alcanzar sin ellos, y porque estos precedentes siempre presentan al
receptor sus aspectos inacabados.

MQ: ¿Se trata entonces de realizar ese inacabamiento?
LB: De ninguna manera. Se trata de ponerlo de manifiesto otra vez, de otra
manera. No podemos aspirar a más, ni debemos forzarlo. Si creyésemos estar
fundando el Nuevo Mundo se nos podría acusar de milenaristas.

MQ: ¿Y no existe un componente milenarista en vosotros? ¿A qué os referíais
entonces, en otro lugar, cuando hablábais del "poder simbólico de la fecha"?
LB: A que resulta sencillo en ese caso poner todos los relojes en hora.
Cuando el 3 de octubre los internautas españoles atacaron coordinadamente
la centralita de Telefónica se sincronizaron con las señales horarias de
Radio Nacional. Se trataba de producir una referencia que pueda ser
accesible a todos, por más que ello suponga asumir la existencia de algo
tan esclerotizado como la radio estatal, donde tú y yo no solemos vernos.
En cuanto al  componente milenarista, tampoco se trata tanto de negarlo
como de asumirlo a partir de sus posibilidades. Se habla de milenarismo
como de una alienación grave de la conducta racional o como una
superstición. Este discurso que enfrenta el mito como algo ajeno la mayoría
de las veces no descifra sus propios fantasmas, pero hemos de tener en
cuenta su procedencia, eclesiástica y no ilustrada, para entender su
alcance. Para Guy Debord "las esperanzas revolucionarias modernas no son
secuelas irracionales de la pasión religiosa del milenarismo", sino que "es
el milenarismo, lucha de clase revolucionaria hablando por última vez el
lenguaje de la religión, quien constituye ya una tendencia revolucionaria
moderna, a la que todavía falta la conciencia de ser únicamente histórica"
[La sociedad del espectáculo, tesis 138]. Por lo que a nosotros respecta,
se trata de no perder esto último de vista para que podamos reconocer la
revolución como nuestra propia operación. Si alguna vez pudimos ver en el
arte el "sentido en proceso" que en la religión aparecía como dado, nuestro
milenarismo estético se hace también a sí mismo, en vez de fiar a Dios el
sostenimiento y desarrollo de la realización utópica.
Por supuesto, esto no supone sin más una aceptación del tiempo histórico y
su medida. Podríamos contar según cualquier otro calendario y no habría tal
evento, pero es Occidente el que boquea de modo alarmante, es ese sueño el
que queremos perturbar. La huelga de arte se manifiesta así también como
denuncia del Espectáculo del Milenio. Nos vemos obligados a actuar en medio
de falsedades que se han vuelto inabarcables. Hay que denunciar esa fecha
como detención sin la que no existe ruptura, y considerar la posibilidad de
hacer algo con ella. Sobre todo porque tardará en volver a presentarse.

MB: ¿No participa sin embargo esta huelga de una impresión general de que
algo está cambiando deprisa en este fin de milenio?
LB: Somos escépticos acerca de la verdadera dimensión de estos cambios tan
publicitados. Es evidente para nosotros que este siglo ha abierto muchas
heridas y ha acabado con muchas esperanzas, que participamos todos de la
misma sensación melancólica de quien sorprende la muerte en medio de su
obra inacabada, para la que ya no quedan energías. Alguien ha llamado a
esto el síndrome del último hombre. Esta percepción puede llevarnos a
considerar que cualquier transformación de las condiciones presentes debe
ser bendecida, y que un cambio en la cifra comportará inmediatamente un
cambio en la actitud. Esta fe inerte es la que no conduce a nada y la que
expresa en cambio la estructura simbólica profunda del capitalismo. Nada
cambiará si nosotros no lo cambiamos, de este o de otro modo, en el 2000 o
en el 2004. Existe un programa universal para explotar espectacularmente
esta esperanza y reconducir los eventos hacia equilibrios económicos cada
vez más precarios. Cuando la sensación de claustrofobia y decadencia se
cierne sobre los habitantes de este siglo oscuro, cuando un abismo sin
fondo ni forma se abre unos pasos más allá, pretenderán convencernos de que
un milenio despejado y con posibilidades ilimitadas de desarrollo se abre
ante nuestros ojos.
En el I Ching o Libro del Cambio existe un hexagrama que me parece adecuado
para meditar sobre nuestra condición presente. Se trata de Kû, el viento
bajo la montaña, en la traducción de Richard Wilhelm El trabajo en "lo
echado a perder". El ideograma chino representa una vasija rebosante de
gusanos de la corrupción que escapan por sus bordes, y según las
interpretaciones eruditas, su sentido es el de "lo echado a perder",
aquello que un día nos alimentó y se nos ha vuelto venenoso debido a una
situación de abandono o de inercia, lo que ha perdido las virtudes que le
son propias a causa de no haber efectuado las transformaciones precisas de
su composición o su actualización correcta. Su referencia sapiencial o
aplicación práctica la constituye la necesidad de sanear aquello que se ha
corrompido o desviado de su propósito originario. Esta circunstancia nos
coloca en la situación en que "se hace ventajoso atravesar un gran río.
Tres días antes de comenzar. Tres días después de comenzar." Hay aquí la
evidencia de una transformación en perspectiva, y una línea de demarcación
clara, aunque perturbada por el flujo violento de las grandes aguas. Sin
embargo, esa transformación requiere varias decisiones y supone muchos
entrenamientos para que, por miedo o impericia, no acabemos siendo
arrastrados por la corriente. Y es lo que me fascina de esta figura, que no
habla tanto de lo echado a perder como del trabajo sobre ello. Son muchas
las pretensiones del proyecto ilustrado que saltaron por los aires o se
revelaron falsas con el tiempo, entre ellas la promesa oculta en el arte.
Pero según la interpretación que extraigo del signo en su aplicación al
momento presente (al fin y al cabo, el "I Ching" pretende ser una
descripción de procesos, y no tiene el sentido adivinatorio que los
occidentales le hemos atribuido en nuestro uso instrumental alienado), no
es tanto "lo echado a perder" sino nuestra intervención sobre ello, el
trabajo en lo echado a perder. No se trata simplemente de quedarse sin
memoria y por tanto sin aspiraciones ciertas. Tres días antes y tres días
después expresan una labor intensa de desciframiento de lo que hemos sido y
una alerta sostenida para detectar los residuos activos de corrupción. La
transformación no va a llevarse a cabo sin renuncias dolorosas, sin riesgo
y sin intrigas. De hecho, puede no llevarse a cabo, ¿quién podría
adivinarlo y no simplemente pretenderlo?

MQ: ¿Existen perspectivas de hacer esta huelga extensible a otros puntos de
España o del mundo?
LB: Existen todas las perspectivas, si bien debemos tener en cuenta que el
estado actual de la cuestión es el resultado de un diálogo entre Madrid y
Barcelona. Son varios los artistas que han manifestado su adhesión a la
huelga en estas dos ciudades, y se nos sigue pidiendo información desde
publicaciones de otros puntos del estado. Como te señalaba se trata de una
iniciativa local que, debido a su apertura, se ha ido cargando de
cuestiones más amplias. Aquel condividuo que hace más de un año quiso
plantar cara con ella a una decisión municipal hoy ha perdido el control de
su juego. Y el virus se sigue extendiendo. Tal y como se ha ido
desarrollando la idea, hoy convendría ciertamente que se hicieran
explícitos algunos apoyos fuera de estas dos ciudades, aunque ello suponga
aceptar iniciativas, estrategias e interpretaciones diversas de la huelga,
ya que no se trata de un gesto ceñido, según venimos manifestando, y así
empezar a dibujar al menos un triángulo, por ejemplo con Euskadi, donde
andan a vueltas con el Guggenheim, o en la zona de Valencia, donde ya
algunas obras de arte se declararon en huelga.

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B-HUELGA DE ARTE DE CLEMENTE PADIN
 

En Octubre de 1990, Clemente Padín se situó en el Festival Latinoamericano de Arte en la Calle (Montevideo), y desde allí creo una zona de arte. Este territorio, su territorio, para reivindicar su derecho a ponerse en Huelga de Arte. Tenemos la foto de Padín, publicada en el n 24 de P.O.Box, delante de sus carteles, con una mano en el bolsillo, la mirada risueña,  la sonrisa de medio lado. Parece como si no acabara de creerse que los artistas pudieran dejar de crear para declararse en huelga

En aquellos momentos. C.P. realizó su acción dentro del Movimiento Internacional "Strike-Art 1990-93". Cuya finalidad era romper el vicioso circulo de comercialidad y consumo de arte, volviendo a su original función como medio de comunicación e interrelación.

Pasados seis años desde entonces. C.P. volvió a  a publicar en P.O.Box un artículo cuyo titulo era "Vigencia de la Huelga de Arte". En él relata ese único día de huelga (9 de Octubre de 1990) y la posterior carta que dirigió a los organizadores renunciando a continuar la misma. Entre las razones que expone, una de peso es que en latinoamerica no se puede prescindir de un instrumento de lucha como es el Arte. Considera que es el Poder quien decreta lo que es Arte y lo que no lo es.

En realidad, desde mi punto de vista, tan válida es una postura como su contraria. Creo que nadie está solicitando que se detenga la creación, simplemente que se pare una forma de entender y hacer arte, y esta forma está relacionada con el circuito mercantilista que gira en torno a la producción artística.

Una Huelga de Arte es un acto creativo como cualquier otro, y se puede desarrollar, aún en mayor medida, la producción artística, dentro de una H de A  que fuera de ella. Simplemente cambia la forma. Creo que uno de los grandes problemas que han existido en las anteriores convocatorias, que han sido unas cuantas, ha radicado en la ambiguedad de los términos. Parece como si nadie supiera exactamente en que consiste una H de A, pero todos quisieran hacer algo para cambiar el curso de los acontecimiento en este mercado de las Artes.

Clemente Padín pide alternativas. Y no son malas, por cierto. Por ejemplo, propone un día de movilización mundial,  en una jornada de lucha artística en cualquier lugar donde exista un Networker. Después de ver en el 98, el espléndido resultado de los "Incongruos Meeting" que proliferan a lo largo y ancho del planeta, es lógico suponer que la tremenda fuerza del Mail Art puede explotar sí cada mailartista expone y manifiesta al exterior su deseo de que las cosas cambien, y lo hace con toda la fuerza revolucionaria que genera su creatividad.

No hay que olvidar que el Mail Art ha alcanzado su plenitud, y es un movimiento "In Crecendo", gracias a su no comercialidad y la total libertad de actuación de cada uno de sus miembros. No podemos presumir de frescura creativa si no sabemos impactar internacionalmente, con el instrumento más valioso de que disponemos: la creatividad.

César Reglero Campos (TDS)
C
ALGUNAS RAZONES PARA DECIR SI A LA HUELGA DE ARTE
J.  Seafree (Madrid)

Cuando hace casi tres años recibi el numero 8 de "P.O.Box" (abril 1995) y
encontre en su portada la expresion HUELGA DE ARTE bajo el dibujo de dos
manos sosteniendo un pincel roto, con referencia Barcelona 2001, pense que
era la oportunidad para corregir los errores acaecidos alrededor del
fenomeno cultural en Madrid durante el epico años de 1992. Entonces, la
fecha anterior quedaba reciente y los recuerdos, sensaciones, resultados y
consecuencias de aquella maldita capitalidad cultural estaban aun vivos. Al
hablar de "corregir" lo hago desde una perspectiva decididamente marginal
y/o alternativa. Puesto que el empeño a menudo se detiene y la accion acaba
dando paso a la teorizacion. Puesto que cambiar, intentar cambiar, alzar la
voz, la protesta, la denuncia, serviran como instrumentos y fines de accion
critica, de la lucha, pero el eco sera indudablemente infimo. Perdon, pues,
por mi falta de esperanza; pero a pesar de todo no puedo callar las ideas
que en relacion a este tema rascan mi estomago
Como respuesta a la posible capitalidad cultural de Barcelona en el año
2001, y/o como algo mas, la invitacion a la HUELGA DE ARTE en tal año y en
el precedente pudiera parecer una ocasión mas, vulgar como tantas, de hacer
algo sonado con la excusa del cambio de siglo y milenio. Por otra parte,
situar la raiz de la propuesta en el eje Barcelona-Madrid parece algo comun
y al mismo tiempo lleno de dificultad, dado el carácter cosmopolita de
ambas urbes y, en consecuencia, el reconocido hermetismo en el ambito
artistico, creativo y editorial para la difusion de ideas, nombres,
tendencias, espacios y colectivos nuevos, en los circulos comerciales, en
el mercado cultural convencional.
No cabe duda que, como afirma Clemente Padin, el arte es un medio de lucha
ideologica contra el sistema. Ademas parte de razon tienen Luther Blissett,
Karen Eliot y Monty Cantsin al establecer los motivos de la HUELGA DE ARTE
distantes de las huelgas del mundo laboral. Ahora bien, ¿que arriesgamos
nosotros, los artistas independientes, los luchadores, los marginales, los
poetas y los criticos apasionados sin animo de lucro, los editores y los
creadores alternativos, si decimos decir no al "llamamiento de
desobediencia activa", o por el contrario, si nos sumamos a tal invitacion?
¿Va a echar de menos "el sistema" nuestro intento de meter el dedo en el
ojo si estamos desocupados con la HUELGAR DE ARTE? ¿Va a agradecer, en
cambio, nuestro descanso? Aunque no pocas veces reflexione sobre el valor
transgresor de la obra de arte, sobre la necesdiad de cambio tambien a
partir del quehacer artistico, reconozco que la incidencia de todo nuestro
trabajo el minuscula al lado de los gigantescos pasos del mercado, de la
cultura protegida por los estamentos poderosos, al lado del dios-dinero, en
fin, de la autoridad encubierta.
En todas las huelgas quien mas arriesga es precisamente quien las hace:
mineros o pintores, maestros o mail-artistas, empleados de banca o
artesanos, galeristas o poetas, bomberos o editores. Frecuentemente, quien
las secunda es quien en cierta manera vive bajo unas circunstancias menos
comodas, puesto que no goza de autoridad, de capacidad de decision en una
empresa, en una fabrica, en un colectivo, etc. Que el publico - es decir,
todos - deje de asistir a actos culturales y a exposiciones, que los
artistas no creen durante un periodo determinado, equivaldria, de manera
pronunciada e intensa, al hecho de no acudir al puesto de trabajo por un
llamamiento sindical: quien acude a pesar de la huelga, auqnue este
protestando diariamente, no conseguira nada, incluso si sus protestas son
las de una amplia representacion no organizada. Sin embargo, aunque la
huelga no sirva para sentar de nuevo a la mesa a las partes, esto es, que
resulte un fracaso (lo que parece siempre sucede desde el punto de vista de
la autoridad), a pesar de los descuentos salariales, a pesar de estar
señalado, a pesar de la no solidaridad transmitida, quien hace la huelga se
siente firme en sus principios. Pensemos, por tanto, en el arte, en el
proceso creativo, como en una actividad mas, como en un trabajo cualquiera.
Curiosamente, estamos hablando de artistas que en su mayoria no reciben
remuneracion por su quehacer, no tienen éxito comercial con sus cuadros,
con sus obras, y para quienes la satisfaccion viene dada por el propio
desarrollon de las pasiones, por el encanto cotidiano d ella lucha y la
reflexion. Decir si a la HUELGA DE ARTE es estar arriesgando todo esto:
pasion, lucha, compartir: es bastante.
Tal vez, el tiempo venga de nuevo a remover distancias entre la teoria y la
accion, entre las ideas y las decisiones, pero hoy por hoy, si al hablar de
HUELGA DE ARTE tuvieramos que votar en una urna, mi papeleta llevaria el
SI. A pesar de los inonvenientes nombrados en el segundo parrafo,
reconociendo el riesgo del silencio y comprendiendo que tras el periodo
determinado para la misma quienes mas habran perdido seamos nosotros
mismos. Porque, poniendonos en la mas decepcionante de las circunstancias -
sintiendo que nuestra lucha artistica no tiene horizonte - ese tiempo
alejado de los avatares culturales, de las excepcionales veleidades
artisticas, puede devenir en un revulsivo para otro tipo de accion,
motivada tambien desde las convicciones politicas y sociales, mas alla del
terreno estrictamente creativo. Acaso tuviera razon el poeta (Carlos
Edmundo de Ory?) cuando afirmaba que lo era porque no se atrevia a ser
terrorista.

MADRID-BARCELONA 2000-2001: HUELGA-VAGA DE ARTE
http://www.geocities.com/Paris/LeftBank/6815
http://wwwgeocities.com/SoHo/Lofts/8666/kelbmc.htm
 
D:
SINTOMAS

Asunto:
            ::eco:: xer
      Fecha:
            Wed, 17 Feb 1999 00:09:14 +0000
         De:
            asvir <asvir@nil.fut.es>
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            eco@alcudia.cim.es
          A:
            eco@aleph-arts.org
 
 
 

:::: mensaje enviado por la lista de difusión de noticias eco ::::

He recibido tu mensaje de bienvenida.
El mio pretendía poneros al corriente de la presentación mundial en ARCO-99
del FIN
y el MUSEO de la NADA y que en la acción fuimos interceptados por las
fuerzas de seguridad del recinto e "invitados" a desalojar el mismo.
El FIN es una queja del mercantilismo obligado en que se encuentra el arte
como medio de comunicación y el MUSEO de la NADA es la consecuencia final y
como acto vanguardista pretende motivar a los artistas para levantar nuevas
corrientes creativas que
sepulten la era actual.La NaDa es el CONTINENTE del ToDo.
Mi museo es portátil y previo pago de lacorrespondiente entrada,se puede
visitar.
El FIN es una pancarta de doble cara THE END que lleva a cuestas mi amigo
SIMO.
PAra mas documentación estamos dispuestos a todo y si difundíis este mensaje
en la RED podemos dar conferencias y hacer nuestra Performance
correspondiente.

Viva el ArTe

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Asunto:
            ::eco:: Sobre lo poético (en los tiempos de ARCO)
      Fecha:
            Mon, 15 Feb 1999 02:07:30 +0100
         De:
            "Domingo Mestre" <unartists@aleph-arts.org>
 Responder a:
            eco@alcudia.cim.es
          A:
            "eco-listas" <eco@listas.aleph-arts.org>
 
 
 

:::: mensaje enviado por la lista de difusión de noticias eco ::::

SOBRE LO POÉTICO.

        "Sobre la poesía, cuanto menos se diga, mejor"
(Felix de Azúa).

        Abordar el campo de lo poético desde nuestra perspectiva, anclada en
un
incierto compromiso con lo visual, implica un necesario desenfoque que no es
conveniente ignorar. Asumidas estas limitaciones de partida, nada nos impide
concretar, a continuación, nuestro rechazo hacia todo intento de
artistización de lo poético y, mucho más, hacia su apresurada identificación
con los productos enlatados en esa casi-disciplina conocida como poesía
visual.

        Nada en contra, por supuesto, respecto a esa lúdica quimera
vanguardista.
Nada a favor, tampoco, de quienes, una vez extraviado el proyecto original,
se siguen aplicando de manera acrítica al contumaz ejercicio de la misma(1).
Sólo un plano y cansado desencanto, como mucho, ante el simulacro de
revitalización que están viviendo aquellas fórmulas pre-postmodernas (con
perdón) de la experimentación poética.

        Entiéndasenos bien: lo que repudiamos, en esta agonística
encrucijada de
milenios, no es tanto la construcción de pseudo-disciplinas que acotan los
límites de lo que en su día se quisieron líneas de fuga, como la simple
posibilidad de cristalización en objeto artístico de la "cosa
poética" -último refugio de la belleza y del don-.  Algo bastante previsible
dada la actual tendencia museográfica hacia la recuperación de poetas
difuntos mediante pretenciosas exposiciones, antológicas y
retrospectivas(2). Sin embargo también podemos barruntar que esto sólo será
posible si los presuntos implicados consentimos que la falta de peso
específico del adjetivo, evanescente y móvil por definición, sea
substantivada, impunemente, en la cargante pesadez de una obra -menos aún
cuando no ha sido concebida como tal-. Proceso en constante aceleración al
que parece abocado el conjunto de las instancias de legitimación cultural.

        Ante esta situación, las preguntas que nos inquietan son las
siguientes:
cuál es la posición que estaría ocupando el gesto poético en nuestro
entramado cultural y cuál pudiera ser el pronóstico de su deriva. Al final,
¿acabaremos reclamando el estatuto de Obra de Arte también para la poesía?
¡Cielos! No. Más Arte no. Eso significaría muchas más exposiciones en las
que sólo podrán verse objetos enlatados, imágenes enmarcadas, fotografías de
grupo y, como mucho, las portadas de los libros. Descontextualización, en
fin, de lo que no puede ser sino experiencia íntima para reconvertirla en
otro fenómeno gregario más.

        Al fin y al cabo, la poesía no se hace, ocurre(3). De suyo es el
nacer del
acontecimiento ínterno y, quizás, de ahí le venga su querencia por el
susurro que no soporta el grito ni la propaganda. Será por eso que, desde
siempre, se ha dicho mejor cuanto más cerca: "poesía eres tú" (le dice
alguien, al oído, a una belleza desconocida). Y, la cosa, funciona o no
funciona.

        En ningún caso, estamos seguros, algo construido con un material tan
frágil, podrá soportar por mucho tiempo la presión del enmarcado o la
distancia de la urna mortuoria. Es por ello que se nos disparan las alarmas
ante la menor aproximación de eso que se dice Arte a todo aquello que aún se
mantiene al margen. De ahí, también, que cualquier intento de aumentar el
aura(4) del gesto poético, de reconvertirlo en Patrimonio, nos suenen a
falsaria adulteración. Falsificación que, naturalmente, provendría del
suplemento de mixtificación para-sacralizante que otorga la Institución Arte
a todo lo que toca y que estaría estructuralmente construida por la lógica
del espectáculo para disimular nuestra incapacidad colectiva de enfrentarnos
a la propia desnudez(5).

        Tal vez, se podría argumentar, se trate de un tributo inevitable que
es
necesario pagar por adelantado para conseguir el reconocimiento social.
¿Quizás? Lo que ya no estaría tan claro es para qué sirven este tipo de
reconocimientos ni quienes son los que, de verdad, necesitan de las
instancias de legitimación actualmente en activo(6).

        Y es que, a pesar de todo, es tan poético y tan post-posmoderno
bombardear
Irak para evitar las salpicaduras de una mamada como pintarrajear sin
permiso los bonitos cuadros que cuelgan de las paredes de los Museos ["el 26
de enero de 1999 el artista italiano Piero Cannata "intervino" con su
pincel, supuestamente para mejorarlo(7), sobre el cuadro "Senderos
Ondulados" de Pollock conservado en el GNAM de Roma"]. Una última pregunta:
si a Canatta, en un acto de injusticia, lo han encerrado en el manicomio por
su poético gesto ¿por qué no se encierra en el Museo al actual Presidente de
los USA?
                                  ***********
"Has recibido este e-mail porque se nos ocurrió enviártelo. Cada vez que la
esperanza nos alcance, enviaremos algunas palabras. Si no quieres saber más
de nosotros, escríbenos un e-mail con algún insulto, y discúlpanos la vida.
Si aún nos quieres, no tienes que hacer nada"(8)

Domingo Mestre Pérez
================================================================

                                     NOTAS

 (1) Sin duda, es mucho lo que hay de recuperable en el proyecto
autoliberador de las vanguardias pero, a nuestro juicio, no es éste el caso
de los diferentes formalismos disciplinarios.
 (2) El origen de estas líneas arranca de un homenaje al recientemente
fallecido Joan Brossa en el que nos hemos visto involucrados hasta el
cuello. ¡Viva el difunto! ¡Que no pare el espectáculo! Y quien esté libre de
pecado que tire la primera piedra.
 (3) Por tanto no puede tener dueño; lo poético, al igual que el amor y a
diferencia de lo artístico, sólo sirve para el don y para el trueque -como
mucho, también para la prostitución-.
 (4) Incluso en la versión cool que Jose L. Brea planteaba en "Las auras
frías" (Anagrama, Barcelona, 1991 pp. 112-113).
 (5) No sólo aquel rey del cuento estaba desnudo, hace bastante que el
nuestro -el Arte- también lo está (ver García Calvo Agustín. Noticias de
abajo. Lucina, Zamora, 1991 pp.35-39).
 (6) Al respecto, Juan A. Ramírez identifica la desaparición de la instancia
"crítica del arte" con la del propio arte y, para justificar su necesaria
presencia, lanza esta pregunta de resonancias apocalípticas "...¿sería mejor
este mundo sin el universo del arte?" (Ramírez J. A: Ecosistema y explosión
de las artes. Anagrama, Barcelona, 1994 p.38). Bien, pues vamos a construir
nuestra respuesta con otra pregunta: ¿y por qué no?. Seguramente con ello no
se resolverían ninguno de nuestros grandes problemas pero, sin duda, este
imperfecto mundo se habría librado de un aparatoso lastre.
 (7) O, como apunta Luther Blisset, para establecer un debate póstumo con el
artista.
 (8) Coletilla de un mensaje electrónico titulado "París 1961" que nos llegó
mientras escribíamos este texto. Andábamos, en aquel momento, abrumados por
las dudas sobre la pertinencia del mismo y su llegada fue decisiva para
concluirlo. Los responsables son: EDICIONES ALTERARTE mailto:
alterarte@hotmail.com  http://www.ariadna.com.pe/alterarte/home.htm

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MANIFESTACION POR LA TARIFA PLANA EN LAS CONEXIONES DE INTERNET

La Plataforma La huelga, ante la actitud persistente de la Telefónica, de
mirar para otro lado, frente al clamor generalizado de los internautas del
estado español, del Congreso de los diputados, del senado y de amplios
sectores de la sociedad de que se fije una TARIFA PLANA, para el acceso de
cualquiera a Internet, decidimos apoyar y convocar a todos nuestros a la
MANIFESTACION de internautas que tendrá lugar en Madrid el próximo
LUNES 7 de DICIEMBRE A LAS 12H EN LA PLAZA DE LA CIBELES.
E
EL ARTE HA MUERTO Y SE HA CONVERTIDO EN COLECCIONISMO DE IMAGENES.
Asunto:
             RE: ::eco:: IVASCA: EL MUSEO GUGGENHEIM BILBAO
      Fecha:
             Tue, 8 Dec 1998 14:37:31 +0100
         De:
             "alirio" <alirio@mx3.redestb.es>
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> Asunto: Re: ::eco:: IVASCA: EL MUSEO GUGGENHEIM BILBAO
> Fecha: viernes 20 de noviembre de 1998 13:17
>
>
> :::: mensaje enviado por la lista de difusión de noticias eco ::::
>
> EL ARTE HA MUERTO, SE HA CONVERTIDO EN COLECCIONISMO DE IMAGENES

(la misma frase se contradice. ¿O todavía hay alguien que dude del valor
artístico de esta frase?, obra que por otro lado ha tenido gran aceptación
a juzgar por las réplicas suscitadas)

Quiero enviar mis felicitaciones al redactor de IVASCA así como al autor de
la frase que inició esta pequeña y divertida polémica que es el más claro y
vivo ejemplo de que arte está de todo menos muerto.
Lo que ocurre es que en nuestros tiempos de postmodernidad con su famoso
"todo vale", se produce una situación en la que tan apto es el
coleccionismo de imágenes como su más febril rechazo.

Por supuesto el "todo vale" no significa que todo valga igual, pero la
extraordinaria riqueza del arte contemporáneo ha de pagar el tributo de que
que se cuele gato por liebre con más frecuencia de la deseable. En todo
caso está el criterio del receptor de las obras (como, por ejemplo, la
persona autora de la lapidaria frase que dió lugar a la polémica) para
destilar y seleccionar aquello que él sí considere arte.

Lo maravilloso del arte, frente a otras disciplinas como la ciencia, es que
yo puedo llegar un dia y presentar una creación X como arte y llegar al dia
siguiente otra persona y , sin más pruebas o teorías que sus propias
conclusiones decir que la creación X no es arte ni es nada y que ambas
afirmaciones pasen como válidas.  El arte alcanza sus objetivos mediante la
afirmación, al contrario de la ciencia que los alcanza mediante la negación
(ambas disciplinas son, no obstante, imprescindibles para el crecimiento
humano).

La misma frase lapidaria que desembocó esta polémica

EL ARTE HA MUERTO, SE HA CONVERTIDO EN COLECCIONISMO DE IMAGENES

es una soberbia y magistral obra de arte, un caligrama que se contradice en
su primer sintagma, cargado de significación, y reforzado gráficamente con
el peso de las mayúsculas.

Es lógico pues, que un poema de tal belleza semántica haya generado tanta
aceptación entre los usuarios de la lista, a quienes supongo personas
sensibles (El hecho de que la frase haya generado desacuerdo no es más que
la demostración del perfecto funcionamiento de esta obra;  el auténtico
rechazo hubiera sido ignorarla). Personalmente, cada vez que veo las
palabras "RE: ::eco:: IVASCA: EL MUSEO GUGGENHEIM BILBAO" en el subject
mientras  se baja el correo, experimento un subidón de adrenalina esperando
la siguiente reacción.

Ya hace mucho tiempo que  Duchamp expuso su "Fontaine" y desde entonces
hemos sido muchos los que hemos meado en ella, intentando desarrollar el
trabajo iniciado por Marcel. Celebro que esta frase-obra sea (voluntaria o
involuntariamente)  una gota más de orina.

Me gustaría haber plasmado esta opinión en un texto mucho más breve, pero
aun no tengo el talento del autor de nuestra famosa frase. El día que lo
consiga quizá empiece a considerarme artista.

Nota al autor de la frase: Si aun no has estado, te recomiendo que vayas a
Bilbao a echarle un vistazo al edificio de Frank O. Gehry. Vale la pena
aunque pases del coleccionismo del interior.

Antonio Lirio.
 

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  Asunto:
             ::eco:: Re: IVASCA: EL MUSEO GUGGENHEIM BILBAO
      Fecha:
             Thu, 10 Dec 1998 19:34:25 +0200
         De:
             "José Guevara Castro"<jguevara@bbvnet.com>
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             eco@alcudia.cim.es
          A:
             eco@alcudia.cim.es
 
 
 

:::: mensaje enviado por la lista de difusión de noticias eco ::::

 > EL ARTE HA MUERTO, SE HA CONVERTIDO EN COLECCIONISMO DE IMAGENES

    Continuando con la reflexión sobre la epigrafiada frase,
que Antonio Lirio glorifica como obra de arte, creo recordar
que la escuché por primera vez, hace años,  en el curso de
unas ponencias bajo este titulo en una de las ediciones de
ARCO .

 Para mi el Arte no ha muerto, pero se encuentra en estado
comatoso.
Toda obra de arte que se precie es producto de la
sociedad en que se crea, es decir se corresponde con su
época y es testimonio de su aceptación o rechazo. No sé sí
la que nos ha tocado vivir es mas caótica que las anteriores
o sólo que estemos mas informados, pués las obras que sus
artistas producen se aproximan mas a una situación caotica
que a otra cosa, como consecuencia del incremento de la
entropía
 en nuestras mentes.

    Tal vez se trate del producto lógico de una sociedad que
ha convertido la obra de "arte" en objeto de cambio y las
influencias nefastas del mercado manejado por galeristas,
articulistas, publicidad, casas de subastas,
comisarios de exposiciones y directores de museos y
fundaciones, desvirtuan con sus actuaciones el quehacer del
trabajo del ser humano "artista", y puede que también del
otro, el verdadero,  que al fin sucumbe, victima de las
malas influencias, llenando con sus obras los espacios y
ambitos de exposiciones con obras que sólo nos transmiten el
aburrimiento y la indiferencia mecanica con que fueron
creadas,
ignorando el fin ultimo de la obra de arte autentica, que es
el de transportarnos a escenarios diferentes de los
cotidianos, enriqueciendo y elevando nuestra mente.

    Probablemente en los fondos almacenados de algún museo
repose ignorada alguna obra digna de ser contemplada, que no
mereció el ascenso a sus  nobles paredes, porque no
correspondía a un nombre de  relumbrón, y en cambio sí
cuelgan de ellos obras que se corresponden con nombres
conocidos del "gran mundo" y ante las que se pasa de largo,
porque nada transmiten ya que son hijas  del  "todo  vale"
que se viene padeciendo desde hace mas de medio siglo, a
causa del  papanatismo en que ha caido nuestra
cultura burguesa.  Por eso yo no digo que " ha muerto, sino
que se halla en estado comatoso", porque tengo la esperanza
que algún día salga de esa circunstancia, en la que podemos
 profundizar, si alguien lo desea.  para que  suba el nivel
de
adrenalina como dice alirio.

    Mis saludos optimistas.

    Jose Guevara

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Asunto:
             ::eco:: formas de la muerte del arte
      Fecha:
             Mon, 14 Dec 1998 11:08:39 +0100
         De:
             José Luis Brea <jlbrea@aleph-arts.org>
 Responder a:
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:::: mensaje enviado por la lista de difusión de noticias eco ::::

en relación a la entretenida discusión que viene produciéndose en ::eco:: a
propósito de la "muerte del arte", me gustaría aportar un brevísimo
análisis que quizás ayude a distinguir entre dos acepciones muy distintas
de la expresión que a veces se utilizan, equívocamente, de forma
indiferenciada.

la primera es la que podríamos describir como acepción "revolucionaria" de
la figura de la muerte del arte. es heredera del espíritu antiartístico de
las vanguardias y su forma actual -como aspiración a una disolución del
existir separado de lo artístico en los mundos de vida, en la actividad
"cualquiera"- tiene su origen directo en una recuperación de la tradición
situacionista. la convocatoria a una "huelga de arte" hecha por Luther
Blisset y recordada recientemente por boek861, por ejemplo, se asocia a
este programa revolucionario de liquidación del existir separado de lo
artístico en vida cotidiana, en actividad cualquiera.

la segunda en cambio es la que se denuncia como falsificación y pérdida de
autenticidad de la propia actividad creadora por efecto de su absorción en
el seno de la institución-Arte. en este caso, la "muerte del arte"
(llamémosla por institucionalización) se cumple como disolución en el seno
de las contemporáneas industrias del entretenimiento y el espectáculo
(museos y sistema del arte incluídos). cuando usuart6 envió su célebre
mensajito a ::eco:: afirmando que el arte había muerto convertido en
coleccionismo de imágenes y respondiendo a un mensaje anterior -en que una
empresa de comunicación había anunciado la adjudicación de un contrato para
hacer la web de un museo- obviamente utilizaba esta segunda acepción.

aunque no siempre parezca fácil diferenciarlas, conviene hacerlo, ya que
paradójicamente se trata de formas radicalmente contrarias (y apuntan
performativamente a tipos de actuación completamente diferentes). en un
caso, la "muerte del arte" se proclama como un objetivo revolucionario a
lograr; en el otro, al contrario, se denuncia como un efecto de
falsificación y pérdida de autenticidad a combatir ...

espero que esta tentativa de clarificación pueda ser de alguna utilidad.
saludos.
jlb

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             RE: ::eco:: ¿arte u ARTE?
      Fecha:
             Tue, 15 Dec 1998 09:37:41 +0100
         De:
             "VB" <vymballester@vlc.servicom.es>
 Responder a:
             eco@alcudia.cim.es
          A:
             <eco@alcudia.cim.es>
         CC:
             "VICENT" <vymballester@vlc.servicom.es>
 
 
 

:::: mensaje enviado por la lista de difusión de noticias eco ::::

El arte nunca murio, porque no es mas que
algo que nos puede llegar a sorprender,
claro obviando tantas exentricidades y desequilibrios
posturales, y esnobismos de mentes calenturientas, jajajajaja)
,si quereis ver que lo que YO llamo "ARTE" (CON MAYUSCULAS)
ahi va mi direccion:
http://www.geocities.com/Paris/Rue/7159/index.htm

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ARTE Y FERIA
por: Abbé Nozal

Ernesto Sábato, ochenta y cuatro años. Sábato, autor de "El Túnel", "Sobre
Héroes y Tumbas" o "Abaddón el exterminador", de lectura obligada para los
amantes del terciopelo, se enfrentó recientemente a una entrevista donde
dejó escritas algunas reflexiones acerca de la vida: asegura que sólo el
arte rescata al hombre de la alienación. "El arte salva al hombre, la
ciencia lo deshumaniza".

Miguel Torga -Adolfo Correia Rocha-, que murió hace algunos meses con una
edad parecida a la que ahora tiene Sábato, insistía en el último volumen de
su "Diario" sobre los tres componentes del arte: "el amor, la verdad, la
libertad"; tras lo cual y, en su ejercicio, áclaraba: "Ser idéntico en todos
los momentos y situaciones. Negarse a ver el mundo por los ojos de los otros
y no pactar nunca con el lugar común".

José Saramago, uno de mis monstruos sagrados, al que aprecio íntimamente
desde la soledad de la reflexión, acentúa siempre el valor de la aceptación
de la ambiguedad, el disparate, lo equívoco del arte como esencia de la
individualidad. Saramago denuncia la astracanada en que se ha convertido el
mercado del arte; el arte sería fruto de la espiritualidad, el mercado
apenas una mala formulación religiosa, lo más parecido a una Conferencia
Episcopal. (A tener en cuenta el ateísmo declarado de este genial escritor,
a quien, con motivo de la presentación de "Memorial del convento", un
periodista preguntó: "¿Podrá haber alguién más ateo que usted?". Saramago,
pensando en Bartolomeu Lourenço, su propio personaje, respondió: "Tal vez").

Sirvan estos tres párrafos iniciales para centrar la cuestión. Algo está
ocurriendo ultimamente, se palpa en la conciencia colectiva, es como un
regreso a lo auténtico , como si la sociedad empezara a estar harta de tanto
mamoneo cultural y buscase nuevamente el origen, la esencia del ser. La ley
del péndulo histórico, que cíclicamente pone la aguja de marear en el punto
del equilibrio, parece que está dispuesta a devolvernos la razón.

"Bajo los adoquines, la playa", "Sed realistas, pedid lo imposible", "El
arte total surje de la marginalidad, todo lo demás es caca". Son frases que
lanzaron al mundo los situacionitas en el 68 y que vuelven a resonar, si
bien todavía débilmente, en la sociedad de hoy. Parece que no llegaremos a
soflamas como la de Debord -el Bréton de los situacionistas-, que exigía
cerrar los Museos y repartir las obras de arte por los bares, pero tal vez
humanicemos ambas cosas y lleguemos a abrir más bares en los museos y a
colgar más obras de arte en los bares.

Lo que parece claro es que el arte y los artistas impuestos por el estado,
situados por el Mercado o favorecidos por el Gobierno en razón a débitos
políticos o de cualquier otra índole, están siendo despreciados por un
público cada vez más ávido de autenticidad. Ya no es tan fácil darle a la
sociedad gato por liebre. Seguramente no quedará más remedio que apechugar
con lo que en su día nos fué impuesto y habremos de convivir con mausoleos
donde se almacena un arte pretencioso, pero a sabiendas de que el verdadero
arte está en la calle, entre nosotros.

Aquella proclama de hace 25 años que decía "Abajo la telecomunicación" es
obvio que hoy día no puede mantenerse, sin embargo será necesario que los
medios telecomunicadores atiendan más a las exigencias de autenticidad del
hombre actual y menos al afán de propaganda de las instituciones que
ostentan el poder. De lo contrario el arte acabará por ser definitivamente
asesinado tras los muros de los Museos y en los escaparates de las
desprestigiadas Ferias. Recuérdese el lamentable episodio de amiguismo en la
última Documenta, la estrangulación sistemática de posibilidades por parte
de un "comité seleccionador" en Arco (la existencia de un comité que
selecciona según afinidades es algo inconcebible tratándose de un mercado
libre, y consentir en su permanencia tiene un nombre común: mafia), y por no
citar más, la Bienal de Venecia, que asumió una amuermante representación
española por más que lleguen a engolarla con distinciones y medallas de
cartón piedra: Eduardo Arroyo, Andreu Alfaro.

Los especialistas del Mercado, especialistas en encontrar la ocasión de
compra-venta, han olvidado el arte. Tal vez porque, si bien entienden mucho
de Mercado, no tuvieron jamás ni puta idea de lo que significa "amor, vida,
libertad", las tres constantes del acto creador (Torga). Y si, hasta ahora,
han conseguido epatar a la opinión pública, poniéndola repetidamente bajo la
suela de sus zapatos, hoy ya no, hoy el público empieza a saber lo que
quiere y acabará desterrando a los mercaderes para buscarse por su cuenta el
arte que le pilla más a mano, donde a buen seguro encontrá lo genuino, lo
verdaderamente honesto, lo seductoramente libre.

--
www.nozal.com/cuaderno/debate
 
 

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Asunto:
             ::eco:: "ARTE" (CON MAYUSCULAS)
      Fecha:
             Tue, 15 Dec 1998 02:37:01 +0100
         De:
             Jordi Folgado <abcde@mx3.redestb.es>
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los del islote surrealista dicen:

...YO llamo "ARTE" (CON MAYUSCULAS)

y yo susurro:

ya está bién de malas artes....

...¿porque no nos olvidamos de los nombres?...
si vamos a los contenidos entenderemos mucho mejor los mensajes...

un abrazo a tod@s,
jordi

ps. (parafraseando el titulo de un libro de f. savater) "perdonadme,
ortodoxos"
 
 

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Asunto:
             RE: ::eco:: "ARTE" (CON MAYUSCULAS)
      Fecha:
             Wed, 16 Dec 1998 12:13:05 +0100
         De:
             "VB" <vymballester@vlc.servicom.es>
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             eco@alcudia.cim.es
          A:
             <eco@alcudia.cim.es>
 
 
 

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JORDI DICE:
 ya está bién de malas artes....
Y YO GRITO Y REPITO:
 ...¿porque no nos olvidamos de los nombres?...
 si vamos a los contenidos entenderemos mucho mejor los mensajes...

BONITA RIMBOMBANCIA...
 
 

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Asunto:
             ::eco:: el artista ante la muerte del arte
      Fecha:
             Thu, 01 Jan 1970 01:00:00 +0100
         De:
             giro <giro@apdo.com>
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para la discusión LA MUERTE DEL ARTE os envío un texto de mi revista EL
MUERTO VIVO leída por poca gente por ser de una distribución restringida.

saludos,

jose mª giro

ACTITUD ANTE EL MORIR

EL ARTISTA ANTE LA MUERTE DEL ARTE

No interesa tratar aqui el vasto tema de la muerte del arte, sino la actitud
del artista ante tal acontecimiento. Más allá de la moda, de los modelos, y
de las mil identificaciones que hagan pequeños y multiplicados pensamientos,
la presencia continua de la muerte del arte en la escena intelectual posee
el enorme interés de obligar a los interesados a más de una reflexión.
Especialmente al artista, que si quiere evitar registrar su certificado de
defunción, deberá soportar una nueva idea de arte, radical mutación que se
realizará sin duda ante sus ojos, sin ser consultado, y que todos sentiremos
de alguna manera. Es, pues, éste un acontecimiento de disolución en que el
artista se sabe el primer disuelto. Su yo artístico, tan frágil, viéndose
hoy sometido a la misma indefinición que otras identidades y papeles
sociales, no puede evitar recorrer un doble camino narcisista que
intensifica la angustia de la muerte, la suya y la del arte.

No puede entenderse el problema del arte sin el de su muerte, tema complejo
que se ha tratado y sigue tratando desde todos los angulos, incluidos los
obtusos. El culto al arte, ahora, no se origina en la afirmación de su
representación sino en la de su caida. El manual de la postmodernidad dice
que el arte no está muerto (aún), que sufre un agotamiento profundo, que un
atento enfermero postmodemo lo mantiene en su UVI, tratando de insuflarle
nueva energía cambio de prohibirle excesos y vanguardismos.

Pero no es el caso tratar aquí si el arte está en coma irreversible o en un
Alzheimer final, sino la de analizar cuáles serían unas actitudes críticas
-de los artistas- sobre el sentido de esta hipotética muerte. Ya, en el
primer acercamiento al tema, comienzan a aflorar cuestiones o actitudes
primordiales del tipo de: ¿existe una "universalidad" de la experiencia del
morir artístico y del concepto de esa muerte o sólo "zonas melancólicas"?;
¿hasta dónde existe para el artista un sentimiento de inescapabilidad del
hecho, experiencia o idea de la muerte del arte?; ¿cuál es el grado de
intransferibilidad, personalización, soledad, en esta experiencia para él?;
etcétera, etcétera.. Pero, en esta breve introducción a un tema tan
complejo, apetece partir de una simple pregunta: ¿cuál es la actitud
primordial del artista ante la muerte del arte?

Aunque de carácter paradójico, la más común ante la probabilidad
(expectante) de la muerte del arte es la actitud de evasión, una negación o
elusión de la misma. Innumerables son hoy los artistas que absorbidos por
las urgencias e instancias de su presente, y acaso también por el miedo al
enfrentamiento con su propia obra, continuamente se evaden de pensar en él.
Un presente artístico que es, para estos evadidos, el resultado de un
individualismo hedonista, consumista e indiferente a cualquier rebeldía. El
artista elude la muerte del arte proyectando, haciendo arte, como si ese
hecho no fuera con él, es decir, no lo fuera (a ser) nunca. Esta evasión,
que aparece como una negación simple, no es una negación desde el punto de
vista intelectual, sino una actitud y, por tanto, una negación emocional. Es
el rechazo emocional de que tal acontecimiento mortal -que invalida en
apariencia su proyecto- sea constitutivo de su presente. Porque el artista
vive proyectando, existe haciendo algo con miras a posibles metas -hoy
expongo aquí, mañana allí, más adelante en el museo- saltando desde el
presente al futuro, sin posibilidad de interrupción ya que practica con algo
inmortal. Por eso el artista evasivo proyecta como si no existiera la muerte
del arte. Incluso haciendo que su aceptación intelectual pueda coexistir con
su negación emocional.

Pero esta evasión de la muerte del arte -por elusión o negación- no es una
actitud que aparezca en la naturaleza del artista (mortal). Es una actitud
aprendida en el ejercicio de la carrera artística. El artista se acoge al
sistema -después de haberle cortejado- para "protegerse" de interrupciones,
para ascender. Cuando el artista le muestra al sistema su fantasma -quizá ya
una constatación trágica- de la muerte del arte, éste le incita a olvidarse
de ella, a no tenerla en cuenta. Le incita, lógicamente, a exponer, mostrar,
exhibir, celebrar, homenajear, conmemorar, biografiar, etc., a pensar en
cualquier cosa que no sea el significado del arte que lleva implícito la
posibilidad de muerte. Aquí el artista es como un niño que ante un mal sueño
-la muerte del arte- acude a su madre que trata de volverlo a dormir
haciendo que piense "en otra cosa". La evasión de lo que hiere o molesta
tiene su recurso supremo en el sueño, el sueño del arte. Así lo sienten no
pocos que prefieren "crear" soñando. Dormir la muerte del arte y dormirse él
-el artista- al mismo tiempo, ya que sólo el sueño garantiza plenamente el
logro de tal evasión.

Estos procedimientos evasivos son eficaces porque convienen al sistema y
alivian al artista. El inconsciente de éste cancela la sujeción a un
principio de realidad -principio de realidad que podría empezar por: ¿qué es
el arte?-; aprende, por el contrario, a conjurarlo aferrándose al deseo de
que no exista la muerte del arte, negando-evadiendo lo que podr¡a ser un
hecho inevitable. De esta forma se instala en el artista la defensa ante la
realidad desagradable que entraña el cese del arte en el futuro, y en un
futuro que puede ser inmediato. Una defensa que tiene un componente maníaco
en la medida en que implica la ilusoria omnipotencia de no morir él,
artista, y que concierne a la imagen que tiene de sí mismo: "soy yo -que
hago arte- quien, de entre todos los humanos, no va a morir, es decir, que
soy inmortal". No hace falta explicar que en cualquier ambiente cultural es
normal disponer de esta estructura mística que sigue potenciando la
devaluada ilusión de inmortalidad del arte y del artista.

La negación de la muerte del arte es, en esta actitud de evasión soñadora,
la más frecuente entre los artistas y la más aceptable en el mundo de la
cultura. En el otro extremo, se situaría la actitud inexistente y fascinante
de aquellos que contasen con esa muerte o con su expectativa. Serían
"artistas" que adoptasen una actitud afirmadora de la muerte del arte.
"Serían", porque realmente no existen, ya que no actúan ni proyectan, ni su
admisión de la idea de muerte del arte les dejaría hacer cosa alguna.
Invalidan su vida artística, partiendo de la extrema consideración de que
"no están", que "desaparecen", al no existir el arte. La comunidad artística
sería la primera en excluirlos si ellos no se hubieran excluido antes: el
olvido, el aislamiento, el suicidio incluso, podrían ser algunos caminos de
los artistas cuya actitud fuese la admisión absoluta de la muerte del arte.

Pero la actitud "ante" la muerte del arte se transforma en actitud "en"
cuando el artista se encara al problema y lo transforma en vivencia
singular. El artista, al observar una actitud de conformidad en la muerte
del arte, logra una cierta positividad en medio de actitudes evasivas ante
el problema del arte. Este asentimiento es, sin duda, una forma de
preocupación terminal del artista por la muerte del arte, que lo sitúa a él,
como sujeto, a medio camino entre lo patológico y lo heroico. Como lo heoico
no sirve, tiene que desenvolverse en un contexto de derrumbamiento, por el
hecho de estar sintiéndose morir artísticamente, de saberse moribundo, o de
saber que su proyecto puede morir de inmediato, sin seguridad de triunfo
póstumo - sin esa "proeza ontológica" que llamaba Musil al esperar a estar
muerto para poder vivir. Quedaría una especie de convalecencia. De la
actitud del artista en esta convalecencia, de su consideración sobre ella,
como una autorreflexión de debilidad e impotencia, de que pregonándola
(estéticamente) a los cuatro vientos, se disipará ; de esta actitud depende
el librarse de la opresión, de la vivencia solitaria de un presente que
admite la muerte del arte.

Todo el afán del artista reside, pues, en el intento de diagnosticar la
enfermedad de muerte que aqueja al individuo -a él también- y a la época.
Esa enfermedad de muerte puede ser un estimulante de la vida, sólo asi
merece la pena dedicarse al arte.

josé mª giro
giro@apdo.com

EL MUERTO VIVO
 

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Asunto:
             ::eco:: muerte del arte burgués (y proletario)
      Fecha:
             Sat, 19 Dec 1998 14:17:14 -0800
         De:
             Karen Eliot <kakart@geocities.com>
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                                        He decidido reformarme
                                        contestar preguntas tontas
                                        soportar a los artistas
                                        casi sin asesinarlos.
                                                        [Ilegales]

Reflexionando en torno a la muerte del arte Industrias Mikuerpo elaboró
hace años una especie de manifiesto titulado "Penúltimo asesinato
del arte burgués" al que sólo pudieron acceder 50 lectores (no digo
que tod*s accediesen finalmente ni que fuesen afortunad*s por ello).
Como se recordará, IM estalló como un globo de colores demasiado
inflado en la penúltima emboscada seria contra la medusa artística.
Actualmente este escrito se encuentra en la siguiente dirección:
http://www.ecn.org/a.reus/Lletra_a/arte2-1.html
aunque no sé si hay que entrar primero por
http://www.ecn.org/a.reus/Lletra_a/
Aunque sigue un planteamiento un poco simplote tiene la virtud de
describir en montaje simultáneo, proyectando una alternativa que ya
había trazado Benjamin, los dos procesos por los que el arte se
convierte en la chica del mercado y en el bufón del estado, sin
elegir necesariamente entre una de estas dos alternativas, y
cómo estos dos procesos son en realidad el mismo. Además,
se sugiere en él, como también se hace en
http://www.geocities.com/SoHo/Lofts/8666/luisnava.htm
lo que puede significar este hecho para la gente
normal, cosa que también suele soslayarse: siempre nos
planteamos el destino/función/sentido/papel de los intelectuales/artistas
ante estos episodios luctuosos que, suponemos, afectan a todo el
mundo, aunque nadie reflexione nunca sobre "el papel de las personas
ante la muerte del arte" o ante el final de esto y de aquello.
al exagerar la autonomía del arte hasta el punto de plantear su
disolución como algo que afectase al mundo del arte de modo
endógeno no se hace sino confirmar su aislamiento y preservar
un refugio conceptual donde no se escuchen las bombas, a cambio
de poder seguir rizando el rizoma melancólico.
es por eso que no nos parece buena idea separar los dos momentos
de un mismo proceso, aun cuando, considerados de modo aislado
y como perspectivas autónomas, puedan dar lugar en efecto a actitudes
diferentes e igualmente equívocas. cuando esto ocurre se pierde
la unidad del proceso y adviene la esclerosis, producto de la obturación
de los canales dialécticos: dejemos de buscar obstinadamente en los
espejos y veamos en ésto la necesidad de llamar "espectáculo" a
algo que ya no sea ni concentrado ni difuso. De todos modos la lógica
de la guerra fría dejó de funcionar hace tiempo, antes por
cierto en el mundo del arte que en otros mundos, y tod*s sabemos
que lo que viene (mira, ya se ve) no cabe en el espectáculo.

Karen Eliot & Luther Blissett & Monty Cantsin
2000-2001 huelga de arte
http://www.geocities.com/SoHo/Lofts/8666/kelbmc.htm
 
 

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Asunto:
             ::eco:: todos ustedes se están muriendo
      Fecha:
             Sat, 19 Dec 1998 08:42:28 PST
         De:
             "Carlos Mayhua" <alterarte@hotmail.com>
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Tengo que darles una noticia negra y definitiva
Todos ustedes se están muriendo
Los muertos la muerte de ojos blancos las muchachas de
ojos rojos
Volviéndose jóvenes las muchachas las madres todos mis
amorcitos
Yo escribía
Dije amorcitos
Digo que escribía una carta
Una carta una carta infame
Pero dije amorcitos
Estoy escribiendo una carta
Otra será escrita mañana
Mañana estarán ustedes  muertos
La carta intacta la carta infame también está muerta
Escribo siempre y no olvidaré tus ojos rojos
Tus ojos inmóviles tus ojos rojos
Es todo lo que puedo prometer
Cuando fui a verte tenía un lápiz y escribí sobre tu puerta
Ésta es la casa de las mujeres que se están muriendo
Las mujeres de ojos inmóviles las muchachas de ojos rojos
Mi lápiz era enano y escribía lo que yo quería
Mi lápiz enano mi querido lápiz de ojos blancos
Pero una vez lo llamé el peor lápiz que nunca tuve
No oyó lo que dije no se enteró
Sólo tenía ojos blancos
Luego besé sus ojos blancos y él se convirtió en ella
Y la desposé por sus ojos blancos y tuvimos muchos hijos
Mis hijos o sus hijos
Cada uno tiene un periódico para leer
Los periódicos de la muerte que están muertos
Sólo que ellos no saben leer
No tienen ojos ni rojos ni inmóviles ni blancos
Siempre estoy escribiendo y digo que todos ustedes se están
muriendo
Pero ella es el desasosiego y no tiene ojos rojos
Ojos rojos ojos inmóviles
Bah no la quiero

"Mundo Mágico" de Emilio Adolfo Westphalen, en "Belleza de una espada
clavada en la lengua", a propósito del debate sobre la muerte del arte.
Amenazamos con volver a participar en el debate con un texto menos ajeno
y con escritura menos automática.

Ediciones Alterarte
http://www.ariadna.com.pe/alterarte/home.htm

______________________________________________________
Get Your Private, Free Email at http://www.hotmail.com
 
 

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Asunto:
             ::eco:: el harte
      Fecha:
             Tue, 22 Dec 1998 12:09:10 +0100
         De:
             gracia-territori@ctv.es
 Responder a:
             eco@alcudia.cim.es
    Empresa:
             Gracia Territori Sonor
          A:
             eco@listas.aleph-arts.org
 
 
 

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En relación con ese debate que aparece y desaparece estos días en la
lista, debo decir que hace ya tiempo que estaba convencido de que Dadá
mató al arte y luego todo el mundo fue haciéndose el longuis hasta que
Picasso, también conocido como "el gran semental", dijo que tu tía y se
fue a Nueva York a explicarles a unos de allí la pasta que se podía
sacar todavía del invento burgués; dignos sucesores no le faltan. Así
que, como diría Philip K. Dick: "El período transcurrido entre
ambas fechas fue una interpolación perfectamente espuria...".

Este año, durante la Quinzena d'Art de Montesquiu, encontré una
octavilla por el suelo. Decía:

"ATENCIÓN: DISCULPEN LAS MOLESTIAS

1. HAN SIDO DESVIADOS DURANTE LOS ÚLTIMOS SETENTA AÑOS

2. ESPERAMOS RESTABLECER PRÓXIMAMENTE LAS CONEXIONES

3. SI ELLO NO SUCEDE, SIGAN ESPERANDO, POR FAVOR.

COLECTIVO PARA EL RESTABLECIMIENTO DE LAS LÍNEAS"

lo cual me dejó muy intrigado.

V. Nubla

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Asunto:
             ::eco:: fotografia
      Fecha:
             Wed, 27 Dec 1998 15:31:39 +0100
         De:
             llubiosca@logiccontrol.es (Lluis Biosca Aizpurua)
 Responder a:
             eco@alcudia.cim.es
          A:
             <eco@listas.aleph-arts.org>
 
 
 

:::: mensaje enviado por la lista de difusión de noticias eco ::::

     Después de haber leido algunos mensajes que hacen referencia al
     ser del arte en la lista de difusión de noticias Eco quiero
     expresar mi preocupación por el mal trago que está padeciendo la
     fotografía de autor en este pais, y en concreto en
     Catalunya.Ejerzo como profesor de fotografía y a menudo puedo
     observar desde mi posición privilegiada como los "tics" creativos
     son castrados por la imposición de estéticas preestablecidas por
     burócratas a sueldo de la administración.Esta castración puede
     afectar tanto a autores de pura "innovación" como a los que usando
     estéticas ya experimentadas desarrollan un discurso propio.Las
     influencias y los manejos dudosos de esta casta para-política esta
     dando al traste una interesante obra y su posterior evolución.El
     desconcierto en los futuros fotógrafos sobre lo que se les muestra
     mediante actos en los distintos centros oficiales está tan lejos
     de su realidad que se traduce en un sentimiento de frustración
     importante.Quizá tengan razón aquellos que dicen que el arte debe
     exponerse en los bares( aunque estos lugares no son los más
     apropiados para observar una fotografía).Probablemente los que nos
     dedicamos a enseñar fotografía debamos plantearnos " otra historia
     " y explicar que el acto creativo en su esencia se halla en la
     relación del artista con su entorno y en el acto intimo de la obra
     creada con su observador fuera de toda comedia oficial de
     reconocimiento pestilente de pomposos certámenes y actos oficiales
     que solo sirven para engrosar más la cartera del borócrata oficial
     que dice patrocinar la cultura,sobre las espaldas de un conjunto
     de esperanzados futuros creadores.Desearía saber la opiníon de los
     interesados en el tema,y si fuera posible crear una corriente de
     pareceres ( esto está muy muerto ) que en la medida de lo posible
     sirviera de acicate ante la libertad e impunidad de que gozan hoy
     en día estos "gestores" culturales de la imagen fotográfica.
 

     LLUÍS BIOSCA

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Asunto:
            ::eco:: Suma y sigue
      Fecha:
            Tue, 12 Jan 1999 01:30:10 +0200
         De:
            adela <ade@porsupuesto.com>
 Responder a:
            eco@alcudia.cim.es
          A:
            eco@listas.aleph-arts.org
 
 
 

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A mí me da que en esto del arte hay tres actitudes:

        1. Los que dicen lo de siempre (Pierden el interés en la primera
línea de lectura)
        2. Los que usan las mismas palabras de siempre (Lo pierden en la
tercera línea de lectura)
        3. Los que lo hacen y se callan (Sin interés para los lectores)

Aunque es posible que haya más y no me haya dado cuenta.

        Saludos ecólatras y afectuosos

Adela de Bara
ade@porsupuesto.com
F
MERZ MAIL
      IM: En el capítulo anterior se pronunciaban a propósito de la huelga algunos componentes del Grupo Surrealista (a título personal y no de grupo, como muestran sus diferentes estimaciones). En números sucesivos de P.O.Box hemos visto también artículos en pro y en contra de la huelga de arte, lo que, pienso, confirma que vuestro objetivo es la comunicación y no el simple panfletismo. No obstante, ¿cual es vuestra posición con respecto a la misma?

MM: Algunos de nosotros trabajamos por cuenta ajena, y conocemos muy bien el significado de la palabra "huelga" aplicada a las relaciones sociales, laborales y políticas. El camino hacia la huelga nunca es fácil, supone normalmente largas sesiones de discusiones, amargas en muchos casos en las que las posiciones antagónicas suelen ser irreconciliables por lo que se pierden algunos amigos en el camino. Durante la huelga los trabajadores pierden su salario e incluso el trabajo, además hay que
tener en cuenta que la mayoría de las huelgas se pierden, por lo que la huelga aplicada a cualquier fenómeno, y en este caso al arte, no es precisamente un camino de rosas y dista mucho de ser una alternativa cómoda y fácil, lejos del triunfalismo, el éxito y no hablemos del narcisismo que envuelve al mundo del arte. Generalmente la poca solidaridad que manifiestan la mayoría de artistas la podríamos comparar con los maratones televisivos de caridad, mucho espectáculo, quedar bien, estar ahí ysobre todo autopromoción personal. P.O.BOX está apoyando desde el principio esta convocatoria,hemos publicado sus manifiestos y también hemos creado una tribuna abierta para la discusión sobre
el tema. Creemos que algunas respuestas contrarias a la huelga son acertadí- simas. Aunque parte de nuestro objetivo sea la comunicación, nuestra posición está muy clara desde el principio. Ya en el número 8 (marzo del 95) de P.O.BOX, había en la portada un llamamiento a la huelga de arte. Nuestraposición como activistas del arte será la de cesar totalmente durante la huelga, tanto en el aspectocreativo como editorial. Estamos pensando mantener las páginas que tenemos en internet(http://www.abaforum.es/merzmail) y cederlas a Luther Blisset, Karen Eliot y Monty Catsin para quehagan una continuidad de la Huelga, así como cederemos también nuestro espacio en las ondas (elprograma semanal P.O.BOX en Radio P.I.C.A), a los convocantes, ya buscarán ellos un nombre paraestos dos años, por si creen conveniente utilizar este medio de difusión en Barcelona. Y no sólamenteesperamos que los creadores se sumen a la Huelga, sino también el público, que esperamos deje de
asistir a cualquier actividad artística en las galerías, locales alternativos, museos, etc, que se dedicarían a otra cosa, así como comprar las revistas, fanzines y demás publicaciones que nopublicarían nada referente al arte. Creemos que las circunstancias culturales son las idóneas para estaconvocatoria: se han digerido mal algunas vanguardias históricas y nos encontramos con un panoramadesolador. Además las fechas tienen una carga simbólica importante.

IM: Entre los argumentos en contra creo que destacan a) los que denuncian la falacia de
considerar al artista un trabajador especializado como los demás (de lo contrario, no tendría derecho a la huelga); b) los que insisten en ubicar la 'fuerza simbólica' de las fechas y en general, el retorno de conceptos como el de 'huelga' o 'vanguardia' en el marco de un retorno de viejos mitos. Y c) Los que temen que, si se calla el cantor, calle la vida. ¿Cómo racionalizáis estas tres posturas?

MM: Estas preguntas deberían responderlas los convocates de la huelga: Luther Blisset, Karen Eliot y Monty Cantsin: nuestro papel como editores de P.O.BOX, por ahora, es publicar tanto los manifiestos o textos de los convocates como de los detractores de la misma, a pesar que hemos dejado suficientemente claro nuestro total apoyo a la Huelga de Arte para el 2000 y 2001. Tambien nos gustaría aclarar que la Huelga de Arte sólo, e insistimos en este sólo, está convocada para Barcelona y Madrid, y es curioso que las críticas a la misma hayan venido desde Andalucía, Uruguay,Argentina, y como se verá en el proximo número de P.O.BOX, desde Alemania.

No podemos imaginar al artista como un trabajador asalariado que depende de un patrón. Lo más parecido sería un artesano que vende sus piezas al mejor comprador, pero en este mercado hay un valor añadido que lo distancia del artesano. No es el virtuosismo, ni el trabajo bien hecho el que da valor a la pieza, sino unas leyes de mercado en las que influyen muchos fenómenos, basados la mayoría de ellos en una gran mentira que es universal. Pero tampoco es éste el caso de la mayoría de los llamados artistas, pues éstos no viven exclusivamente de la venta de su obra. La huelga no pretende llevar a los trabajadores del arte al parón total, sino involucrar a todas aquellas personas
relacionadas con el arte, tanto creadores como intermediarios y consumidores. Las fechas es lo de menos, pero una convocatoria de estas características requiere tiempo suficiente para su discusión y preparación. El cambio de siglo y milenio está en la mente de todos desde hace tiempo, se habla continuamente en los medios de esta fecha, desde los problemas de los ordenadores con los números "00", hasta propuestas como la de WAM, parece que todo el mundo tiene intención de cambiar cosas esos años, creemos que ha sido acertada la elección de esta fecha. Los números 2000 y 2001 ya han calado en el público, sólo falta que cale la Huelga de Arte. No se pretende con la elección de estas
fechas retornar a los viejos mitos, pues siempre han estado aquí, la lucha entre la luz y la oscuridad viene de muy atrás y nunca es una lucha acabada. Respecto a la última propuesta pensamos que el artista en un individuo más en la sociedad, y como tal, en cada una de las manifestaciones de su vida se interrelaciona con el mundo, por lo que dispone como elemento social de muchos otros canales. Pretender que con el trabajo artístico está destruyendo la sociedad capitalista es tan iluso como pensar que con la huelga de arte se pretende lo mismo.

IM: ¿Os consideráis un retorno de las vanguardias, pensáis que las vanguardias nunca se fueron o creéis que nunca han existido y hay que reinventarlas? En definitiva, sois nostálgicos, reformistas o revolucionarios en el contexto cultural de la modernidad?

MM: Nunca hemos pretendido ser nada de todo esto, de hecho nunca hemos pretendido ser nada en concreto. Nuestra forma de trabajo en el mundo del arte se está reinventando cada día. Por supuesto que cuando se analiza y se le quiere encontrar vínculos con parte de la historia del arte, lo primero que encontramos son las primeras manifestaciones de mail art en los 60, y si miramos para atrás nos pararíamos en Dada y Merz. Sería absurdo volver a las vanguardias, tuvieron su época en el mundo que les tocó vivir, pero podemos aprender algunas cosas de ellas como aprendemos de los errores y los aciertos de los que nos preceden. No creemos que haya que inventar o reinventar ninguna
vanguardia, pues siempre se suele caer en el sectarismo y maximalismo y si algo caracteriza este difuso movimiento llamado arte postal es precisamente su estructura difusa y la tolerancia.
(Estos fragmentos de entrevista estan entresacados de la web de Industrias MiKuerpo)
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G
 DE CESAR REGLERO A FERNANDO GARCIA DELGADO
"CARTA ABIERTA a VORTICE"
Mi querido Fernando, te agradezco profundamente tú interés por saber cuál es mi postura ante la inminente Huelga de Arte del 2000-2001 y aprovechará la ocasión para pronunciarme públicamnete sobre este asunto.

Ante todo quiero decirte que dificilmente a partir del 1 de Enero de año 2000 podré cesar mis actividades dentro de los marcos institucionales porque para ello tendría antes que haber entrado en dichos marcos, cosa que nunca me ha sido permitida. Si alguna vez sucede tal acontecimiento, te aseguro que me plantearé seriamente el asunto.

Te prometo que me he leido atentamente todas las proclamas y manifiestos de la convocatoria, pero, sinceramente, mis luces no son suficientes para asimilar tanta ciencia revolucionaria. Te explico: cuando leía en el nº 6 de AMANO (abril 1997- Karen Elliot-Monty Cantsin-Luther Blisset) que se trataba de "...un concepto de Huelga que abolirá el consumo pasivo: porque todo documento de cultura es ahora un documento de cinismo sobrepuesto a la barbarie; y porque sacudir los yugos que define y legitima la Cultura requiere el esfuerzo (un esfuerzo que antaño se exigió como un derecho) de la participación"... la verdad es que me quedé sumido en un mar  de confusionismo.

Lo siento mucho, pero aquello de ..."el fracaso del proyecto postmoderno en el paradigma del Nuevo Orden...."; "La conversión de toda realidad en simulacro, fruto de la sana abolición de todo centro jerárquico de sentido,..." etc... me confunde y trastoca mi sentido más elemental de raciocinio popular.

Por lo tanto, mi problema no es solo que piense que para ponerme en huelga necesito un ente real o figurado "a quién hacer huelga", y este objeto me ha sido negado. Cómo también me ha sido negada la capacidad intelectiva necesaria par entender que "...los conceptos difundidos por el poder se construyen contra la liberación del cuerpo social, al que hay que contener dentro del orden económico"...y, lo peor, es que no entiendo ni siquiera el concepto de artista. Y eso que me dedico al Mail Art y gestiono un archivo museo de tal cosa, pero ni entiendo el concepto ni quiero entenderlo. Creo que las connotaciones que se derivan de su aplicación marcan unas diferencias que nada tienen que ver con el inicial deseo de comunicación entre iguales.

Consecuencia de todo ello  es que no puedo ponerme en Huelga de arte porque no me considero artista, ni sé lo qué es ese término, ni comparto el uso común del concepto. Prefiero hablar de creatividad y considero que esta facultad la tiene todo ser humano. El bloqueamiento, represión y fustigamiento de dicha facultad, pueden ser buenos motivos de lucha, pero desde la acción práctica y no teórica.

Precisamente, los autores del manifiesto, que están  defendiendo a un colectivo que "...no se deja representar por ningún grupo parlamentario ni ningún medio de comunicación", debe continuar en esa linea si quiere cumplir la otra opremisa que se anuncia de "...mantener relaciones interpersonales liberadas de la dinámica abstracta del capital y la rentabilidad política." Tiene que seguir funcionando con la libertad necesaria como para no sentir hipotecada su acción creativa a lo largo y ancho de dos años por unos parámetros demasiado estrechos y restrictivos.

Clemente Padín defendió en su único día de Huelga de Arte en 1990 la función del Arte como medio de Comunicación e interrelación en contraposición con el circulo vicioso del consumo y el mercado. Después rompió su compromiso con los organizadores de Huelga para ponerse a luchar activamente a "traves de su arte" por aquello en lo que creía: La solidaridad.

Esto puede parecer un contrasentido, pero es que las diversas Huelgas de Arte que se han propuesto a lo largo de este siglo, también han resultado una pura contradición. Normalmente no se ha entendido su finalidad y, mucho menos, la eficacia de la misma. Bién es cierto que, una vez más, quedará abierto el debate del circulo señalado por Padín y probablemente este sea el objetivo último de los convocantes.

El Mail Art ha constituido un ejemplo paradigmático de este logro. después de tres décadas de frénetica ctividad, entrará en el nuevo milenium con la misma energía con que fué impulsado por Ray Jhonson en los "60". No comercialidad, no selección, no censuras...han sido las palabras mágicas de una actitud artística en la que se prima la creatividad por encima del academicismo perfeccionista y la comunicación por encima de cualquier consagración o templo sagrado de figuras inmaculadas. Un movimiento donde el consagrado a compartido asiento con el primerizo y jamás a pedido medallas ni reconocimientos. Donde el placer de crear se constituía en el medio y el fín en si mismo.

Sin ambargo, y a pesar de que no estoy dispuesto a cumplir las consignas fijadas para la H.A., debo decir que esencialmente seré una de las personas que con mayor rigor se acerquen al objetivo final de los convocantes: "Establecer un proceso de cultura participativa en un espacio liberado, promoviendo modelos autogestionarios de producción y frucción estética irrecuperables para el mercado."
César Reglero/Tarragona/  10 de Abril de 1999
 
H://
Asunto:
        Huelga de Arte
  Fecha:
        Sat, 17 Apr 1999 08:04:00 -0300 (GMT)
    De:
        Clemente Padin <clepadin@adinet.com.uy>
     A:
        boek861@nil.fut.es
 
 
 

Disculpame la demora, estamos tratando de organizar algun evento en la calle
en relacion al tema yugoslavo. En relacion a la Huelga de Arte ya dicho
bien. Aunque hace ya un anio que escribi en torno al tema, esta nota aun no
ha perdido vigencia:

El sentido de la "Huelga de Arte"
Clemente Padín

Un análisis profundo de la "Huelga de Arte" nos lleva de las narices a la
disyuntiva arte/trabajo. Por un lado, sabemos, las múltiples áreas de la
actividad humana son inseparables, si bien en cada una de ellas predomina la
razón de su peculiaridad por encima de las demás que no dejan de estar
presentes, aunque en forma determinada. Por lo tanto, si en una obra de
arte, los elementos estéticos cejan su primacía en aras de los políticos y/o
sociales, deja de ser una obra de arte, es decir, se transforma en ese
híbrido llamado "panfleto" en el cual los elementos artísticos subsumidos
están al servicio de otras finalidades. Lo mismo ocurre cuando a  las
movilizaciones sociales se las imbuye de propósitos políticos, etc. El arte,
para serlo, debe tener preponderantemente notas estéticas o simbólicas de
sustitución de lo real (la "función poética" de los estructuralistas).
Cuando se habla de "Huelga de Arte" se nos refiere a una posible acción,
pasiva o no, realizada por un ser peculiar llamado "artista", es decir, no
de un hombre en el sentido social, sino de un ser particular derivado de
aquel magma, al cual las circunstancias de la vida le han hecho ser un
trabajador asalariado que trata, como todos los trabajadores, de vivir de su
trabajo, el arte. No cabe duda que el artista aspira a vivir de  y no para
su trabajo, opción a la cual lo empuja el sistema social-económico vigente,
enajenando  su obra en mercancías, sacando al arte de su función de uso para
derivarla de lleno a la función de cambio, es decir, al mercado. El artista
es productor de obras (no necesariamente objetos), predominantemente
artísticas, en las cuales la esencia de lo humano se realiza como tal dando
cuenta de su "ser en el mundo"(diría Sartre).
A través del dominio de la naturaleza y en virtud de los grandes adelantos
tecnológicos en la producción mercantil, el hombre está capacitado para
producir más y más productos fuera de las necesidades medias y prácticas de
su existencia (si en gran parte de mundo aquéllos faltan es por la pésima
distribución de la riqueza que sólo favorece a los países metropolitanos y
hace morir de hambre a millones de seres).Es precisamente esa capacidad de
producir excedentes (que, además, genera una brecha cada mayor entre
producción y consumo)  lo que permite la satisfacción de requerimientos
menos concretos y urgentes, hasta llegar al nivel de las necesidades más
específicamente humanas, el arte, lo simbólico, lo estético. Ni que hablar
que el  rol del arte no es banal sino fundamento y pilar de la progresiva
(porque aún no ha terminado) "humanización" del hombre. La obra de arte
desde el arranque, al partir de su condición de "producto de comunicación",
al  exigir la participación de, por lo menos, dos interlocutores, en
situación de "diálogo" activo, impone una de las características prominentes
de lo "humano", la relación social y, consecuentemente,  el respeto por el
"otro" al no imponer arbitrariamente su poder a través del "habla" ,ya sea
verbal, musical , gráfica, etc.
Así, proponer una "Huelga de Arte", no supera sino que ahonda la enajenación
brutal del artista en estas formaciones sociales actuales. Por un lado, el
artista, siente la necesidad imperiosa, casi biológica, de crear y expresar
su esencia (y, a la vez, legitimarse como "hombre") y, por el otro,
comprueba dramáticamente la situación a la cual está sometido por el
mercado, el cual le obliga a abjurar de su aspiración a expresarse por las
exigencias de la moda que mejor se avenga a sus vicisitudes (en el mejor de
los casos impone su propia "moda", pero estamos hablando de lo mismo).En
otras palabras , el artista se ve obligado a trabajar para el arte y no a
vivir de su arte. Los caminos subalternos de profundizar y asumir la
contradicción, negando lo mejor de sí mismo y producir directamente para el
mercado o trabajar asalariadamente fuera del área de la actividad artística,
para conservar la independencia estética, son opciones que conllevan los
mismos riesgos, pues no resuelven el problema, ni personal ni socialmente.
La "Huelga de Arte" es, entonces, un artilugio sobre la verdadera solución
del problema del arte y del artista (a los cuales se promete "centrar" luego
de un período de tres años de discusión y remanso creativos), porque la
verdadera solución no está en manos de los artistas, interrumpiendo o no su
trabajo, sino en la transformación y cambios sociales de lo que ha permitido
la degradación y desvirtuación del arte de su verdadera función (parodiando
a Epicuro,  ¿de qué sirve el arte sino está al servicio de los hombres?).
La "Huelga de Arte", sin proponérselo expresamente, nos induce a reconocer,
reafirmar y legitimar el poder vigente al hacernos creer que somos,
únicamente, asalariados al servicio del mercado del arte (por lo cual
estamos en situación de "hacer huelga") y no seres que aspiramos, como
todos, a vivir de nuestro trabajo y que no se nos hambree ni fustigue en
tanto no nos avengamos a legitimar sus estructuras socio-económicas, es
decir, a perpetuar su  injusticia e inhumanidad ínsitas.
Si la naturaleza humana nos impulsa a expresar nuestra esencia en tanto
"hombres" a través de esas actividades simbólicas llamadas "artísticas" no
es posible derivarlas a  un marco en donde nieguen aquella esencia.

A Pere Souza, con estima y admiración. Diciembre de l996,Montevideo,Uruguay.
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Clemente Padin
 


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