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ARTICULOS DE MAIL ART POESIA VISUAL Y ARTE EXPERIMENTAL |
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| Titulo | ALFONSO LÓPEZ GRADOLÍ, REFLEJO DE UNA VIDA A TRAVE | ||||||||
| Autor | JOSÉ-CARLOS BELTRÁN | ||||||||
| Publicacion | LOS BOSQUES DE LA MEMORIA | ||||||||
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| Materia | Poesia conceptual | ||||||||
| Sinopsis |
Con “Los bosques de la memoria” * ,nos encontramos ante un libro necesario para entender la obra de uno de los poetas más representativos de la poesía valenciana del siglo XX, una poesía mediterránea y llena de vitalidad, retrato fiel de su autor, un hombre lleno de sensibilidad que se entrega en cada verso, dejando testigo de momentos históricos del cotidiano vivir, con versos llenos de belleza, sin olvidar las nostalgias de los lugares vividos, su mediterránea concepción de la vida, lo denuncia como un creador de belleza, guardián de paisajes y de sentimientos. Este “Los bosques de la memoria” reúne una selección de la obra del poeta de 1968-2000, de los libros : El sabor del sol (1968), Los instantes (1969), El aire sombrío (1975,) Una muchacha rodeada de espigas (1977) Las señales de fuego (1985), Una sucesión de encuentros (1997) y Los signos de la soledad (2000). Quedando muchos no incluidos como “Poemas Mediterráneos”(1977), “Al-Basit” 1982, “Las señales del tiempo” ( 1971) o de los últimos publicados “Los días luminosos” 2003, además de al menos dos inéditos que yo conozca, lo que demuestra la importante obra de las que estamos hablando, con la lectura de ”Los bosques luminosos” el lector podrá gozar de ser conocedor de una poética que es la biografía de un hombre y su momento , con unos ideales humanitarios, fiel a sus principios espirituales El libro viene prologado por el propio Alfonso , haciendo uso de los comentarios a cada uno de los libro correspondientes de críticos y amigos de reconocido prestigio como José Hierro, en el prólogo del libro “El sabor de sol” “ La poesía de Alfonso es necesaria, y útil para el propio poeta que dice, escribo cuando no puedo más”.. Francisco Umbral, “ En él palpita un fino poeta indudable, de sentimiento delicado, eminentemente lírico, y de palabra segura, acendrada, comunicativa”“ Pedro J. De la Peña, “ Si uno de los compromisos de “La Diferencia” es la reivindicación de los escritores y poetas marginados por la oficialidad ,tenemos en Gradolí un autor al “que cabe prestar atención y y deberemos de revisar su obra, tan maltratada, por la dos últimas décadas de degeneración literaria” Jaime Siles, “ Claudio Rodríguez en el prologo del libro “ Los instantes” “la poesía es experiencia dicha con palabras, hay en este libro una neta adecuación entre ambas” Antonio Hernandez, en una lectura publica, el en Madrid el 29 de Febrero del 2000, “ …y me refiero a su forma bellísima de expresar las ideas,” “ Luis Jiménez Martos, director de la colección Adonais, en la que en 1977 le publicó “ Poemas mediterráneos” “ , Guillermo Día –Plaja, “Lo que más me interesa de la escritura poética de Alfonso .L. Gradolí es esa misma escritura. Es decir la manera expresiva que consiste en avanzar por pespuntes, por iluminaciones , por balbuceos, de manera que produzcan en el lector el impacto de lo vital” Ricardo Bellveser, Antonio Fernández Molina dice “La poesía de Alfonso López Gradolí, puede adscribirse dentro de un posromanticismo esencial, que arrancando de Bequer pasa por Cernuda, se impregna de las aportaciones del 27 y de la vanguardia especialmente de las técnicas del automatismoy del collage. o Jesús García Caldero, en una lectura de poemas el 27 de Octubre de 1997 “ a medida que fui leyendo los libros de Alfonso me fui dando cuenta de su enorme capacidad de evocación. Ha expresado lo elegíaco desde ángulos verdaderamente insospechados “ entre otros. Lo que muestra la importancia de la obra de López Gradolí a lo largo del pasado siglo y con un futuro en plena madurez del autor, que no ha perdido nada de .la frescura de sus anteriores libros, con una temática testimonial y sentimental, como voz de alargada juventud .Con este libro a la manera de unas “casi obras completas” La Institució Alfons el Magnamin y la Generalitat Valenciana , han tenido el acierto de reconocer una de las importantes obras de la poesía valenciana, de un autor que por unas circunstancias u otras, siempre ha estado un poco marginado de los grupos de poetas en Valencia, pero como nada de lo que vale se puede callar en el tiempo, ahí esta la respuesta en este “Los bosques de la memoria” para que las futuras generaciones sepan que hubo un poeta que elevo la voz de la poesía valenciana a lo más alto de la lengua castellana, donde ocupa el lugar que le corresponde por su calidad de obra *“LOS BOSQUES DE LA MEMORIA” ALFONSO LÓPEZ GRADOLÍ. Editorial Calambur., 348 pags Madrid 2001 | ||||||||
| Titulo | El arte de los escombros | ||||||||
| Autor | Antoni Mari | ||||||||
| Publicacion | La Vanguardia /Suplemento | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | ...//... para Baudelaire el artista moderno es un trapero que recupera las sobras que la sociedad tira,...y pasamos de una época en la que las cosas eran lo que eran, a otra en la que las cosas ya no son lo que eran, ni siquiera lo que parece que son. Asi la materia queda liberada de sus obligaciones de adaptarse a un estructura determinada y puede volar libremente en busca de un nuevo destino en cada ocasión. Buen ejemplo de todo ello es la poesía experimental que a base de transformaciones y más transformaciones, al final ya nada es y, al mismo tiempo, es todo. | ||||||||
| Titulo | DEL COLLAGE A LA APROPIACION | ||||||||
| Autor | Manuel Guerrero | ||||||||
| Publicacion | La Vanguardia | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | El trabajo de Manuel Guerrero trata de averiguar si es el Collage la más importante aportación del arte del último siglo. Se pregunta si ha sido está vartiante artística la que ha permitido que el arte se convierta en un fenómeno de masas.
Entronca sin vacilaciones el collage con el calligrama de Apollinaire y la revolución poética de Mallarmé, lo que, sin duda, empalma con el nacimiento de la PV. Otra afirmación contundente es la de Perejaume al considerar que el collage contribuyó definitivamente a desdibujar las fronteras jerárquicas entre los géneros artísticos, fundiendo plástica, literatura, cine, música,...y por alli aparece John Cagé cuestionando todo. La pregunta final y fundamental del autor es preguntarse si no será la apropiación, el apropiacionismo, el final del principio del arte y, en consecuencia, el nacimiento de otro concepto radicalmente distinto de ARTE. -CRC- | ||||||||
| Titulo | Poesía para el Barrio Chino | ||||||||
| Autor | Xavier Noret | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...Cuentan que el dramaturgo Josep Maria Benet i Jornet, nacido en el barrio, estrenará muy pronto una obra ambientada en el Raval en la que lamenta que la gente que actualmente vive en la plaza de Padró -emigrantes extranjeros en su mayoría- ya ha perdido los referentes históricos de los edificios y de las calles que habitan. Y es que el barrio ha cambiado mucho últimamente: se han abierto nuevos espacios, como la Rambla del Raval, se ha poblado con gente nueva y han surgido nuevos comercios de productos y olores exóticos. Por ello es bueno que aparezcan revistas como L'Avenç para recordar cuáles son sus orígenes, o libros como esa Antología poética del Barrio Chino, publicada por primera vez en 1948 por el poeta Sebastià Sanchez-Juan. En ella encontramos versos y canciones de autores tan distintos como Alsamora, Baudelaire, Carner, Cirlot, Delgado, Garcés, Guerau de Liost, Maragall, Musset, Perucho, Salinas, De Sagarra, Salvat-Papasseit, Spender y Verdaguer....//... | ||||||||
| Titulo | Tutti i colori del mondo | ||||||||
| Autor | G. Tes | ||||||||
| Publicacion | Corriere della Sera | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Tanto el "Corriere della Sera" como la publicación "Come" (1-12-05) Realizan un completo reportaje sobre esta convocatgoria de mail art organizada por Claudio Jaccarino con la colaboración de César Reglero. La publicación "Come", además de glosar la figura de Claudio Jaccarino y de su Laboratoirio di Cromogafía, realiza un completo informe sobre el mail art y la integración de este movimiento dentro de la enseñanza a través de una entrevista a este artista multidisciplinar.
DOCUMENTACION TUTTI COLORI DEL MONDO PROGETTO INTERNAZIONALE DI ARTE POSTALE international mail art project Scuole elementari di via Scrosati, Milano, Italia Scuole elementari di via Vespri Siciliani, Milano, Italia Laboratorio di cromografia - Labcrom di Sol TUTTI I COLORI DEL MONDO Scuole elementari di via Scrosati Via Scrosati 3 20146 Milano Italia Scuole elementari di via Vespri Siciliani Via Vespri Siciliani 75 20146 Milano Italia -No se devolverá ningún trabajo -Los trabajos serán expuestos al término del curso escolar 2005/2006 -Se enviara documentación a todos los participantes | ||||||||
| Titulo | art.es,arte_contemporáneo | ||||||||
| Autor | Fernando Galán | ||||||||
| Publicacion | art.es,arte_contemporáneo | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | ................................................................
art.es,arte_contemporáneo_internacional anuncia la publicación de su nº 10, con los siguientes contenidos: • Proyecto art.es nº 10: Marina Abramovic & IPG, técnica mixta. Portada y 17 páginas interiores. Como siempre, en exclusiva para la revista. Introducción de James Wescott. • Reflexión: - La Berlín inacabada atrae al artista español (Andrea Rodés). - Conceptual (Victoria Combalía). - IPG: un futuro prometedor para el “performance” (James Wescott). • Media_Art: Entevista con Iván Marino (Lucía Ayala y Sara Constantini). • Arte_Off_Art. (Nilo Casares y Ximo Lizana).. • Cine: La comunidad RAF. Sobre terrorismo, democracia y cine (Rubén Hernández).. • Entrevista: - ¡Oh, Berlín ! Entrevista con Sabrina van der Ley, directora artística de Art Forum Berlin (Fernando Galán).. • Obra_y_Palabra: - Kim Chang-Young (Japón).. - Jesús Gómez (España). - Kyungwoo Chum (Corea / Alemania). • ¿Qué pasa en... Beijing? (Fernando Galán). • Bienales: - Bienal de Arte Chino de ;ontpellier 05, Francia (Menene Gras de Balaguer). Además de crónicas de los corresponsales sobre Exposiciones en todo el mundo. Y la sección de Libros. Los puntos de distribución de art.es (galerías, museos, librerías especializadas, instituciones culturales...) ascienden ya a 375 en 58 países. Speedimpex empieza a distribuir art.es en Estados Unidos. Hasta el final de este año art.es participará con stand en Arte Lisboa y Art Basel Miami Beach. art.es es Revista Asociada oficial de Art Forum Berlin. (www.art-forum-berlin.com) | ||||||||
| Titulo | La paradoja del trigo | ||||||||
| Autor | Lisy Smiles / La Capital | ||||||||
| Publicacion | La Capital | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte postal,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ITINERANCIA DE UNA IMPORTANTE EXPOSICIÓN DE MAIL ART: La paradoja del trigo
Unas doscientas piezas de arte correo se exponen en el Macro. La convocatoria comenzó en 2003, ante las imágenes de niños argentinos denutridos Nunca hay una sola forma de contar una historia. Es difícil lograr que un único relato contenga tantos significados. Algo de eso ocurre por estos días en el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (Macro). Cientos de piezas de arte correo se muestran en sus dos últimos pisos. Llegadas de distintos puntos del mundo, son la respuesta a la desafiante pregunta: "¿Hambre en el país del trigo?". La idea surgió a principios de 2003, en Girona, Catalunya. Hasta allí habían llegado las imágenes de niños tucumanos desnutridos. La cuestión movilizó a un grupo de artistas que decidió recurrir a una convocatoria de arte correo. Desde entonces no cesan de llegar pequeñas obras de lugares tan disímiles como las historias que transmiten: Corea, Italia, Japón, Canadá, Inglaterra, por citar algunos. "El hambre es una invención humana", o "No me mientas, no todos tienen hambre" son algunos de los textos que acompañan las imágenes: a veces dibujos, otras, tan sólo una trama tejida con la palabra hambre. Eduardo Sívori es argentino, museólogo y psicólogo social, vive en Catalunya desde 2001 y fue el mentor de la convocatoria junto a otros miembros de la Asociacio Amistat i Cultura Catala Argenti de Girona. En diálogo con Señales recuerda que tras la crisis de 2001 se abrieron cuentas bancarias para depositar dinero, y se enviaron alimentos, ropa y medicamentos. "Nosotros nos movilizamos para hacer algo que fuera más allá de esas acciones. Nos interesaba trabajar sobre la concientización de esa paradójica situación: que se mueran niños de hambre en el país de las vacas y el trigo", advierte Sívori. Cinco continentes Entonces, Sívori convocó a Clara Bacquelaine (especialista en arte) y juntos comenzaron a trabajar sobre la idea. "Yo, como museólogo, me contacté con los artecorreístas más reconocidos de los cinco continentes", y las piezas comenzaron a llegar. Al poco tiempo la muestra tomó forma y se montó en una sala catalana que ofreció el Club de Amigos de la Unesco. Hoy, ampliada, se expone justamente en el Macro, cuyo edificio originariamente fue un silo, un depósito de cereales. La curadoría de la muestra está en manos de Kuki Cumini, quien explicó que las piezas fueron "acomodándose" a medida que armaba la exposición. Presentadas por grupos, como si fueran collages, ofrecen nuevas preguntas o irónicas respuestas al interrogante que generó la convocatoria. Son como detalles que se amplían en imágenes únicas cuando se las observa en particular. Una cuchara vacía, fotos de políticos intervenidas de diversas maneras, los famosos billetes con el rostro del ex presidente Carlos Menem, avisos del mercado rosarino de cereales o la palabra hambre escrita en distintos idiomas, las imágenes se esparcen por los dos últimos pisos del Macro. El sitio elegido brinda una locación especial y también podría decirse espacial, por su pasado de silo cerealero pero también porque es un mirador hacia la ciudad que crece de la mano de la soja. Incluso hasta hace pocos días unos pisos más abajo podía observarse una muestra de las contratapas de la revista Barcelona. Esa posibilidad funcionaba junto al arte correo como una continuidad. Algunas de las páginas expuestas podían también responder a la pregunta lanzada a través del arte correo. La muestra ¿Hambre en el país del trigo? permanecerá expuesta hasta el 31 de diciembre. Se puede visitar de jueves a martes, de 16 a 22. Pero no sólo se puede visitar, también se ofrece la posibilidad de enviar piezas ya que la convocatoria continúa y además no sólo está abierta a diseñadores, artistas plásticos o ilustradores. "En realidad, puede participar todo aquel que lo desee y que acompañe su decir junto a un hecho creativo", detalló Sívori. Por mail o correo tradicional ahora el ex silo Davis alberga imágenes sobre el hambre en el país del trigo. | ||||||||
| Titulo | Homenaje a Guillermo Deisler | ||||||||
| Autor | Erick Bellido | ||||||||
| Publicacion | La Nación | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Arte postal a la carta Erick Bellido
La Nación, Martes 13 de Diciembre de 2005 Con trabajos realizados por más de 200 artistas de la corriente art-mail se exhiben 800 creaciones inéditas en la muestra "No a las fronteras, sí a la interculturalidad". La exposición es un homenaje al creador fallecido hace diez años. Como una forma de testimoniar su legado artístico y plástico, desde el fin de semana pasado y hasta el 23 de diciembre se encuentra abierta al público la exposición "No a las fronteras, sí a la interculturalidad", en el Campus Santiago de la Universidad de Talca, ubicado en Québec 415, Providencia. Elke Grundmann de Alemania, Pete Spencer de Australia, Luc Fierens de Bélgica; Antonio Cares y Rodrigo Andrade de Chile, junto a otros artistas de Holanda, Francia, Hungría Italia, Japón, Portugal y Puerto Rico, se unieron para rendirle un homenaje al extinto poeta visual fallecido hace 10 años en la ex República Democrática Alemana. En esta verdadera galería visual se recogen una serie de trabajos y testimonios estéticos enviados por más de 200 artistas vía correo tradicional y mail, armando una muestra colectiva de 800 obras inéditas, las cuales serán montadas con posterioridad en Talca y Antofagasta, para después itinerar por Sudamérica y Europa. Para el coordinador responsable de la muestra, César Reglero, "el espíritu de Guillermo Deisler sigue planeando entre nosotros". Por esta razón, cuando recibió un mensaje de su par Clemente Padín, solicitando ideas para el homenaje a Deisler "inmediatamente llamé a una convocatoria mundial de mail-art. Y el resultado está a la vista, pues la respuesta fue increíblemente buena, fuera de lo presupuestado". LEGADO De Deisler se sabe mucho sobre su historia de luchador por las libertades, su exilio, su manera de entender el arte correo como forma de traspasar fronteras, de unir culturas, o de entender la poesía visual como lenguaje universal para acercar a los seres humanos, pero popularmente, poco se sabe en Chile de su real aporte al mundo del arte. Ahí el valor de esta muestra. Deisler destacó por ser uno de los principales promotores de la poesía visual mediante la técnica del arte-correo desde fines de la década del 60 y hasta medidos de los 90. Una vertiente poco diseminada en Chile, pero que el homenajeado desarrolló con personal estilo y pasión. Formó un grupo solidario que fue ejemplo de cómo el arte postal puede ser un instrumento poderoso para denunciar injusticias y servir de puente para unir voluntades con independencia de razas y credos. Pero donde este chileno alcanzó su máxima producción poética fue en Europa, lugar desde donde se caracterizó por la innovación en las técnicas de grabado y, temáticamente, por la integración de elementos culturales heterogéneos, junto a una profunda preocupación por el respeto y la comunicación entre los pueblos. La preocupación de Deisler por la universalidad de la cultura y la no existencia de límites que coartan su desarrollo se refleja en parte en esta muestra, donde se integran imágenes gráficas y otros códigos no-lingüísticos en los textos, además del uso de un lenguaje material, con dimensiones verbales, visuales y sonoras, como forma portadora de significados. "En su poesía mi padre exploró y desarrolló el lenguaje como la máxima expresión de comunicación, incluso más allá de la palabra. Su obra unió a los artistas del mundo, pese a ser un arte irreverente, ya que permite intervenir la obra de otras personas. Ahí su valor", comenta a La Nación la hija del artista Mariana Deisler Coll. Copyright © 2003, Empresa Periodística La Nación S.A. | ||||||||
| Titulo | Homenaje a Guillermo Deisler | ||||||||
| Autor | Erick Bellido | ||||||||
| Publicacion | La Nación | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis |
Amigos todos: Aquí va un artículo que sacó hoy martes La Nación. Está muy hermoso y quice compartirlo. Un abrazo, Mariana ---------- Forwarded message ---------- From: mdeisler@yahoo.com < mdeisler@yahoo.com> Date: 13-dic-2005 11:37 Subject: Noticias de La Nación To: mariana.deisler@gmail.com Va el artículo Noticia de LaNacion.cl: Arte postal a la carta Arte postal a la carta Erick Bellido La Nación, Martes 13 de Diciembre de 2005 Con trabajos realizados por más de 200 artistas de la corriente art-mail se exhiben 800 creaciones inéditas en la muestra "No a las fronteras, sí a la interculturalidad". La exposición es un homenaje al creador fallecido hace diez años. Como una forma de testimoniar su legado artístico y plástico, desde el fin de semana pasado y hasta el 23 de diciembre se encuentra abierta al público la exposición "No a las fronteras, sí a la interculturalidad", en el Campus Santiago de la Universidad de Talca, ubicado en Québec 415, Providencia. Elke Grundmann de Alemania, Pete Spencer de Australia, Luc Fierens de Bélgica; Antonio Cares y Rodrigo Andrade de Chile, junto a otros artistas de Holanda, Francia, Hungría Italia, Japón, Portugal y Puerto Rico, se unieron para rendirle un homenaje al extinto poeta visual fallecido hace 10 años en la ex República Democrática Alemana. En esta verdadera galería visual se recogen una serie de trabajos y testimonios estéticos enviados por más de 200 artistas vía correo tradicional y mail, armando una muestra colectiva de 800 obras inéditas, las cuales serán montadas con posterioridad en Talca y Antofagasta, para después itinerar por Sudamérica y Europa. Para el coordinador responsable de la muestra, César Reglero, "el espíritu de Guillermo Deisler sigue planeando entre nosotros". Por esta razón, cuando recibió un mensaje de su par Clemente Padín, solicitando ideas para el homenaje a Deisler "inmediatamente llamé a una convocatoria mundial de mail-art. Y el resultado está a la vista, pues la respuesta fue increíblemente buena, fuera de lo presupuestado". LEGADO De Deisler se sabe mucho sobre su historia de luchador por las libertades, su exilio, su manera de entender el arte correo como forma de traspasar fronteras, de unir culturas, o de entender la poesía visual como lenguaje universal para acercar a los seres humanos, pero popularmente, poco se sabe en Chile de su real aporte al mundo del arte. Ahí el valor de esta muestra. Deisler destacó por ser uno de los principales promotores de la poesía visual mediante la técnica del arte-correo desde fines de la década del 60 y hasta medidos de los 90. Una vertiente poco diseminada en Chile, pero que el homenajeado desarrolló con personal estilo y pasión. Formó un grupo solidario que fue ejemplo de cómo el arte postal puede ser un instrumento poderoso para denunciar injusticias y servir de puente para unir voluntades con independencia de razas y credos. Pero donde este chileno alcanzó su máxima producción poética fue en Europa, lugar desde donde se caracterizó por la innovación en las técnicas de grabado y, temáticamente, por la integración de elementos culturales heterogéneos, junto a una profunda preocupación por el respeto y la comunicación entre los pueblos. La preocupación de Deisler por la universalidad de la cultura y la no existencia de límites que coartan su desarrollo se refleja en parte en esta muestra, donde se integran imágenes gráficas y otros códigos no-lingüísticos en los textos, además del uso de un lenguaje material, con dimensiones verbales, visuales y sonoras, como forma portadora de significados. "En su poesía mi padre exploró y desarrolló el lenguaje como la máxima expresión de comunicación, incluso más allá de la palabra. Su obra unió a los artistas del mundo, pese a ser un arte irreverente, ya que permite intervenir la obra de otras personas. Ahí su valor", comenta a La Nación la hija del artista Mariana Deisler Coll. Copyright © 2003, Empresa Periodística La Nación S.A. | ||||||||
| Titulo | El arte de la acción | ||||||||
| Autor | LLUIS ALABERN Y JOAN CASELLAS | ||||||||
| Publicacion | Lateral / Revista de Cultura | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | A propósito de Günter Brus
La retrospectiva “Quietud nerviosa en el horizonte” (en el MACBA hasta el 15 de enero) presenta por primera vez en España una visión de conjunto de la obra del artista austriaco Günter Brus (1938). Dos artistas performers de la siguiente generación, integrantes del fenómeno grupal de baja intensidad Nova Acció en la Barcelona de principios de los noventa, discuten sobre su obra. | ||||||||
| Titulo | JESÚS ALGOVI: PALABRAS NAUFRAGADAS | ||||||||
| Autor | F. Basco Graciá | ||||||||
| Publicacion | Bonart | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | JESÚS ALGOVI: PALABRAS NAUFRAGADAS PARA NAVEGAR POR UN MAR DE POESIA.
Museu d'Art Modern de la Diputació, Tarragona. Del 10 de noviembre al 11 de diciembre de 2005. 12 de noviembre de 2005. (Crónica de F. Basco Graciá). El polifacético artista Jesús Algovi (Jerez de la Frontera, 1968) exhibe una veintena de cuadros, esculturas e instalaciones, distribuidos en tres salas del Museu d'Art Modern de la Diputación de Tarragona, bajo el título "Palabras naufragadas", en las que el denominador común son las letras, esparcidas por el suelo, formando parte de un cuadro o conformando una gran gota de agua. Una auténtica sopa de letras que incita al espectador a navegar por un mar de ideas. Todas ellas forman parte de las distintas obras expuestas, integradas por poemas que ha desarmado el artista. Este interés por las letras le viene de su relación con la poesía, según ha declarado Algovi, que desde muy joven estuvo rodeado de amigos poetas. La muestra ha sido expuesta en The Air Galery de Londres y en diversas salas de Alemania y Estados Unidos. CUATRO BLOQUES Las obras que presenta el artista están divididas en cuatro bloques: Proyecto Sísifo, que recoge el viaje de una esfera de aluminio de 80 cm. de diámetro por diversos espacios de la naturaleza y la sociedad, con letras que Algovi creó en 2001 en Alemania; Sala de la luz, que se compone de piezas bidimensionales con letras impresas, algunas de ellas iluminadas, que quiere simbolizar el conocimiento, la cultura; New transit, donde expone diversos grabados procedentes de planchas de metal, que quedan reflejadas en huellas de coches y de personas, y Alma cíclica, que consiste en una escultura-instalación y veinte impresiones digitales sobre lienzo, acompañado de un vídeo. La pieza central es una gran gota de agua, formada por multitud de letras de acero que terminan por caer al suelo. Jesús Algovi con sus colaboradores VARIEDAD DE MATERIALES La muestra destaca, también, por la variedad de materiales empleados para la elaboración de las obras: madera, cristal, papel, aluminio, luces interiores, imágenes de vídeo. El autor consigue con ello despertar en el espectador ideas y sentimientos, evitando la indiferencia. Presidió el acto de inauguración de la muestra Joaquim Nin Borredà, diputado delegado de Cultura; acompañado de Rosa M. Ricomá, directora del Museu d'Art Modern, y el pintor, acompañado de su pareja, Viki Vassiliou, y los galeristas Josef y Andrea Nisters. UN TRABAJO SÓLIDO Rosa M. Ricomá realizó una magnifica presentación del artista y de su obra, que calificó como un trabajo sólido, que ha hecho que su obra haya estado presente en muchas ciudades españolas y europeas, pero particularmente en Alemania y en Estados Unidos. Se trata de cuatro instalaciones que tienen rasgos diferenciales con un lazo común: están basadas en las palabras. Palabras que toman formas diversas, que se distribuyen avanzando en el espacio su presencia, formando figuras fácilmente identificables o esparciéndose por el suelo como estrellas en el espacio infinito. Pero al fin y al cabo palabras perdidas entre letras. El artista con Rosa Ricomá y Quim Nin UNA OBRA QUE INSPIRA POESIA Rosa Ricomá destacó el hecho de que estas palabras (letras) aparentemente independientes, o arrancadas de un texto, tienen un discurso, un contenido. Podemos decir que es la desconstrucción de los poemas que escribe el artista en muchos casos, poemas que -según comenta el artista - destruye, deshace, una vez finalizada la obra, y que se pueden considerar como un esbozo de su obra plástica posterior. "Es cierto que no podemos identificar buscando las letras las palabras que identifican estos poemas - dice Rosa Ricomá -, pero si podemos decir que sus obras inspiran y transmiten la poesía que los ha engendrado". Finalmente, dio la bienvenida a la obra de Algovi y agradeció la confianza depositada en el Museu d'Art Modern de Tarragona. El artista pronunció unas palabras de agradecimiento e hizo votos para que su obra sea visitada y disfrutada por los tarraconenses. UN PLATO DE BUEN GUSTO Cerró el acto el disputado Quim Nin comparó la muestra con un plato de buen gusto, de estos tan especiales que elaboran los buenos cocineros, y que cuando los saboreas te das cuenta que se trata de un auténtico arte. Una muestra, por tanto, de un paladar exquisito. Es importante que cuando observamos una obra de arte nos diga alguna cosa que la identifique. Finalmente señaló que se trata de una de las exposiciones que, con el paso del tiempo se puede acordar uno de ellas. Y destacó que la Diputación fomenta la cultura y el arte con exposiciones como esta, que dejan huella y se recordarán seguramente durante mucho tiempo. Rosa Ricomá presenta al artista EL ARTISTA Jesús Algovi nació en Jerez de la Frontera en 1968; reside en Sevilla desde 1974. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, en 1990. Se trata de uno de los artistas andaluces con mayor prestancia en los circuitos internacionales. Su obra trata de temas trascendentes como el paso del tiempo, el análisis de la cultura, la esperanza de las cosas y el amor. Sus propuestas se han visto en Europa y en Estados Unidos, destacando entre ellas la celebrada en The Air Gallery, de Londres, en 2002, y en Art Chicago y Art Nueva York, en 2003. Pero no acaba aquí su actividad artística. Es tenor en una coral sevillana; pianista con estudios de más de ocho años; poeta con libros publicados; boxeador aficionado y portero de fútbol en equipos amateurs. Todas estas actividades le permiten opinar que "en la vida hay muchas más cosas que estar inmerso en la burbuja que es mi estudio. Todas estas actividades me enriquecen y me dan otro sentido de la realidad". | ||||||||
| Titulo | Del Poema Objeto al Objeto Imposible | ||||||||
| Autor | Josep Maria Rosselló | ||||||||
| Publicacion | El Diari de Tarragona | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Dentro de su sección -Pas de Zebra-( L´etern retorn, J.M. Roselló publica un artículo sobre el décimo aniversario de La Vaquería en los siguientes términos:
"Fresca y brillant, la celebració del 10è aniversari de La Vaqueria amb la exposició de César Reglero del Poema Objeto al objeto Imposible, comisariada por Maribel Ferrús. Una explosión de diversitat d´objetes manipulats amb finalitats simbòliques properes al surrealisme, al seu voltant la papallona de la paradoxa i el somriure de la sorpresa. En la presentación, l´artista i el poeta visual Guillermo Marín varem fer una traducció simultània sota paraigua, digna dels millors gags de Tip i Coll. Eddie ens va sorprendre amb la Performance Huesos de Luciérnaga, i Carles García Tomillero ens va a regalar una exquisida interpretació del monòlog del gran còmic Alady -Ay caramba, caramba-, El tot Tarragona "vaquer" es va a concentrar al café-cantant, entre els quals hi havia el màgic fotògraf Pep Escoda i el misteriós Xer Recsens (sis(6, insigne director del Museo de la Nada." El autor del artículo se deja algunas cosas en el tintero, como el comisariado conjunto de Maribel Ferrús y César Reglero, la actuación del Els Diables y la colectiva que acompañó a la individual de César Reglero, y en la que participaron autores tan destacados como: Agustín Calvo, Carles Canetti, Gloria F. Ros, Gustavo Fernández, Jacinto García, Isabel Jover, Manuel Calvarro, Nuri Efe, Paco Muñoz, etc. Ruggero Maggi Unai Reglero | ||||||||
| Titulo | 10 años del Macba y Desacuerdos | ||||||||
| Autor | Catalina Serra | ||||||||
| Publicacion | Quadern/ El País | ||||||||
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| Materia | Poesia conceptual,Arte de accion,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | En un amplísimo reportaje de tres páginas, Catalina Serra hace una bellísima loa de los diez años de actividad del Macba, y glosa la figura de su director Borja-Villel de manera exhautiva. Sólo queremos hacer un pequeña anotación desde el Boek861 que informó puntualmente del maltrato dado a la Poesía Experimental en la magna muestra de "Desacuerdos". Curiosamente Catalina Serra publica la fotografía de la obra de Fernando Millán en esta muestra y señala esta exposición como el acontecimiento del año en el 2005, pero no dedica ni una sola línea a señalar los desastres de este acontecimiento. Por otro lado, apunta la buena relación existente entre la Asociación de Artistas Visuales de Cataluña (AA.VV.) (a la que ella pertenece) y el Macba. Y esto nos parece muy bien, pero nosotros pensamos que lo cortés no quita lo valiente. Diez años de flores y laureles, sin una sólo espina, es excesivo, querida Catalina. -CRC- | ||||||||
| Titulo | La Vanguardia se llama "collage" | ||||||||
| Autor | Catalina Serra | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Hace unos meses comentabamos en este espacio, a propósito de una retrospectiva de Juan Gris y el cubismo:
"...//...Debemos señalar en primer lugar que el cubismo pertenece a lo que se ha venido denominando la primera vanguardia, porque presenta nuevos lenguaje y, en consecuencia, es claramente transgresor de los cánones de la Academedia. Por otro lado, nos muestra la obra desde una perspectiva múltiple no lineal, lo cual entronca directamente con el experimentalismo. Igualmente el frecuente uso del collage pertenece a un recurso catalogado muchos siglos atrás por Rafael de Cózar (cantón) y que ya en su momento, supuso una innovación por cuanto consistía en trabajar a partir de poemas de otros. Una especie de apropiacionismo que se repite en el Collage. El cubismo fué un movimientos con una clara tendencia a la integración de todas las artes, en la búsqueda de un arte total e integral y asi se manifiesta con el uso del collage.Picasso, en este sentido, fué quién más avanzo por este terreno, con incursión en todas las artes buscando la interdisciplinaridad entre ellas. Finalmente decir que que al no ofrecer una lectura lineal, el cubismo está buscando la complicidad del espectador, ... y será necesaria su colaboración, la conexión más o menos inmediata con la obra o el salto de una chispa de complicidad, para que la obra adquiera su pleno sentido. ...//..." Ahora es una retrospectiva sobre el collage en la Fundación Miró la que actualiza el tema, pero desde otros supuestos. En cualquier caso, a nosotros nos interesa resaltar tanto el cubismo como el collage como antecedentes directos de la poesía experimental. El primer paso lo dió Braque en 1899, pero fué de la mano de Picasso en 1912, cuando el collage adquirió su máxima dimensión. Con la potencia propia del maestro malagueño, el collage salió propulsado y hoy en día resulta un elemento tan cotidiano que nadie apenas lo tiene en cuenta, pero lo cierto es que de él mamaron posteriormente los futuristas, surrealistas y dadaistas sin ningún problema. -CRC- | ||||||||
| Titulo | LA SIMETRIA DEL SUEÑO DE JOSE MARIA MOLINA CABALLE | ||||||||
| Autor | JOSE-CARLOS BELTRAN | ||||||||
| Publicacion | LA SIMETRÍA DEL SUEÑO | ||||||||
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| Materia | Poesia conceptual | ||||||||
| Sinopsis | La sombra y el sueño
de José María Molina XXIV Premio de poesía Ciudad de Benicarló 2004 José-Carlos Beltrán "LA SIMETRIA DEL SUEÑO" de JOSE MARIA MOLINA CABALLERO. Prólogo de MANUEL GAHETE JURADO AYUNTAMIENTO DE BENICARLÓ (cASTELLÓN) 45 PAG. Con “La simetría del sueño, José María Molina Caballero, es galardonado con el XXIV Premio Nacional de Poesía “Ciudad de Benicarló” 2004, siendo este el sexto libro, tras “Río de sombras” 1990, “Silencios rotos” 1990, “Convidados de piedra” 1991, Accésit Premio G.A.Vecquer” 1990,“Un naufragio cualquiera” 1993, Accésit Premio Nacional Rafael Alberti 1992.y “El color de la bruma” 1995, que componen la obra de una voz de interés dentro de la poesía española actual, cuando se trata de buena poesía, de esta que hace llegar a revelar sentimientos no gratuitos movidos por el mensaje del autor que se deja su vida en cada verso, limpiamente, intentando hacer surgir en cada momento, el desasosiego que no le deja tranquilo, como hombre que vive preocupado por su entorno en todos los sentidos, convirtiendo esa experiencia en verso bien escrito y directo al lector, con un idioma bien cuidado .Culminando su obra con este “La simetría del tiempo” en el que esta experiencia se pone de manifiesto en cada poema, dando una obra de madurez tanto creativa como vivencial. José María Molina Caballero , Rute (Córdoba) 1961 además y sobre todo poeta, es un referente dentro de la poesía española como editor-director desde Rute (Córdoba) de una de las revistas de más prestigio en español, “Anfora Nova” que este año cumple sus quince años y en la que han colaborado las principales voces de habla hispana. Además de ser Director de la editorial Anfora Nova, que edita los libros galardonados con el Premio Mariano Roldán, entre otros. Miembro de la Real Academia de Córdoba desde 1991. Un hombre dedicado en diferentes facetas al mundo del verso, me hace recordar el caso de Manuel Altolaguirre, que este año celebramos su centenario. Molina como divulgador de poetas, a veces olvidándose de sí mismo y de su obra, como lo hizo el maestro, prueba de ello es este “La simetría del sueño” que dista una década de su última entrega. Gracias a hombres como este se escribe la historia de la poesía. “El mundo es un tapiz de sombra y sueño” con este verso de Fernando Pessoa, se inicia el libro, como un anuncio de lo que nos vamos a encontrar en su interior, dividido en tres partes : Los días simétricos”, Los perfiles del sueño” y “Simetrías interiores” ya en estos anunciados se ve reflejada siempre la duda en los momentos difíciles. El libro se inicia con un acertado prólogo de Manuel Gahete, un buen poeta, que nos ayudará a entender un poco mejor este libro breve pero intenso, en el que encontramos un Molina Caballero, intimo lleno de dudas por las desdichas que la vida comporta, “Es posible que no quiera entenderlo” pag 13, nos dice en el primer verso del libro, pero a la vez con la necesidad esperanzadora de sobrevivir su tiempo “Las palabras nos sobreviven” pag 14, en el poema “Las palabras” quizá el mejor del libro. “Es posible/ redimir las penas que afligen/ nuestras manos manchadas por la vida/ y de la derrota de los dogmas” pag 15 con esta estrofa nos presenta su mundo de esperanzas y de dudas, que es el tema central de este “La simetría del sueño” que se cierra diciendo “En la vida concurren tentaciones / con las que casi siempre claudicamos “ pag 47, como un signo de debilidad que nos persigue en nuestro natural transcurrir. En resumen nos encontramos ante un buen libro, con el que la obra de José María Molina Caballero se enriquece, y nos hace abrir la ilusión a la espera de nuevas vivencias poéticas, como parte de una vida entregada | ||||||||
| Titulo | Abelardo Morell, fotografia y libro de artista | ||||||||
| Autor | Belén Ginart | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | Nunca pude imaginar que la fotografía pudiera hacer libros de artista, pero Abelardo Morell asi lo demuestra. Sus fotografías hacen libros de artista con una facilidad pasmosa. La relación que mantiene con ellos es tan intensa que produce este milagro de manera instantánea:
»Mi atracción por los libros no estaba tan relacionada con su rareza o su preciosismo como con mi deseo de encontrar en ellos las historias que quería contar. La finalidad de mi trabajo es hacer fotografías de aquellas narraciones imaginarias. Uno de los mayores placeres que me ha proporcionado este trabajo ha sido dedicar mucho tiempo a mirar, abrazar, oler y leer muchísimos libros: grandes, altos, pomposos, modestos, divertidos, tristes, orgullosos, injuriosos y radiantes. Naturalmente, además de estos, hay muchos más que necesitan ser encontrados, ¡por quién sea! Para mí, la magia de estos objetos es algo que se sitúa entre la fotografía de un libro y el libro en sí mismo. A veces he vivido la maravillosa experiencia de llegar a la certeza de que los libros contienen todo el material de la vida, todo lo que cabe entre la A y la Z.» Abelardo Morell nace en 1948 en La Habana, Cuba. Emigra con sus padres a Estados Unidos a los 14 años. Ha realizado numerosas exposiciones individuales, principalmente en Estados Unidos (Chicago, Los Angeles, Baltimore, San Francisco, Detroit...), así como en Canadá, Israel, Londres, París, Tokio, México... El Museum of Modern Art de Nueva York, el Art Institute de Chicago y otros más de cuarenta museos e instituciones de todo el mundo han incorporado obras de Abelardo Morell en sus colecciones. Ha recibido numerosos premios, entre ellos el Guggenheim Fellowship en 1993. Ha publicado ocho libros de fotografía. Actualmente es profesor de fotografía en el Massachusetts College of Art. | ||||||||
| Titulo | Abelardo Morell, fotografia y libro de artista | ||||||||
| Autor | Belén Ginart | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis |
»Mi atracción por los libros no estaba tan relacionada con su rareza o su preciosismo como con mi deseo de encontrar en ellos las historias que quería contar. La finalidad de mi trabajo es hacer fotografías de aquellas narraciones imaginarias. Uno de los mayores placeres que me ha proporcionado este trabajo ha sido dedicar mucho tiempo a mirar, abrazar, oler y leer muchísimos libros: grandes, altos, pomposos, modestos, divertidos, tristes, orgullosos, injuriosos y radiantes. Naturalmente, además de estos, hay muchos más que necesitan ser encontrados, ¡por quién sea! Para mí, la magia de estos objetos es algo que se sitúa entre la fotografía de un libro y el libro en sí mismo. A veces he vivido la maravillosa experiencia de llegar a la certeza de que los libros contienen todo el material de la vida, todo lo que cabe entre la A y la Z.» Abelardo Morell nace en 1948 en La Habana, Cuba. Emigra con sus padres a Estados Unidos a los 14 años. Ha realizado numerosas exposiciones individuales, principalmente en Estados Unidos (Chicago, Los Angeles, Baltimore, San Francisco, Detroit...), así como en Canadá, Israel, Londres, París, Tokio, México... El Museum of Modern Art de Nueva York, el Art Institute de Chicago y otros más de cuarenta museos e instituciones de todo el mundo han incorporado obras de Abelardo Morell en sus colecciones. Ha recibido numerosos premios, entre ellos el Guggenheim Fellowship en 1993. Ha publicado ocho libros de fotografía. Actualmente es profesor de fotografía en el Massachusetts College of Art. | ||||||||
| Titulo | Cine letrista | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | AG Macba Informativo | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | El letrismo es un movimiento de vanguardia poco conocido fuera de Francia o de los contornos de la literatura y el cine experimental. Fundado por el escritor rumano Isidore Isou tras su llegada a París en 1945, el letrismo tiene la particularidad de haberse renovado con sucesivas generaciones a lo largo de más de treinta años. Inicialmente un programa de innovación poética (y musical por su condición de poesía sonora), luego fue abriéndose a toda clase de ramas del arte, la cultura y el pensamiento, incluyendo cierta actividad política en torno a la idea de «sublevación de la juventud». El cine fue, desde 1951, un medio frecuentado por diversos miembros del grupo letrista, aunque llevándolo hasta el borde mismo de su aniquilación. Y es, sin duda, uno de los aspectos centrales y más interesantes del «creatismo» inspirado por Isou.
Este volumen recoge –tras un ensayo introductorio que recapitula y señala más ampliamente su historia y sus claves– diversos textos teóricos y panfletarios, guiones y proyectos que reflejan el papel crucial que el cine ha desempeñado entre los adalides y pasajeros de la insolencia letrista. Con textos de Eugeni Bonet y Eduard Escoffet (comisarios del ciclo de cine), Isidore Isou, Maurice Lemaître, Gil J. Wolman, François Dufrêne, Guy-Ernest Debord, Marc’O y Roland Sabatier. Intervenciones de Esther Xargay,Carles Hac Mor, ... | ||||||||
| Titulo | Juan Eduardo Cirlot | ||||||||
| Autor | Norián Muñoz | ||||||||
| Publicacion | Diari de Tarragona | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...Otros poetas visuales de principios de siglo son los catalanes Joan Salvat Papaseit autor del primer manifiesto futurista catalán, y Josep Maria Junoy 3 considerado el primer artista catalán en practicar una estética futurista en España. Estos poetas además de ser influenciados por el creacionismo de Vicente Huidobro, conocen el futurismo italiano que canta el progreso y las máquinas, el dadaísmo, el cubismo y se hacen eco de la plasticidad y visualidad de las nuevas escrituras poéticas con sus caligramas y el uso más o menos innovador de la tipografía, el collage y una nueva disposición del espacio. 4
La década de los sesenta es otro período importante para la poesía visual española. Los poetas españoles comienzan a conocer movimientos vanguardistas extranjeros como el concretismo, el espacialismo, el letrismo o la poesía fonética por ejemplo. Un caso especial es el de Juan-Eduardo Cirlot quien produce poesía experimental desde una orientación y perspectivas únicas en el ámbito español....//...LAURA LOPEZ FERNANDEZ Juan Eduardo Cirlot resucita ante la lente del tarraconense Gerard Gil . El Incurt acogió ayer el estreno del documental ‘Cirlot, la mirada de Bronwyn’ // La figura del poeta catalán es recuperada por Gerard Gil a través de los testimonios de veinte figuras que le conocieron de cerca y entre las que se cuentan desde artistas hasta familiares. Año y medio de trabajo que se pudo ver por primera vez en el marco del Festival Incurt. Poeta, compositor, crítico de arte y coleccionista de espadas. Son sólo algunas de las facetas de ese complejo personaje que fue Juan Eduardo Cirlot (Barcelona 1916-1973). El tarraconense Gerard Gil se ha dado a la tarea de recuperar parte de su historia a través de los testimonios de veinte personas que le conocieron, desde gente como Antoni Tàpies o Joan Guinjoan, hasta sus hijas Lourdes y Victoria. Ha sido año y medio de trabajo que ha dado como resultado una cinta de 50 minutos. El film se estrenó ayer en el marco del Festival Incurt, que este año por primera vez incluye documentales en la programación. Gerard Gil comenta que «con un personaje tan complejo como Cirlot, los testimonios siempre estaban llenos de sorpresas. No es lo mismo acercarse a alguien a través de su obra que hacerlo por medio de las personas que le conocieron». Entre esas ‘sorpresas’ que encontró Gil en el transcurso del rodaje se encontró, por ejemplo, con su afición a las espadas, su sentido del humor o sus relaciones con otros artistas. Pero si algo le conmovió del poeta fue «la gran soledad que transmite», pero aclara que «la soledad de Cirlot es la de todo aquél que emprende ese tipo de búsquedas imposibles y no algo sentimental de lo que se pueda hablar frívolamente». DOCUMENTACIÓN SOBRE EDUARDO CIRLOT Ref.120501/Babelia/ Carlos García Gual El universo simbólico de Juan Eduardo Cirlot El poeta, crítico de arte, artista y compositor Juan Eduardo Cirlot (1916-1973). El reconocimiento pleno del valor de la figura y obra de Juan Eduardo Cirlot se abre camino, al fin, en estos últimos años. Al respecto conviene recordar tanto la exposición sobre el escritor en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), en 1996, y los homenajes de las revistas Barcarola e Ínsula, en sendos números (en 1997 y 2000), y, en definitiva, la tercera edición española, de su Diccionario de símbolos (Siruela, 1997), así como ahora la muy reciente del ciclo entero de Bronwyn. Y bien puede añadirse, como colofón actual, el libro de Jaime D. Parra, Variaciones sobre Juan Eduardo Cirlot. El poeta y sus símbolos (Del Bronce, 2001). Profetizaba hace tiempo Carlos Barral en sus Memorias que algún día se revalorizaría justamente la poesía de Cirlot. Y esa valoración al alza parece que le llega ya con notoria, si bien algo tardía, justicia. Tal vez ha sido necesario un cierto cambio de sensibilidad, una mayor apertura de los horizontes estéticos, para advertir cuán auténticamente refulge en toda la poesía cirlotiana un surrealismo audaz y de muy largo aliento, y cuán admirable resurge su actitud de vanguardia en su apuesta por la literatura simbólica en su sentido más amplio. No es la intención de estas líneas analizar todas las aportaciones de su obra, sino que quisiera tan sólo destacar cómo, en el marco del simbolismo, la figura de Cirlot se destaca con nítido vigor en el panorama hispánico, harto castizo y miope, de su tiempo. Para ello me limitaré a glosar su Diccionario de símbolos, el más querido y laborioso de sus textos, según confesión propia. Un vistazo de conjunto sobre el simbolismo como el que puede leerse en el utilísimo libro La simbología. Grandes figuras de la ciencia de los símbolos (Montesinos, 2001), coordinado por Jaime D. Parra- nos permite observar a Cirlot en la estela de algunos de los grandes pensadores de esta tendencia espiritual, desde Jung y Eliade hasta Bachelard, Guénon y Durand, por citar sólo algunos grandes nombres. En esa tradición simbolista hay que colocar sus trabajos de poética y hermenéutica, y en esa línea hay que valorar su aportación, reconociéndole su papel inaugural en el ámbito hispánico. Fue aquí profeta, a la par de poeta, vinculándose primero al surrealismo francés y al dadaísmo, para inscribirse luego en una tradición espiritualista de muy lejanos horizontes (que incluyen la Cábala, el misticismo sufí y el orientalismo) de anhelo universal. No es tanto la originalidad cuanto la fidelidad a esa tradición poética lo que destaca en su obra. Pero, más como poeta que como ensayista, su escritura está rodeada siempre de un halo singular, con un gusto por los envites lúdicos, los malabarismos léxicos, pero melancólico a veces, entre los múltiples juegos fonéticos y los ecos de quimeras vanguardistas. Componer un Diccionario de símbolos es un reto difícil, porque la empresa requiere cierta audacia y una mirada de atalaya sobre culturas muy diversas, en una perspectiva ecléctica y universalista, que requiere una fina hermenéutica previa a las definiciones. Porque, a diferencia de los signos lingüísticos, que designan lo real de modo preciso, arbitrario y convencional, los símbolos son entes mucho más sutiles y de significado sugestivo, numinoso, espiritual, trascendente. Los símbolos remiten a un mundo que está más allá de lo empírico, un ámbito espiritual e imaginario que se ha definido en una larga y polifónica tradición cultural. Y en una tradición que, pese a su pretendido universalismo, presenta para unos mismos significantes sentidos y connotaciones muy diversas. Para escribir tal diccionario, Cirlot contaba con un repertorio de muchas lecturas, con su sensibilidad poética y con su entusiasmo de coleccionista, como ha resaltado Victoria Cirlot. | ||||||||
| Titulo | LA DESNATADA PRESENCIA DE BELEN REYES | ||||||||
| Autor | JOSE-CARLOS BELTRAN | ||||||||
| Publicacion | INÉDITO | ||||||||
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| Materia | Poesia conceptual | ||||||||
| Sinopsis | LA "DESNATADA" PRESENCIA DE BELEN REYES
José-Carlos Beltrán "Desnatada" de Belén Reyes. 2ª Edición Prólogo Gloria Fuertes e Introducción de Angela Serna. Editorial Celya. Col "Generación de Vértice, Nº 47. Pags 66, Salamanca 2005 De todos es sabido que la poesía es un genero minoritario que interesa a pocos lectores que no sean poetas, por lo tanto como negocio es casi nulo, salvo las editoriales de prestigio especializadas, como pueden ser Visor, Hiperión y últimamente D.V.D, que a su vez funcionan en gran parte a la medida de compartir la financiación de la edición con entidades comerciales o públicas convocantes de premios de prestigio por su alto valor económico, lo que les permite publicar otros libros de su interés. como editoriales comerciales. Lo que nos muestra que si tiene un público determinado, aunque su mayoría gira en torno al verso. En esta situación nos sorprende gratamente ver una segunda edición de un libro de poemas, este "Desnatada" de Belén Reyes, agotada la primera edición en 1992, en la editorial Torremozas dedicada a poesia escrita por mujeres, hecho que demuestra que Luz Maria Jimenez, directora de Torremozas, tiene buen ojo al momento de editar un primer libro, con este " Desnatada" de Belén Reyes, acertó plenamente, y he aquí el resultado de una segunda edición trece años después, ya que es un libro, que con el boca a boca, como se venden este tipo de obras, ha ido cautivando a sus lectores, y en esta ocasión lo hace en una editorial que también arriesga y apuesta por nuevos autores, con firme calidad de obra.y una proyección de futuro. Belén Reyes, madríleña de 1964, en la actualidad lleva un buen racimo de libros de calidad en su haber, obra que define a la mujer, su manera de penar y ser, una forma de vivir entregada a los demás con sencillez y sabiendo en todo momento lo que quiere decir, en un lenguaje cotidiano y directo, sin tapujos desnudándose ante el espejo de la vida. Como dice Gloria Fuertes en el sentido, breve y excelente prólogo a la primera edición de 1992 "¿Por que sé, que Belén Reyes ha nacido poeta?, Porque yo entiendo de poesía" pag 7. "A Belén Reyes se le entiende todo... no esta en la nubes, esta en la tierra" pag 8, palabras que en boca de quien la dice, son todo un testimonio de calidad poética de la autora que nos ocupa. Aunque no sea de las poetas de elite, por las circunstancias quizá provocadas de esa humildad creadora y como persona de Belén Reyes, que la convierte en una `poeta auténtica, fuera de capillas y favoritismos, que muchas veces están lejos de la verdadera poesía, como es la de Belén Reyes. El libro se inicia con un prólogo de Gloria Fuertes, ese espejo donde se mira Belén Reyes, dando resultado un libro como "Desnatada" una primera salida con calidad probada, a la que continuaran libros como "Fotograma de mujer" 1997, "La carta" 1999, o "Ponerle un bozal al corazón" 2002, en el que alcanza plena madurez su obra, sin apartarse de las coordinadas que la definen lo largo de sus libros, de sencillez en el lenguaje y cotidianidad en la obra, con todos los momentos, sinsabores, que comporta una vida de mujer entregada con toda su conciencia social. "Desnatada" nadie podría decir que en su momento se trataba del primer libro de la autora, dada su calidad, con un idioma claro y directo, como crónica de la dura realidad de la experiencia, bajo el magisterio de su amiga Gloria Fuertes, como su prolongación para siglo XXI. Versos que son tirones de su vida, sin disimulos, abiertos al corazón dispuesto a escuchar. "Y que sucede / si de pronto un día / te das cuenta de que todo es mentira..." pag 63 pués sucede los apuntes en forma de poema que componen el libro "Desnatada" un desencanto, por aquello que creíamos valido, y que nos ha llevado al desengaño. "Estoy al borde de ser borde" pag 19, inicial verso que nos guiará a lo largo del libro, dice Belén Reyes "Puedo mirarme dentro , en la oscura presencia / de todo lo vivido", pag 60 "Todos van a algún sitio y yo no sé que espero" pag 29, cuando se da cuenta que "La verdad , un siniestro/ y muchas víctimas" pag 31 aunque se revela de ser víctima por lo que lucha en cada uno de sus poemas para no ser absorbida por el entorno acelerado del día al día , haciéndose notaria de las horas vividas entre la duda y el desengaño. "Las palabras se abren/ como heridas" pg43, "Yo tenía una herida a plazo fijo" pag51, llegando a la conclusión casi al final del libro en el intento de aprender la lección "Inventarme vivir/ desenredar nostalgias"..."La vida es un burdel / donde todo se paga" pag 54, y como grito de rebeldía y liberalización nos dice "Porque puedo escribir/ lo que me da la gana" 55, y ello se aprecia a lo largo de todo el libro, uno de los valores fundamentales de estos poemas, que reflejan el pensar y ser de una mujer moderna y que ama la vida, aunque la quisiera de otra manera. En resumen un buen libro, para releer a quienes ya lo conocía en su primera edición o leerlo en esta 2ª edición, como un acierto del editor Joan Gonper, por lo que representa el escaso mercado de la poesía, una aventura que no se ha realizado gratuitamente, sino porque era necesario llevar el mensaje para abrir ojos, e intentar cultivar esperanzas. | ||||||||
| Titulo | Marcello Diotallevi | ||||||||
| Autor | Ettore le Donne | ||||||||
| Publicacion | L´Oracolo | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte postal,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Marcello Diotallevi es uno de los poetas visuales italiano con mayor proyección en esta disciplina por la increible fuerza de muchas de sus obras que, como es el caso de su última exposición: "Lettere di Citara", muestras un letrismo tipográfico que impresiona por su estética y su poder sugestivo. El cuerpo de la mujer es otro de los iconos que receptivamente acogen de manera simbólica el mensaje de Marcello Diotallevi. | ||||||||
| Titulo | Arte Postal en Elche | ||||||||
| Autor | Juan Llorens | ||||||||
| Publicacion | Diario de Elche | ||||||||
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| Materia | Arte postal,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...O DE COMO JUAN LLORENS LUCHO CONTRA LOS ADOS MALIGNOS...
Desde la Primera Convocatoria Internacional de Arte Postal en Elche hasta la segunda han pasado cuatro años y Juan Llorens evoca en esta crónica algunas sensaciones de la experiencia inicial y aprovecha la ocasión para hacer un repaso a la historia del mail art a partir de su propia experiencia: desde su primer contacto a partir de una lata de cocacola chafada provinente de Dinamarca, hasta su encuentro casual con una página de El País que hablaba de Pere Sousa, Ibírico y César Reglero, en aquellos momentos estos tres autores tenían sus respectivos magazines de mail art (P.O.Box, Amae y Sol Cultural) y desde ellos se difundió la convocatoria de Elche que tuvo gran resonancia y una fuerte repercusión. Hasta aquí todo bien, después viene un relato truculento de cómo los ados quisieron jugar con la fortaleza anímica de Juan Llorens. El Centro organizador y tutor, el Ateneo Pablo Iglesia sufrió unas inundaciones y la mayoría de las obras pasaron a mejor vida, con el tremendo trauma que esto supuso para todos. Mala suerte también para otra convocatoria organizada por el Diario La Verdad sobre la Dama de Elche, el infortunio hizo que las obras fueran guillotinadas al mezclarse con otros papeles. Llorens explica todo esto con una evidente tristeza y casi como una terapia para sosegar su espíritu, pero lo cierto es que han tenido que pasar cuatro años para volver a organizar esta segunda muestra. Sin embargo, hubo un intento intermedio abortado por el Ántrax y el temor a que todos fueran fulminados por los virus procedentes de Norteamérica. Llorens, a punto de llorar, cuenta como finalmente la convocatoria fue presentada a primeros de Marzo del 2005 en una rueda de prensa que pretendía ser multitudinaria, pero que se disolvió como azucarillo en agua caliente cuando pasó por el lugar el Ministro Trillo y todos los periodistas perdieron el c... para cubrir al excelentisimo, que finalmente fue cubierto en detrimento del mail art. Ahora Llorens ya está repuesto y lucha a brazo partido contra los ados adversos, mientras se va de cañas con los benéficos con el fín de que todo sea miel sobre hojuela y la felicidad total culmine esta nueva convocatoria llena de emociones fuertes. –CRC- | ||||||||
| Titulo | Itinerarios del sonido | ||||||||
| Autor | MIGUEL ALVAREZ FERNANDEZ, MARI | ||||||||
| Publicacion | PASAJES DE ARQUITECTURA Y CRÍT | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Artículo sobre el proyecto de arte sonoro "itinerarios del sonido", también disponible en la página web http://www.itinerariosdelsonido.org/pasajes.pdf | ||||||||
| Titulo | Madrid con sonotone | ||||||||
| Autor | Mercedes Cebrián | ||||||||
| Publicacion | Culturas - La Vanguardia | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Artículo dedicado al proyecto "Itinerarios del sonido" (http://www.itinerariosdelsonido.org/), comisariado por María Bella y Miguel Álvarez Fernández, | ||||||||
| Titulo | Derechos Humanos con Humor | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | El Pais / Ciberpais | ||||||||
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| Materia | Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | César Reglero, Flanagán y Solé desarrollan un proyecto web basado en los Derechos Humanos desde la perspectiva del Humor con la finalidad de que sirva de material didáctico en la escuelas por cuanto este grupo, relacionado con el Taller del Sol y los Colectivos A Pas de Caragol y Miquetas Mágicas, consideran que es el ámbito de la educación desde donde se debe partir para que el respeto a los DD.HH. vayan calando en la sociedad como algo inalienable.
http://www.tinet.org/~cicc/humor/index.html | ||||||||
| Titulo | el clubdels cors solitaris | ||||||||
| Autor | max dann/robin klein | ||||||||
| Publicacion | tren elèctric | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | Què passa quan dos escriptors decideixen escriure un llibre junts? I quan un grup de nois està disposat a "lligar" al preu que sigui? La solució é crear el Club Dels Cors Dolitaris. | ||||||||
| Titulo | Plagiarismo en la Casa Encendida | ||||||||
| Autor | E.S. | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | EXPOSICION SOBRE PLAGIARISMO EN LA CASA ENCENDIDA DE MADRID QUE PROVOCA ALGUNAS PREGUNTAS, IMPERTINENTES UNAS, INCORDIANTES OTRAS Y LÓGICAS, LA MAYORÍA.
¿ES NECESARIO EL PLAGIO? A partir de la cita del Conde de Lautréamont 'el plagio es necesario, el progreso lo implica', Jordi Costa y Álex Mendíbil plantean una cultura de la modernidad que establecería una dialéctica con la tradición, clonando conceptos pertinentes y mutando los impertinentes. La historia de la cultura es, de hecho, una historia de diálogos y refutaciones, de espejos perfeccionados y deformantes, de ecos, reminiscencias, sintonías y rebeldías. ¿A PARTIR DEL PLAGIO SE LLEGA A LA OBRA ORIGINAL? El plagio creativo provoca nuevos géneros La Casa Encendida recorre en una exposición la historia, la cultura y el conflicto de la copia ¿ES EL PLAGIO UN FRAUDE O UN ENRIQUECIMIENTO? "El copiar es un instrumento válido de creación", afirman los periodistas Jordi Costa y Álex Mendíbil, comisarios de la exposición Plagiarismo, El Quijote, Sherlock Holmes, Elmyr de Hory, Orson Welles, Walt Disney, Creative Commons, Raymond Scott, El Perro, Maloney, Tarrida, Narro, aparecen en el montaje que coloca el plagio frente a la ciencia, la historia, la cultura, el conflicto y el delito, para provocar con la tecnología nuevos géneros artísticos, como bootleg, fan fiction y found footage. Crear, copiar. Las dos palabras se cuelan por toda la gráfica de Plagiarismo, en un recorrido por el pasado y el presente del doble en la literatura, la música, el cine, la arquitectura, el arte, la publicidad y la historia. "El plagio y la copia se identifica con algo delictivo, pero en la muestra reflejamos y reivindicamos el plagio como un elemento diferencial del original, con una aportación de crítica cultural o irónica, con una referencia artística a la tradición o al presenteEl plagio es innato al ser humano y a través de dos vídeos científicos se sitúan la replicación del ADN y la teoría sociológica de la memética, con una cultura en la que se comparte y se copian informaciones como los genes o las bacterias. ¿CUANDO DEJA DE SER PLAGIO Y PASA A SER ORIGINAL? La autoría, el original y la copia se mueven en la historia, y se aplica a personajes literarios, melodías o imágenes. En el montaje se puede retocar la Gioconda de Duchamp, ver el Quijote de Avellaneda y la tradición de apócrifos de Sherlock Holmes, que continúa en textos de Jardiel Poncela o Mark Twain, y como ejemplo musical la historia de Casey Jones y la veintena de versiones. El plagio es delito, con las leyes del copyright, en el fraude de Orson Welles, casos como el legado de Disney y los conflictos de Michael Jackson con John Oswald, The Carpenters con Todd Haynes o la discográfica EMI con DJ Danger Mouse, pero también es cultura. Las interpretaciones artísticas, con el empleo de las nuevas tecnologías, dan lugar a la mezcla de canciones (bootleg), los relatos de personajes populares (fan fiction) o las películas con celuloide degradado (found footage), que se difunden por Internet. Aparecen las majas de Goya, Tiziano o Manet junto a las secuelas de Harry Potter y las copias de Elmyr de Hory de cuadros famosos de Modigliani, Leger, Renoir o Chagall. ¿ES LICITO MANIPULAR LO AJENO? El top manta y el cine popular turco (con las grandes series de Hollywood) se unen a las interpretaciones de artistas como El Perro, Dani Montlleó, Tim Maloney, John Waters, Quim Tarrida, Artemio Narro y David Domingo, para terminar con un "copiar es posible", como las licencias Creative Commons, y la práctica del visitante con el catálogo. Esta exposición recoge ejemplos históricos de apropiación, desde el Don Quijote de Fernández de Avellaneda, a quien Cidi Hamete impidió seguir escribiendo más secuelas poniendo fin a la vida de su protagonista, hasta las multiples historias que surgieron una vez que Doyle dio 'muerte' a Sherlock Holmes, con ejemplos como los de Mark Twain o Jardiel Poncela. (*) Eata exposición estará abierta en La Casa Encendida, de Madrid (Ronda de Valencia, 2, www.lacasaencendida.com) hasta el 5 de enero | ||||||||
| Titulo | Conceptos confusos : Arte conceptual español | ||||||||
| Autor | JAVIER MADERUELO | ||||||||
| Publicacion | Babelia/ El País | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte postal,Arte de accion,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Después del efecto traumático del Macba con DESACUERDOS, la exposición sobre arte conceptual español que se presenta en el Museo Reina Sofía intenta ilustrar uno de los capítulos menos estudiados del arte contemporáneo en este país con más pena que gloria. El periodo estudiado en esta ocasión es el comprendido entre 1965 - 1980
...//... Durante los años sesenta y setenta, algunos grupos de artistas, en Barcelona y Madrid, (Campal, Liaño, Zabala, Uribe, Millán, Hidalgo, Crespo, Cirlot, Almodóvar, Aberasturi, Cáceres, Brossa, Celaya, Viladot, Papasseit ...) un arte "experimental" y comprometido que, de manera marginal y subterránea, en plena represión franquista, trabajaron con formatos, materiales, temas, poéticas y contenidos que se alejaban premeditadamente de los géneros al uso: la pintura y la escultura. Producían obras y acciones que, coincidiendo o parafraseando a las que se realizaban en otros países, se alejaban de la materialidad y de la objetualidad para primar en ellas los procesos o el carácter lingüístico. De la mayoría de ellos no se tiene noticias en este muestra. Para un país atrasado y alejado de las fuentes de producción y de información de estos comportamientos artísticos, aquellos grupos fueron un acontecimiento importante que no ha sido todavía ni bien estudiado ni justamente valorado. Para ello, era necesario hacer un esfuerzo por analizar críticamente las diferentes aportaciones separando el grano de la paja que, por motivos tribales o sentimentales, permanece aún confuso. La exposición El arte sucede. Origen de las prácticas conceptuales en España, 1965-1980 desgraciadamente no ayuda a aclarar en qué consistió el conceptualismo en España ya que muchas de las obras seleccionadas, aunque de la época, son intuitivas o circunstanciales y carecen de "dimensión intelectual", es decir, de argumentación conceptual o de articulación lingüística, ya que la mera transgresión de los géneros tradicionales no es suficiente para calificarlas de "conceptuales". Se han juntado aquí artistas auténticamente conceptuales, pero que están representados con obras que no lo son o que son escasamente representativas de su producción, con artistas clara y decididamente objetuales, con "imagineros" de la diapositiva, accionistas sin reflexión y artistas de lo pobre, cuando no de lo "cutre", lo que enturbia el conocimiento del movimiento conceptual, el valor de sus obras y las condiciones de contexto estético, político y social, es decir, se ha negado la explicación historiográfica del fenómeno. Así, de la artista que con mayor razón puede reclamar el calificativo de conceptual, Elena Asíns, se muestran unos dibujos muy poco representativos de su especulación numérico-musical. Los "poemas" de Francesc Torres son, sin duda, conceptuales pero no responden al compromiso social y político que caracterizó su obra ni la de sus compañeros del Grup de Treball. A pesar de que se exhiben algunos libros, la obra más inconfundiblemente conceptual que se ha realizado en España, El libro de la i, de José Luis Castillejo, ni aparece en la exposición ni se da noticia de él, lo mismo que sucede con los primeros trabajos de Alberto Corazón. Por el contrario, se repiten los mismos nombres de artistas estériles o de epígonos de Joan Brossa, sin que tampoco se muestre alguna obra "conceptual" del maestro. Por último, las obras se muestran revueltas, sin explicaciones ni aclaraciones, en una especie de rastrillo en el que unas piezas se interfieren visualmente con otras, ayudando así a la ceremonia de la confusión...//... | ||||||||
| Titulo | “El Sol sale para todos” | ||||||||
| Autor | Pilar Fernández Rodriguez | ||||||||
| Publicacion | Extremadura al Día | ||||||||
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| Materia | Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | “El Sol sale para todos” de Roberto Farona
...//...Roberto es un excelente compañero de charla, sobre todo si el tema es la literatura o Italia, país donde ha vivido y que le encanta, tras su estancia como lector de español en la ciudad de Bolonia. También ha hecho sus pinitos como periodista, poeta visual y artista postal. Pues bien, yo asistí a la gestación de algunos de los textos que ahora ha recopilado y saca a la luz en esta obra titulada “El sol sale para todos” y que ha publicado la editorial andaluza “Mar de Tanis” con ilustraciones de César Reglero. Se trata de composiciones literarias escritas en prosa, pero no exentas del sentido del ritmo, tan propio del verso, por lo que podríamos decir que están a caballo entre los dos géneros, a la manera de los textos de Pedro Casariego Córdoba o los “apócrifos” de Rafael Pérez Estrada. En el caso de Farona, los temas eternos son el absurdo de la existencia, los matices inaprensibles de una realidad que, a menudo se nos escapa, la ironía y el escepticismo acerca de la figura de Dios, el engaño de las apariencias, las recreaciones personales de temas históricos o la poesía que se esconde tras los gestos más cotidianos.Pondremos algunos ejemplos de lo que estamos afirmando, y, de paso, contribuiremos a divulgar tan vanguardista obrita. Sobre el absurdo de la existencia, leemos en uno de sus textos: “Tirar un papel al cesto siempre produce cierta congoja. Si usado, por desconsideración a lo ya expuesto, y si está en blanco, por no haber mancillado su blancura con algún gesto, por espontáneo que sea, que consignara su existencia.” Los matices inaprensibles de la realidad que se nos escapa: ”No dejó de recorren el mundo hasta tener recogido en el vientre de su aspirador de sonidos la última vibración terrenal, así, pensaba, se crearía la más hermosa sinfonía jamás ideada. Sin embargo, lejos de cualquier previsión, toda esa descomunal mezcolanza de sonidos dio como resultado el más absoluto de los silencios”. La ironía y el escepticismo acerca de la figura de Dios: “Era difícil de creer, pero era así. Sin mediación de centralitas celestes, un buen día se dio cuenta de que su teléfono tenía línea directa con Dios y podía llamarle cuando bien quisiera. El único inconveniente es que salía siempre la operadora diciendo que dejara mensaje porque había salido.” Acerca del engaño de las apariencias: “Supieron al fin por la prensa que aquel que desayunaba en la churrería al que creían un vagabundo ensimismado era un filósofo. Ahora se lamentaba de haber salido en los papeles: era embarazosa tanta solicitud, pensaba, aquella gente creía que la misma masa de los churros le infundiría la lucidez adecuada poara interpretar la realidad.” En cuanto a la recreación personal de temas históricos: “Santa Lucía elaboraba pócimas para las parturientas en el tiempo que el mago vino a visitarla para ofrecerle la inmortalidad que rechazó, porque, dicen las crónicas, prefería recordarse siempre con esa lozanía, alma de los gorriones de la mañana, cuando el pudor le impidiera siquiera en broma contemplarse en las aguas del río. Fue aquel un sortilegio contra la realidad de los espejos y así el tiempo nunca logró velar su belleza.” Por último, veremos dos ejemplos de composiciones realmente bellas sobre la poesía que se oculta tras los gestos más cotidianos: “Cuando heredó el arca de su abuelo cuidó en las temporadas cálidas de colocar frascos de agua en sus extremos porque así, decía, la madera recordaba los tiempos en que fue árbol y no podría secarse de aburrimiento.” ...//... | ||||||||
| Titulo | Dada y el antiarte | ||||||||
| Autor | Monográfico /varios autores | ||||||||
| Publicacion | Babelia/ El Pais | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Babelia dedica un monogáfico al Dadaismo con motivo de la retrospectiva que se le dedica en el Centro Pompidou de París y el MOMA de Nueva York. Lo interesante del caso es que "Dada", como dijo Tzara, significa NADA, una especie de nihilismo antiestético que se manisfiesta contra todos los ismos, academicismos y orden establecido.
Sin embargo, tanto el Centro Pompidou como el MOMA olvidan un detalle: si bien es cierto que el dadaismo (1916-1924) también realizaban exposiciones, tenía el detalle de poner la entrada por los urinarios, muy a tono con el golpe de mano que dió Duchamp con su Ready Made. Asi que, en esencia, es un movimiento anti-museo, anti-exposición, ant-todo. Pero la realidad se ha impuesto y el efecto producido por este movimiento iconoclasta ha sido que ha impregnado por completo el arte contemporáneo, en consecuencia, esta en todo tipo de museos y es homenajeado y celebrado en exposiciones mil. Dicen los entendidos que de esta fuente han bebido hasta la saciedad autores como John Cagé y sus silencios sonoros, Andrè Bretón y el surrealismo, el Body Art, el arte póvera, los especialistas en fotomontajes y en videocreación, Pollock y su action painting, los amontonamientos monumentales de Arman, el happening de Fluxus, la Internacional Situacionista, etc. Asi que debemos aminorar nuestras ínfulas innovacionistas y recordar a nuestros padres putativos situados en el Café Voltaire. Alli el maestro del escándalo, un tal Tristan Tzara, dió paso a una generación de un humor ácido a veces, otras dulzón, infantil y siempre crítico. La increible historia de Arthur Cravan o los delirios tipográficos de Picabia fueron una consecuencia directa de este ambiente transgresor de principio de siglo. Hay un aspecto del dadaismo que interesa especialmente a todos aquellos que nos movemos en el terreno de la poesía experimental. Es la poesía sin palabras. Picaba reconció en su momento que fué Apollinaire el inspirador, a través de sus caligramas, de la poética dadaista, al romper, de un plumazo la frontera entre literatura y plástica. Desde entonces no fué necesario recurrir al presente y al pasado de la hoja para que la historia fuera completa. Apollinaire, era capaz de captar una conversación en la calle, y sin variar ni una coma ni un acento, transcribirla textualmente en forma de poema, sin que por ello le temblara el pulso en ningún momento ni dudara, ni por un segundo, que aquello era arte en estado puro. Después llegaría Cagé y sería capaz de hacer un concierto sin que sonara ni un sólo instrumento (bastaba el carraspeo y los inquietos movimentos del público en el asiento para llenar de contenido la sala) -CRC- | ||||||||
| Titulo | Arman u Humberto Eco | ||||||||
| Autor | OCTAVI MARTÍ | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis |
Armand Pierre Fernández, fallecido el 22 de octubre en Nueva York a los 76 años, víctima de un cáncer, era sin lugar a dudas, bajo el nombre de Arman, el más popular de los artistas franceses vivos. Su obra está presente en las calles de diversas ciudades -en Beirut apiló toneladas de carros de combate en la plaza de los Mártires; en París decenas de relojes ante una estación de tren; en Roanne centenares de tenedores ante un restaurante prestigioso, etcétera-, decora el interior de hoteles y tiendas y sus acciones -llenar de basura una galería de arte, destruir a hachazos el mobiliario de un interior burgués o aserrar de manera sistemática violines o saxofones- han sido reproducidas en la prensa y la televisión. El éxito le ha permitido mantener un taller en la Provenza francesa y otro en Nueva York, multiplicar las ediciones en bronce de sus obras y tener a su servicio un pequeño equipo de colaboradores fijos. Ese hacer industria de sí mismo, de su imagen y marca, hizo que Arman no gozase de la ayuda de las instituciones oficiales, que en Francia prefieren que los artistas, o bien sufran miseria, o sean incomprendidos, o estén muertos. A Arman, como a un Warhol cualquiera, el reconocimiento de la crítica -era el artista vivo preferido de Umberto Eco- y del mercado le llegó pronto y quizá por eso no fue hasta 1998 en que el Jeau de Paume le dedicó una retrospectiva. Personaje cultivado y curioso, Arman comenzó en el mundo del arte formando equipo con Yves Klein, Jean Tinguely, Martial Raysse y Daniel Spoerri. Con los tres últimos compartía el haber convertido el objeto en su materia primera, con Klein la idea de "apropiación absoluta". El grupo recibió el nombre de Nuevos Realistas porque ponía fin -al menos eso pretendía- al predominio del llamado expresionismo abstracto. Mientras Klein se "apropiaba" de una tonalidad de azul y le daba su nombre, Arman se "apropiaba" de la idea de acumulación. Tenedores, libros, coches, lamparillas, violines, llaves, todo era objeto digno de ser acumulado por el furor de coleccionista con humor que animaba a Arman que, por ejemplo, era capaz de bautizar una obra consistente en una acumulación de llaves como El retorno de los cruzados. Desde 1954 Arman había abandonado la pintura en el sentido clásico de la palabra. Muy influido por Duchamp -"era el rey Arturo de una mesa redonda en la que se sentaban como caballeros Max Ernst, Man Ray, Salvador Dalí...", recordaba Arman-, su trayectoria era sistemática y organizada. En 1959, después de que Klein hubiese expuesto en una galería una obra consistente en vaciar completamente el espacio de la misma, él llegó con su obra Plein (lleno), consistente en llenarla con varias toneladas de basura de "residuos de nuestra civilización". El lunes, Nicolas Bourriaud, el director del principal centro francés dedicado a la creación contemporánea, el Palais Tokyo, no tenía ningún reparo en admitir que Arman era "uno de los primeros en haber comprendido la naturaleza de nuestra sociedad industrial". A los objetos de Arman les sucedían cosas, no se limitaban a aparecer almacenados juntos. Primero fueron sumergidos en pintura para ser luego proyectados contra una superficie que recogía así un rastro de su silueta; más tarde decidió romper objetos repletos de pintura o sin pintura alguna. Es el momento de las cóleras de Arman, a la que sucede un periodo de cortes -la sierra es ahora el pincel- para llegar a la fase de las combustiones. Mientras su amigo César se dedicaba a las compresiones y expansiones, Arman siguió coleccionando planchas, máscaras de gas o destornilladores. En la última feria de arte contemporáneo de París, una obra suya de 1963 -Control de natalidad, una acumulación de muñecas dentro de una maleta- se vendía por 250.000 euros. No es ninguna sorpresa para un artista que, desde 1960, vio cómo su trabajo, siempre comprensible, no siempre del mismo nivel de exigencia, alcanzaba cotas muy importantes. Ya no podrá seguir acumulando.- | ||||||||
| Titulo | Labcrom di Sol homenajea a Viladot | ||||||||
| Autor | Carina Filella | ||||||||
| Publicacion | El Punt | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | El col.lectiu de poetes visuals agrupats sota el nom Labcrom di Sol, fotmat per Roberto Farona, Agustín Calvo Galan y César Reglero, acaba de editar un quadern en homenatge al poeta lleidetà Guillem Viladot, mort el 1999, "com a reconeixement a un creador multidisciplinari, pioner al nostre país de la poesía experimental, sempre a la recerca d´un marc amplait per a l´expressió poètic i els nous llenguatges d´avantguardia".
Els autors d´aquest llibre consideren que "sis anys després de la morte de Viladot, la seva figura no ha estat pro reconoguda". El llibre homenatge a Guillem Viladot, l´apotecari poeta, de dotze planes comprèn tres obres gràfiques de cadascun dels autors: "tres maneres d´aproximar-se formalment a les arrels de la poesía visual catalana i, evidenment, a la personalitat més trancadora del poeta i farmaceutic d´Agramunt. El col.lectiu Labcrom di Sol ha iniciat amb aquest llibret d´homenatge una sèrie dedicada a "poetes experimentals fonamentalment de la nostra tradició contemporània, no amb la vana pretensió de popularitzar-los, sinó per retrobar-nos amb las sevas experiències enriquidores, , desde el punt de vista de la creació actual". César Reglero va assenyalar que aquest quadern es distribuira en l´ambit internacional, sobre tot a Amèrica del Sud i a Itàlia. | ||||||||
| Titulo | Anònims / N.O. + A.R.T. | ||||||||
| Autor | EVA VÀZQUEZ | ||||||||
| Publicacion | El Punt | ||||||||
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| Materia | Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Neix a Girona Només Art, un espai d'exposició que prioritza l'obra i celebra l'anonimat
Que cap nom no enfosqueixi ni enlluerni l'obra, que res no hi sigui superflu i, en canvi, tot atrevit. Aquest és el punt de partida de N.O.+.A.R.T, un nou espai d'exposició que s'estrena divendres vinent al número 21 del Pou Rodó de Girona amb una proposta d'artistes anònims que fa honor a l'anagrama i el sentit de la galeria, «només art», res d'oripells. Berta Casas i Carles Martí en són els coordinadors; Glòria Bosch, l'assessora i curadora, i Pep Admetlla, el responsable de la idea. L'autor del dibuix que il·lustra la portada del primer catàleg, naturalment, és anònim. Si cap informació externa a la imatge no la connota, l'espectador s'enfronta a l'obra nua, aquella que «ens qüestiona sobre la nostra manera de mirar i de pensar, ens allunya dels referents i dels condicionants per exercir lliurement el procés perceptiu», segons afirma Glòria Bosch, que ha titulat la primera exposició Anònims. Només Art és un espai polivalent, estructurat en un àmbit per a exposicions temporals, sempre entorn d'un tema que convidi a la reflexió, i un altre d'organitzat a la manera d'una sala d'estar domèstica on tothom qui ho desitgi pugui trobar un lloc de consulta i debat, amb llibres, catàlegs i projeccions disponibles. «L'objectiu és trencar amb la imatge d'espai o galeria convencional per oferir un servei al públic», asseguren els seus responsables. Anònims s'inaugura divendres, a 2/4 de 9 del vespre, i es podrà visitar fins al 9 de desembre. | ||||||||
| Titulo | Elogio del silencio | ||||||||
| Autor | F. Basco Gracià | ||||||||
| Publicacion | Bonart | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | El Centro Cultural Torre Vella de Salou acoge hasta el próximo 23 de octubre una magnifica exposición de Ana Sánchez (Salamanca, 1964). Presenta veinticinco obras de pequeño, mediano y gran tamaño, que ocupan las dos grandes salas del dentro. Están realizadas en collage, con impresiones gráficas sobre tela, bajo el título común y numerado "Cartel de palabras", que Raquel Medina calificó como un "mar de palabras" o un "elogio del silencio", que es una manera de recuperar las palabras y su significado. Ana Sánchez, por su parte, comenta que en su obra trabaja la palabra, rompe el lenguaje y hace imposible su lectura.
Granados señaló que hace algún tiempo descubrió las obras de Ana Sánchez, y le cautivaron desde el primer instante. Con la inteligente y creativa utilización de recortes de libros viejos o papeles, conseguía unos resultados plásticos extraordinarios. Estas cualidades -opina- han sido, en cierta manera, el motor que la han llevado a continuar investigando y trabajando con esta materia tan humilde como son los papeles viejos, que ella sabe transformar magistralmente en obras de arte. En esta nueva exposición -destacó Granados- nos sorprende el uso que hace de carteles y otros materiales impresos. "Es una forma de retorno a la bidimensionalidad que tanto le agrada transgredir, manteniéndose fiel a unas composiciones siempre muy trabajadas y con una sensibilidad que se percibe en todas sus obras. Se trata de una obra trabajada con secuencias bíblicas, efectos táctiles, o como en la muestra actual, con gráficos visuales (Raquel Medina) | ||||||||
| Titulo | ENTRE LOS LIBROS FISICOS Y LOS VIRTUALES, en torno | ||||||||
| Autor | Santi Cabezuelo | ||||||||
| Publicacion | entrejovenes | ||||||||
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| Materia | Arte postal | ||||||||
| Sinopsis | ENTRE LOS LIBROS FÍSICOS Y LOS VIRTUALES, en torno a una convocatoria de mail-art, artículo de autor en torno a la dualidad entre los libros físicos y los virtuales, en el marco de la exposición de mail-art y libros de artista en el C. C. de la Barceloneta desarrollada en junio de 2005.
Reproducciones de obras de Christa Behmenburg, Larissa Baptista y Mónica Beatriz Damario. Entrejóvenes 88, Publicación de ámbito estatal (Spain) dirigido a jóvenes. | ||||||||
| Titulo | Arte, Prazac, Merlancolía | ||||||||
| Autor | Octavi Martí | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Desde hace tres años, un equipo de investigación psicografológica formado por César Reglero, Maria Luz Zamora y Agustín Calvo, estan trabajando sobre las escrituras manuscritas de cientos de artístas buscando las raices de la creatividad y la relación de la escritura con la obra. Entre los resultados encontrados, uno muy importante: un porcentaje significativo de artistas muy creativos rondan los límites que separan la creatividad muy acentuada y el trastorno mental. El traspasar estos límites depende muy, mucho, de la canalización que puedan dar a su producción artística y el grado de satisfacción que encuentren en ella. Ahora una importante exposición ahonda en otra parcela del trastorno mental que, por otra parte, también fué significativa en el estudio señalado: la depresión.
Desde el Dada hasta Goya, pasando por Boticcelli, Van Gogh, Munth, Baicon, Duchamp, Picasso, Hopper, etc. han tratado en profundida un tema que afecta a toda la humanidad: La melancolia. Y esta preocupación universal ha sido recogida en una muestra impresionante en el Gran Palais de París y el Centro Pompidou. Son 300 obras que recogen este estado de ánimo que a lo largo de la historia ha sido visto desde muy diferentes puntos de vista: HIPOCRATES: la melancolía constituía para él uno de los cuatro humores propios del ser humano CRISTIANISMO: lo asociaba a la pereza y, en consecuencia, muy próximo al pecado RENACIMIENTO: es la enfermedad del genio ROMANTICOS: lo asociaban a la soledad y al estado de introspección EL CIENTIFISMO DE FINALES DEL XIX: directamente la relaciona con la depresión, la neurastenia, esquizofrenía o el trastorno bipolar S. XXI: Melancolía = Prozac Y no es una exposición fácil, han sido 10 años de estudio los que ha propiciado la muestra... -CRC- | ||||||||
| Titulo | ARTE POSTAL EN ELCHE | ||||||||
| Autor | JUAN LLORENS | ||||||||
| Publicacion | DIARIO DE ELCHE | ||||||||
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| Materia | Arte postal | ||||||||
| Sinopsis | A sólo mes y medio para terminar el plazo de la Ii convocatoria Internacional de Arte postal de Elche (ver convocatorias BOEK..) a Juan LLorens le faltan animos para escribir sobre el particular...cuatro años intentandolo y dejandolo estar...
En oct-98 tuvo lugar una muestra didactica de mail-art abarcando todo el ciclclo vital, desde niños de primaria a mail artistas consagrados, pasando por amas de casa y personas de la 3ª edad. Todo arrancaba desde el año 92, merced a un saludo del pintor Erik Styrbjorn Petersen, consistente en un bote de cocacola chafado y franqueado desde Dinamarca. Despues de la exitante aventura de conseguir de correos el permiso de circulacion de nuestros artefactos. Por último en el año 96, el encuentro casual en las hojhas del Pais, de otros artistas que se movian en nuestra misma direccion. PERE SOUSA en Barcelona, IBIRICO en Madrid, CESAR REGLERO en Tarragona... gracias a ellos y a todo el material recopilado en sus fancines,supimos de la historia y el espiritu de esta nueva locura. Sus paginas fueron decisivas para divulgar nuestra I convocatoria Internacional de arte postal en Elche, organizada por el Ateneo Pablo Iglesias y cuantas convocatorias paralelas se llevaron a cabo en el Pericodico La Verdad y la sala Directo. La fatalidad haria que el sotano donde se guardaban las obras se inundara y el agua acabase con toda la colección. También los artefactos enviados a la Verdad, alusivos a la Dama de Elche... vinieron un dia y se los llevó el del papel, para guillotinarlos. Los del Pablo Iglesias estuvieron años sin atreverse a decirmelo, y siempre que me veian me preguntaban por mi colesterol y mis trigliceridos.... Gaspar maciá, el delegado hizo todo lo que pudo para reanimarme, asegurando que todos estos aqvatares y vicisitudes en el fondo beneficiaban el marchamo heroico de lo marginal. Que en adelante el mail-art saldria revitalizado y... !tocame los güevos! En el 2001 se imprimian las bases de la II convocatoria... pero mira por dónde apareció lo del antrax.... En Correos de Elche me enseñaron unas cajas llenas de guantes y caretas. No era el momento. A primeros de marzo de este año, por fin!!! se quedó en reunir a la prensa y los medios en presentar oficialmente la II convocatoria internacional ..me acompañaron en la rueda de prensa el recien estrenado concejal d cultura Jose Manuel Sanchez , el presidente del ateneo José Fernandez y el concejal de disciplinas y correctivos (azote de grafiteros) Federico Buyolo. Ibamos a conmover y movilizar a la ciudad con nuestras confesiones... pero os cuento algo? Ese mismo dia pasaba por allí Federico Trillo y todos los medios se fueron detrás de él... Las Bases de la Convocatoria están en el BOEK, os rogamos participación. gracias. -IBIRICO- | ||||||||
| Titulo | Embotellamiento | ||||||||
| Autor | Manuela Villa | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Hay muchas formas de dar a conocer un pueblo aislado (Intza/Navarra/60 habitantes)), pero pocas tan tremebundas como la de organizar un monumental atasco de coches en las carreteras que lo cruzan. Y esta fué la idea para la performance de Maider López. Cuando lanzó el proyecto por diferentes medios, no tenía ni idea del eco que la misma iba a tener. Pero cuando se levantó inquieta el domingo de autos y comprobó que el atasco no desmerecía de los grandes atascos de las grandes metrópolis, su satisfacción fué enorme. Y es que Maider, podía dudar de cualquier cosa, pero nunca debió dudar de la excelente predisposición que tienen los automovilistas para crear un buen atasco allá donde la ocasión lo requiere. La prueba está en que nunca fallan cuando hay un puente. El atasco siempre está garantizado: todos salen a la misma hora y por los mismos sitios. Son profesionales. Y en esta ocasión, que encima se trataba de hacer arte, con más razón. Asi que ahora su esfuerzo estará premiado con una excelente exposición durante tres meses (Octubre, noviembre, diciembre) en Artium-Vitoria.
La conclusión de la experiencia es que no puede haber un pueblo desconocido si es capaz de tener un buen atasco. Lo que ignoramos es si su alcalde promocionará la idea todos los fines de semana con el fín de atraer el turismo de élite, o simplemente quedará como una anécdota con la que demostrar que un pueblo, por más pequeño que sea, cuando se lo propone, se convierte en un pueblo vanguardista, contemporáneo y, hasta si me apuran, un ejemplo a seguir por otros muchos municipios que no tienen nada más que verde, silencio y el soso arrullo de los pájaros. -CRC- | ||||||||
| Titulo | Poesía Postextual | ||||||||
| Autor | César Horacio Espinosa | ||||||||
| Publicacion | Escáner Cultural | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | ...O DE CUANDO LA SOPA DE LETRAS NO ES SUFICIENTE PARA DEFINIR A LA POESIA EXPERIMENTAL. ¿Qué es y qué no es la Poesía Experimental? En este artículo, César Horacio Espinosa deja claro, en una simple frase, que la definición de Poesía Experimental como conjunto multidisciplinar y cruce de tendencias poéticas, linguisticas y plásticas, viene a ser como una SOPA DE LETRAS. Definición esta última, muy atinada a nuestro parecer, pero hasta este último aspecto es cuestionable, por cuanto, en conversación mantenida con Gustavo Vega, a finales de los noventa, me expresó su convencimiento de que, al menos la poesía visual, no debería perder el referente linguístico para ser considerada como tal. Pero desde hace mucho tiempo la escritura sin letras también es considerada Poesía Visual. Asi que, a nuestro parecer, hasta la mismisima definición de SOPA DE LETRAS empieza a hacer aguas.
Por lo tanto, nos vamos a tener que quedar con ese mestizaje en el terreno de lo híbrido y sálvese quien pueda. Sigamos mezclando lo iconográfico, lo simbólico y lo conceptual en la caldera de la plástica y ya veremos cual es el resultado. En este experimentalismo definitorio nos encontraremos con la poesía semiotica basada integramente en signos no linguísticos. Signos que tienen un significado social y que manipulados adecuadamente se convierten en un mensaje directo y contundente. La famosa marcha militar de Coca Colas desfilando marcialmente a la búsqueda de nuevos imperios que conquistar, es uno de los ejemplos más contundentes de este género que, por otro lado, al tratarse de iconos universales, no necesitan traducción y su mensaje es válido para todas las lenguas. Tampoco el poema-acción precisa de letras para manifestarse en plenitud, aunque, si se lo propone, bien pudiera ser la parte fundamental del acto en sí. Recordemos a Ignacio Gómez de Liaño, por la década de los sesenta, manifestándose con otra serie de poetas experimentales ante las Cortes franquistas con letras humanas formando diferentes composiciones (ARMAS)´...y cambiando la composición en función del lugar visitado en su recorrido madrileño. Por lo tanto, retomando a César Horacio Espinosa, ya nos vale la definición de SOPA DE LETRAS para enmarcar la Poesía Experimental, pero con matizaciones. -CRC- | ||||||||
| Titulo | ¿Para qué sirve el arte? | ||||||||
| Autor | Rosa Olivares | ||||||||
| Publicacion | Exit EXPRESS nº13 | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte postal,Arte de accion,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | El fin del curso académico español trae un augurio poco feliz: el estudio de la Historia del Arte va a desaparecer como carrera universitaria. Es decir, quedará reducida a una especialización, y tal vez con el tiempo a un master concreto y carísimo. Algo así como lo que supone ahora irse a los cursos de empresas especializadas extranjeras. Naturalmente los implicados -sobre todo alumnos y profesores- se han lanzado a la calle a protestar. Con tan escaso éxito que hasta profesionales que le deben todo a la Historia del Arte y a los profesores de Historia del Arte (como son la directora y subdirectora del Reina Sofía) les han recriminado su actitud y rogado que se manifestasen lejos del Guernica de Picasso, que como todos sabemos no es una protesta sino un adorno navideño.
Francisco de Goya. Dibujo preparatorio para El Capricho nº 39, 1797 Estamos locos, hemos perdido los papeles. Por un lado, como podrán leer en las páginas de este nuevo número, los expertos en arte como María de Corral denuncian la banalización y espectacularización del arte y piden rigor y seriedad. Pero por otro lado las instituciones políticas e incluso las universitarias quitan rigor y seriedad. Mientras filósofos, semiólogos, sociólogos, antropólogos y otros campos del saber se acercan cada vez más al arte como un campo del conocimiento humano, la estructura define al arte y su estudio como algo de lo que una sociedad moderna puede prescindir. Mientras se abren museos en todas las ciudades y la Ministra se llena la boca con "lo bonita que es la cultura y olé", la enseñanza del arte desaparece de todos los niveles escolares: apenas una opción en el bachiller y apenas media hora que se salda con una visita a uno de los cientos de museos del Estado. Se educa en la ausencia del arte, en la inexistencia de una Historia del Arte esencial en nuestra cultura y en la construcción de nuestra personalidad histórica. Después nos asombramos de las consecuencias que esta inexistencia tiene en la vida cotidiana: la falta de asistencia a los museos, la falta de coleccionismo, la falta, en definitiva, de conocimiento y de cultura artística que redunda en tantas cosas y situaciones que vivimos a diario. Y nos asombramos de que en España, uno de los países con un patrimonio histórico más importante del mundo, la gente no sepa ni mirar un cuadro. Pero parece que esa curiosidad, ese acercamiento al arte no se debe hacer desde el conocimiento ni desde el estudio. Si lo dicen los expertos, a lo mejor con ir a ferias y bienales creen que es suficiente. Muchas veces nos preguntamos para qué sirve el arte, y esta decisión de eliminar su estudio de la Universidad nos está diciendo claramente que no sirve para nada. Ellos no saben, con su ignorante despotismo o sus intereses compuestos, que el arte es simplemente una parte de la vida, de lo que somos, de cómo nos definimos y cómo nos significamos. Somos nosotros, y son también ellos, aunque no lo sepan. Y eliminar su estudio no elimina el arte, que tal vez no sirva para nada, pero sin el que el hombre es sin duda un poco menos hombre... sapiens. | ||||||||
| Titulo | Manolo Valdés / Equipo Crónica | ||||||||
| Autor | Gerard Bagué | ||||||||
| Publicacion | Rl País | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Con motivo de la exposición en la Fontana d´Or de Girona de la exposción de Manolo Valdés, se vuelve a hablar del Equipo Crónica, del que fué co-fundador y que constituyó, dentro de la vanguardía artística, uno de los pocos focos mediáticos que fueron capaces de tener una repercusión social en plena era franquista.
DOCUMENTACIÓN: Equipo Crónica (EC) es el nombre de un colectivo artístico que se formó en 1965 con la reunión de Manolo Valdés y Rafael Solbes y se disolvió en 1981 con la muerte de este último. Generalmente se los adscribe a la corriente de arte pop pero lo cierto es que, en sus manos, los recursos habituales de esta tendencia ?tintas planas, utilización de imágenes tomadas de los medios de comunicación o de otros depósitos visuales de la cultura de masas? son meras herramientas que, combinadas con elementos de muy distinta naturaleza, dan lugar a una obra sin estilo definido y de evidente vocación política. Las obras de EC no sólo incorporan imágenes de los medios de comunicación, de los cómics o del mundo de la publicidad, también recurren constantemente a la obra de otros pintores, cuyas imágenes ?citan? conservando el estilo del cuadro de procedencia. Se trata de una pintura metapictórica, si se me permite el retruécano, que no sale del mundo de la imagen: pintan pinturas, fotos, carteles e incluso collages y lo hacen ?a la manera de?, en una constante reflexión en torno a la naturaleza del lenguaje pictórico, los géneros y las distintas maneras de representar el mundo. Por eso no se puede adscribir su obra a ninguna tendencia aunque, desde luego, su vinculación con diversos movimientos artísticos claramente politizados es sin duda mucho más fuerte que su relación con el pop norteamericano por el que, de hecho, experimentaban una cierta hostilidad y del que a menudo se servían como mero almacén del que extraer imágenes. | ||||||||
| Titulo | Mostra Internacional de Poesia Visual e Eletrônica | ||||||||
| Autor | Jorge Luiz Antonio, Hugo Ponte | ||||||||
| Publicacion | |||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental | ||||||||
| Sinopsis | MOSTRA INTERNACIONAL DE POESIA VISUAL E ELETRÔNICA
A cidade de Itu vai sediar uma exposição de poesia visual e eletrônica dos dias 4 a 11 de novembro de 2005, no Museu da Energia Núcleo de Itu e no sítio do jornal eletrônico www.itu.com.br. Trata-se da MOSTRA INTERNACIONAL DE POESIA VISUAL E ELETRÕNICA, sob a curadoria de Jorge Luiz Antonio, Hugo Pontes e Roberto Keppler, promovida pela Academia Ituana de Letras e pela London School, com o apoio de patrocinadores. Essa exposição faz parte da Semana da Cultura de Itu, evento da Secretaria Municipal de Cultura. A poesia visual contará com o espaço do Museu da Energia: painéis com poesias visuais, uma sala com um livro interativo e uma exposição de algumas revistas e livros. Participarão poetas do Brasil e de vários países. O jornal eletrônico www.itu.com.br hospedará a exposição de poesia eletrônica, que poderá ser apreciada pelos ciberleitores de qualquer computador conectado à Internet. O evento é uma proposta cultural e um convite: ir à exposição e acessar os variados sítios de poesia eletrônica, e, depois, comparecer à mesa redonda, no dia 9 de novembro de 2005, a partir das 20 horas, no Museu da Energia. Hugo Pontes, Jorge Luiz Antonio e Roberto Keppler farão comunicados sobre poesia visual e eletrônica, para, em seguida, dar a palavra a todos aqueles que tiverem interesse em perguntar, discutir ou tirar dúvidas. Para que os leitores possam apreciar a poesia visual, seguem alguns exemplos de poesia visual. “Orfeu”, de Elson Fróes: É um poema feito de imagens que nos apresenta o percurso da poesia, desde aquela cantada ao som da lira na Antigüidade até aquela que passa a existir nos computadores. Outros exemplos permitem apreciar esse tipo de fazer poético: “Ligue-se”, de Hugo Pontes, explora a tecnologia da comunicação (telefone) e da reprodução (xérox) para estabelecer outra comunicação poética, a da palavra com a imagem: “Tributo a Cesário Verde”, de Jorge Luiz Antonio, constrói a possível imagem de uma poesia do século XIX que anuncia a visualidade na poesia dos séculos seguintes: Roberto Keppler, explorando as técnicas das artes plásticas, cria carimbos, um produto tecnológico e um símbolo da repetição e da burocracia, para produzir novos significados em “A consciência do vício”: Essa mostra pretende apresentar o que há de inovador na comunicação poética e, assim, indicar que a linguagem contemporânea, predominantemente visual, também está sofrendo a intervenção da poesia, que agora vem sendo veiculada não apenas nos meios impressos, mas também nos meios tridimensionais e eletrônicos. Hugo Pontes é poeta, professor universitário na PUC-Minas e supervisor educacional na Prefeitura de Poços de Caldas. É um dos pioneiros da arte xérox no Brasil e um grande divulgador da poesia visual. Jorge Luiz Antonio é poeta e professor universitário e vem desenvolvendo pesquisas e criações de poesia eletrônica. Roberto Keppler é engenheiro civil, artista e poeta visual e trabalha na Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo. É um dos pioneiros da arte xérox, da poesia visual e da poesia computacional. | ||||||||
| Titulo | Antoni Clavé: Un creador consagrat a l'exili | ||||||||
| Autor | Pilar Parcerisas | ||||||||
| Publicacion | Avui | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...Antoni Clavé, va morir dimarts a la nit a la seva casa de Saint-Tropez, a Provença, als 92 anys. Clavé havia consagrat la seva vida a l'art: pintura, escultura, escenografies, gravat..., i de fet fa tres dies encara estava treballant al seu estudi. Figura essencial de l'art català del segle XX, Clavé pertanyia a la generació de frontissa entre l'avantguarda dels anys 20 i Dau al Set, afectada per la Guerra Civil i l'exili. Clavé serà enterrat dimarts al cementiri de Montmartre de París i abans, dilluns a la tarda, serà homenatjat a la sala que du el seu nom al Palau de la Generalitat.
Antoni Clavé i Sanmartí havia conreat, malgrat els seus èxits com a pintor, la humilitat i la senzillesa, que va mantenir a l'esperit de la seva pintura al llarg de la seva trajectòria. No endebades havia nascut el 1913 al carrer de Valldonzella de Barcelona, un dels més pobres i humils de la ciutat, que li deixà l'empremta del que és essencial. Ja l'any 1942, Sebastià Gasch destacava d'aquest pintor "l'amor per la síntesi". "Clavé -deia- és un pintor profundament enamorat de l' essencial". Clavé pertany a la generació nascuda entorn del 1910, una generació que ja no és pròpiament noucentista, que és massa jove per viure plenament l'eufòria surrealista d'ADLAN, tot i que hi sent una especial inclinació, i que veu truncats els seus millors anys per la Guerra Civil i l'exili. Al seu costat, hi trobaríem Eudald Serra, Grau Sala, Martí Bas i el cartellista Salvador Ortiga, entre altres. L'any 1926 Clavé es va iniciar en els cursos nocturns de l'escola annexa de Belles Arts, on coneix Eudald Serra, Jordi Casals, Ramon Martí i Grau Sala, espai d'aprenentatge de les tècniques de modelatge sense torn que els ensenyava l'escultor Àngel Ferrant. Després, a Can Tolosa, aprendrà totes les tècniques de l'ofici de pintor. Ja de bon principi, va demostrar una habilitat inusual, que més endavant va transmetre a un immens ventall de disciplines: la pintura, l'escultura, el gravat, la il·lustració, el cartellisme i l'escenografia...//... | ||||||||
| Titulo | Homo / Revista de Arte Postal/desparece en papel | ||||||||
| Autor | Santi Palos | ||||||||
| Publicacion | Diari de Terrassa | ||||||||
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| Materia | Arte postal,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | El 30 de julio del 2003 el Diari de Terrassa publicaba la primera crónica de HOMO, la revista de arte postal que vino a llenar el hueco que habían dejado los míticos zines de Amano, P.O.Box, Amae y Sol Cultural. El 9 de septiembre del 2005, el mismo diario proclama el acto de defunción de HOMO-PAPEL, después de 20 número que han iulusionado durante más de dos años y medio al mundillo del mail art y la poesía experimental. En este artículo de despedida, Valdor y Javier González, declaran que seguiran con Homo a través de http://usuarios.lykos.es/artepostal
Interesante también las explicaciones que dan en el artículo sobre la evolución de la publicación iniciada por Salvador Benincasa(Homo) y a la que se incorpora en en número 10 Javier Gonzáles como articulista. Relatan como el hecho de tener que seleccionar trabajos por serles imposible poner todo lo recibido, supuso para ellos un choque de contradicciones con respecto a lo que ellos consideraban la esencia del mail art. También explican como la denominación HOMO esta relacionada con el concepto de que el mail art conecta directamente con la esencia del hombre como ser creativo en cuanto a que desarrolla el "arte por el arte" sin aditamiento ni sucedáneos. Finalmente manifiestan su intención de que la nueva sede del Centro Andaluz de Nueva Carteya (Terrassa) sirva de promoción y exposición del mundo del mail art, y muy especialmente del material recibido a lo largo de estos dos años y medio. Nosotros despedimos desde aqui a este fervoroso camarada que ha sido Homo-papel, con quien hemos colaborado en la medida de nuestras fuerzas en todo el proceso, y seguimos en contacto con Javier y Valdor -como amigos y colaboradores-, y con su nueva edición electrónica. -Boek861- ------------------------------------------------- REPRODUCCIÓN DE LO PUBLICADO EN ESTA MISMA SECCIÓN EL 30 DE JULIO DEL 2003 REVISTA HOMO DE ARTE POSTAL Autor SANTI PALOS Publicacion EL DIARI DE TERRASSA Dia 30 Mes 7 Año 2003 Página 0 Materia Poesia visual,Arte postal,Arte experimental Sinopsis El autor del artículo resalta la figura de Salvador Benicasa "Valdor" creador de la nueva revista de arte postal "Homo". Al mismo tiempo que S.P. explica alguna de las características del MA, pone de manifiesto los fines con los que fueron creados esta publicación. Entre otros los de difundir las obras que el propio Valdor recibe. Otra caracteristica importante es que la publicación no se puede comprar pués sólo la recibirán aquellos que envien una obra a Valdor. En el primer número contó con la colaboración de dos históricos del MA: Clemente Padín y John Held Jr. Actualmente se está preparando su tercer número | ||||||||
| Titulo | Fotografiar lo oculto | ||||||||
| Autor | Randy Kenedy | ||||||||
| Publicacion | The New York Times | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Este apartado del Boek861, entre otras cosas esta dedicado al arte experimental, y, sin duda, una de las formas más avanzadas de arte experimental es la recogida en una exposición de Nueva York (septiembre-2005/Metropolitan)), comisariada por Pierre Apraxine, y en la que se trata de retratar lo sobrenatural, lo invisible, lo efímero.
DOCUMENTACIÓN Fotografías paranormales: captando el más allá Desde 1870 el poder de las cámaras pudo capturar no sólo lo visible, también fenómenos fuera de las explicaciones científicas La semana pasada el Metropolitan Museum of Art, en Nueva York, abrió sus puertas para exhibir una colección de imágenes como pocas: una exhibición de fotografías paranormales. Ésta es considerada como una de las más importantes del mundo, en la que se presentan imágenes de inicios de siglo, en las cuales se asegura haber captado el reflejo de entes extraños en este mundo. La exposición muestra apariciones espectrales, levitación y experiencias extra corporales, en momentos que los médiums se encontraban en estado de trance. La colección fue presentada por Pierre Apraxine, un conservador de fotografías que por dos décadas fue los ojos y oídos del filántropo Howard Gilman, con quien formó la colección Lo sobrenatural no le impresionaba Para Apraxine el temprano interés por la fotografía y el ocultismo se desarrolló más allá de su trabajo como coleccionista. Comenzó al inicio de los setentas, cuando trabajó con Gilman, buscaba, compraba y preservaba fotografías del siglo XIX, profundizándose en el ocultismo como pieza importante de la historia. Sin embargo, para Apraxine lo observado en las imágenes obtenidas no fue de gran sorpresa, pues él creció como miembro de una familia de Estonia, donde lo sobrenatural en ocasiones parecía ser algo rutinario en el hogar. Apraxine toda su vida fue curioso y muy observador, consultando psíquicos, hipnotístas, leyendo libros y revistas que le documentaran sobre lo paranormal. Fue con la fotografía que trató de probar al mundo la existencia de lo sobrenatural Un legado fotográfico Reales o trucadas, las 120 fotos exhibidas pueden crear incredulidad, pueden ser bellas, desconcertantes o hilarantes. Algunas fueron tomadas por el excéntrico Ted Serios, quien aseguraba que podía plasmar sus pensamientos en papel fotográfico en los años sesentas y aunque muchos desconfiaron de su habilidad, nadie probó que realizara algún truco fraudulento. Uno de los primeros sucesos en que se conoció la exposición de fotografías sobrenaturales en los medios de comunicación fue en 1869, durante el proceso judicial por fraude contra William Mumler, un fotógrafo de Nueva York a quien se le conoce como el primero en practicar las fotografías a espíritus. Esto se convirtió en un gran espectáculo cuando el alcalde de la ciudad ordenó una investigación sobre sus prácticas. | ||||||||
| Titulo | Arte correo de nuevo en La Habana | ||||||||
| Autor | Ignacio Cruz Ortega | ||||||||
| Publicacion | Radio Musical Nacional | ||||||||
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| Materia | Arte postal,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
Desde hace mucho tiempo La Habana no tenía ninguna referencia del llamado arte correo, hasta –recientemente- cuando los jóvenes creadores Willson Peña Castillo y Jorge Alberto G. Fernández, que lideran el proyecto Semillas, convocaron a la exposición República de Artistas . La muestra, que acogió la galería Wifredo Lam en el municipio de Marianao del oeste habanero, abrió con unas 500 obras enviadas desde 25 países de América, Europa, Asia y Oceanía. Tal sentido destaca en la exhibición desde su interés por acercar intereses en torno a una particular y utópica temática… La creación de una moneda local para una posible república de artistas, materializada en el diseño de billetes y monedas metálicas, cuyo valor de cambio se sustenta en la relación entre sus autores. De tal forma, los más de 200 artistas diseñaron sus propios billetes en todos los soportes y manifestaciones que consideraron posibles… Desde técnicas tradicionales como el dibujo, la pintura, el grabado y la fotografía, hasta billetes intervenidos o recreados mediante el arte digital impreso. Asimismo, con República de Artistas el ámbito cubano de las artes visuales interesa por tal manifestación casi desconocida, y pocas veces practicada en nuestro país. Surgida a finales de la década de 1970, el arte correo se convirtió en vía alternativa, más allá de los circuitos comunes y de las normas del arte establecidas, siendo considerado por sus cultores como expresión artística social y no comercial. En tal sentido destaca la exhibición abierta por el proyecto Semilla en la galería Wifredo Lam con tan significativo acercamiento al panorama contemporáneo del arte correo internacional, que podrá ser visto hasta los días finales del próximo mes de octubre. | ||||||||
| Titulo | Arte de calle / Tárrega | ||||||||
| Autor | Eva San Martín | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis |
El Festival de arte en la calle de Tárrega es el más importante de España y uno de los más im portantes de Europa. 25 Ediciones y 81 compañías de todo el mundo refrendan lo dicho anteriormente. Estamos hablando de un Festival de Teatro, pero la realidad es que se convierte en un encuentro internacional de arte en la calle donde la mayoría de espectáculos interactuan con el público y a los que se añaden multitud de performers que van por libre y usan el viejo sistema de pasar el platillo. A este encuentro asisten unas 75.000 personas, lo que es una buena referencia ahora que los teatros tienen deficit de espectadores. DOCUMENTACIÓN TÀRREGA I LA FIRA per Joan Amézaga, alcalde de Tàrrega Des de fa 25 anys es produeix a Tàrrega, una vegada a l’any, al voltant del segon cap de setmana de setembre, un fet excepcional. Tota una ciutat es transforma i sembla una altra, fins i tot per aquells que la viuen durant la resta de l’any. I no és tan sols que les places i carrers canviïn de fisonomia pels muntatges de tarimes, grades, focus, carpes i altres elements d’aquesta mena; ni tampoc ho és pel fet que centenars d’espectacles generin l’emoció de milers de persones. Tàrrega es transforma per tot això i a més, sobretot, perquè els seus veïns també es vesteixen d’un sentiment especial. La immensa majoria dels veïns de Tàrrega varen entendre, ja des de els seus inicis, que la Fira era un esdeveniment que ultrapassava l’àmbit local per convertir-se en una immensa plataforma cultural i festiva al servei d’un país que havia recuperat les seves institucions democràtiques, la seva cultura i les seves tradicions. Varen entendre, independentment de quina fos la seva edat, condició o mentalitat cultural, que s’havia d’estar al costat de la Fira: deixant balcons i terrats per les actuacions teatrals, acceptant el batibull d’una ciutat plena de llum i so fins a altes hores de la nit, veient que la tranquil•litat quotidiana dels seus carrers donava pas al brogit de milers de persones vingudes de tots els indrets del país. | ||||||||
| Titulo | Robert Whitman/Preculsor de la Performance | ||||||||
| Autor | Roberta Bosco | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Robert Whitman /Destaca la autora el hecho de que este preculsor de la performance se distanciara del happening -como acción irrepetible- en cuanto realizaba unas acciones minimamente esbozadas, con temática y argumento, y, en consecuencia, suceptibles de ser repetidas con variantes.//También destaca el hecho de que incluyera en sus performance el ilusionismo y la magia.
Notes biogràfiques Robert Whitman va néixer a Nova York el 1935. Va estudiar literatura a la Rutgers University del 1953 al 1957, i història de l’art a la Columbia University el 1958. Al final dels anys cinquanta va començar a presentar performances, entre les quals s’inclouen les seves innovadores obres American Moon (1960) i Prune Flat (1965), i a exposar els seus treballs multimèdia en alguns dels espais experimentals més influents de Nova York. Juntament amb els científics Fred Waldhauer i Billy Klüver i l’artista Robert Rauschenberg, Whitman va fundar, el 1966, Experiments in Art and Technology (EAT), una associació heterogènia que organitzava col·laboracions entre artistes i científics. Va fer exposicions individuals en el Jewish Museum, Nova York (1968), el Museum of Contemporary Art, Chicago (1968), o el Museum of Modern Art, Nova York (1973). DIA va organitzar una retrospectiva de les seves obres teatrals el 1976. Alguns dels seus projectes teatrals també han visitat diversos espais europeus, com ara el Moderna Museet, Estocolm (1987 i 1989), i el Centre Pompidou, París (2001 i 2002). Inauguració: 14 de setembre de 2005 Comissària: Lynne Cooke Producció: DIA ART Foundation, Nova York, en col·laboració amb el MACBA | ||||||||
| Titulo | NET ART | ||||||||
| Autor | Flavia de Sanctis Mangelli ed | ||||||||
| Publicacion | L' Unitá | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | El diario italiano L'Unitá en su versión digital (www.unita.it) dedica un suplemento especial al arte correo-digital, el snake-art en expresión de Vittore Baroni, con ocasión de rememorar el nacimiento del Mowa (Museum Of Web Art)en 1997, dirigido por Amy Stone. Reseñas, galería de obras de autores varios y artículos en un trabajo de divulgación eficaz para conocer los rudimentos del arte digital. (RF) | ||||||||
| Titulo | Burroughs en la Casa Encendida | ||||||||
| Autor | A.I. | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
...O DE COMO CREAR UN LENGUAJE A PARTIR DE SU DESTRUCCIÓN...//... William S. BURROUGHS es una de las figuras más transgresoras e inclasificables de la literatura universal, hasta el punto de resultar dudosa su condición de narrador, en el sentido estricto del término (contador de historias). No cabe duda de que se trata de un escritor, puesto que su medio de expresión es el lenguaje escrito plasmado sobre papel, pero ahí acaban las certezas. El lenguaje que utiliza está tan alejado de la norma académica como de las distintas jergas y dialectos marginales norteamericanos. Con frecuencia sazona su prosa con términos de invención propia, construcciones gramaticales imposibles o palabras desprovistas de significado pero cargadas de sonoridad. Por todo ello, puede considerarse la mayor parte de su obra como poesía en prosa, ya que su intención no está tanto en la narración como en la evocación de determinadas atmósferas y ambientes, así como estados psicológicos extremos (casi nunca sentimientos). Para este fin utiliza el lenguaje, destruyéndolo y recomponiéndolo a su gusto, siempre consciente de que se trata de un código rígido y obtuso que debe ser dinamitado y reprogramado, intentando utilizarlo como fin más que como medio de expresión, ya que esto último supondría dejarlo en el lugar que siempre ha ocupado y que le ha servido para llegar a un estado de momificación absoluta. En este sentido, BURROUGHS, como Joyce , decide replantearse la base misma de la creación literaria, que no es otra que el propio código de comunicación. Es consciente de que un nuevo código transmite siempre nuevas ideas, y lo que es más importante: nuevas sensaciones. Para él, escribir es un acto físico de coordinación motora. Su meta es escribir más rápido de lo que se piensa, tal y como lo pretendieron los surrealistas por medio de la escritura automática. Este fin, aunque imposible, se vuelve deseable y útil como método de creación, o incluso de meditación. De la misma forma que la repetición de los “mantras” en el budismo zen es una forma de desproveer al lenguaje de su significado y limpiar la mente de todo pensamiento, ayudada por el ritmo respiratorio que dichos “mantras” imprimen al cuerpo; la escritura automática es una forma de liberarse de esa corriente de parloteo interno, encerrando los pensamientos en una hoja de papel en blanco y dejándolos fluír sin reflexionar sobre ellos. Es el monólogo interior de John Dos Passos llevado a su última consecuencia. ...//... | ||||||||
| Titulo | El desierto Aragonés/Despoblación | ||||||||
| Autor | Sergio del Molino | ||||||||
| Publicacion | Heraldo de Aragón | ||||||||
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| Materia | Arte postal,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Pocas veces una convocatoria de mail art habrá tenido tanta repercusión en la prensa como la que ha organizado Angela Ibáñez bajo el lema: CONTRA LA DESPOBLACIÓN. Son tres páginas del suplemento dominical del Heraldo de Aragón, uno de los periódicos más prestigiosos de España, las que dedica a las obras enviadas, en gran formato y a todo color, y sobre ellas elabora un artículo muy humano sobre las consecuencias de la despoblación en general y en Aragón en particular, y que Angela resume de la siguiente forma:
La partida, la marcha de las gentes buscando trabajo, un mejor medio social, comodidades, servicios, una educación, un futuro… Buscando unos sueños que, en la mayor parte de las veces, no se cumplen, pero quién se atreve a asumirlo y a volver… Conocer y concienciar esta lacra que crece sin cesar en todos los sitios, pero sobre todo en los pequeños municipios que terminan por desaparecer En todo el mundo se produce este proceso, pero Aragón es una buena muestra de ello, Teruel anda a la cabeza, seguida de Huesca y Zaragoza. • Dar a conocer la situación es dar el primer paso para su solución • Asentar la población al territorio con servicios suficientes y convertir las expectativas vitales en un desarrollo continuado y no en un negro horizonte. La portada del suplemento esta basado en una obra de César Reglero y la página dos en una obra de Agustín Calvo Galán. En la página tres, se recogen obras de Francisco José Marco, Consuelo Mariño y Carlos Otarola. La exposición se inaugura el 10 de Septiembre en Castelnou(Comarca del bajo Martín, Teruel). La convocatoria cuenta con el patrocinio de la Plataforma Ciudadana: TERUEL TAMBIEN EXISTE, y las obras podrás verse en el edificio abandonado de la escuela. Como dice Angela: "No hay nada más representativo de la despoblación que una escuela sin niños." PARA TODOS AQUELLOS QUE QUIERAN PARTICIPAR EN LA CONVOCATORIA -QUE SERÁ ITINERANTE- DEBEN TENER EN CUENTA LOS SIGUIENTES DATOS: 2ª convocatoria: Sin fecha límite, todas las obras que llegue se irán incorporando a las sucesivas muestras que itinerarán por distintos lugares de Aragón y España para terminar en Bruxelas. ...Y VER LOS DATOS COMPLETOS DE LA CONVOCATORIA EN http://boek861.com VER CONVOCATORIAS | ||||||||
| Titulo | Grafitear Persianas | ||||||||
| Autor | César Reglero | ||||||||
| Publicacion | Més Tarragona | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Estan muy preocupados los graffistas porque no se les confunda con muralistas, rotulistas, etc. Y ponen el grito en el cielo cuando algún profano en la metería dice que la pared esta llena de graffitis, cuando en realidad la pared está llena de pintadas.
Las dificultades van “in crecendo” cuando entramos en el terreno del concepto, en el campo de la esencia de lo que supone la cultura del graffiti. Esa actitud de trasgresión, de enfrentamiento ante las normas establecidas o ese temblar cuando las galerías o los museos quieren absorber este movimiento. No es pues de extrañar que aplaudamos de nuevo a J.M. Roselló y a su pequeño espacio de arte efímero –A.R.T.- por cuanto en esta ocasión sitúa a tres graffiteros (Dann Queralt, Jordi Erola y Lluc Queralt) en la mixtura del espacio público y el privado, entre lo legal y lo ilegal, en la frontera de lo interior y lo exterior. ...//... Y en esta parte de la teoría estábamos cuando Roselló recogió la propuesta de “Grafitejar” las persianas de A.R.T., situando a los tres artistas al borde de la ilegalidad vigente, sin por ello romper el pacto de confrontación con el academicismo establecido por cuanto todos los ciudadanos de Tarragona contemplaremos entre San Maggi y Santa Tecla como el deterioro progresivo de las obras son parte del proceso creativo. Ahora no será preciso entrar en A.R.T para contemplar la exposición, pero es preciso que el artista no esté trabajando y tenga las persianas “echadas” para que los graffitis sean visibles. Lo cuál no deja de ser una paradoja, ya que la condición “sine qua non” para la contemplación, será que el espacio esté cerrado. Lo cuál es ideal para tímidos y amigos de no molestar a los demás, pero para aquellos que no se encuentren en esta categoría, y se atrevan a dar un paso al frente, se encontrarán, con que aún no han concluido los ecos de la exposición anterior y el “cadáver exquisito” realizado a cuatro manos por Marín, Rosello, Abelló y Reglero, aún está de cuerpo presente, en sus últimos esténtores, pero aún presente. | ||||||||
| Titulo | Recogen la trayectoria de Guillem Viladot en un cu | ||||||||
| Autor | Laia Corbella | ||||||||
| Publicacion | Diario "La Mañana" de Lleida | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental | ||||||||
| Sinopsis | El colectivo de poetas visuales Labcrom di Sol ha editado un cuaderno titulado "Homenatge a Guillem Viladot, l'apotecari poeta", con motivo del sexto aniversario de la muerte del poeta. La obra es un reconocimiento a la trayectoria personal y artística de Viladot expresado mediante tres obras gráficas de los tres autores.
Agustín Calvo, poeta visual de Barcelona y autor de "Letras transformistas", César Reglero, autor de la exposición "Prensa gráfica obsesiva" procedente de Tarragona, y Roberto Farona, profesor de literatura española y poeta visual, se han reunido para dar vida a Labcrom di Sol, un colectivo español, pero con visión internacional gracias a sus contactos con Argentina, América del Sur o Italia. El resultado ha sido un cuaderno voluntarista de 12 páginas, hecho casi de forma artesanal, al poeta y narrador de Agramunt Guillem Viladot, con el objetivo de reencontrar las experiencias del autor desde el punto de vista de la creación visual actual. Según sus autores, se inspiraron en Viladot por su trayectoria inconformista y su talante heterodoxo por vivir y escribir desde la pequeña localidad de Agramunt y no desde la gran capital barcelonesa. Los tres poetas visuales pretenden homenajear a una serie de artistas merecedores de la poesía visual, a partir de la inspiración de las raíces de la poesía visual catalana. Con Viladot se inicia una serie de cuadernos que tiene previsto su lanzamiento el próximo año. (ACG) | ||||||||
| Titulo | Poesía Sonora | ||||||||
| Autor | José Lara | ||||||||
| Publicacion | Conaculta /Noticias del Día | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Afirma Eduardo Langagne: LA POESÍA SONORA, UN ÁMBITO EXPERIMENTAL NOVEDOSO Y PRÁCTICAMENTE DESCONOCIDO EN MÉXICO
Si la poesía trasciende más allá de la superficie en que fue escrita, se puede decir que ha cumplido su cometido. Sin embargo, la pregunta es saber cómo, bajo qué formas o aspectos ha llegado al receptor y cómo ha tocado o trastocado el sensorio humano. Lo que durante muchos años estuvo reservado para la escritura, hoy ha alcanzado nuevas dimensiones al tener al aire como canal principal. Se trata de la poesía sonora, que de acuerdo con Dmitry Bulatov, editor y curador del disco y el libro Homo Sonorus. Una antología internacional de poesía sonora, coeditado por la Dirección General de Publicaciones, Radio Educación y el INBA, su práctica está ligada al desarrollo tecnológico de la grabación que permitió manipular el sonido, y cuyo término fue acuñado en la década de los 50 por el poeta francés Henri Chopin. "En un sentido amplio puede afirmarse que la poesía sonora es un arte que reúne la poesía y la música, y conforme se ha ido desarrollando incorpora otros elementos, tomados del teatro, el performance y la danza, todo ello enriquecido con la tecnología digital", comentó Lidia Camacho, directora de Radio Educación durante la presentación de este material en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, donde también participaron el poeta Eduardo Langagne y Jaime Raúl Zorrilla Arredondo, titular de Publicaciones del Conaculta. Lidia Camacho explicó al auditorio que los primeros poemas fonéticos fueron escritos por Paul Scheerbart y Christian Morgenstern y publicados por primera vez en 1897 y en 1905. Pero la poesía sonora se deriva históricamente de dos movimientos vanguardistas: el futurismo y el dadaísmo, que florecieron entre 1909 y 1917 y que pugnaban por borrar las fronteras entre los tipos de arte y romper la barrera de los géneros literarios y artísticos. "La mayoría de los estudiosos de la poesía sonora la clasifican como un fenómeno específico del siglo XX, periodo marcado por una gran cantidad de vanguardias artísticas que cimbraron no sólo el arte de la pasada centuria, sino también de nuestra concepción del hecho estético". Muchos son los nombres que se le han asignado a esta manifestación artística: poesía fonética, poesía fónica, poema sonoro, poema partitura, poesía vocal, polipoesía, composición sonora textual, poesía intersigno y poesía sonora. El denomidador común de todos ellos es que su materia prima es la palabra o "los muñones de palabra que apenas son más que un fragmento de vocablo que casi llegan a ser nota musical". A decir de Eduardo Langagne, no es una tarea sencilla definir lo que es la poesía sonora, ya que más que un concepto, se trata de un ámbito experimental, novedoso y prácticamente desconocido en México al que es necesario poner atención. Ésta no existe en el papel sino en el aire y sus dimensiones son tan ilimitadas como lo es el universo sonoro. La poesía sonora transmite emociones y la necesidad de consenso de un público, señaló Langagne para después citar a Dick Higgins: "Ésta se sitúa entre la música y la poesía y es el elemento acústico el que determina su valor formal". Por su parte, Jaime Raúl Zorrilla expresó que la poesía deviene de ese enfrentamiento con el lenguaje, de su desdoblamiento y su fragmentación, al igual que de la transgresión de los límites convencionales. "La publicación de los discos compactos que acompañan a este libro, nos da la posibilidad de sumergirnos en una infrecuente experiencia de lenguaje poético. La voz se desdobla en sus posibles variantes, al tiempo que construye nuevos sentidos. El sonido es la palabra extraída de la palabra. De ahí, la importancia de hacer partícipes a los lectores y escuchas de este material que viene a llenar un vacío en nuestro medio". Homo Sonorus. Una antología internacional de poesía sonora, está a la venta en todas las librerías Educal del país. | ||||||||
| Titulo | PARA LEER LOS POEMAS | ||||||||
| Autor | CORPORACIÓN SEMIÓTICA GALEGA | ||||||||
| Publicacion | |||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal | ||||||||
| Sinopsis | Borrador de taller de lectura de imagen poética | ||||||||
| Titulo | Desnudos multitudinarios | ||||||||
| Autor | Fermin Robles/ Gemma Castellan | ||||||||
| Publicacion | El País/ Informativos Net | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Con motivo de la muestra de Spencer Tunick expone en Barcelona (Corpus Ibericum)de los reportajes fotográficos que ha realizado de sus desnudos multitudinarios, queremos resaltar algunos de los aspectos que se manejan en el tremendo entramado que rodea a una de esta performance masiva en la que pueden participar millares de personas.
- Nos tenemos que imaginar a 7000 personas desnudas a las cuatro de la madrugada en una de las principales vías de Barcelona. - Nos lo tenemos que imaginar a todos ellos con su respectiva acreditación - Nos tenemos que imaginar a más de cien medios de comunicación pendientes de todos los movimientos de estas personas desnudas, acreditadas y moviéndose de un lado para otro en función de las indicaciones de Spencer. -Gruas y escaleras por doquier completan el escenario para una puesta a punto impresionante - Ahora debemos imaginar que va pasando el tiempo y aparecen las primeras luces matutinas. El artista y su equipo toman posiciones y los participantes se mueven inquietos. - Nos tenemos que imaginar las motivaciones que han llevado a cada uno de ellos a encontrarse en esa situación. - Y nos tenemos que imaginar a un espectador despistado que horas antes los había visto con sus múltiples equipajes y mochilas, y ahora los contemplaba con la estética uniforme que proporciona el desnudo integral para todos. - Ahora una tarea ardua: conseguir que las siete mil persponas, inquietas, nerviosas, agitadas,...se estuvieran todas quietas y tumbadas en el asfalto por un momento. - Ahora imaginemos otro momento importante: siete mil almas desnudas y cien periodistas vestidos. Era injusto. Los nudiststa reclaman a estos que "TODOS EN PELOTAS". Una buena parte de ellos se solidarizan y cumplen su función con el "uniforme oficial", osea, sin uniforme."Fotógrafos desnudos sin fronteras" - Ahora imaginemos que todo ya ha acabado, que los trabajadores empiezan a desfilar hacia el metro y los oficinistas se incorporan al trabajo en tanto que los ejecutivos lucen corbata y maletin de piel pulida. Entre unos y otros, se mezclan aquellos que no se resignan a vestirse, dado que poco antes la ciudad era suya. Los policias no saben como deben actuar en este caso. -Dejemos de imaginar y contemplemos a Spencer declarando a los periodistas que en su país (USA) ya estaría en la carcel por toda esta secuencia de acontecimientos. -Informativo Net-Artic que han participado como organizadores del evento se muestran satisfechos por esta declaración de Spencer, -CRC- | ||||||||
| Titulo | Pervirtiendo el Muro de Palesina | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Mondo Brocco | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Pervirtiendo el muro
Bansky, stencilero de culto, "decora" el muro de Palestina. Nada que ver con las huellas que dejan los marines en Iraq, entre trabajo y trabajo. Ésto sí es obsceno, no que aparezcan un par de tetas en la tele yanqui. Sin mensajes explícitamente políticos, estas acciones denuncian la inmoralidad de este nuevo muro de la vergüenza patrocinado por USA. Arte con actitud, manifestaciones más o menos espontáneas y siempre prohibidas, a lo largo y ancho de las paredes del mundo. Banski, que pretende hace la galeria más grande del mundo, y crear en donde otros destruyen, ...en la carcel más grande del mundo. Se hizo famoso al colocar de manera clandestina varios cuadros contra la guerra de Irak en los más importantes museos neoyorkinos. Igualmente consiguió notoriedad al graffitear coches patrullas con los policias dentro. El autor, del qué los medios de comunicación no han podido conseguir su imagen, ha declarado que aunque en general se entiende su acción en el muro de Palestina,en una ocasión se le acercó un viejo palestino para decirle que con sus graffitis "estaba embelleciendo el muro, y ellos no querían un muro bello, querían que desapareciera aquel horror". | ||||||||
| Titulo | Una pareja más que artística | ||||||||
| Autor | Mario Almela | ||||||||
| Publicacion | Levante de Castelló | ||||||||
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| Materia | Poesia visual | ||||||||
| Sinopsis | Juan García Ripollés y Antoni Albalat son amigos desde hace largos años. Los dos son creadores y castellonenses. Uno nació en 1932 y el otro en 1961. El menos joven ya ha conseguido un amplio reconocimiento, y tiene su obra diseminada por todo el mundo, aunque le costó largos años y esfuerzos llegar a ser aceptado con toda su personalidad en su propia tierra. El que cuenta con algo menos de experiencia ofrece unas creaciones cada día más valoradas a escala internacional. Valga el dato de que está en preparación la edición cuatrilingüe de su Llibre de voliaines en inglés, sueco, ruso y catalán. Los dos artistas suelen presentar unos trabajos no siempre fáciles de interpretar para los públicos que gustan del arte figurativo o de la narratividad naturalista. Quizá por ello, ambos han compartido en algún momento la calificación arrojadiza de «extraño» o de «provocador».
Ellos han compartido muchas veces en la intimidad sus puntos de vista sobre el arte o sobre la vida. Pero ahora por primera vez podrán verse expuestas sus últimas creaciones frente a frente, de forma conjunta. No se trata de un duelo de artistas, ni siquiera de una competición más o menos deportiva. Cada cual aporta sus últimas creaciones que, afirman, «no tienen nada que ver sobre una temática prefigurada». Uno muestra sus nuevos grabados y esculturas y el otro sus últimos poemas visuales. Y tan amigos, nunca mejor dicho. El Cau de l’Art de Llucena acogerá el próximo jueves la inauguración de la muestra conjunta en un acto que se espera que trascienda la vertiente cultural para transformarse también en un evento social. La apertura será a las 22 horas y contará además con un recital poético de Roman Bernad y un concierto a cargo del grupo Brankal, que ofrecerá su folk mediterráneo también ecléctico. Los trabajos expuestos podrán verse hasta el 22 de agosto. No se trata de una muestra comercial, por lo que las obras expuestas no estarán a la venta. [Nota d'Antoni Albalat: les obres sí que són venals, almenys les meues, però no em demaneu descompte que no us el faré, el galerista és Jesús Broch]. El beato Ripo expondrá diez grabados y tres esculturas que mantienen el estilo típico del creador, reconocible por cualquiera de sus seguidores. Él define estos grabados, en declaraciones a este rotativo , como «rompedores en la continuidad», pues defiende que en un creador hay siempre una «evolución continua». No se prodiga mucho Ripollés en mostrar su obra en las comarcas de Castelló. Pero señala que «con un amigo siempre se colabora», mientras califica a Albalat como «uno de los grandes poetas que hemos tenido y que tenemos» La organización del evento ha corrido a cargo de los gestores del Cau de l’Art, Jesus Broch y Eloïsa Tarazona, quienes organizan una importante muestra cultural todos los años desde la inauguración del Cau en 2003. Albalat presenta 19 poemas visuales de última hornada..Estas obras tienen, como novedad con respecto a anteriores trabajos del creador, una clara utilización de la figura humana, además de continuar con sus temas tradicionales, como elementos naturales (setas, cangrejos, un toro, pollos...) junto con ideogramas chinos. El artista castellonense defiende, pese a lo inusual de sus planteamientos, que «la poesía visual es más fácil de captar que la poesía escrita. Yo no creo que la poesía esté para ser entendida, sino para abrir puertas interiores: lo que importa es lo que te diga a ti, no lo que le diga a otro». «La poesía escrita también puede ser difícil de comprender, y aquí la poesía visual tiene la ventaja de que, al menos, el resultado estético que proporciona es más agradable», añade el poeta de la Plana. Ripo y Albalat, Albalat y Ripo. Tanto pinta, pinta tanto. Artistas y amigos. Poemas que parecen grabados y grabados que se asemejan a poemas. Castellonenses y más que artistas. | ||||||||
| Titulo | Numerosas personalidades asisten a la apertura de | ||||||||
| Autor | Mario Almela | ||||||||
| Publicacion | Levante de Castelló | ||||||||
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| Materia | Poesia visual | ||||||||
| Sinopsis | El Cau de l’Art de Llucena inauguró anteayer por la noche una exposición conjunta de los artistas Ripollés y Antoni Albalat ante una nutrida presencia de público en el que destacaban numerosas personalidades. Entre los presentes estaba el subdelegado del Gobierno en Castelló, Juan María Calles; los diputados autonómicos Francesc Colomer y Javier Tomás; el diputado delegado de Cultura, Miguel Ángel Mulet; el rector de la Universitat Jaume I (UJI), Francisco Toledo; la vicerrectora de Cultura de la UJI, Margarita Porcar; así como el alcalde de Llucena, Vicent Nebot y los concejales de la corporación.
El acto también contó con la presencia de los artistas Melchor Zapata, Maya Jankovic y del fotógrafo Juan Antoni Vicent. Igualmente estuvo Enrique Salvador, de la Coordinadora de Entidades Locales de l’Alcalatén y los deportistas Miguel Miravet, presidente de Marató i Mitja y el alpinista Carles Pitarch. Quien finalmente no pudo asistir fue uno de los dos principales protagonistas de la exposición, Juan García Ripollés, quien regresaba de Barcelona, pero quedó atrapado en la autopista por una retención de tráfico de tres horas de duración. Albalat, por su parte, dijo que «estoy contento por el resultado, porque al principio tenía algo de miedo con esta exposición, pues nuestras estéticas son muy diferentes. No quise ver la muestra montada hasta el último día, y he de decir que la labor de Eloïsa Tarazona y de Jesus Broch ha sido magnífica, conjuntado las dos estéticas de un modo que creo que ha quedado perfecto. Se complementan muy bien». El artista y colaborador de Levante de Castelló también reivindicó que el ámbito de la cultura debía descentralizarse al señalar que «la mayoría de veces la cultura se irradia desde la Plana, por lo que pienso que este tipo de marcos, como el Cau de l’Art de Llucena, deberían extenderse. Las gentes del interior no sólo están castigadas por la falta de infrastructuras de comunicación, educativas o sanitarias; también les falta oferta cultural. Y yo creo que la cultura es algo que forma parte del Estado del Bienestar, y que deberían tener todos acceso». La exposición incluye diez grabados y tres esculturas de Ripollés y diecinueve poemas visuales de Antoni Albalat. Todas estas obras están a la venta, aunque el interés de llevar a cabo esta iniciativa es más cultural que crematístico. La inauguración de la exposición contó con una serie de actos que fueron presentados por Jesús Broch. Se llevó a cabo un cocktail-cata de vinos dirigido por el enólogo Juan Carlos Pavía, y posteriormente, el poeta de Llucena Roman Bernad Negre recitó dos poemas en honor de Ripollés y Albalat acompañado por Manolo Brancal a la guitarra. Clausuró el acto el diputado de Cultura, Miguel Ángel Mulet. Como punto final de la celebración actuó el grupo Brankal. La exposición estará abierta hasta el 22 de agosto. | ||||||||
| Titulo | Arte Postal Multicultural | ||||||||
| Autor | S.L.O. | ||||||||
| Publicacion | El Pueblo de Ceuta | ||||||||
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| Materia | Arte postal,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Diego Segura organiza la II Muestra Internacional de Arte Postal Ciudad de Murcia en las Salas del Museo de Revellin. El tema tratado ha sido el fenómeno multicultural desde el punto de vista fotográfico y en la presentación de la muestra se hizo la propuesta, a partir de esta exposición, de crear un museo de arte postal permanente.
DOCUMENTACIÖN Diego Segura nace en Ceuta en 1943, residiendo hasta 1963 en Marruecos y si convenimos que lo que vemos, sentimos y aprendemos en nuestra infancia nos marca a lo largo de nuestra vida, Diego Segura sería un ejemplo paradigmático. En sus obras, ya sean pinturas o esculturas, vemos el sol, el color, el misticismo, la espiritualidad de nuestro país vecino. Sus posteriores estudios en la Escuela de Artes y Oficios de La Loja, en Barcelona, y sus múltiples viajes hasta recalar en la localidad leonesa de Geniciera, no hacen sino formar una personalidad abierta, un artista polifacético que se desenvuelve con soltura tanto en la pintura como en la escultura. Activo practicante del Arte Postal (Mail Art), preocupado por el cuidado del Medio Ambientes y la recuperación de pueblo abandonados, Diego Segura se nos muestra también en la escultura pública preocupado por cómo se integra ésta en el medio urbano y el efecto que causa en sus habitantes. Diego Segura ha participado en cursos y congresos (Huesca, Valencia, Cuenca...) y, como ejemplo de esta faceta encontramos sus obra más ambiciosa hasta hoy: Hálito de Lena | ||||||||
| Titulo | Constant/ Siatuacionismo y Grupo Cobra | ||||||||
| Autor | Harry Bellet | ||||||||
| Publicacion | Le Monde | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Constant Anton, artista holandés, fundador del Grupo Cobra y uno de los impulsores del Situacionismo, falleció el 1 de Agosto.
DOCUMENTACION SITUACIONISMO. MAYO DEL 68. NOUVEAUX PHILOSOPHES. POSTMODERNIDAD I. SITUACIONISMO La Internacional Situacionista La Internacional Situacionista constituyó entre 1957 y 1972 un grupo de filósofos, arquitectos, pintores, críticos y activistas políticos que desde diversas perspectivas y con diversas técnicas, plantearon el interrogante sobre el papel del hombre y la cultura en la sociedad de consumo de postguerra. Desde una perspectiva radicalmente crítica e inconformista, cuestionaron el orden social a través de libros, octavillas, proyectos arquitectónicos, collages y películas que invitaban a subvertir el orden establecido. Influenciados por el Movimiento Letrista, el Movimiento Internacional por la Bauhaus Imaginista y el grupo Cobra, proponen una conexión entre filosofía, arquitectura y cultura artística. Su proyecto más ambicioso y más conocido es la New Babilonia, la ciudad nómada de Constant. Artistas como Guy Debord Asger Jorn o Giuseppe Pinot-Gallizio cooperaron en el proyecto de la Gesantkunstwerk, la ciudad-museo, la obra de arte total. Desde el punto de vista estrictamente filosófico, el peso específico de los situacionistas, más que por los desarrollos teóricos en sí mismos, sobrevino por la excesiva influencia que ejercieron en la revuelta estudiantil de París en mayo de 1968. Los teóricos del Situacionismo son Guy Debord, (La sociedad del espectáculo) y Raoul Vanergen (Tratado del saber vivir para las jóvenes generaciones). La idea esencial es la falsedad de la sociedad de consumo. Nuestra sociedad es un puro espectáculo, es decir, apariencia. Los situacionistas proponen rebelarse contra esta sociedad de la apariencia y rechazar sus valores establecidos que nos impiden vivir una vida auténtica. Es una lucha contra el consumismo y las seducciones engañosas. Ante la falsa realidad del espectáculo reivindican el valor de la propia vida y la toma de las propias decisiones. La utopía situacionista consiste en pretender la creación situaciones nuevas que subviertan el orden establecido, ya sea el social, el artístico, el moral, el familiar, el ciudadano, el político, el docente, etc. ...//... --------------------------------------------- Los situacionistas devienen de la crítica marxista de la cultura: su campo de acción natural es interrogarse el papel del hombre en la Sociedad de Consumo, en la que la Cultura no es sino una de las formas de comercio y espectáculo. Hijos de la Bauhaus imaginista, del grupo CoBrA (que renegaba de la autoría y del hiperespecialismo en el Arte), y del Movimiento Letrista (las lucubraciones de Isidore Isou, comprometido con el caos y derribo de los sistemas artísticos vigentes), tienen su apogeo en las fases prerrevolucionarias del (tan mitificado) Mayo del 68 francés. Al ser un movimiento heterogéneo, en el que cabía tanto la crítica social como la creación (teorética) de una nueva estética, el resultado es variopinto. Uno tiene la impresión después de leer sus textos más importantes que el único nexo común es una invitación a la subversión, que va desde la llamada tibia a los estallidos más virulentos. Guy Debord y Raoul Vaneigem fueron ciertamente brillantes; pero en su constelación habitan muchas medianías. Es lógico: el firmamentos se compone de cuerpos más brillantes y otros que no lucen, eclipsados la luz de los anteriores. Sin embargo, la misma amplitud del movimiento, que quiere abarcar demasiado, y las características internas del mismo (antes integrador que sistema cerrado) hace que tengamos de ello una idea confusa si lo abarcamos como un todo. Los textos debordianos revelan una preocupación por la falsedad de la sociedad de consumo, que tienta a los seres humanos con sus cantos de sirena que esconden el seguro naufragio de la vida. Ante esto, Debord incita a la rebelión contra esta falsedad que nos impide vivir una vida verdadera. La reinvindicación es al tiempo denunciativa y resistente. Al apelar a la propia responsabilidad para negarse a la colaboración contra la Dictadura del Consumo-Espectáculo, evita el mecanicismo de cierto marxismo, pero al tiempo, parece confiar demasiado en un sistema perceptivo exclusivamente individual, que hace de cada ser humano un ser autónomo sometido al Capital por mera dejadez personal, lo cual parece un tanto exagerado. La vertiente más revolucionaria de la Internacional Situacionista se basa en su llamada a subvertir el orden para edificar situaciones nuevas libres de este miasma. No en vano, hablan de la construcción de la Nueva Babilonia de Constant (una ciudad en la que el homo ludens de Huizinga sea realidad); no olvidemos la atracción que el Situacismo supuso para los arquitectos. Las contradicciones internas ponen fin al Situacionismo en 1972 con un texto de Debord. Pese a ello -a su muerte declarada-, sigue medianamente activa su influencia, y aparte de reconocer sus rasgos en filosofías posteriores (postestructuralismos, Nouveaux philósophes), se siguen publicando textos relativamente cercanos al Situacionismo: Amador Savater, el hijo del filósofo de la tele, anduvo durante un tiempo (no sé ahora, hace tiempo que no le veo) muy interesado en los textos situacionistas. Leímos en un grupo en la Facultad el libro de Debord que dejo más abajo. ...//... | ||||||||
| Titulo | Carlos Edmundo de Ory | ||||||||
| Autor | Juan Eduardo Zúñiga | ||||||||
| Publicacion | El País/ Babelia | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | -Una casa y dentro un poeta-
Un magnífico relato vital de la experiencia personal del autor en sus visitas a Ory (el más joven poeta del siglo) DOCUMENTACIÓN Carlos Edmundo de Ory (España, 1923) Poeta gaditano nacido en 1923 y residente en Francia desde hace más de cuarenta años. Este poeta, sutil, oculto, mágico y también de culto, constituye con su vida y obra una de las trayectorias más deslumbrantes y vanguardistas de la poesía del siglo XX. En los años cuarenta funda el grupo Postismo junto a Silvano Sernesi y Eduardo Chicharro, de vinculaciones surrealistas, y a partir de entonces no deja de participar en distintos movimientos de agitación poético-artística europea. Poeta, fundamentalmente, pero también ensayista, epigramista y traductor, los más de cuarenta libros publicados hasta la fecha han sido traducidos a distintas lenguas. Destacan títulos como Técnica y llanto, La flauta prohibida, Lee sin temor y brevísimas formas en verso reunidas bajo el nombre de Aerolitos. Ory ha escrito algunos de los delirios más bellos de nuestra poesía de todos los tiempos y es uno de los poquísimos discípulos que ha tenido el poeta San Juan de la Cruz cuyos versos, plenamente asimilados, suenan con nueva voz en algunos poemas de Ory. Sus poemas expresan delirio y exquisita musicalidad y mejores cuanto más breves son. Por eso el soneto y el artículo periodístico, por su brevedad, son la horma perfecta para talentos como el de Ory. Otros libros representativos de su obra son Los sonetos (1963) y esa joya absoluta que es Poesía 1945-1969. SOBRE POSTISMO ...//...Era la época de la fundación del postismo. Había terminado la Segunda Guerra Mundial. España vivía una posguerra dilatada. Nuestra cultura, en ese tiempo, tiene pocas rendijas. Está seria como un gerente. Oculta su debilidad bajo aseveraciones y anatemas. Toda mi generación se ha lamentado de haber vivido la infancia durante aquellos años: si hubiésemos sido adolescentes, el trauma no habría sido menor. (Que los muertos entierran a sus muertos). Para Ory, como si hubiera sido niño. Su locura cordial, su inocencia, su espectacular torpeza vital –bajo las que alienta una indómita negativa a aceptar como buenos unos valores que suelen añadir "prestigio" en proporción directa a la espontaneidad que sofocan-, su tierno demonismo –todo aquello por cuanto se le ha llamado pintoresco o pueril o extravagante, todo aquello que, en fin, nos invita a no ignorar su libertad-, no cabían en aquel ágora sombría. No culpo a nadie: era una situación. Reconocer en la imaginación y el enfebrecimiento y el temblor y la risa algo que veinticinco años más tarde buscarían muchos jóvenes desengañados –o afortunados- y resueltos a respetar de verdad la grandeza de la poesía, era algo notoriamente complicado en el extenuado Madrid de mil novecientos cuarenta y cinco. No faltaron algunos corazones con horizonte. Pero la constante era el rechazo, la conmiseración –o la burla. Me disgusta parecer vengativo. Pero me complace extraordinariamente advertir cómo algunos advenedizos de la caligrafía que entonces se permitieron ignorar a Ory o disculparle su portentosa extravagancia, hoy, mientras Ory enriquece despacio y tenazmente nuestro maravilloso idioma, tratan de revivir con angustioso boca a boca a su propio cadáver, o simplemente lo amortajan...//... | ||||||||
| Titulo | MAS DE LO MISMO EN LA POESIA VISUAL ESPAÑOLA | ||||||||
| Autor | JOSÉ-CARLOS BELTRÁN | ||||||||
| Publicacion | POESIA VISUAL ESPAÑOLA DE VICT | ||||||||
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| Materia | Poesia visual | ||||||||
| Sinopsis | MÁS DE LO MISMO EN LA POESÍA VISUAL ESÀÑOLA
JOSÉ-CARLOS BELTRÁN "Antología de la poesía visual" Víctor Pozanco.. Edit.Biblioteca C y H. Barcelona 2005. 176 gas En este país o se silencia cualquier manifestación artística, hasta intentar ahogarla o en un breve espacio de tiempo todo el mundo habla de ella, como queriéndola descubrir, y eso es bueno, pero a la vez perjudicial, sino se investiga , aportando nuevos conocimientos, naturalmente me refiero a la poesía visual, esa manifestación poética que se inicia en España en la década de los sesenta, silenciándose en los setenta y ochenta, y renaciendo a finales de los noventa, con las antologías "Poesía visual española ante el nuevo milenio" de mi autoría , con prologo de Angela Serna, o la antología "Poesía visual catalana " de Xavier Canals, como catálogo de la exposición en el Centre d´Art Santa Mónica de Barcelona, ambas en 1999, adentrándonos así al siglo XXI como un revivir de la poesía visual española. En estos seis años son varias las antologías ( Antología consultada de la poesía visual española" que yo convoque la correspondiente encuesta que dio lugar a la nominación de 136 poetas visuales de los cuales veintidos pasaron a formar parte del libro editado a color por Fernando Millán en Madrid,,Otras recopilaciones regionales (Valenciana, por J.C.Beltrán y B. Ferrando, Extremeña por Antonio Gómez o País Vasco,deFrancisco Aliseda) y exposiciones como la itinerante "Poesía para ver" desde Madrid 1999-Getafe 2003, tras recorrer ocho poblaciones, que han puesto la creación poética visual en la actualidad artística del momento. Ahora llega Victor Pozanco, con su vocación de antologo-editor, recordar sus dos anteriores antologías de poesía discursiva en los años setenta, pero esta vez de poesía visual, lo cual pone de manifiesto la actualidad de este genero poético, y nos presenta 22 poetas visuales españoles, sin dar con claridad una intención con esta nueva antología, ya que desde el titulo está confusa, no especifica claramente si se trata de una antología española, internacional o cualquier otro concepto, lo que ya pone en la duda al posible lector, que en la mayoría de los casos será a la vez creador. Lo mejor de la antología, es la presentación, con una excelente edición, con portada a color con un poema de Jose Maria Iglesias como acertado homenaje, por lo que hay que felicitar al editor-antologo Pozanco, y hay que destacar la sensibilidad con la dedicatoria del libro a José María Iglesias in memoriam, todo un detalle. Y en la contraportada con foto de Victor Pozanco, y un texto que pretende despertar el interes del posible lector. El prólogo en dieciséis páginas escritas como memoria de autor nos hace un repaso a la historia de la vanguardia en general, y de la poesía visual en particular, sin aportar nuevos datos de interés, reconociendo la ausencia de autores imprescindibles como Julián Alonso, Antonio Orihuela, J.Ricart, Raúl Calvez, y anunciando un proyecto de un nuevo volumen para incluirlos y hasta incluso de un tercer volumen que será presentado y uniendo poetas visuales y discursivos, como una nueva antología poética general del resurgimiento del siglo XXI, una ambiciosa tarea de antologo que sin duda gozará de su interés. Sigue con el cuerpo antológico del libro, presentando a cada poeta contando su historia, donde aparecen textos que poco tienen que ver con la poesía visual. Se ve en la selección que nos presenta Pozanco, una clara intención de dividir el libro en tres grupos, los clásicos ( José María Iglesias, Francisco Peralto, Alfonso López Grádoli y José María Montells) se nota a faltar la ausencia de Fernando Millán, una de las figuras básicas de la poesía visual en España, como uno de los iniciadores y su principal promotor a través de los años,. Otro grupo de autores que han mantenido el género en las décadas intermedias de los 70-90 como Rafael de Cozar, Josep Sou, Bartolomé Ferrando, Juan Orozco, Juan López de Aél, Angela Serna, Juan Manuel Barrado, Adolfo Vargas, otro grupo integrado a la práctica poética visual entre siglos como Nieves Salvador, José-Carlos Beltrán, Manuel Calvarro, Francisco Morales Iglesias, y un último grupo de nuevas voces como Iñigo Padro, Javier Saez Medrano, Miguel portillo, Miguel Ángel Zorrilla o la sorpresa de José Lupiañez, un excelente poeta discursivo, cuya faceta visual al menos yo tenía desconocida y me parece un acierto su inclusión tras observar su obra incluida, y por último hay una autora Susan Nash, que puede ser muy buena pintora, pero lo que no es según la muestra de su obra presentada y leyendo su bibliografía, poeta visual, su presencia hace dudar de la selección de Pozanco, porque puede llegar a confundir el termino de poesía visual al lector no habitual de ella, pero sobre todo brilla la ausencia que faltan antología poetas tan representativos como Antonio Gómez, el de mayor reconocimiento dentro del género en España, con obra en la exposición internacional ARCO desde hace varios años o Eduardo Scala, Pablo del Barco Joaquín Gómez, José Luis Campal, Gustavo Vega, J.M.Calleja, Xavier Canals, J.Sefree, etc... todos ellos imprescindibles cuando se habla de poesía visual española, no hay más que consultar las más recientes antologías publicadas como la última de "Poesía experimental española 1963-2004" de Feliz Morales Prado, Madrid 2004 la que mejor expone el género hasta el momento, en el intento de un estudio serio sobre la poesía visual en España, siendo un compendió de las anteriores. El libro termina con unas notas biobliograficas de cada autor, que es donde se contempla que la mayoría de los nuevos nombres, son más pintores que poetas visuales, pero que despierta su interés por esas incorporaciones al genero que con el tiempo pueden aportar nuevas poéticas visuales. Terminando el libro y eso es incomprensible con cinco páginas y media bajo el titulo de "El autor y la crítica" con la reseña de los artículos que diferentes críticos le han dedicado a la obra de Victor Pozanco , este hecho resta seriedad a la obra presentada, y es una lastima porque siempre es interesante un libro de poesía visual, en cuanto ayuda a su divulgación. En resumen más de lo mismo en el panel de las antologías de poesía visual, que indudablemente ayuda a ampliar la nomina de poetas visuales, y dar el reconocimiento que se merecen otros a veces olvidados como J.Ma.Montells, confirmar la presencia activa de la mayoría de los incluidos. Pero sigue sin ser publicado un estudio riguroso del género, que tanta falta hace para que la poesía visual ocupe el lugar que se merece como un genero poético con sus características propias. Se puede solicitar a Victor Pozanco .Editor . c/NURIA 27 B. 08591 Aiguafreda ( Barcelona) España. o Correo electrónico victor_pozanco@yahoo.es . | ||||||||
| Titulo | Mimi Parent | ||||||||
| Autor | Victoria Combalia | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poema objeto,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Mimí Parent, artista surrealista
Mimí Parent, autora de la famosa corbata realizada con cabellos rubios titulada Masculino-Femenino (1959), un icono clásico del surrealismo, murió el pasado 14 de junio en Villars sur Ollon (Suiza) en donde estaba reposando debido a su delicada salud. AMPLIACIÓN DE LA DOCUMENTACIÓN París y los surrealistas. Museo de Bellas Artes de Bilbao Del 20 de junio al 18 de septiembre de 2005. por Alberto López Echevarrieta Trescientas setenta piezas del surrealismo componen la que posiblemente sea la más completa exposición que se ha hecho sobre este movimiento artístico en mucho tiempo. “París y los surrealistas” es un conjunto muy variado de pinturas, fotografías, objetos y audiovisuales que, con una complejidad laberíntica, nos introduce en la última corriente inteligente de las vanguardias clásicas del siglo pasado. La muestra constituye un recorrido no cronológico por el París de los locos años 20, agrupando las obras por temas: “Eros surrealista”, por ejemplo, reune fotografías de Man Ray (“Meret y Marcusse”, “Meret Oppenheim”, “El violín de Ingres”, “Nusch y Ady”, etc.). En “La maga y la musa” encontramos obras de Mimi Parent, recientemente fallecida, entre las que se encuentra la célebre “Masculino-femenino”, pieza que la artista presentó en la Exposición Internacional del Surrealismo de 1959-60. Pero si nos ceñimos a nombres que gozan de la gloria de las artes, tenemos que citar en el apartado de “Antecedentes”, a Goya con su “El sueño de la razón produce muertos”, y a Giorgio de Chirico con “Las musas inquietantes”. Man Ray presenta una serie de retratos de los protagonistas del surrealismo: De André Breton a Victor Brauner pasando por el Antonin Artaud de la “Juana de Arco” de Dreyer. Dalí es figura obligada en “El sueño” con el óleo “La imagen desaparece” y la aguada sobre papel negro “Rostro con hormigas”. En “El automatismo”, Miró asoma con su “Pintura”, realizada en 1926. Aquí están Picasso, Tanguy, Picabia, Penrose, Magritte, Duchamp, Malkine, un collage de Jacques Prévert y a título de curiosidad el libro “Défense de savoir” de Paul Éluard encuadernado en vidrio por Georges Hugnet, y el famosísimo “Manifiesto del surrelismo” de André Breton. La relación sería enorme. En la presentación, la comisaria de la exposición, Victoria Combalía, ha confesado haber realizado su trabajo como si ella fuera surrealista de verdad, abordando también el tema político, algo que siempre olvidan los museos; la posición muy firme que tomaron los surrealistas en defensa, por ejemplo, de la República española durante la Guerra civil. O su posición, a veces ácrata, a veces cercana al Partido Comunista, porque estos artistas siempre fueron de izquierdas. Esta mirada surrealista de la capital francesa resulta sumamente atractiva, entre otras cosas porque ofrece no sólo la posibilidad de una soberbia conjunción de artistas, sino la posibilidad de comprender que los surrealistas no sólo fueron modernos en su arte, sino en cómo veían el arte de los demás. | ||||||||
| Titulo | Historias dadaistas | ||||||||
| Autor | Edgardo Dobry | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Una figura relevante del movimiento dadá entre los años 10 y 20 del siglo pasado fué, sin duda, Hugo Ball (1886.1927), creador junto a Tristan Tzara y Hans Arp del Café Voltaire en Zurich, precisamente donde nació el grupo y toda la poesía de vanguardia.
El comentarista hace mención a la aparición del libro LA HUIDA DEL TIEMPO (Diario). En el mismo se comenta la necesidad de liberarse del lenguaje para que la poesía pudiera presentarse en plenitud sin las limitaciones formales de las estructuras linguisticas. Mallarmé fué el abanderado de esta necesidad, pero también Hugo Ball, en 1916 y en el café Voltaire leyo sus primeros versos sin palabras (poemas fonéticos) DOCUMENTACIÓN El movimiento Dada surgió a la vez en Suiza y Estados Unidos en 1916. Desde Zurich se expandió hacia Alemania y hacia Francia. En París es ya el movimiento de moda en 1923. El movimiento Dada tiene la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra otra escuela anterior, sino que se funda en un cuestionamiento de todo el marco conceptual del arte y de la literatura de antes de la Primera Guerra. El grupo de Zurich Suiza, a partir del estallido de la guerra en 1914, se convierte en un centro de refugiados pacifistas de toda Europa. Allí se encontraron todos los disidentes de otras escuelas previas, tales como el expresionismo alemán, el futurismo italiano o el cubismo francés. En 1916, en Zurich, un grupo de artistas instalaron en una cervecería un pequeño cabaret, al que bautizaron como "Cabaret Voltaire". Allí se reunieron el filósofo Hugo Ball, el poeta Tristan Tzara, el pintor marcel Janco, ambos refugiados rumanos, y el pintor alsaciano Jeans (Hans) Arp. A partir de ese encuentro comenzaron una serie de actividades en el cabaret así como editaron la revista que llevaría el nombre de "Dada" Tristan Tzara pronto se convirtió en el promotor y principal exponente del movimiento Dada. Entre él y Hugo Ball dieron sustancia a la teoría dadaísta. El origen del término Dada es confuso y controvertido. De acuerdo con la versión de Tzara y Ball, la palabra surge de la casualidad: abriendo las páginas de un diccionario con la ayuda de un cuchillo, el primer término señalado fue ese: dada. De acuerdo con otras versiones, fueron los camareros del Café Terrasse, lugar donde se solían encontrar estos artistas centroeuropeos, quienes identificaron primeramente al grupo como dada: para esos camareros, las lenguas habladas por aquellos emigrados eran incomprensibles, salvo la sílaba "da-da" ("sí, sí", en ruso y otras lenguas) En pocos meses los espectáculos del café Voltaire fueron famosos en la ciudad Suiza. El espectáculo dadaísta había nacido, cargado de provocación, tendencia agresiva, propuestas ilógicas y absurdas. En 1917 Francis Picabia, un pintor francés, refugiado también en Suiza entra en contacto con Tzara. Ambos darán sentido al Manifiesto Dada de 1918, posiblemente el documento más importante del movimiento dadaísta de Zurich. Tras el fin de la guerra, el dadaismo cautiva a los artistas vanguardistas de París, produciéndose un resurgimiento del mismo. El Zurich dada, con la diáspora de sus refugiados, se había acabado. El grupo de Nueva York También la declaración de guerra llevó a la ciudad americana a grupos de artistas refugiados. Entre ellos hay que destacar a Duchamp y Picabia. Allí se integraron con las corrientes vanguardistas que desde comienzos del siglo se estaban gestando en Harlem, Greenwich Village y Chinatown. Aunque Nueva York no era Zurich, ni existía ese clima de refugiados políticos de la ciudad suiza, el espíritu iconoclasta, recalcitrante y nihilista fue idéntico. En marzo de 1915 nace la revista "291", nombre tomado del número de la casa ocupada por una galería de arte en la Quinta Avenida. Duchamp, Picabia, Jean Crotti, como europeos refugiados, junto con los americanos Man Ray, Morton Schamberg y otros dan vida al dada neoyorquino. El grupo de Berlin Tras la guerra, Alemania entra en una crítica situación. Tras la revolución bolchevique, el partido Espartaquista alemán -la izquierda socialista- ensaya también la revolución en Alemania. En toda esa agitación social un grupo de artistas van a incorporarse a las tesis izquierdistas: será el Movimiento dadaista. Procedente del grupo de Zurich, Richard Huelsenbeck, trae a Berlin el espíritu dadaista, pero mucho más radical contra las anteriores escuelas vanguardistas (futurismo, cubismo). Junto con el poeta Raoul Hausman promueve declaraciones y manifiestos a partir del "Dada Club". Junto a los anteriores destacarán el pintor Georg Grosz, agudo crítico del militarismo y del capitalismo alemán de aquellos años, y los hermanos Herfelde, uno famoso divulgador de la técnica artística del fotomontaje, otro indispensable editor de las obras dadaistas de aquellos años. El movimiento dada berlinés pasará a la historia por la incorporación de las nuevas técnicas artísticas de difusión de ideas entre las masas, principalmente el fotomontaje. La constitución de la República de Weimar en 1919 marca el fin de los proyectos políticos dadaistas y la resituación de este grupo en los marcos artísticos. | ||||||||
| Titulo | ¿Esto es Arte? | ||||||||
| Autor | Roberta Bosco | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | La consideración del arte fuera de su contexto admite todo tipo de posibilidades y planteamientos, y la articulista destaca esencialmente la obra de la mexicana Maria Alós quién ofrece a los visitantes a la exposición unas pegatinas adhesivas para que con ellas salgan a la calle y testifiquen lo que es o deja de ser arte.
Asi pués, hay tres tipos de pegatinas que los visitantes se pueden llevar: A/ ESTO ES ARTE B/ ¿ESTO ES ARTE? C/ ESTO NO ES ARTE ...de esta forma, el ciudadano de a píe queda liberado de la tiranía de la crítica, de la mass media y de los condicionantes mediáticos, y puede establecer, según su criterio, lo que es o deja de ser arte. Y, en caso de duda, existe la pegatina con interrogante. DOCUMENTACION 22a es proposa la reflexió sobre l'abast i funcionament de l'art fora dels seus contexts físics i conceptuals convencionals. “ Lladres de cossos” parteix de la idea d'envair d'una forma subtil, però rotunda la realitat. L'exposició es concretarà, d'una banda, en diferents instal·lacions multimèdia realitzades específicament i, de l'altra, en uns elements portables i editats com a múltiples, pensats per a la seva difusió exterior. El públic visitant s'emportarà l'element que, de manera subtil, alteraràn comportaments i ordres establerts. Lladres de cossos posarà en pràctica estratègies d'intervenció en l'espai social gràcies a un seguit d'elements que el públic podrà utilitzar lliurement dins i fora del context artístic on s'originen, tot actuant així com a agent de contaminació. Còmplice del projecte, el públic es convertirà en l'autèntic creador d'un espai virtual i alternatiu de difusió, vivència i transformació de l'art. Un espai de pèrdua, de trobada, i de confluència que posarà en entredit l'existència d'un marc expositiu limitat per les constriccions físiques i institucionals de l'espai expositiu. Així, doncs, la proposta Lladres de cossos tindrà lloc en dos espais diferents: l'espai expositiu de Metrònom -durant els temps de durada de l'exposició- i l'espai virtual, de temps indefinit, creat pels usuaris dels elements portables. 22a és un col·lectiu independent d'artistes i crítics amb seu a Barcelona que porta a terme diverses iniciatives de reflexió crítica i producció a l'entorn de la cultura i l'art i contemporanis. Dates d'esposición: Del 10 de juny al 23 de juliol de 2005 Lloc: Metrònom, c/ Fusina, 9. 08003 Barcelona Sala Central www.metronom-bcn.org Horaris: Obert de dimarts a dissabte de 11 a 14 h i de 17 a 20 h. Dilluns i festius tancat | ||||||||
| Titulo | Atlas de las Nubes/ Antonio Luque | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Entitats | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | El trabajo de Luque consiste en 13 instalaciones de pequeño formato que han sido realizadas a partir de 139 entrevistas en la que el autor a buscado indagar sobre los aspectos íntimos de los personajes. Cada instalación esta realizada de manera individual e interrelacionada al mismo tiempo. | ||||||||
| Titulo | Arte Efimero en Tarragona | ||||||||
| Autor | Sandra Ausiró Desii | ||||||||
| Publicacion | El Diari de Tarragona | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis |
El arte está en la calle. Abrieron las puertas, nunca cerradas, de un barrio viejo para transformarlo en un museo al aire libre que invita a los propios tarraconenses a reflexionar sobre su ciudad. Silvia Iturria, Magda Mercadé, Jordi Llort, Robert Masip y Caro Costa con Elena Gómez son los cinco jóvenes artístas ganadores de la segunda edición de los Premios Repsol YPF. Cinco propuestas, cargadas de cinco sentidos distintos, que han reconvertido el casco antiguo de Tarragona, desde el pasado viernes, en un escaparate del arte efímero. Ventanas, fachadas e incluso calles enteras han trascendido su papel habitual para convertirse en soporte de estas obras artísticas, que han podido, incluso, esquivar los obstáculos que estos nuevos escenarios presentan. Proyectos de un alto nivel artístico que demuestran que en las comarcas hay gente joven dispuesta a exprimir toda su creatividad. Un potencial artístico que es preciso no desperdiciar. De las diez propuestas presentadas por los estudiantes de la escuela de arte de Reus y Tarragona al concurso, sólo la mitad fueron premiadas por Repsol YPF, que cubrió los gastos del proyecto y dotó a cada uno de los ganadores con 300 euros. Los jóvenes talentos fueron premiados no sólo por el esfuerzo llevado a cabo, sino por la reflexión y simbolismo que quedaban implícitos en su obra. «La implicación de la gente del barrio fue el toque distintivo para que el proyecto fuese todo un éxito», agrega Mónica López, coordinadora de de los premios Repsol YPF. Sugieren un ejercicio de diálogo con el contexto y un desafío permanente a intentar ser una medición entre arte y comunidad, fuera del espacio expositivo hacia los espacios públicos y las viviendas particulares. Muchos quizás seguirán sin saber interpretar estas obras, pero ya se sabe que el artista contemporáneo es crítico, visualmente reflexivo, y a veces también algo incomprendido. | ||||||||
| Titulo | 8º Congreso de Mujeres Poetas | ||||||||
| Autor | Angela Serna | ||||||||
| Publicacion | Literatura | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
VIII Encuentro Internacional de Mujeres Poetas, por Angela Serna Diversidad de voces y formas poéticas Es un hecho contrastado que las antologías, revistas de poesía, libros de texto, congresos literarios… que se celebran en nuestro país “excluyen” en muchos casos a las mujeres y sus obras, en un momento en el que se da la paradoja de que la preocupación ciudadana en todos los niveles vuelve sus ojos hacia la situación de las mujeres en los diversos ámbitos: familiar, político, cultural, etc. La creación de las mujeres (pese a las apariencias), y en especial la poesía, está relegándose cada vez más, considerándose todavía, de una manera muy sutil, como un apéndice de la Literatura general que es la escrita por hombres. Este fenómeno es más visible en todo lo que se refiere a la poesía donde el olvido es mayor que en otros géneros literarios. Por tanto creemos esencial que estudiosos y estudiosas, junto a las propias creadoras, se sienten a reflexionar y tengan la posibilidad de mostrar, una vez más, la diversidad y la riqueza de su obra poética que, por qué no decirlo, forma parte de la esencia y del papel de la mujer en el mundo literario y en el social… Los Encuentros de Mujeres poetas se vienen celebrando en las diferentes Comunidades del Estado español desde el año 1996, en que Mª Xosé Queizán convocó el I Encuentro de Mujeres Poetas / Encontro das Poetas Peninsulares e Das Illas, patrocinado por la Xunta do Consello de Vigo, Caixa de Vigo y Feministas Independentes Galegas. El programa incluyó lecturas de poesía en gallego, portugués, castellano, euskera y catalán y ponencias sobre poetas de las diferentes autonomías. A este primer Encuentro le siguieron otros, cada vez con más interés y participación por parte de todo tipo de público: • 1997: Córdoba, patrocinado por la Junta de Andalucía, la Diputación de Córdoba y el Instituto andaluz de la Mujer. • 1998: Lanzarote, patrocinado por el Gobierno de Canarias, el Cabildo de Lanzarote y la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria. • 1999: Málaga, patrocinado por la Junta de Andalucía, Centro Andaluz de las Letras, Universidad de Málaga, Instituto andaluz de la Mujer y Unicaja. • 2000: Barcelona, con el apoyo de la Generalitat de Cataluña, el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, Ayuntamiento de Barcelona, CSIC y la CAM. • 2001: San Sebastián, patrocinado por Ayuntamiento de San Sebastián, Instituto Vasco de la Mujer, Diputación Foral de Guipúzcoa. • 2002: Granada, patrocinado por la Universidad de Granada, la Junta de Andalucía, el Instituto Andaluz de la Mujer, el Ayuntamiento de Granada y el Centro Andaluz de las Letras. Desde el primer Encuentro, y en todos los siguientes, se ha venido insistiendo sobre la pluralidad y, poco a poco, se han abierto y enriquecido con la participación de importantes poetas y teóricas de otros países. Además, en cada encuentro se ha registrado una mayor participación de público, tanto de mujeres como de hombres. Consideramos muy enriquecedor entrar en contacto e intercambiar experiencias y reflexiones con las mujeres poetas, teóricas y críticas de otros países e incluso de otras culturas y lenguas, por lo que este año, además de invitar a prestigiosas poetas y críticas de nuestro país y de nuestra comunidad autónoma, proponemos una toma de contacto con poetas de otras culturas y lenguas como Margalit Matitihau (Israel: poeta que se expresa en sefardí) y Amina Saïd (Túnez: poeta de expresión francesa con un imaginario totalmente volcado hacia su Oriente natal) Otro aspecto que se suele tener presente en estos encuentros es la reivindicación de algún nombre poético de mujer que haya podido ser de alguna forma silenciado o relegado a un segundo plano. En esta ocasión, queremos resaltar la figura de Ernestina de Champourcin, poeta por excelencia de nuestra ciudad que este año celebra el centenario de su nacimiento. Teniendo en cuenta que la continuidad de estos encuentros nos parece absolutamente necesaria, hemos considerado oportuno que una ciudad como Vitoria-Gasteiz, aprovechando el centenario de Ernestina, recoja el testigo y organice este VIII Encuentro de Mujeres poetas. Y ello por un doble motivo: el primero, ofrecer a la ciudad la oportunidad de recibir a poetas y estudiosas de talla internacional dando así un sentido mayor a las actividades poéticas que desde hace un tiempo vienen desarrollando distintos colectivos poéticos de la ciudad desde varios frentes. Creemos que este Encuentro permitirá aglutinar a poetas y a amantes de la Literatura, uniendo esfuerzos en un mismo foro. En segundo lugar: acoger en Vitoria-Gasteiz este VIII Encuentro de Mujeres poetas sería poner un broche de honor al año Ernestina de Champourcin, reforzando y dando mayor importancia a la que fue gran poeta nacida en nuestras calles y, sin embargo, tan desconocida por muchas de nuestras conciudadanas y conciudadanos. Se podrá así proyectar la poesía y la personalidad de Ernestina más allá de la ciudad, más allá del país, pues la presencia de poetas y críticas invitadas tendría una repercusión mucho mayor que un simple homenaje local. En cada Encuentro, además de convocar a poetas que hablan sobre su obra y que recitan sus poemas, se introduce siempre un núcleo de reflexión poética en torno a mesas redondas (dirigidas al público), a conversaciones (entre poetas de distintos lugares), etc., pero además se plantean diversas cuestiones de interés y actualidad en torno a la poesía escrita por mujeres. Este año queremos centrarnos en la noción de “Diversidad de voces y de formas poéticas”, abriendo así una vía inédita en estos encuentros para otras manifestaciones poéticas realizadas por las mujeres creadoras: la poesía experimental. Por esa razón, junto a poetas llamadas discursivas, se invitará a poetas que también practican lo que se ha venido llamando poesía experimental (o visual), tan arraigada en nuestra poesía (vanguardias) y retomada con fuerza desde hace algunas décadas. Poetas y críticas debatirán sobre el tema aportando experiencias prácticas que vendrán a sumarse a las mesas de debate y lectura anunciadas anteriormente. Especialistas y poetas reflexionarán junto con el público asistente dentro de un ámbito de interculturalidad. Al mismo tiempo, se organizarán diversas actividades paralelas: presentación de libros (reedición de obra de Ernestina de Champourcin así como algunos poemarios de las poetas asistentes publicados en 2005), recitales: homenaje a Ernestina de Champourcin (su obra), así como otros recitales con aportación de obra de las poetas presentes en el encuentr. Estos recitales serán realizados por grupos poéticos de nuestra ciudad, en un afán de dar protagonismo a nuestras propias poetas y rapsodas, tal y como viene sucediendo en los encuentros que nos han precedido. Por esta razón, habrá un número importante de creadoras vascas, de voces que se expresan en euskera y en castellano, con el fin de mostrar esa diversidad (también lingüística) que caracteriza a nuestras poetas y creadoras en general. Será, pues, un encuentro Homenaje a Ernertina de Champourcin y homenaje a la poesía escrita por mujeres, será también un homenaje a las culturas, a los pueblos y a sus lenguas: vasco, catalán, gallego, español, francés, sefardí, serán las lenguas habladas durante los tres días, pero sobre todo se hablará un lenguaje universal: el de la poesía. DATOS SOBRE EL VIII ENCUENTRO DE MUJERES POETAS I. Definición: Encuentro Internacional de Mujeres Poetas: Diversidad de voces y formas poéticas. II. Justificación: Dar continuidad a los objetivos de los anteriores encuentros celebrados en Vigo, Córdoba, Lanzarote, Málaga, Barcelona, San Sebastián y Granada. III. Objetivos: General: Crear un espacio de encuentro y debate sobre temas relacionados con la mujer y la poesía. Específicos: 1) Ofrecer un foro a creadoras, estudiosas y estudiosos de la poesía escrita por mujeres. 2) Analizar y presentar la diversidad de la creación poética de las mujeres (voces) 3) Analizar y presentar la vertiente experimental de la poesía escrita por mujeres (formas) 4) Abrir un diálogo con mujeres poetas de otras nacionalidades (culturas y lenguas) para intercambiar experiencias, opiniones y puntos de vista en todo lo referente a la temática del congreso. 5) Rendir un merecido homenaje a la poeta Ernestina de Champourcin, tan querida en nuestra ciudad, como demuestra el Premio que lleva su nombre. IV. Público al que está dirigido: Estudiantes, profesoras y profesores, escritoras y escritores, Asociaciones culturales y público en general. V. Organización: Asociación Poética Xuxurlak y Revista Texturas. VI. Coordinación: Angela Serna, Pilar Corcuera, Concha Murua. VI. Fechas: Los días 16, 17 y 18 de noviembre de 2005. VII. Participantes: Poetas internacionales: Margalit Matitihau (Israel); Amina Saïd (Túnez/Francia), Mercedes Roffé (EE.UU) Poetas nacionales: Juana Castro (Córdoba) Chus Pato (Pontevedra) Elsa López (Córdoba. Directora Fundación Antonio Gala) Julia Otxoa (País Vasco) Amaia Lasa (País Vasco) Eli Tolaretxipi (País Vasco) Tere Irastorza (País Vasco) Miren Agur Meabe (País Vasco) Cinta Montagut (Barcelona) Balbina Prior (Córdoba) Chantal Maillard (Málaga. Premio nacional de poesía 2004) Angeles Mora (Granada) Julia Uceda (Premio nacional de poesía 2003) Belén Reyes (Madrid) Julia Barella (Alcalá) Mariana Colomer (Barcelona) Belén Juárez (Madrid) Cristina Peri Rossi (Barcelona) Sara Pujol (Tarragona) Nieves Salvador (Castellón) Amalia Iglesias (Madrid. Redactora revista De libros) Amaia Mendizábal (País Vasco) Isabel Pérez Montalbán (Málaga) Ana Rossetti (Madrid) Teresa Aldamiz (País Vasco) Mª Antonia Ricas (Toledo, revista Hermes) Itxaro Borda (País Vasco) Dionisia García (Murcia) Mª Xosé Queizán (Galicia) Aurora Luque (Córdoba) Noni Benegas (Madrid. Autora de la Antología Ellas tienen la palabra) Poetas-rapsodas locales: Laura Marinas, Carmen Vicente (Recital Ernestina de Champourcin homenaje); Grupo poético Xuxurlak; poetas-rapsodas de otros colectivos poéticos de la ciudad. Estudiosas: Concha García (Cataluña) Laura López F. ( University of Canterbury, New Zeland). Sharon Keefe Ugalde (EE.UU) Félix Morales (Andalucía) Margaret Persin (EE.UU) Mª Eukene Lacarra (País Vasco) María Rosal (Andalucía) VIII. Inscripciones: El Encuentro estará abierto al público en general, previa inscripción (al final se entregará un diploma oficial en el que se reconocerán los créditos de libre elección a que da derecho la asistencia al Encuentro). Precio: 50€. Estudiantes: 30€. La entrada a los recitales poéticos será libre y gratuita durante los tres días. IX. Otras actividades: -Exposición de poesía visual en el espacio de arte “Galería Itinerante” -Paseo por Vitoria-Gasteiz: Ruta “Mujer, cultura y educación” -Visita Museo de Arte “Artium” -Visita a la Catedral de Santa María (en reconstrucción) Nota: Las personas interesadas en recibir información más precisa sobre el Encuentro pueden ponerse en contacto con la organización en el teléfono 670 06 29 28 (Angela Serna) o en el e-mail xuxurlak@yahoo.es A partir del mes de mayo, el programa del Encuentro estará a disposición de las personas interesadas. Angela Serna nace en Salamanca y reside en Vitoria-Gasteiz. Es profesora titular de la Universidad del País Vasco (Departamento de Filología Francesa). Es Directora y editora de la revista TEXTURAS (nuevas dimensiones del texto y de la imagen: http://www.geocities.com/revista_texturas) y autora de los libros Poétrica visualizable (poesía visual), Del otro lado del espejo (primer accésit en el XIX Premio de Poesía ciudad de Benicarló 1999), Alfahar (poesía visual), Fases de Tumiluna (poesía) y Vocaníbales (Antilogía poética). Ha participado en libros colectivos: De dos océanos, Esferas líquidas, Poemas abiertos, Textos para un milenio… Aparece en varias antologías de poesía visual y colabora en numerosas publicaciones nacionales y extranjeras. Ha participado en buen número de exposiciones colectivas de poesía visual y mail art. Es traductora de Description de san Marco (Bassarai, 2000) de Michel Butor y de textos poéticos de autores como Martine Broda, Jean-Michel Maulpoix, André Laude… Es miembro del grupo poético Xuxurlak con quien organiza recitales poéticos en espacios tan diversos como librerías, colegios, centros cívicos, bares, cárceles, salas de arte, etc. Ha coorganizado cuatro Congresos sobre Escritura Creativa y es coeditora de los libros Escritura creativa 1, Escritura creativa 2, Escritura creativa 3. Recientemente, la editorial Corona del Sur de Málaga, ha publicado una mini-antología titulada Rasgando violines, en la que se incluyen algunos poemas inéditos. Esta entrada fué publicada el Tuesday, March 8th, 2005 a las 12:35 am y está archivada en Literatura. Puedes seguir el resto de los comentarios a través de este feed RSS 2.0. Puedes dejar un comentario, o hacer un trackback desde tu propia página. | ||||||||
| Titulo | Mappelthorpe y el manierismo | ||||||||
| Autor | Bárbara Celis | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Decía Rafael del Cázar sobre el manierismo:
""... Ya en el siglo III a.C. encontramos caligramas, laberintos, lipogramas, alfabéticos y toda suerte de juegos visuales y fonéticos: Asclepiades de Samos, Simias de Rodas, Sotades, (versos sotadicios o retrógrados) Aratus de Soli, Calímaco, Teócrito, Dosiadas, Licofrón de Calcis (El Oscuro), son algunos de los primeros nombres destacados en eso que Curtius llama "manierismo formal"[5]. De hecho los caligramas y demás fórmulas de este periodo han servido de permanente inspiración a lo largo de toda la historia...." y en esta línea la autora del escrito trata de encontrar la vertiente manierista de Mappelthorpe. Y es asi como encuentra que para los artificios de este genial fotógrafo se usan técnicas, modos, formas y juegos visuales que le permiten contemplar temas como la homosexualidad o el sadomasoquismo de manera absolutamente novedosa. Rompiendo con el academicismo imperante y transformando completamente la manera de hacer precedente. Debemos recordar, siguiendo las teorías de Cózar, que el manierismo fué un antecedente inmediato y elocuente de la actual poesía experimental y el experimentalismo fotográfico. | ||||||||
| Titulo | Guillermo Marín y los espirocantos | ||||||||
| Autor | César Reglero | ||||||||
| Publicacion | El Diari de Tarragona | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | A veces tenemos ocasión, en una pequeña ciudad como es Tarragona, de contemplar como la iniciativa de dos de sus figuras más representativas en el mundo de las vanguardias artísticas, inician un proyecto común que en todas sus partes resulta novedoso.
No es de extrañar que J.M. Roselló, a partir de una mesa ponga en marcha la galería A.R.T., y lo haga desde el planteamiento inequívoco de que el arte nace en la cabeza y de que una idea puede ser suficiente para transformar el planeta tierra. Roselló parte de eso, de una idea, de un espacio (su propio estudio), y de una mesa. No es poco, si tenemos en cuenta que este artista es un agitador cultural natural. Y entre agitadores culturales anda el juego. Guillermo Marín, a su manera, también lo es. Estos dos creativos no soportan que las cosas permanezcan inmóviles y continuamente las agitan para que se pongan en movimiento. Es natural, pues, que al contacto de ambos haya provocado un cortacircuito cultural cuyo foco debemos localizarlo en la Baixada de la Peixateiria número 27 (justamente haciendo esquina con el Pretorio). Tanto el espacio expositivo como la obra de Marín se inauguraron el día 28 de Junio. Allí estarán los “Espirocantos” de Marín. Y conviene detenerse en este género creado por este autor porque ofrece una novedad dentro de la poesía experimental que merece la pena ser tenida en cuenta. A principios de siglo pasado, Guillaume Apollinaire (otro Guillermo) daba la vuelta a la poesía discursiva y entraba en un terreno que, con el paso del tiempo, sería denominado poesía experimental o poesía visual, según los autores. Lo cierto es que el punto fuerte usado por Apollinaire para cambiar el orden de las cosas fué el caligrama, que, desde luego, no inventó., puesto que el caligrama ya existía en el S.V a. de C., y fue su empleo sistemático y los giros inusuales que dio al mismo, los que sentaron las bases y el punto de inflexión de la nueva poesía. Una poesía no lineal, que recogía la cosecha del cubismo, futurismo, surrealismo y dadaísmo, a la búsqueda de un arte integrador y total, de un arte conceptual donde el espectador dejaba de ser un elemento pasivo para empezar a formar parte de la propia obra. Y es en este terreno donde Marín ha demostrado ser una de las principales figuras del panorama experimental de Cataluña. Malagueño de nacimiento, ha sentado sus reales en la región del estado español donde la poesía visual bulle con una efervescencia cálida y pujante. Donde Brossa ha puesto de manifiesto con su magia, y en concreto con sus poemas objetos, que en un poema se puede concentrar todo un universo de sensaciones y, a partir del mismo, se pueden transmitir las leyes universales con total precisión. Pero los creativos tienen que avanzar un paso más y conformar sus propias creaciones, y es por ello que Marín, además de recoger toda la herencia mencionada, ha creado un estilo propio que, como en el caso de los espirocantos, es inconfundible e indefinible. Y sólo podremos hacer una pequeña aproximación desde el punto de vista de la poesía experimental si decimos que rompe la espiral usada frecuentemente en el caligrama, para trasformar sus poemas visuales en espirales-cuadrangulares que hacen que la rima deje de ser lineal, para rebotar con reverberación en cada zona angular, transmitiendo con eco un sentimiento envolvente que nunca finaliza por cuanto el mensaje último cabalga entre el realismo mágico y el absurdo inconsecuente. Desde el punto de vista grafológico, nos transmite un mensaje contenido dentro de su estructura, incontenido dentro de su semántica, inconexo en sus partes y completo en la transmisión del espíritú del autor. | ||||||||
| Titulo | pell de llop | ||||||||
| Autor | xosé miranda | ||||||||
| Publicacion | |||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | hola me llamo andrea gómez soy de catarroja (valencia) i mi movil es el 667775420 i qiuero que pongan el resumen de este libro en internet, porque asi la gente que le interese saber de que va mas o menos el libro puede saberlo.
gracias por su atencion adios | ||||||||
| Titulo | pell de llop | ||||||||
| Autor | xosé miranda | ||||||||
| Publicacion | |||||||||
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| Sinopsis | hola me llamo andrea gómez soy de catarroja (valencia)i qiuero que pongan el resumen de este libro en internet, porque asi la gente que le interese saber de que va mas o menos el libro puede saberlo.
gracias por su atencion adios | ||||||||
| Titulo | pell de llop | ||||||||
| Autor | xosé miranda | ||||||||
| Publicacion | |||||||||
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| Sinopsis | hola me llamo andrea gómez soy de catarroja (valencia)i qiuero que pongan el resumen de este libro en internet, porque asi la gente que le interese saber de que va mas o menos el libro puede saberlo.
gracias por su atencion adios | ||||||||
| Titulo | Arte y Poesía/ Espirocantos de Marín | ||||||||
| Autor | Antoni Salcedo | ||||||||
| Publicacion | El Punt | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Art i poesia en una nova i petita galeria
Els «espirocants quadrangulars» de Guillermo Marín inauguren la galeria d'art que l'artista Josep M. Rosselló ha obert al seu taller de Tarragona i que estarà oberta, sobretot, a treballs experimentals ANTONIO SALCEDO. + Un detall de la pintura catifa que quatre artistes han pintat al terra d'aquesta nova petita galeria d'art, que impulsa Josep M. Rosselló. Foto: ALBERICH FOTÒGRAFS. El naixement d'un espai dedicat a l'art és sempre una bona notícia. És una finestra més, petita o gran, que beneficia els creadors i els espectadors. En aquesta ocasió es tracta d'un lloc particular: el taller d'un artista. No és pas una galeria comercial, sinó una idea personal d'abast col·lectiu duta a terme per Josep M. Rosselló amb el desig de col·laborar amb altres artistes i de potenciar la creativitat a la ciutat de Tarragona. L'objectiu central és exposar projectes artístics, petits apunts, que es puguin realitzar o no, amb tot l'encant i frescor que té mostrar les primeres idees. Aquesta petita galeria es va inaugurar el 28 de juny amb un acte al Museu d'Art Modern de Tarragona presentat per l'escriptor Joan Cavallé. La primera mostra està dedicada a l'artista malagueny Guillermo Marín, del qual podem veure els seus espirocants, poesies experimentals, poemes en espirals quadrangulars que inviten el lector a seguir el moviment de l'escriptura, de fora a dins per submergir-se en el personal món del creador. El poeta malagueny ha estat lligat a les edicions de poesia visuals organitzades per Bartolozzi a Vespella de Gaià. Conjuntament amb els espirocants, tenim també una petita escultura del mateix autor, El ojo del borracho, una espiral de ferro que materialitza com un dibuix a l'espai aquest camí d'idees que es van tancant en els seus espirocants, per donar pas a un nou moment. Com a part de l'acte inaugural, i en la línia dels darrers treballs com a gestor cultural de Josep M. Rosselló, Guillermo Marín, Jordi Abelló, Cèsar Reglero i el mateix Rosselló van realitzar un cadàver exquisit. Pintat al terra del taller, tenim una mena de catifa efímera composada per setze quadrats en blanc i negre, en els quals podem reconèixer l'autoria de cadascun d'ells. Una pintura catifa que els visitants trepitgen per anar desapareixent a poc a poc. Es tracta de gaudir del pur acte de la creació, a la vegada que marca la línia que tindrà aquest espai, que estarà obert sobretot a treballs experimentals. GUILLERMO MARÍN / ART Arxiu Rosselló Tàrraco Baixada de la Peixateria, 27. Tarragona Fins al final de juliol | ||||||||
| Titulo | LAS BIENALES DE POESÍA VISUAL | ||||||||
| Autor | CÉSAR ESPINOSA | ||||||||
| Publicacion | ESCANER CULTURAL nº 58 | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental | ||||||||
| Sinopsis | EL ARTÍCULO TRATA SOBRE EL DESARROLLO DE LA POESÍA VISUAL EN MÉXICO Y CONTIENE UNA RESEÑA SOBRE LAS 8 BIENALES INTERNACIONALES DE POESÍA VISUAL CELEBRADAS ENTRE 1985 Y 2004 EN MÉXICO Y EN OTROS LUGARES. | ||||||||
| Titulo | LAS BIENALES DE POESÍA VISUAL | ||||||||
| Autor | CÉSAR ESPINOSA | ||||||||
| Publicacion | ESCANER CULTURAL nº 58 | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental | ||||||||
| Sinopsis | EL ARTÍCULO TRATA SOBRE EL DESARROLLO DE LA POESÍA VISUAL EN MÉXICO Y CONTIENE UNA RESEÑA SOBRE LAS 8 BIENALES INTERNACIONALES DE POESÍA VISUAL CELEBRADAS ENTRE 1985 Y 2004 EN MÉXICO Y EN OTROS LUGARES. | ||||||||
| Titulo | Miró y los libros | ||||||||
| Autor | Olga Spiegel | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | Una muestra recrea la colaboración íntima de Joan Miró con poetas y editores.
Joan Miró amó la poesía desde su juventud hasta sus últimos años y siempre fue amigo de poetas. Colaboró con muchos de ellos en la realización de libros de bibliófilo, quizás la parcela menos conocida de su ingente obra, y a la cual la fundación barcelonesa creada por el artista dedicó una muestra, “109 llibres amb Joan Miró”, en noviembre de 1989, una selección de los más de doscientos que ilustró. Ahora, con motivo del Any del Llibre i la Lectura, el centro mironiano vuelve a ocuparse de esa faceta, pero de un modo distinto, en “Joan Miró. Arquitectura d´un llibre”. -------------------------------------------- Si allí se mostraban los libros acompañados de una serie de láminas, algunos dibujos preparatorios o maquetas, ésta permite ver todo el proceso de creación de una veintena de obras; dibujos preparatorios, pruebas, planchas y maquetas. Una exquisitez y un lujo poco habitual. La exposición, en palabras de Sergio Vila-Sanjuán, comisario del Any del Llibre, es uno de los ejes principales del evento para mostrar la relación entre el libro y el mundo del arte, "un punto álgido, que recrea el momento entre finales del siglo XIX y mitad del XX en que artistas y escritores comparten un mismo universo mental. Aquí se muestra el proceso interno, cómo se crea un libro de bibliófilo; las cartas entre el poeta y el artista o con el editor y la evolución de las técnicas". Todo el material que se expone pertenece a los fondos de la fundación y buena parte se exhibe por primera vez, explica Rosa Maria Malet, su directora, quien recuerda que Miró no establecía distinción entre pintura y poesía. "Esta exposición hace que la poesía se convierta en pintura y la pintura en poesía". En “Joan Miró. Ceci est la couleur de mes rêves” (1977), de Georges Raillard, el artista le explica cómo enfoca la creación de sus libros de bibliófilo: "Parto de la arquitectura, de la tipografía, que es muy importante para mí, entro en el espíritu del poeta. Pienso mucho. En ambas cosas a la vez: la arquitectura del libro y el espíritu del texto. Después hago muchos dibujos, muchos, muy deprisa, en cualquier trozo de papel... Una vez hecho esto, empiezo a grabar". El recorrido por las salas revela el camino de Miró en el mundo del libro, desde que J.V. Foix le pidió un dibujo para la portada de su Gertrudis, editado en 1927 por L´Amic de les Arts, hasta Lapidari (1981), once textos anónimos catalanes del siglo XV seleccionados y prologados por Pere Gimferrer que editó Maeght, con doce aguafuertes de trazo grueso y directo y otros doce aguafuertes y aguatintas de fondo elaborado y trazo fino. Para Il était une petite pie (1928) de Lise Hirtz , el artista realizó ocho pochoirs porque aún ignoraba las técnicas del grabado. En 1930 hizo sus primeras litografías destinadas a L´arbre des voyageurs, de Tristan Tzara, con quien colaboraría en diversas ocasiones como en L´Antitête. Le désespéranto, y Parler seul. Fête des arbres et du chasseur, de René Char. À toute épreuve, de Éluard, editado por Gerald Cramer, para el que realizó 79 xilografías en blanco y negro y una en color; Cop de poma, de Brossa, donde colaboró con Tàpies, Villèlia y Mestres-Quadreny. L´issue dérobée de Dupin -punta seca y aguatintas- jalona el camino que conduce a Càntic del sol, de san Francisco de Asís (1975), o el ciclo en torno a Ubu Roi, de Jarry, iniciado en 1966 y editado por Tériade, que continuará con Ubu aux Baléares poemas y textos del propio artista-, y L´enfance d´Ubu (1975), con textos populares mallorquines. Un gozoso paseo por la evolución mironiana a través del libro. | ||||||||
| Titulo | Guillem Viladot/ Restropectiva | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Europa Press (Hemeroteca) | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Lleida expone 'GV Poesia Visual', la primera retrospectiva de Guillem Viladot en la provincia
El Institut d'Estudis Il·lerdencs (IEI) abre mañana miércoles la la provincia, con más de 40 obras nunca expuestas en Lleida obra del desaparecido artista de Agramunt, bajo el título 'GV Poesia Visual'. La muestra viene precedida por un prólogo elaborado por el mismo creador, que es totalmente inédito. La exposición se centra, principalmente, en la producción viladotiana de los años 60 y 70. Europa Press 25/2/2003 18:37 Poesía objetual y también discursiva llenarán la Sala Gòtica del IEI hasta el 30 de marzo. Se trata del legado de un artista que conseguió traducir la sintaxis lingüística en objetos. La directora del IEI, Carme Vidal, destacó "la preocupación de Viladot per el espacio, por el continente". La enfermedad impidió a Viladot llevar a cabo esta misma exposición en noviembre de 1999. Por este motivo, el catálogo mantiene el mismo texto que Viladot había redactado como introducción a la que había de ser la exposición. | ||||||||
| Titulo | Espirocantos de Guillermo Marín | ||||||||
| Autor | César Reglero | ||||||||
| Publicacion | Diari de Tarragona | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | ARTICULO DE CESAR REGLERO APARECIDO EN EL DIARI DE TARRAGONA CON MOTIVO DE LA INAUGURACIÓN DEL ESPACIO DE ARTE EFÍMERO A.R.T. QUE SE INAUGURA CON UNA EXPOSICIÓN DE POESIA VISUAL DE GUILLERMO MARIN Y UN “CADÁVER EXQUISITO” REALIZADO CONJUNTAMENTE POR J.M. ROSELLÓ, GUILLERMO MARÍN, JORDI ABELLÓ Y CÉSAR REGLERO
(*) A.R.T. UN NUEVO ESPACIO DE ARTE EN TARRAGONA: LO INAUGURA GUILLERMO MARIN Y SUS ESPIROCANTOS. A veces tenemos ocasión, en una pequeña ciudad como es Tarragona, de contemplar como la iniciativa de dos de sus figuras más representativas en el mundo de las vanguardias artísticas, inician un proyecto común que en todas sus partes resulta novedoso. No es de extrañar que J.M. Roselló, a partir de una mesa ponga en marcha la galería A.R.T., y lo haga desde el planteamiento inequívoco de que el arte nace en la cabeza y de que una idea puede ser suficiente para transformar el planeta tierra. Roselló parte de eso, de una idea, de un espacio (su propio estudio), y de una mesa. No es poco, si tenemos en cuenta que este artista es un agitador cultural natural. Y entre agitadores culturales anda el juego. Guillermo Marín, a su manera, también lo es. Estos dos creativos no soportan que las cosas permanezcan inmóviles y continuamente las agitan para que se pongan en movimiento. Es natural, pues, que al contacto de ambos haya provocado un cortacircuito cultural cuyo foco debemos localizarlo en la Baixada de la Peixateiria número 27 (justamente haciendo esquina con el Pretorio). Tanto el espacio expositivo como la obra de Marín se inauguraron el día 28 de Junio. Allí estarán los “Espirocantos” de Marín. Y conviene detenerse en este género creado por este autor porque ofrece una novedad dentro de la poesía experimental que merece la pena ser tenida en cuenta. A principios de siglo pasado, Guillaume Apollinaire (otro Guillermo) daba la vuelta a la poesía discursiva y entraba en un terreno que, con el paso del tiempo, sería denominado poesía experimental o poesía visual, según los autores. Lo cierto es que el punto fuerte usado por Apollinaire para cambiar el orden de las cosas fué el caligrama, que, desde luego, no inventó., puesto que el caligrama ya existía en el S.V a. de C., y fue su empleo sistemático y los giros inusuales que dio al mismo, los que sentaron las bases y el punto de inflexión de la nueva poesía. Una poesía no lineal, que recogía la cosecha del cubismo, futurismo, surrealismo y dadaísmo, a la búsqueda de un arte integrador y total, de un arte conceptual donde el espectador dejaba de ser un elemento pasivo para empezar a formar parte de la propia obra. Y es en este terreno donde Marín ha demostrado ser una de las principales figuras del panorama experimental de Cataluña. Malagueño de nacimiento, ha sentado sus reales en la región del estado español donde la poesía visual bulle con una efervescencia cálida y pujante. Donde Brossa ha puesto de manifiesto con su magia, y en concreto con sus poemas objetos, que en un poema se puede concentrar todo un universo de sensaciones y, a partir del mismo, se pueden transmitir las leyes universales con total precisión. Pero los creativos tienen que avanzar un paso más y conformar sus propias creaciones, y es por ello que Marín, además de recoger toda la herencia mencionada, ha creado un estilo propio que, como en el caso de los espirocantos, es inconfundible e indefinible. Y sólo podremos hacer una pequeña aproximación desde el punto de vista de la poesía experimental si decimos que rompe la espiral usada frecuentemente en el caligrama, para trasformar sus poemas visuales en espirales-cuadrangulares que hacen que la rima deje de ser lineal, para rebotar con reverberación en cada zona angular, transmitiendo con eco un sentimiento envolvente que nunca finaliza por cuanto el mensaje último cabalga entre el realismo mágico y el absurdo inconsecuente. Desde el punto de vista grafológico, nos transmite un mensaje contenido dentro de su estructura, incontenido dentro de su semántica, inconexo en sus partes y completo en la transmisión del espíritú del autor. César Reglero (*) Diari De Tarragona 29.06.05 | ||||||||
| Titulo | Angel Crespo /Pies Alados de Hermes | ||||||||
| Autor | Angel Prieto de Paula | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Dentro de la tradición poética experimental en España, la figura de Angel Crespo nunca ha sido suficientemente valorada, a pesar de ser el banderín de enganche de ésta con el concretismo brasileño y, en consecuencia, con la poesía experimental a un nivel internacional. Cózar siempre ha señalado que lo esotérico, las cábalas, la numerología y el hermetismo, siempre han tenido mucho que ver con el inicio de la poesía experimental desde hace muchos siglo. Y es por ello que parece acertado el título de este artículo que hace referencia al tributo que recibe por estas fechas la figura de Crespo con una exposición, una edición y diversos homenajes.
En el artículo se mencionan diferentes aspectos de su trayectoria: - Su pertencia a la vanguardia postista - Los aspectos de su social-realismo - Su realismo mágico - El sustrato simbolista . Su desbordante actividad como animador cultural, editor, promotor, director de galerias, teórico, crítico de arte, traductor, etc. - La tesis doctoral de Pilar Gómez sobre su obra DOCUMENTACION: (Ciudad Real, 1926 - Barcelona, 1995) Comenzó sus estudios al terminar la Guerra Civil y en 1943 acudió a Madrid para cursar Derecho. Tuvo contacto con los poetas del postismo, movimiento en el que figuró. Pronto sintió interés por la cultura portuguesa, a cuyo estudio y divulgación se dedicó con interés. Ejerció su profesión de abogado y la crítica de arte, viajando durante largas temporadas. Profesor de la Universidad en Puerto Rico desde 1967, en 1970 se instaló en Uppsala, donde llegó a doctorarse con un estudio sobre el Duqe de Rivas. Los últimos años enseñó en la Universidad de Barcelona. Es muy importante su labor como traductor, por la que recibió dos veces el Premio Nacional: La Divina Comedia de Dante, el Cantar de Roldán y el Cancionero de Petrarca, además de obras de Pessoa, etc. Su obra poética es extensa y continua. Una lengua emerge (1950) y Quedan señales (1952) son sus primeros libros. Les siguen: Todo está vivo (1956), Suma y sigue (1962), Docena florentina (1965). Y más tarde: Donde no corre el aire (1981), La invisible luz (1981) El aire es de los dioses (1982). Póstumamente se publicó Iniciación a la sombra (1996). Hay diversas compilaciones: En medio del camino. Poesía (1949-1970); El bosque transparente. Poesía (1971-1981); El ave en su aire. Poesía (1975-1984). Finalmente, Pilar Gómez Bedate y Emiliano Piedra han realizado la edición de su obra: Poesía (e vols.) Valladolid, fundación Jorge Guillén, 1996. | ||||||||
| Titulo | Angel Crespo /Pies Alados de Hermes | ||||||||
| Autor | Angel Prieto de Paula | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Dentro de la tradición poética experimental en España, la figura de Angel Crespo nunca ha sido suficientemente valorada, a pesar de ser el banderín de enganche de ésta con el concretismo brasileño y, en consecuencia, con la poesía experimental a un nivel internacional. Cózar siempre ha señalado que lo esotérico, las cábalas, la numerología y el hermetismo, siempre han tenido mucho que ver con el inicio de la poesía experimental desde hace muchos siglo. Y es por ello que parece acertado el título de este artículo que hace referencia al tributo que recibe por estas fechas la figura de Crespo con una exposición, una edición y diversos homenajes.
En el artículo se mencionan diferentes aspectos de su trayectoria: - Su pertencia a la vanguardia postista - Los aspectos de su social-realismo - Su realismo mágico - El sustrato simbolista . Su desbordante actividad como animador cultural, editor, promotor, director de galerias, teórico, crítico de arte, traductor, etc. - La tesis doctoral de Pilar Gómez sobre su obra DOCUMENTACION: (Ciudad Real, 1926 - Barcelona, 1995) Comenzó sus estudios al terminar la Guerra Civil y en 1943 acudió a Madrid para cursar Derecho. Tuvo contacto con los poetas del postismo, movimiento en el que figuró. Pronto sintió interés por la cultura portuguesa, a cuyo estudio y divulgación se dedicó con interés. Ejerció su profesión de abogado y la crítica de arte, viajando durante largas temporadas. Profesor de la Universidad en Puerto Rico desde 1967, en 1970 se instaló en Uppsala, donde llegó a doctorarse con un estudio sobre el Duqe de Rivas. Los últimos años enseñó en la Universidad de Barcelona. Es muy importante su labor como traductor, por la que recibió dos veces el Premio Nacional: La Divina Comedia de Dante, el Cantar de Roldán y el Cancionero de Petrarca, además de obras de Pessoa, etc. Su obra poética es extensa y continua. Una lengua emerge (1950) y Quedan señales (1952) son sus primeros libros. Les siguen: Todo está vivo (1956), Suma y sigue (1962), Docena florentina (1965). Y más tarde: Donde no corre el aire (1981), La invisible luz (1981) El aire es de los dioses (1982). Póstumamente se publicó Iniciación a la sombra (1996). Hay diversas compilaciones: En medio del camino. Poesía (1949-1970); El bosque transparente. Poesía (1971-1981); El ave en su aire. Poesía (1975-1984). Finalmente, Pilar Gómez Bedate y Emiliano Piedra han realizado la edición de su obra: Poesía (e vols.) Valladolid, fundación Jorge Guillén, 1996. | ||||||||
| Titulo | Juan Gris cubismo y poesía experimental | ||||||||
| Autor | Sol Cultural | ||||||||
| Publicacion | César Reglero | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Las diferentes teoríaS que existen sobre la poesía experimental coinciden en señalar como uno de los referentes históricos de esta disciplina al cubismo como progenitor del experimentalismo visual, y ahora que el pintor madrileño, -que junto con Braque y Picasso, son los padres de la criatura-, presenta 250 obras en el Reina Sofía, parece un buen momento para analizar del porqué de ésta conexión.
Debemos señalar en primer lugar que el cubismo pertenece a lo que se ha venido denominando la primera vanguardia, porque presenta nuevos lenguaje y, en consecuencia, es claramente transgresor de los cánones de la Academedia. Por otro lado, nos muestra la obra desde una perspectiva múltiple no lineal, lo cual entronca directamente con el experimentalismo. Igualmente el frecuente uso del collage pertenece a un recurso catalogado muchos siglos atrás por Rafael de Cózar (cantón) y que ya en su momento, supuso una innovación por cuanto consistía en trabajar a partir de poemas de otros. Una especie de apropiacionismo que se repite en el Collage. El cubismo fué un movimientos con una clara tendencia a la integración de todas las artes, en la búsqueda de un arte total e integral y asi se manifiesta con el uso del collage.Picasso, en este sentido, fué quién más avanzo por este terreno, con incursión en todas las artes buscando la interdisciplinaridad entre ellas. Finalmente decir que que al no ofrecer una lectura lineal, el cubismo está buscando la complicidad del espectador, ... y será necesaria su colaboración, la conexión más o menos inmediata con la obra o el salto de una chispa de complicidad, para que la obra adquiera su pleno sentido. DOCUMENTACION/ AGENCIA EFE /La Sala 1 del Edificio Nouvel y la A1 del Edificio Sabatini del Museo Reina Sofía acogerán a partir del día 22 la exposición antológica más completa que se ha organizado sobre Juan Gris (1887-1927) al reunir 250 obras del pintor madrileño, entre pinturas, dibujos y esculturas. Es una de las primeras muestras presentadas tras la ampliación del museo, cuya inauguración oficial se realizará después de verano . Considerado como uno de los cuatro pintores cubistas más importantes, junto con Picasso, Braque y Léger, el Reina Sofía conserva en su colección permanente un representativo conjunto de obras del artista. La muestra sobre Gris, seudónimo de José Victoriano González, es una de las más completas que sobre el pintor se ha presentado nunca, dentro y fuera de España. Su excepcionalidad se encuentra tanto en la calidad e importancia de las obras y su rigurosa selección -muchas de ellas nunca mostradas en nuestro país-, como en el elevado número de las mismas. El objetivo de Paloma Esteban, comisaria de la exposición patrocinada por Bancaja y Telefónica, ha sido ilustrar fundamentalmente los principales periodos de la producción del artista, desde 1910 hasta 1927, año en que fallece prematuramente. A pesar de este recorrido con cierto carácter cronológico, se hace especial hincapié en el período del Cubismo analítico, de 1911 a 1915, en general menos mostrado dada la dificultad para conseguir las obras correspondientes al mismo. Además, la exposición intenta subrayar una de las facetas menos conocidas, la del artista como gran colorista. ...//... DESDE EL PRÓXIMO DÍA 23 El Reina Sofía presenta la mayor exposición de la obra de Juan Gris Se muestran 250 pintoras del artista cubista madrileño | ||||||||
| Titulo | Brossa Tarragona/Girona | ||||||||
| Autor | J.M. Marsal | ||||||||
| Publicacion | Diari de Tarragona | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Dos acontecimientos relacionados con Joan Brossa tuvieron lugar simultáneamente. Por un lado el homenaje que se le tributó dentro del marco de la Primera Feria Internacional de Arte de Cataluña en Girona (4-6-05), y en el que participaron entre otros Eduardo Sivori, César Reglero, Xer Recsens Sis6, etc. Y la muestra realizada en la Galería Torre Baró (La Selva del Camp -Tarragona) patrocinada por la Fundación Joan Brossa. Aprovechando esta circunstacia y la performance del autor tarraconense César Reglero, el autor repasa la trayectoria de la PV en Tarragona, y la influencia que Joan Brossa tuvo en ello promoviendo los encuentros de Vespella Gaia.
DOCUMENTACION: Torre Baró presenta una muestra de la obra de Brossa // Una treintena de obras forman parte de la exposición de La Selva del Camp La galería de arte Torre Baró de la Selva del Camp presenta, hasta el 30 de junio, una interesante muestra dedicada al gran artista catalán Joan Brossa. Lleva por nombre Joan Brossa, poemes visuals-poemes objectes y ha podido realizarse gracias a la fundación que lleva el nombre del poeta. La muestra está compuesta por una treintena de piezas que representan una amplia selección de su obra. Joan Brossa, dramaturgo, melómano, cinéfilo, mago, artista y poeta, que era como más le gustaba definirse, dejó una de las obras artísticas más importantes del siglo XX. Su concepto poético fue muy amplio y abrazó múltiples formas: poesía literaria, prosa, poesía escénica (teatro), guiones de cine, poesía visual, objetos, instalaciones y poemas transitables (poemas en tres dimensiones colocados en espacios urbanos). ...//... La muestra de poemas visuales y poemas objeto que podemos ver en Torre Baró llega a la localidad tarraconense de la mano de la Fundació Joan Brossa, que se constituyó el 20 de octubre de 1999 con el propósito de promover y conservar la obra del poeta y difundir su mensaje. Esta idea nació del propio Brossa que ya la dejó escrita en su testamento. El artista cedió toda su obra a la Fundació y delegaba en Pepa Llopis, su compañera, la gestión de la misma. Desde su creación se ha encargado de organizar y catalogar la amplia obra de Joan Brossa además de mostrarla en diferentes exposiciones tanto en el territorio catalán como fuera de él, en donde el artista es muy admirado. | ||||||||
| Titulo | Joan Brossa a la Selva del Camp | ||||||||
| Autor | Francesc Basco | ||||||||
| Publicacion | Tinet Literatura | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Joan Brossa exposa a la galeria Torre Baró de la Selva del Camp
La galeria d'art Torre Baró, de la Selva del Camp acollirà la magnifica mostra d'una trentena d'obres de Joan Brossa (Barcelona, 1919-1998), sota el títol "Joan Brossa, poemes visuals - poemes objectes", amb la col·laboració de la Fundació del genial artista català. L'acte d'inauguració tindrà lloc el proper dia 4 de juny, a les 19.00 hores; estarà presidit per Miquel Fontgivell, director de la Galeria, i comptarà amb la presència de Josep M. Cadena, il·lustre periodista, historiador i crític d'art de El Periódico de Catalunya, que farà una breu glossa de l'obra i la vida de l'excepcional poeta. L'exposició romandrà oberta fins al 30 de juny. Joan Brossa, dramaturg, melòman, cinèfil, mag, artista i poeta, – que era com més li agradava definir-se -, va deixar una de les obres més colpidores del segle XX català. El seu concepte poètic fou molt ampli i abraçà múltiples formes: poesia literària, prosa, poesia escènica (teatre), guions de cinema, poesia visual, objectes, instal·lacions i poemes transitables (poemes en tres dimensions col·locats en espais urbans). Escriví poesia en estrofes tradicionals (sonets, odes sàfiques, sextines, romanços, etc.); poesia quotidiana (també anomenada antipoesia, per la seva temàtica i forma prosaica); proses circumstancials i poètiques, teatre, guions de cinema, poesia visual i poesia objectual. Per a Brossa no existiren els gèneres ni les fronteres entre les arts. Sens dubte, aquesta obra, si és adequadament difosa, esdevindrà el seu millor testimoni i la seva millor herència, i això és el que el que vol fer la galeria Torre Baró. La Fundació Joan Brossa es constituí el 20 d'octubre de 1999, amb el propòsit de promoure i conservar l'obra del poeta i difondre el seu missatge a un ampli nombre de lectors i espectadors. Entre altres objectius de la Fundació, figuren l'organització i classificació de la seva obra, el foment d'accions destinades a un major coneixement i difusió de la cultura catalana i la concessió de premis, beques i ajuts a la investigació i formació. La idea arrenca del testament de Joan Brossa, on deixava totes les seves pertinences a la Fundació que es creés amb el seu nom i delegava en Pepa Llopis, la seva companya, la capacitat per endegar-la. Francesc Basco | ||||||||
| Titulo | Desacuerdos | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte postal,Arte de accion,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | EL PAIS se hace eco de la finalización de una muestra que ha pretendido reflejar las prácticas artísticas vanguardistas y, por decirlo de alguna manera, marginales con respecto a las políticas culturales dominantes, que se han desarrollado en España en los últimos 30 años. Señala la redacción de EL PAIS que tal y como su título dejaba presagiar, la muestra generó mucha polémica, especialmente de los poetas visuales y artistas digitales, que se mostraron en total DESACUERDO con la propuesta.
INFORMACIÓN DOCUMENTAL Desacuerdos. Sobre arte, políticas y esfera pública en el Estado español es un proyecto de investigación en coproducción entre Arteleku-Diputación Foral de Gipuzkoa, Museu d’Art Contemporani de Barcelona-MACBA y la Universidad Internacional de Andalucía-UNIA arteypensamiento, a la vez que un proyecto expositivo y de actividades coproducido por las mismas instituciones más el Centro José Guerrero-Diputación de Granada. Desacuerdos surge de la voluntad de erigir un contramodelo historiográfico que desborde el discurso académico, contribuyendo a sentar algunas bases para la reconstrucción de una esfera pública cultural crítica. Para ello se ha puesto en marcha un dispositivo de investigación de estructura descentralizada que se abre al debate público desde esta página web. Dentro de Desacuerdos se ha organizado durante 2003 el curso La Línea de sombra, celebrado en el MACBA entre los días 8 de octubre y 10 de diciembre, las Jornadas de estudio realizadas en ARTELEKU, Donostia, los días 22, 23 y 24 de octubre y los Seminarios celebrados en la UNIA, Sevilla, el 3,4 y 5 de ese mismo año. En la presente página se iran publicando los resultados de las investigaciones llevadas a cabo por los participantes de Desacuerdos en sus secciones de Líneas de fuerza, 1969-... y Casos de estudio, así como las noticias y novedades relacionadas con el proyecto: exposiciones, entrevistas y foros de debate. | ||||||||
| Titulo | Encuentro con Antonio L. Bouza | ||||||||
| Autor | Tómas Sanchez (Entrevista) | ||||||||
| Publicacion | Texturas | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Ocho páginas de entrevista, son muchas páginas, y, efectivamente, la entrevista da para mucho.
Bouza nos relata los contactos mantenidos con figuras como Dámaso Alonso, Zubiri, Cirlot, Millán, Montells, etc. Nos habla de sus influencias, Marinetti, Tzara, Duchamp,los Postistas (Ory, Cirlot), ... Nos cuenta su aventura como responsable de la edición de Artesa y la relación que se mantuvo con otra edición significativa de la época franquista como era Poliedros. Cuenta anécdotas de como pasaban la censura y de aqui se remonta a los tiempos actuales con un reconocimiento hacia la promoción de la poesía experimental de la mano de una edcición como Texturas o el grupo de Benicarló. Pero con ser interesante todo este recuento histórico, lo es mucho más sus comentarios y la idea que él tiene del arte, de la poesía experimental, del poeta visual y de las vanguardias en general. Estos son algunos de sus comentarios (desilvanados y sintetizados): - La poesía, por esencia, siempre debe ser experimental - La literatura debe llevar dentro de sí el germen de todas las artes - El arte se adelanta al pensador - Las vanguardias deben tener siempre dos movimientos: el de ruptura y el de renovación - La mayoria de poetas visuales actuales se limitan a realizar juegos ingeniosos sin mayor trascendencia o repiten de manera mimética fórmulas ya empleadas - Actualmente la condición de poeta es cosa del mercado, y si no se mercadea más es porque la poesía expperimental está poco demandada. - El colmo del egocentrismo son los poetas visuales que pagan su propia obra para ser editada. - No por tener varias obras editadas se es un buen poeta. Si así fuera, sólo sería cuestión de tener dinero para que a uno le editen ...//... | ||||||||
| Titulo | Accidents Polipoetics | ||||||||
| Autor | Javier Pérez Andújar | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Poesia experimental,Polipoesia,Arte de accion,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | ACCIDENTS POLIPOÈTICS
No resulta fácil definir los espectáculos de estos dos catalanes que se iniciaron en el mundo del mail art, la polipoesía, el happening y la performance, y que ahora estrenan en la Sala Beckett de Barcelona FRANCO HA MUERTO O COMO IDIOTIZAR A UN POLLO. Por ello es mejor recoger la definición que encontramos en su web: Erase una vez un dúo de polipoetas. Llamábanse las indolentes criaturas ACCIDENTS POLIPOÈTICS. Y pronto se pusieron a cavilar. Xavier Theros y Rafael Metlikovez cifraron sus influencias en poetas como Jardiel Poncela, Max Aub, Miguel Gila, Joan Brossa o Ramón Gómez de la Serna. Aunque no por ello despreciaron la hermosa pirueta musical de la calle, donde pasea la gente, sumida en ese vaho narcótico que llamamos cotidianidad. Sus firmes convicciones jacobinas les llevaron a investigar, cual personaje de Dickens, en los bajos fondos de la literatura. Formatos y géneros, como el recital de poesía o la conferencia escénica, frecuentemente marginados de los escenarios. Con esa hidalgía tan española, que hace de la escasez virtud y del hambre misticismo, su trabajo se desarrolló a partir de una idea vertebradora: conseguir un espectáculo sencillo y austero, que reflexione entorno al humor. Lo cual les ha permitido encarar temas complejos y aún delicados con esa precisión propia de la cabra montesa que es soltada en una tienda de cristal de Bohemia. Y es que, no lo duden, la risa es la mejor cohartada para hablar en serio. | ||||||||
| Titulo | Ver la poesía en España | ||||||||
| Autor | José-Carlos Beltrán | ||||||||
| Publicacion | Texturas | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | En este trabajo de Beltrán, en el que elogia la "Antología de la Poesía Experimental Española" (1963-2004)de Félix Morales Prado y publicada por la editorial Marenostrum, quisiera comentar un aspecto que me llama poderosamente la atención, y que no es otro que al afán clasificatorio de Beltrán, con todos los riesgos que esto conlleva.
Asi señala que la antología recoge obras de poetas visuales como Antonio Gómez, Julián Alonso,...// Hasta aquí la referencia puede ser válida, porque no cabe duda de que ambos son poetas visuales, experimentales, y, sobre todo, pluridisciplinares...//...el problema surge a continuación cuando señala que la antológica también recoge las obras de mail artistas, ...César Reglero, Juan Orozco, Ibirico,...y a mi me queda la duda de saber si además de mail artista, soy también poeta experimental, pintor, performer, etc. Supongo que las mismas dudas tendrán Ibirico y Juan Orozco Ocaña. Finalmente Beltrán nos quiere dar una idea de la amplitud de miras del antólogo al señalar que INCLUSO recoge obras de performers como Ferrando, Calleja o Nel Amaro... // Tres ejemplos que, como todos los citados hasta ahora, ante todo son artistas multidisciplinares y es precisamente esta cualidad las que los acerca al poema experimental y a las vanguardias actuales en el sentido de romper todas las barreras interdisciplinares para crear nuevos lenguajes que superen las barreras discursivas. Es por ello que cuando cita a Montélls y Castillejo como ejemplo de poetas experimentales puros, mi desconcierto va en aumento, pués me da la impresión de que está cambiando el orden de los factores hasta el punto de alterar el producto.(CRC/Mayo 2005) | ||||||||
| Titulo | La dosis de Carles Santos | ||||||||
| Autor | Agustí Francelli | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Con motivo del estreno de la Opera "La meua filla soóc jo", (Teatre LLiure) ...el polifacético Carles Santos pone de manifiesto una vez más lo próxima que está su trayectoria de la poesía sonora, auditiva y acústica. El mismisimo John Cagé lo hubiera declarado discípulo aventajado. Algunos destellos de la crítica de A.F. asi lo ponen de manifiesto:
.../regreso a la introspección más descarnada con el prelenguaje de los sentidos /.... .../y en el otro plató están las voces, a veces en lucha con los instrumentos /... .../desmarcándose del canto para entrar en las regiones del grito, el eructo, el suspiro /... .../una cuerda del violin salida del pene erecto /... .../los cantantes permanecen en silencio 4 minutos y 33 segundos,...lo suficiente como para que el público comience a emitir su propia obra sonora /... Como dice Fancelli, un verdadero homenaje a John Cagé | ||||||||
| Titulo | Proceso de la Performance | ||||||||
| Autor | Bartolomé Ferrando | ||||||||
| Publicacion | Texturas | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Bartolomé Ferrando, profesor de Acciones Plásticas de la Facultad de Bellas Artes de Valencia, nos cuenta su propio prioceso de crezación de la performance y algunas secuencias de su relación con los alumnos.
Nos explica los diferentes puntos de partida desde donde puede surgir la acción y hace especial énfasis en la apreciación de Robert Filliou segun la cual es el material el que ... "me da la idea de lo que quiero realizar",...a veces es al contrario, y otras se parte de un concepto o una idea poética. Igualmente considera la importancia del espacio y del tiempo como elementos que enmarca la acción a conveniencia del performer, pués esta puede estar limitada por estos elementos o ser atemporal, indefinida o perderse en el espacio. Igualmente puede ser simultánea, complementaria o contradictoria con otra acción. Señala también la importancia de la luz y los efectos lumínicos para enmarcar el espacio o el tiempo, los espacios interiores o el espacio dentro del espacio. Otro elementos le parecen igualmente significativos, como puede er el uso de las nuevas tecnologías, las imágenes pregrabadas, o los efectos fónicos. En cualquier caso señala que no es conveniente que la performance se inserte en otros terrenos que no le son propios, por ejemplo, dice que no hay que confundir una performance con una obra teatral finalmente se refiere a la explicación de sus acciones en los siguientes términos: "...Su sentido deberá ser extraído por el receptor en base a la reunificación de los elementos expuestos. El hilván se hace necesario. La performance es un guiño. El ojo no rie, sonrie." Esto fué lo que dijo en 1998, y está recogido en su web. Lo sigue manteniendo. | ||||||||
| Titulo | Vicente Huidobro | ||||||||
| Autor | Edgardo | ||||||||
| Publicacion | Babelia El Pais | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Vicente Huidobro - Chile, 1893-1948
Ed. Obra Poética / Colección Archivos Escritor vanguardista chileno, fundador de su propio movimiento poético y defensor entusiasta de la experimentación artística durante el periodo de entreguerras. En 1918, ya en Madrid (España), fundó el grupo creacionista, y su gran habilidad de comunicador contribuyó a extender el entusiasmo por la experimentación en la Europa de entreguerras. Respecto a sus últimas obras, existen opiniones muy contrapuestas. Así, mientras algunos críticos literarios afirman que se trata simplemente de la producción, muy poco interesante, de un charlatán empeñado en promocionar su imagen, otros, en cambio, encuentran en Huidobro la voz de un poeta serio, capaz de expresarse con viveza, humor y gran inventiva, sobre todo en obras como Altazor o el viaje en paracaídas (1931). No por nada fue retratado por Picasso y Juan Gris. Para no pocos, con Gabriela Mistral y Pablo Neruda, constituye la trinidad de la gran poesía chilena. Además de poemas, su producción se completó con novelas (Sátiro o el poder de las palabras, 1939), manifiestos, ensayos (Vientos contrarios, 1926) y obras teatrales (Gilles de Raiz, en francés, 1932). Como parte de sus ocurrencias, escribió su propio epitafio: -Abrid esta tumba: al fondo de esta tumba se ve el mar-. Se encuentra sepultado en Cartagena (Chile), frente al mar. Hijo de madre escritora, estudió en su ciudad natal, Santiago, y ya desde pequeño mostró un gran talento literario: sus primeros poemas los escribió a los doce años. Siendo aún adolescente, publicó un manifiesto en el que rechazaba toda la poesía anterior a él. Se trasladó a París, donde pronto entraría en contacto con la literatura de los poetas surrealistas Guillaume Apollinaire y Pierre Reverdy, junto a los cuales fundaría la revista Nord-Sud. Se distanció poco después del surrealismo, al no aceptar la opinión de que el artista es un mero instrumento revelador de su inconsciente. Del mismo modo, rechazó el futurismo al pensar, con cierta razón, que una vez que las masas se hubieran familiarizado con los hallazgos del mundo moderno, los himnos futuristas a la aeronáutica y a los rascacielos, por ejemplo, perderían gran parte de su valor. Su respuesta a todos estos movimientos de comienzos de nuestro siglo fue el creacionismo, una corriente revolucionaria que situaba al poeta a la altura de un dios, dedicado a crear un nuevo tipo de poesía que compitiera con la naturaleza en lugar de reflejarla. Este concepto constituyó el eje de su obra poética, sembrada de impactantes imágenes, de yuxtaposiciones efectistas y de letras y secuencias de palabras de carácter aleatorio. Algunos de su poemas recuerdan los caligramas de Apollinaire. | ||||||||
| Titulo | Fontcuberta | ||||||||
| Autor | Jacinto Antón | ||||||||
| Publicacion | El País / Pin Zhuang | ||||||||
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| Materia | Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | ...//...Para la realización de la Carpeta de fotografías Pin Zhuang, editada por Arte y Naturaleza, Joan Fontcuberta se inspira en un hecho real sucedido en abril de 2001, cuando una aeronave norteamericana, que violaba el espacio aéreo de la República Popular China, chocó con un caza del ejercito chino. La autoridades del país capturaron el sofisticado avión norteamericano que solo tras arduas negociaciones consiguió ser devuelto, aunque pieza a pieza.
Pin Zhuang en chino significa ‘desmontaje’ o ‘rompecabezas’. La idea de deshacer y rehacer un objeto a partir de sus fragmentos nos remonta, según relata Joan Fontcuberta, a la experiencia infantil de los mecanos y de las maquetas ...//... OTRA DOCUMENTACION 150 AÑOS DE MOBY DICK // En la estela del «Pequod» //Exposicion en el tinglado n.2 de Tarragona en el año 2003 // ...//... Joan Fontcuberta: Una de las claves con que puede interpretarse la alegoría de Moby Dick es la del encuentro con el monstruo. Para los zoólogos las ballenas son animales sensibles e inteligentes, dotados de rasgos bien curiosos, como sus melodiosos cantos tan bien aprovechados por los músicos new age, los rituales de seducción que siguen para aparearse, o los actos de solidaridad hacia otros miembros de su especie, enfermos o malheridos. Pero la imagen que se ha forjado el inconsciente colectivo no corresponde a este tipo de cualidades. La ballena es el animal más grande que existe y precisamente su envergadura colosal le ha propiciado a lo largo de la historia una densa carga mítica. Del Leviathan bíblico al Moby Dick literario, el gran cetáceo personifica el ente monstruoso capaz de desencadenar las fuerzas más maléficas. En las cosmogonías de numerosas civilizaciones tan distantes como las de la Polinesia, el África Negra o Laponia, la ballena interviene en mitos fundacionales análogos a los de Jonás: el pasaje por el vientre del monstruo marino es expresamente considerado como el descenso a los infiernos. En la tradición islámica, la tierra reposa sobre un ángel, el ángel sobre una roca, la roca sobre el toro, el toro sobre la ballena, la ballena sobre el agua, el agua sobre el aire y el aire sobre las tinieblas, y toda la estabilidad de la estructura depende de los movimientos de la ballena. Los temblores de tierra y los terremotos no son sino sobresaltos de la ballena. La ballena dirige pues nuestra atención hacia el sentido del monstruo. Lo monstruoso se origina en primera instancia en una cuestión de orden formal o estético. El organismo «normal» y el organismo monstruoso, dicen los teratólogos, están dotados de las mismas propiedades; sólo que en cierto momento de su desarrollo, su forma diverge. Determinar qué es normal y qué es monstruoso implica apelar a criterios arbitrarios basados en las nociones de identidad y diferencia, lo cual nos lleva a explorar el territorio del Otro. Lo monstruoso implica lo diferente, lo singular, lo portentoso, y eso, según las circunstancias, será digno de elogio o merecedor de rechazo. Todavía hoy, ser calificado de «monstruo» puede entenderse de tono admirativo o como un insulto. Y haciendo un poco de antropología advertimos cómo en algunas culturas los enanos y los seres deformes están considerados como individuos escogidos por Dios para ser especiales, mientras que en otras, lo monstruoso equivale a lo aborrecible, relegado al lado del Mal, de lo horrible. Penetrando el secreto de los monstruos es por consiguiente de la mirada de Dios de lo que nos apropiamos. Nos preguntamos por qué el Creador los ha puesto en el mundo: puede que simplemente para divertirse y divertirnos, dice Claude Kappler (Le monstre. Pouvoirs de l'imposture, Puf, París, 1980), porque la variedad de especies es algo prodigioso y si hay monstruos, seres verdaderamente diferentes, el universo es aún más rico. O bien porque es preciso justificar los inevitables «fallos» de la Naturaleza: para que no vayamos a sospechar que Dios se ha equivocado cuando entre nosotros nace un monstruo. Todo lo contrario, Dios ha creado razas enteras de monstruos que prueban que Él sabe lo que hace. Los monstruos tienen tanto derecho a existir como nosotros. Desde luego el universo entero es maravilloso y los monstruos constituyen una razón más por la que «maravillarse»: es la opinión de San Agustín (La ciudad de Dios, XVI, 8), que en la Edad Media se generaliza. Ejemplificarían esta creencia los Wunder Kammer, gabinetes de curiosidades y maravillas. ..//... | ||||||||
| Titulo | 'La Mirada y el Agua' y Poesía Visual | ||||||||
| Autor | S.E. | ||||||||
| Publicacion | Diario del Alto Aragón / Espec | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ARTERIA 05 // Arteria vital: "La Mirada y el Agua" - S.E. // 'La Mirada y el Agua' y Poesía Visual, en el Auditorio Municipal // Los organizadores presentarán el contenido del certamen en un acto 'arropado' por dos manifestaciones de genio creativo: la exposición 'La Mirada y el Agua' que dirige Virginia Baix y apadrina el Instituto Aragonés del Agua, y la muestra de Poesía Visual que coordina Ángela Ibáñez.
RÍO DE MIRADAS Tras sus estancias en Zaragoza, Huesca (Palacio Villahermosa y Centro Cultural del Matadero) y el Museo “Martín Almagro” de Albarracín, la exposición “La Mirada y el Agua” cuelga en los muros del Auditorio Municipal “San Francisco” (gran sala del edificio del Conservatorio de Música). En total, 23 obras de otros tantos artistas aragoneses o residentes en esta Comunidad (la mayoría pinturas de gran formato), y el nexo común: el agua. La comisaria Virginia Baix define la colección como “un viaje paradójico en torno al agua, un río de miradas, una invitación a mirar como miran los artistas”. | ||||||||
| Titulo | Luminisensor | ||||||||
| Autor | Colectivo Trip | ||||||||
| Publicacion | Luminisensor | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | COMUNICADO DE PRENSA: // TRIP-e [Sara Malinarich, Isabel Aranda YTO, Manuel Terán, Amparo Coret] // Luminisensor, obra del colectivo TRIP –e, es un Work in progress que investiga nuevas prácticas de interacción y comunicación a través de la electricidad. Luminisensor ha recorrido varios centros europeos y será presentada próximamente en diversos centros de arte tecnológico de todo el mundo.
Esta obra se desarrolla en diferentes fases. El efecto global que se obtendrá a consecuencia de la aglutinación de dichas fases, trae como resultado una intensa exploración de los modelos de comunicación que este medio proporciona; así como una revisión de los patrones de acercamiento, aceptación e interacción que suelen producirse, en y hacia, este tipo de obras. La obra en si, sólo se presenta a centros de arte tecnológico. El público no tiene acceso a ella, siendo el usuario que entra en la web de Luminisensor quien participa de la construcción de la obra. Luminisensor es una obra abierta que tiene un ‘objeto’, pero nosotros pensamos que no hace falta mostrarlo al público. Esta obra es más que un objeto de arte para exhibir. Lo que nos interesa es construir un ente que evolucione gracias a la colaboración de centros y usuarios formando así una gran co-autoría. Ahora el proyecto está en la red llenándose diariamente de información y generando feed-back de comunicación entre todos aquellos que participan en la producción de esta pieza. “Invitamos al público a que entre en Luminisensor http://www.saramalinarich.net/luminisensor.htm y trate de ver que es lo que se esconde”. En la web se les ofrece la posibilidad de expresarse dejando sus mensajes en el libro de visitas siendo esto parte importante del cuerpo y el proceso de la obra. Se estudian algunos procedimientos habituales que se establecen en los sistemas de comunicación por ordenador a través de redes informáticas. Propone nuevas formas de difusión electrónica, que fomenten la colaboración e interrelación, al mismo tiempo que intenta explorar formas de contribución espontánea de los usuarios. Esta obra indaga nuevas acciones para hacer visible la información electrónica. También centra su atención en la observación de la naturaleza de las formas que aparecen representadas en la pantalla del ordenador, frente al simulacro de una realidad virtual. Luminisensor ha sido acogida hasta la fecha en centros de arte Europeos, como Hangar, Medialab, Ciant y Libat, entre otros, y proyecta seguir siendo presentada durante los próximos meses en diversos centros de arte tecnológico internacionales. El colectivo TRIP-e nace a raíz de este proyecto, Luminisensor. Está integrado por los artistas chilenos Sara Malinarich, Manuel Terán e Isabel Aranda YTO y la española Amparo Coret. Su interés principal es investigar y experimentar con los nuevos medios. Intenta cuestionar los esquemas establecidos para la creación, divulgación y exposición de obras de arte. TRIP-e [Sara Malinarich, Isabel Aranda, Manuel Terán, Amparo Coret] http://www.saramalinarich.net/team.htm luminisensor@saramalinarich.net Entrevista: http://www.escaner.cl/entrevista.htm LUMINISENSOR http://www.saramalinarich.net/luminisensor.htm | ||||||||
| Titulo | Andre Francois el poeta de la imagen | ||||||||
| Autor | Efe | ||||||||
| Publicacion | El Mundo | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
PARÍS.- El pintor y dibujante francés André Francois, cuyos libros ilustrados fueron publicados en múltiples idiomas, falleció el 11 de abril a los 89 años en su residencia de Grisy-les-Plates, a las afueras de París. Fué uno de los pioneros en llevar la poesía visual, experimental y conceptual al mundo de la publicidad. Nacido en una ciudad de Hungría que después pasó a pertenecer a Rumanía, André Farkas se instaló en Francia en los años 30 y en 1939 adquirió la nacionalidad francesa y el apellido de Francois. El trabajo de este artista inclasificable es conocido en varios países, especialmente en el Reino Unido, donde dibujaba para numerosas revistas, entre ellas la satírica 'Punch', y para la colección de bolsillo de la editorial Peguin, y en Estados Unidos, donde su colaboración con el semanario 'New Yorker' duró 30 años. En Francia, fue su trabajo para carteles y la publicidad y sus dibujos para la prensa, como el semanario 'Le Nouvel Observateur' y el diario 'Le Monde', lo que le hicieron muy conocido. Ilustró además textos de los poetas Jacques Prévert y de Pierre Etaix, al tiempo que escribió e ilustró cuentos para niños, como su 'Lágrimas de cocodrilo' que fue traducido a varios idiomas. Pero la parte más secreta de su obra, a la que él daba más importancia, pese a sus reticencias para mostrarla, era su pintura, que, en gran parte, se quemó en el incendió de su taller en 2002. Ese suceso le postró en una profunda depresión de la que trató de salir volviendo al trabajo pictórico. Algunos meses antes del incendio, la fotógrafa Sarah Moon rodó una película en el taller de Francois en la que se pueden admirar algunas de esas piezas en relieve desaparecidas para siempre. | ||||||||
| Titulo | Biblioteca desfavorable | ||||||||
| Autor | Ana Oliveira | ||||||||
| Publicacion | Diario de Noticias | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Huarte inaugura la muestra 'Los libros por afuera/Biblioteca desfavorable'
confronta 'el quijote' con la obra 'gero' , de axular La exposición, en la Casa de Cultura, propone una reflexión sobre la lectura y sobre el libro como objeto. Coincidiendo con la celebración del cuarto centenario de la aparición de la primera edición del Quijote, la casa de cultura de Huarte ha programado una exposición que, bajo el título Los libros por afuera/Biblioteca desfavorable , pretende motivar una reflexión sobre la lectura y el libro en su doble vertiente de continente y contenido. La muestra, inaugurada en la tarde de ayer, está organizada por el Ayuntamiento de Huarte, en colaboración con el Gobierno de Navarra y el Planetario de Pamplona, y ha sido comisariada por Mariano H. de Ossorno. En la exposición también ha jugado un importante papel Pilar Blanco, directora de la galería Imatra de Bilbao, espacio donde echó a andar este proyecto hace dos años, para recalar, en 2004, en Vacío 9 de Madrid antes de llegar a Huarte, donde permanecerá hasta el próximo 14 de mayo. Raquel Crespo, coordinadora cultural del municipio, explica que, aprovechando el año del Quijote, "hemos querido plantear una especie de duelo entre este texto y otro, Gero , de Axular, una de las obras literarias en euskara más antiguas y de mayor relevancia", para enfrentar, en buen sentido, "dos idiomas y dos ideas". Esta propuesta se ha materializado en la planta baja de la casa de cultura, donde, se ubican dos sillones, uno frente a otro, dejando en medio un espacio que ocupa una sopa de letras en la que se han formado las palabras diálogo/elkarrizketa. En este sentido, el comisario comenta que lo que se pretende con esta instalación es "mostrar que se pueden leer los dos libros sin problemas siempre y cuando uno se mantenga en silencio mientras el otro habla y viceversa", condensando, así, la esencia del diálogo, la necesidad de escuchar y de hablar por turnos. "Muchas veces se ha presentado al castellano y al euskara como opuestas, pero esto es puro ruido y no tiene nada que ver con la lengua; porque, si se dialoga y se respeta al otro, no hay ningún problema". Por otro lado, en la primera planta se encuentra lo que se ha dado en llamar la Biblioteca desfavorable , que reúne 33 obras aportadas por las personas que han participado en la organización de las distintas ediciones de la muestra. "Estos títulos van variando; entregaremos unas hojas de evaluación a los visitantes y, en función de sus opiniones, cambiaremos los títulos y se incorporarán otros nuevos", señala Crespo, que insiste en que se trata de "hablar, pensar y contrastar las opinones en torno a las obras exhibidas aquí". Es, en definitiva, una visión "diferente, provocadora e irónica del mundo del libro y la lectura". Irónica porque, como dice de Ossorno, "no conozco a nadie al que leer le haya favorecido", y pone como ejemplo el caso de un deficiente mental que, después de ser indultado de una pena de muerte en Estados Unidos, fue condenado de nuevo por haber aumentado su capacidad intelectual a través de la lectura. Dentro de este apartado se exhiben también varias "acciones artísticas" realizadas por diversos creadores a partir de la idea de libro. En el caso local, muestran sus obras Patxi Buldain y Julio Urdín. Por último, la segunda planta de la casa de cultura alberga el apartado Los libros por afuera , que habla del libro como objeto, como continente. Para ello se exhiben varias portadas diseñadas por tres profesionales de reconocido prestigio en este ámbito como son Daniel Gil, Alberto Corazón y Enric Satúe. | ||||||||
| Titulo | Torna Barcelona Poesía | ||||||||
| Autor | Bernat Puigtobella | ||||||||
| Publicacion | Quadern/ El País | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | BARCELONA POESÍA 2005
Se ha presentado el programa de "Barcelona Poesía 2005" que se celebrará entre el 3 y el 11 de mayo en 20 espacios de la ciudad con 60 actuaciones de un centenar de poetas. Esther Xargay y David Castillo (coordinadores), ofrecen un programa amplísimo del que B.P. destaca, entre otros, la participación de Pere Sousa y el propio David Castillo en su actuación en la Capella de l´Antic Hospital de la Santa Creu (El miércoles, 4 de mayo a las 22.00h., y el espectáculo poético músical de Carles Llacer de Valetín Gómez Oliver y que cuenta con la particdipación de Carles Hac Mor, Miquel de Palol y Miguel Poveda (Viernes día 6, a las 21.00h en la Plaça del Rei. DOCUMENTACIÓN Servei de Premsa > Detall de la convocatòria Presentació de 'Barcelona Poesia', que enguany s'allargarà 9 dies i retrà homenatge a Josep Palau i Fabre » Comentaris: La conferència de premsa se celebra aquest dimecres, a les 12:00 hores, a l'Espai 4 del Palau de la Virreina El regidor de Cultura, Ferran Mascarell, presentarà aquest dimecres 27 d’abril, a les 12:00 hores, el programa de Barcelona Poesia, que se celebrarà entre el 3 i l’11 de maig en 20 espais de la ciutat. La novena edició d’aquesta important mostra poètica, amb un programa heterogeni que inclou un total de 69 activitats, comptarà amb la presència de més d’un centenar de poetes. Barcelona Poesia alçarà el teló amb diversos actes d’homenatge al poeta Josep Palau i Fabre, que tindran lloc dimarts 3 de maig. A la conferència de premsa de demà, que es farà a l’Espai 4 del Palau de la Virreina (La Rambla, 99), també hi assistiran els coordinadors d’aquests nou dies de poesia, David Castillo i Ester Xargai, i el comissari de l’Any del Llibre i la Lectura, Sergio Vila-Sanjuán. | ||||||||
| Titulo | Muestra de Poesía Visual | ||||||||
| Autor | |||||||||
| Publicacion | EL PERIODICO FRAGA | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Fraga celebra el Día Internacional de la Poesía con una serie de actos que incluyen, hoy, la Muestra de Poesía Visual y, el domingo, un homenaje al recientemente fallecido pintor y escritor Antonio Fernández Molina. La muestra que se inaugura a las 18.00 horas, coordinada por Angela Ibáñez, cuenta con un centenar de artistas de todo el mundo que han enviado sus obras en formato digital, imagen fija o en movimiento. La exposición se verá después en Arteria, (22 al 24 de Abril en Monzón) para acercar así al gran público una creación plástica, muy cercana en sus orígenes a las vanguardias, y que sin perder sus raíces utiliza todos los recursos de las nuevas tecnologías.
Almandrade, Clemente Padín, Dorotea Fleiss, Zenón, Nela Río, Juan Alcón, César Reglero, Clara Janés, Caterinia Davinio, Jaromir Svozilik, Nel Amaro, José María Montells, Alfred Banze, Grupo Sinestésico, Krista van der Maijden, Eszter Lang entre otros tantos creadores que van desde Las Antillas a Canadá, China, Brasil, Argentina, Hungría, Uruguay, Estados Unidos, Noruega, Italia, Francia, Bélgica, Méjico, Chile, Japón y por supuesto España. Tras la inauguración, a las 19 horas, en el Palacio Montacada, se celebrará la Mesa Redonda la Poesía y los Medios de comunicación, en la que participarán José Royo (TVE en Aragón), Antonio Ibáñez Izquierdo(Qriterio), Miguel Angel Ordovás (El Periódico de Aragón) y Jaime Casas (Radio Fraga). | ||||||||
| Titulo | FRIOUR NETWORK MAGAZINE | ||||||||
| Autor | Guido Vermeulen | ||||||||
| Publicacion | Kairan | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | When Gianni Simone asked me to be guest editor of Kairan and make an issue on FEMAIL network art I found this a good idea.
I did a mailing to some of my contacts and very soon was confronted with 2 extreme reactions. One came from Lois Klassen who questioned the motivation of 2 males (Gianni and me) for doing a femail art issue. Such operation needs femail editors, was the attitude. The other came from Lavona Sherarts who said: "Femail art? That's crap! I'm all male to the balls up! Hihihi" These reactions, going from a radical feminist view to a no nonsense, get real girls attitude came from 2 close mail art friends and show also the differences in approach and analysis between femail artists. Well, what about our motivation? I can't speak for Gianni of course but I can explain my own reasons for agreeing to make this Kairan issue. I started doing mail art in 1993. The first year was difficult. I wanted to connect with people and got little responses. I only used regular mail but was lucky enough to meet some incredible people in the mail. If there had not been Patricia Collins, Anne Miek Bibbe or Marilyn Dammann that first year I doubt that I would have continued with mail art. After that mail started flowing in like a river of no return. When I showed the list of my correspondents to the persons in Belgium who had introduced me to mail art they said 2 things: that a majority of my contacts were unknown to them and that they were surprised by all the women who had reacted on my theme of Signs and Stones. Another man tried to explain this by the fact I proposed "femail" themes. Do certain themes attract femail participation and others don't? It is an intriguing question. Anyway, during a decade of network activities the women who participated to my projects and who exchanged art and thoughts with me has been growing and never stopped. Hundreds and hundreds of names and this from the early beginning till now! So I was profoundly shocked when I read some books or thesis on mail art, written by men, saying that there were NO women in mail art or very few, oh yes, exceptions were Anna Banana and Patricia Tavenner. How blind can you get, I thought by myself. And sometimes I became angry because I realized that these guys were writing down the "history" of mail art and falsifying it. This in a way is typical for history writing in our society. It tells the history of men because written by men in a male dominated world order. On this level I agree 100 % with the feminists and mail art does not escape this rather disgusting umbilical behavior at all. The only thing these guys were saying was "I have no femail correspondences in my own network" and their little network stood for the general network of course. OF COURSE NOT! It's a typical case of projecting the own small circle to a general one. Lots of people make this mistake. Your own experience often determines your own little view on the universe. You forget the bigger picture and are unable to see farther than your own backyard, farther than your own penis I should say. These men limit themselves to playing in their own dirt. Probably it is nostalgia to the sandpit of our youth. But what worries me more is that if later generation s will look on mail art history they will come to these printed publications and have a false view or impression on what was happening or on what's really going on. So this issue tries to counterbalance the male dominated view in mail art (that's really CRAP, Lavona) and gives space to some of the many women whom are very active in network or correspondence art. They are only the tip of the iceberg and what an iceberg that is, brothers and sisters! I have to thank especially Linda Pelati here who helped me a lot and suggested kindly to spread around a questionnaire. First I did not want to do this because I hate "guiding" people in a certain direction. But knowing Linda, how thoughtful and gentle she is, I decided to trust her 100 % on this and I wrote down one after some reflection and mailed this again to a group of femail artists. You can see the results of their responses in this Kairan issue. The questions were: 1) Personal data, present yourself, mail only the data you want to share! 2) Describe a few of your own artistic projects and interests 3) Is your art "femail" in the sense that it is gender related? Or how important or non-important is the gender issue in your own artistic work? Is there an evolution? 4) Besides gender what are the other aspects in your art you want to put forward? 5) Send a sample of your art So, now it is big time for me to move and disappear in the background. Make room for the Guerilla Girls! | ||||||||
| Titulo | Jornadas de Poesía Visual en Peñarroyya | ||||||||
| Autor | Alberto Díaz | ||||||||
| Publicacion | Diario de Córdoba | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | El Centro del Profesorado "Sierra de Córdoba" organiza actualmente en Peñarroya las primeras Jornadas de Poesía Visual en la que participan destacados especialistas: Rafael de Cózar, Felipe Muriel, Antonio Gómez, Francisco Aliseda, Guillermo Marín,etc.
En estas jornadas se tratarán temas como la evolución de la poesía visual en España, sus antecedentes históricos desde el S.I a. de C. hasta las vanguardias del S. XIX y XX, el actual panorama de la poesía visual, el libro objeto, la poesía experimental, conceptual, la poesía acción, etc. | ||||||||
| Titulo | Diario Vasco | ||||||||
| Autor | Teresa Flaño | ||||||||
| Publicacion | Diario Vasco | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis |
Esther Ferrer indaga en el tiempo, el espacio y la presencia en una intervención en el KM La artista, que recurre una vez más a los temas que ha desarrollado a lo largo de su carrera, ha optado por la fotografía como soporte. La donostiarra inaugura hoy la exposición en la sala Ganbara Esther Ferrer, que formó parte del histórico grupo de arte conceptual ZAJ (con Juan Hidalgo y Walter Marchetti), y que ha centrado su carrera artísdtica en la performance, las instalaciones y la fotografía, se considera heredera de John Cage y dice que ha aprendido a escuchar los ruidos de la vida gracias a él. La artista donostiarra Esther Ferrer posa ante la serie de fotografías que configuran 'Autorretrato en el tiempo' dentro de la exposición 'Al ritmo del tiempo'. [LUSA] ImprimirEnviar «El arte es como el agua, puede ser vapor o hielo» SAN SEBASTIÁN. DV. Tiempo -en todos sus aspectos desde el cronológico hasta el psicológico-, espacio y presencia, éstos son los cimientos de la obra de Esther Ferrer (San Sebastián-1937), artista que desde mañana expone en la Ganbara del Koldo Mitxelena su instalación Al ritmo del tiempo. Ayer, en la presentación a los medios de comunicación de su trabajo, explicaba que «siempre busco que las distintas partes de una exposición estén coordinadas entre sí, que formen una especie de círculo, que no sean elementos dispersos y distintos». «Desde hace tiempo me tentaba la idea de reunir en una exposición obras en las que el eje fundamental fuera mi percepción del tiempo, el espacio y la presencia, que en la base es igual que en las performances que realizo, pero que al desarrollar se modifica. Una especie de trilogía que atraviesa la historia de la humanidad y en consecuencia la del arte desde hace milenios. La proposición del Koldo Mitxelena me ha dado la oportunidad de realizarla», comenta Esther Ferrer. Al ritmo del tiempo está compuesta por Autorretrato en el tiempo formada por una serie de 25 fotografías; Autorretrato en el espacio: de la nada a la nada, con 27 imágenes; Autorretrato aleatorio, formado por fotografías y unas tablillas que se mueven en horizontal y vertical formando figuras distintas; y Las manos de la artista. «También hemos incluido un dvd sobre la primera sección para hacer reflexionar sobre lo distinto que es el tiempo según el soporte», comentaba Ferrer. DOCUMENTACION SOBRE EL GRUPO ZAJ Y ESTHER FERRANDO Con 30 años, en diciembre del 67, te integras en ZAJ. El mundo de la acción que así se llamaba antes de llamarse performance, me interesaba. Un buen día vino Sistiaga diciendo que unos amigos suyos necesitaban una mujer para una acción y dije que sí, claro. El teatro no es una de mis pasiones, pero la utilización del cuerpo como elemento de expresión me ha interesado siempre. No sé por qué. En el Museo de San Telmo me encontré con José Luis Castillejos, Juan Hidalgo y Walter Marchetti. Tras la acción que hicimos juntos, Juan y Walter me propusieron seguir trabajando con ellos y acepté de plano. Tú no eres músico como ellos, que yo sepa. El mundo de las acciones no pertenece forzosamente a los músicos. Nunca fue un problema para mí el no ser música. A la acción se puede acceder desde muchos ámbitos. Cuando conocí lo que ZAJ hacía, me dije que era eso lo que a mí me interesaba. Más que el dibujo, más que la pintura, más que la escritura... y es así como empecé a imaginar acciones que realizamos con ZAJ: Siluetas; Intimo y persona; Huellas, espacios, sonidos; Se hace camino al andar... ¿Cómo se crea en grupo? Nunca hicimos obras conjuntas. Creo que esta es una de las razones por las que ZAJ duró tanto. No teníamos ninguna censura entre nosotros, trabajábamos juntos, pero al mismo tiempo andábamos cada cual por nuestro lado, las obras siempre eran individuales, de cada uno de nosotros. Nos juntábamos para decidir el programa de las acciones y para ejecutarlas. Además, Walter (Marchetti) y Juan (Hidalgo) seguían componiendo música y yo elaboraba proyectos artísticos que no se hacían o que se acabaron haciendo muchos años más tarde. Partíamos de la música, es cierto, pero yo nunca me he considerado ni música, ni artista plástica, ni poeta. En realidad el arte/acción es el arte más democrático que existe, no necesitas tener una especialidad, pero lo que sí hace falta es tener la voluntad de hacerlo, el deseo, y a partir de ahí inventas, te lo inventas todo, incluida la definición de lo que es la performance si crees necesario tener una. Muchas veces digo a los estudiantes que para hacer acciones, la especialización casi es perjudicial, cuanto más errante sea tu mente, cuanto menos te fijes en una u otra disciplina, mejor que mejor. Esto de no tener ninguna frontera te da una gran libertad. Creo que la performance es el arte integrador por excelencia, empezando por el hecho de que aglutina disciplinas diferentes. Es el que más rompe las categorías establecidas, los moldes. En la performance no hay ni Dieu ni maître, como en la anarquía. La obra de ZAJ se caracteriza por una ausencia de explicación en sus acciones: «ZAJ es ZAJ». Pero por otro lado vuestra obra conecta directamente con el arte conceptual donde, precisamente, es el discurso lo que sobresale. No, no estoy de acuerdo: es el concepto lo que se sobrepone al discurso. En mi caso, detrás de cada obra existe siempre un concepto que yo nunca explico. ¿Qué has entendido en esta acción? Pues perfecto, eso que has entendido es lo que verdaderamente ha sido, puesto que lo has percibido así. Te podría hablar mucho sobre lo que considero que debe ser una acción, pero esto solo serviría para mí. En realidad prefiero que haya tantas definiciones como artistas que hacen performances. Sólo te diré que en mi trabajo la acción que más me interesa es aquella en la que he tocado ese punto donde todo discurso está de más. Mi propósito es que la idea sea neta, clara y basta. En realidad, cuando trabajo mis acciones paso mucho tiempo eliminando cosas para conseguir la mayor claridad posible. Conectáis también con Duchamp, entiendo yo, por la capacidad de provocación de la obra de arte. En el mundo de la acción las influencias principales, para mi y supongo que para muchos más, son los futuristas, los surrealistas, además de Duchamp, por supuesto. Por lo que se refiere a la provocación, yo nunca me he propuesto provocar. No hace falta, ya que la gente se provoca sola: te paras a mirar a alguien de frente durante algún tiempo, y ya está. Esto le provoca, le irrita o inquieta, y se producen verdaderos destellos. ZAJ, decíamos, es como el vacío del Tao, un vacío que cada cual llena como puede, pues proyecta en él su propia individualidad, su irritabilidad si es irritable, o su sentido del humor si lo tiene, o sus compromisos políticos... Yo no he hecho nunca arte político, pero en tiempos del franquismo todo se interpretaba bajo el prisma de la política y muchas veces las acciones de ZAJ en el contexto represivo de la época, se politizaban automáticamente, y la gente gritaba viva la libertad etc. sin que nosotros hubiéramos hecho explícitamente nada para provocar esta reacción. Sin duda algo percibían en las acciones de ZAJ para reaccionar de esta manera. De todas formas pienso que todo arte que se realiza libremente -quiero decir que cuando el artista se permite la libertad de pensarlo sin cortapisas y sin otros intereses que los del arte-, es un arte político. Sin embargo vuestras actuaciones resultaban siempre sorprendentes. Es evidente que la acción sorprendía por su novedad, y en ese sentido podían vivirlo como una provocación. Personalmente puedo decirte que solo cuando la presión es muy grande, cuando ocurre algo difícil de soportar, entonces sí puedo hacer una acción o una obra que puede considerarse explícitamente política, provocadora, quizás, pero para mí es solo un desahogo o un grito de protesta. Lo que ocurría es que, en aquellos tiempos, nadie sabía qué eran las performances, si se trataba de arte, o de teatro, o de música. Los críticos no habían dicho todavía qué es lo que se debía entender, y cada cual lo interpretaba a su manera. Por supuesto, ante lo desconocido, muchos se sentían agredidos, simplemente porque no entendían y esto les irritaba y lo consideraban una provocación. Sinceramente, yo lo único que pretendía y pretendo, es hacer mi trabajo de la forma en que yo lo entiendo y lo más libremente que puedo, pero pienso también que los otros pueden reaccionar ante él con la misma libertad y, por supuesto, interpretándolo como les parezca y reaccionando en consecuencia. También hay que mencionar a John Cage con el que coincidías en que una performance no es, al fin y al cabo, nada más (ni menos) que tiempo en el espacio. Cage, a quien conocí personalmente, ha tenido una gran influencia en mi trabajo: me ha enseñado a prestar atención a los ruidos de este mundo. Creo que de Cage he aprendido sobre todo a escuchar, me ha enriquecido el universo sonoro de una forma inimaginable y esto ha tenido mucha influencia en dos niveles, en el personal y en el artístico. Por lo que se refiere a lo que la performance es o no es lo interesante en la acción es, precisamente, su dificultad de definición. Ahora se teoriza en las niversidades y se dan a veces definiciones dogmáticas, exclusivistas, pero a mí lo que me interesa, como te he dicho, es su indefinición, una performance puede ser cualquier cosa, pero hace falta que sea. Cuando me preguntan qué es una performance, respondo que para mí es el arte del tiempo, del espacio y de la presencia. Eso no es exclusivo de la acción. Es cierto, es lo mismo en la pintura, en la música, en la instalación... Lo que pasa es que en las acciones estos elementos se combinan o se declinan de manera diferente. Es solo eso. La acción puede ser efectivamente cualquier cosa, algo que a los otros puede parecerles, quizás, gratuito, pero para la persona que la hace es interesante y necesaria. Luego vendrán otros que la juzguen, como ocurre ante cualquier manifestación artística, pero resulta que la pintura, por ejemplo, tiene antecedentes, está dentro de la dinámica natural de la historia del arte, hay una práctica, una herencia desde el arte rupestre hasta nuestros días, y en el caso de la performance parecía no haberla, se carecía de referencias. En el año 1996, ZAJ se separa. ¿Cambia algo cuando la acción pasa a ser individual? No, porque ya te he dicho que las obras eran siempre una creación individual. Cuando en 1996 ZAJ desaparece como grupo, cada uno de nosotros siguió trabajando separadamente y lo seguimos haciendo hoy en día. Lejos de crear objetos artísticos, realizas acciones donde integras, sobre todo, objetos cotidianos puestos en cuestión. ¿Quién compra tu arte? Los objetos que utilizo en las performances, en principio, no están en venta, ya que muchas veces ni siquiera son míos: me prestan sillas, mesas... lo que necesite. A veces algún coleccionista quiere comprar la silla, por ejemplo. Naturalmente le digo que no es mía, que es propiedad del que nos la ha prestado, y que si se la compra la esa persona la obtendrá a mejor precio. Los objetos de mi propiedad que utilizo en las performances, no los vendo. Por lo que respecta a quién financia las performances, suelen ser instituciones, asociaciones de artistas o similares. Son ellos los que nos pagan por hacerlas, yo vivo de ello, aunque es mucho decir, ya que no creo que nadie pueda vivir sólo de las acciones. Felizmente el artista performativo es, por lo general, polimorfo y capaz de realizar actividades diversas en otros terrenos como el de la música, la literatura, la pintura, la fotografía, etc. Tus performances son minuciosamente decididas y planificadas de antemano.¿Cuál es el lugar que dejas para el espectador? Ninguno y todo. El sentido de interactividad casi sistemática tal como se practica hoy en el arte, eso de pulsar un botoncito y ¡zas!, no me interesa y con frecuencia me parece infantil. Está muy feo que lo diga, pero soy muy individualista y hago arte para mí misma. Nunca pienso en lo que va a opinar o sentir el espectador, si quiere participar, no tiene más que hacerlo, no seré yo la que se lo impida, pero tampoco la que le incite a ello. Entonces, ¿por qué ejecutas tus acciones delante de la gente? Primero porque es mi modo de vida. El interés del arte consiste en crearlo y, como te he dicho antes, hago lo que me interesa hacer y espero que el espectador actúe de la misma manera: que se quede si le gusta, y que se vaya si no le gusta. Si quiere participar conmigo, que participe, o que haga todo lo contrario, es su propia decisión, no la mía. Creo que el espectador es un adulto con el suficiente discernimiento y sentido de libertad como para elegir lo que quiere hacer ante mi proposición. A pesar de ello, supongo que la aceptación o el rechazo pondrán en cuestión el éxito de tus obras. Entre lo concebido y lo ejecutado suele haber, a veces, una diferencia sustancial, y si no me he sentido a gusto cuando he hecho la acción, reflexiono sobre ello y la cambio. Pero si me he encontrado a gusto, confortablemente y pensando que he realizado exactamente lo que quería hacer, la respuesta del espectador no influye. Por supuesto que el lado narcisista se alegra de que te feliciten, pero no es esencial. Lo fundamental es que mi idea y la forma que le doy, su exteriorización, se correspondan con precisión. Cuando se consigue ese punto exacto, sobran las palabras y da lo mismo lo que el observador diga. Generalmente son obras en las que no utilizo ningún material, sólo mi cuerpo, mi voz, mi movimiento... son las que prefiero: expresar lo máximo con lo menos posible. Para mí es lo más difícil, pero es también lo más interesante y como los elementos suelen ser muy pocos, la idea debe ser realmente buena, y eso no me ocurre todos los días. Es quizás la razón por la que no soy muy productiva. En tus obras aparece el tiempo, siempre el tiempo. ¿Por qué no eres poeta? Con frecuencia me invitan a festivales de poesía y siempre digo que no soy poeta, que no me siento poeta. El tiempo y yo tenemos unas relaciones extrañas, parece como si anduviera siempre corriendo detrás de él, además no sé cuando han ocurrido las cosas, por ejemplo. Si te das cuenta, en muchas acciones mías aparecen elementos que miden el tiempo, grandes relojes, sonidos, una voz que pregunta la hora o dice la hora que es, que cuenta... Me divierte que la gente sea consciente del tiempo que pasa, de que esos 15 ó 20 minutos que acabamos de pasar juntos no se repetirán jamás. El paso del tiempo, en el reloj, en la performance, en mi cabeza... es esencial en muchas de mis obras. En algunas incluso es su materia prima. También en relación con el tiempo, me interesa la previsibilidad de algunas de mis acciones, una previsibilidad que algunos pueden percibir como aburrida, pero también el aburrimiento me interesa como elemento de trabajo. | ||||||||
| Titulo | El amics de Breton | ||||||||
| Autor | Josep Casamartina | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Una de las exposiciones más destacables está situada en el CCCB de Barcelona (C/ Montalegre, 5). 'París y los surrealistas' aborda este movimiento artístico desde la inspiración de artistas que han tenido alguna relación con la Ciudad de la Luz. 370 obras distribuidas en varios espacios nos acercan a una de las corrientes artísticas más inquietantes a través de un recorrido visual y textual exquisito. Hasta el 22 de mayo.
DOCUMENTACION Médico de profesión, entra en contacto con el mundo del arte a través del grupo Dadá en 1916 y es, junto a Louis Aragon y Philippe Soupault, uno de los fundadores de la revista francesa "Littérature" en 1919. En el año 1924 funda el movimiento surrealista mediante la publicación del "Manifiesto surrealista", donde expresa su idea de revolución social: "El surrealismo se basa en la creencia en la realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos y a sustituirlos en la resolución de los principales problemas de la vida". En este manifiesto además se asientan las bases del automatismo psíquico como medio de expresión artística que surge sin la intervención del intelecto. Muy pronto el movimiento se acerca a la política y en 1927 Aragon, Éluard y Breton se afilian al Partido Comunista aunque la idea surrealista se alejará muy pronto del comunismo oficial. En 1928 publica en París "Le surréalisme et la peinture". En 1929, André Breton replantea las bases del grupo con la publicación del "Segundo manifiesto surrealista" y da un nuevo nombre a la revista del movimiento, ahora y bajo consignas políticas, pasa a llamarse "El surrealismo al servicio de la revolución". Como escritor surrealista deben destacarse las siguientes obras: "Los campos magnéticos" (1920), "Nadja" (1928), "La Inmaculada Concepción" (1930) y "Los vasos comunicantes", éste junto al también escritor Paul Éluard (1932). Dentro de la vanguardia española fue nombrado en diversas revistas como "Alfar", "Grecia", "Hélix", "Terramar", "Art", "Gaceta de Arte", etc. y en 1922, con motivo de la exposición de Francis Picabia en las Galerías Dalmau, estuvo en España. | ||||||||
| Titulo | Casa Rural y antología poética | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Agencia Efe | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Agustín Calvo representa a la poesía visual en una experiencia rural muy interesante y que la agencia Efe la ha tomado como modelo a seguir.
Madrid, 11 abr (EFE).- La Casa del Cerro de la Fuente, un establecimiento rural situado en Pradosegar (Avila), ha inspirado una antología poética, editada por Ediciones Atenas y que acaba de presentarse en Madrid, después de haberse dado a conocer en el pueblo donde fue gestada. Esta obra, titulada "El Cerro de los Versos", ha sido fruto de los diversos encuentros de 22 poetas y pintores, entre ellos, la poeta y locutora radiofónica Edith Checa, el poeta Agustín Calvo y la pintora Mari Carmen de Inés, en esta casa rural, que según su propietaria, Mercedes Serrano, "tiene magia". Desde hace años diversos grupos de intelectuales y creadores de toda España se reúnen en este establecimiento, creado en 1995 como "un lugar sencillo para gente especial", según reza el lema de la tarjeta de presentación de la casa. Debido a este interés, la propietaria se ha decidido a invertir en la construcción de una sala en la que los creadores se puedan reunir y organizar actividades, en un pueblo de alrededor de 100 habitantes entre las montañas de la Sierra. Este es un ejemplo de lo que puede suponer una casa rural, ya que más allá del interés turístico de una zona, se puede ofrecer un lugar idóneo para reunirse en un ambiente hogareño, asegura la propietaria.EFE | ||||||||
| Titulo | Max Ernst dadista y surrealista | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Punto de Noticias | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Dadaísta y surrealista Max Ernst objeto de gran muestra en el Metropolitan
El artista alemán Max Ernst, uno de los fundadores de los movimientos dadá y surrealista, es objeto desde el próximo jueves de una amplia retrospectiva integrada por 175 obras en el museo Metropolitan de Nueva York, la más importante en Estados Unidos en los últimos 30 años. "Si bien la importancia de Max Ernst en la historia del dadá y el surrealismo ha sido reconocida en todo el mundo, el espectro del trabajo de Ernst, junto a su inventiva, es menos conocido en Estados Unidos", dijo el director del museo neoyorquino Philippe de Montebello. La muestra "debería corregir esta situación" ya que "refleja la extraordinaria variedad de la obra de Ernst e incluye algunos de sus trabajos más celebrados", agregó Montebello. Ernst (1891-1976) fue uno de los creadores de dos de los movimientos de vanguardia más influyentes del pasado siglo, el dadaísmo -junto a artistas como Marcel Duchamp, Man Ray y Tristan Tzara- y el surrealismo -con André Breton, Salvador Dalí y Luis Buñuel. El hecho de que ambos movimientos hicieron de la provocación y el escándalo ("épater les bourgeois") una imagen de marca, eclipsó la valoración artística de muchos de sus representantes, como Ernst. El tiempo les ha conferido respetabilidad y, según el Metropolitan, "con la excepción de Picasso, pocos artistas han jugado un papel tan importante en la invención de las técnicas y estilos modernos" como Ernst. Entre las 175 obras de la muestra hay pinturas, collages, dibujos, esculturas y libros ilustrados, prestados de colecciones privadas y museísticas de todo el mundo. La exposición "Max Ernst: una retrospectiva" estará abierta hasta el 10 de julio 2005 | ||||||||
| Titulo | ¡WAMBA VA!, FLUXADA, LLETRES AL VOLANT | ||||||||
| Autor | Bernat Puigtobella | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Postteatre: ESPAI BROSSA - BARRI BROSSA Gerard Altaió, Eduard Escofet, Josep Pedrals y Martí Sales 6 músicos. 2 ordinadores. 1 platea vacía sin butacas. 1 coche enterrado. 4 voces recitando poemas. 3 bailarines. 6 coches. 4 actores. Jaulas llenas de libros. Pirotecnia. Media yaya haciendo media. Hombres recogiendo sábanas. Gallinas sin medias. Arriba el telón. Ya se ha alzado el telón. Ratoncitos de casa rica. Amparo, la zapatera. La monja enterrada en vida. El noble, y la hostalera. El amor triunfa. El calvario del artista. El telón continua alzado: Juanito Arroyo se casa. | ||||||||
| Titulo | Mirar y ver - Olhar e ver | ||||||||
| Autor | Antonio Gómez | ||||||||
| Publicacion | Actas XI Congreso Escritores E | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | “Extremadura y Portugal” es el tema de las comunicaciones presentadas en el XI Congreso de Escritores Extremeños que este año se ha celebrado en Badajoz. En este contexto, Antonio Gómez pide la palabra para pronunciar un trabajo que reivindica los tradicionales vínculos artísticos entre la región extremeña y el vecino país en relación al entorno artístico experimental una faceta ésta tan asumida dentro de la comunicación, nos dice Gómez en su planteamiento inicial, que el hecho de considerarla “innovadora o vanguardista no deja de ser una falacia que sólo le ocasiona perjuicios, adjudicándole unas pretensiones que nunca plantearon sus autores”. Una relación fronteriza siempre cordial y provechosa (en arte y en todo) efectuada a través de distintas jornadas y simposios, así como en la presencia lusa y extremeña en diversas antologías y museos, que el autor repasa, pródigo de documentación, como protagonista en todos los episodios. (RF) | ||||||||
| Titulo | El Mundo como Museo | ||||||||
| Autor | M.L. | ||||||||
| Publicacion | Més Tarragona | ||||||||
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| Materia | Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | En las II Jornada de Pedagogía del arte y los museos, organizadas por el Museo de Arte Moderno de Tarragona, el profesor de diseño Joan Rom, y una de las figuras más destacadas del panorama artístico de esta ciudad, ha declarado que resulta insólito, pero es una realidad, que YA las mejores obras no se encuentran en las galerias ni en los museos, sino en los anuncios publicitarios, ... la conclusión directa e inmedita es que el mundo ya es visto como LA GRAN SALA DE EXPOSICIONES O, dicho de otra forma, COMO UN GRAN MUSEO. Entiende que en el arte actual sólo se puede destacar por oportunismo, espectacularidad, transgresión, etc. | ||||||||
| Titulo | Trenc-art | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Més Tarragona | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Entre las actividades que se desarrollarán en Tarragona en la primera edición del Festival de Arte Contemporáneo Trenc-art, se incluye la poesía visual que estará representada por Carles Hac Mor y Esther Xergay con su video poema "Osmosis". El lugar será El Magatzem y la inauguración tendrá lugar el 14 de abril. | ||||||||
| Titulo | Basquiat | ||||||||
| Autor | Roberta Smith | ||||||||
| Publicacion | The New York Times | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Basquiat and Postcoloniality
About Basquiat art critic Robert Farris Thompson writes, " What identifies Jean-Michel Basquiat as a major artist is courage and full powers of self-transformation. That courage, meaning not being afraid to fail, transforms paralyzingly self-conscious 'predicaments of culture' into confident 'ecstasies of cultures recombined.' He had the guts, what is more, to confront New York art challenge number one: can you transform self and heritage into something new and named? (36)" Very little criticism has been done examining the work produced by Jean-Michel Basquiat. While his place in the history of American art is still under dispute, it cannot be denied that during the eight years that he painted, his much of his work examines the legacy of the colonial enterprise and his relationship to that legacy. Whether recasting the work of European masters like Leonardo Davinci in his own terms or recounting events from Haitian, Puerto Rican, African and African American history, Basquiat presented a vision of a fragmented self in search of an organizing principle. Now, ten years after his death, critics can revisit his work apart from the taint of the market-driven art boom of the 1980s. Perhaps some of the tools developed in the field of postcolonial studies will help to unlock some of the mysteries contained in the work of this fascinating and complex artist. Three of his works that rather overtly examine isssues of colonialism and the position of the post-colonial subject are reproduced below. | ||||||||
| Titulo | UNA ALABANZA RENUENTE A INTERNET | ||||||||
| Autor | Gianni Simone | ||||||||
| Publicacion | Kairan | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | UNA ALABANZA RENUENTE A INTERNET
Gianni Simone Durante mucho tiempo he resistido la tentación de comprar una computadora y valerme del correo electrónico. Primero de todo, siempre he tenido problemas con la tecnología y no quería hacer mi vida miserable gastando largas horas probando y pensando en cómo hacer que el "monstruo" funcione. Mi último "gran salto tecnológico" había sido la compra, en 1994, de un procesador de palabras (básicamente una máquina de escribir electrónica con memoria) que he usado hasta ahora para escribir todos mis textos. En segundo lugar y, en cierto sentido más importante, sentí que la cantidad de cartas que encontraba en mi casilla, prácticamente todos los días, era más que suficiente para mí y prefería tener una carta en mis manos que leer un mensaje en la computadora. Fui muy lejos para explicar mi punto de vista a Honoria cuando le envié mi contribución a su convocatoria de Arte Correo e Internet: la única manera en la que quería usar un disco flexible era como un objeto decorativo. Todo eso cambió desde el inicio de este año. La oferta de un amigo de darme su vieja computadora y el señuelo de pornografía libre online me convencieron de probar con el correo electrónico. Pero al comienzo traté de quedar fuera de la correspondencia electrónica tanto como fuera posible y me concentré en los sitios pornos. Pero, al poco tiempo, supe que el e-correo había jugado a un papel decisivo en la elaboración de KAIRAN. Todo comenzó cuando se me ocurrió la idea de consagrar una edición a la escena del arte correo en América Latina. Pregunté a Clemente Padín si quería co-editar el número y respondió afirmativamente entusiasmado. Al mismo tiempo señaló que los servicios postales en América Latina son lentos, caros y no siempre fiables. Además, Argentina, el país de mayor caudal de artistas correo del continente (junto al Brasil), estaba- y desgraciadamente aún lo está- en el medio de una crisis económica sin precedente que ha encarecido notoriamente el costo del correo (lo que explica las pocas contribuciones que recibí de allí). Entonces nos pusimos a trabajar comunicándonos vía email. Todos los artículos y las respuestas a las entrevistas se hicieron por el mismo camino. También, muchas de esas contribuciones estaban originalmente escritas en español o/y en portugués, en razón de las dificultades que el idioma inglés ocasiona a algunos artistas correo. Por lo que tuve que enviar el material a otra persona para su traducción, nuevamente vía e-mail. En otras palabras, sólo las obras llegaron por vía postal. A pesar de todos estos esfuerzos y la ayuda tecnológica, esta edición corrió el riesgo de no publicarse. Como ya dije, necesitaba que alguien tradujese los textos españoles al inglés. Y encontré a esa persona en David Baptiste Chirot, a quien Padín y yo conocíamos, y que por azar era bilingüe. Como Chirot no tenía acceso a Internet, le enviamos todo el material a su amiga Nancy Burr quien, a su vez, se lo reenvió. Todo marchaba bien cuando de repente, Chirot, quien hasta hace muy poco había tenido varios problemas con su salud, tuvo una recaída y quedo fuera de combate. A estas alturas requerí la ayuda de algún tipo de magia y me topé con Martha Aitchison. Como en esos cuentos de hadas en los cuales, al final, cierto personaje revela su identidad real, la Reina Martha, una vez más, me sorprendió cuando dijo que no era inglesa en absoluto, sino argentina. Prontamente Martha tradujo los fragmentos solicitados. ...//... | ||||||||
| Titulo | César Reglero: Mi obsesión, el periódico | ||||||||
| Autor | Natalia Vidal | ||||||||
| Publicacion | Diari de Tarragona | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | Reglero rememora el inicio de su magna colección de páginas de periódico manipuladas que dan lugar a la exposición que realiza actualmente en el Antic Ajuntament de Tarragona, Prensa gráfica obsesiva y que se remonta a 1976 cuando, fascinado con el diseño de un nuevo diario que por aquellas fechas aparecía en los quioscos españoles, “El País”, se puso un buen día a emborronar sus páginas como divertimento y sobre todo como terapia, un hecho que se convertiría ya ritual en él durante tantos años (la exposición recoge 30 años desde entonces en un continuum que asegura otra muestra dentro de otros 30 años) en esta actividad frenética y obsesiva de intervenir cada día el periódico (varias decenas de miles de páginas en conjunto agrupadas en varios tomos de libros-objeto) se vino a unir la conciencia artística del proceso, en el que aprendió y ejercitó diversas técnicas confluyentes en la poesía visual y el arte postal (RF) | ||||||||
| Titulo | César Reglero inaugura una peculiar exposició de f | ||||||||
| Autor | Nota de redacción | ||||||||
| Publicacion | EL PUNT | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | El Punt 25 II 2005
El Punt en su edición tarraconense recoge una nota de prensa que se hace eco de la actual muestra de César Reglero en donde exhibe la producción durante 30 años de periódicos intervenidos (o pintados como dice la nota de prensa), inaugurando el acto con una performance acompañada de música de Poulenc y con la proyección de un vídeo de Xavier Morató. En el artículo Reglero confiesa continuar su actividad gráfico-manipuladora durante la hora del almuerzo (dato precioso donde los haya para sus críticos de arte en el futuro). (RF) | ||||||||
| Titulo | César Reglero exposa a Tarragona més de 1000 fotog | ||||||||
| Autor | Karina Filella | ||||||||
| Publicacion | El Punt | ||||||||
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| Materia | Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
Artículo que recoge los actos inaugurales de Prensa Gráfica obsesiva, la última muestra de César Reglero, con una performance del mismo Reglero, sobre banda sonora del compositor francés Poulenc (de influencia impresionista) y un happening en donde se invitó al público a intervenir las páginas de un diario, al igual que Reglero había hecho con las miles de páginas que ahora se exhiben en el Antic Ajuntament de Tarragona hasta el 3 de abril. (RF) | ||||||||
| Titulo | Entrevista a Carles Santos | ||||||||
| Autor | Miquel Alberola | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | ...//...En el año 1947 participó en la realización de la revista Algol, germen de lo que sería Dau al Set, los fundadores de la cual fueron Joan Brossa, Antoni Tàpies, Modest Cuixart, Joan Ponç, Arnau Puig y Joan Josep Tharrats...//...
P: ¿Hay un antes y un después tras conocer a Joan Brossa? R: Si no fuese por Brossa no sé donde estaría. Cuando lo conocí yo tocaba muy bien el piano P: ¿Fué eso lo que le empujo a la vanguardia? R: Sí, más que los conservatorios y los profesores. Brossa me dijo: Tocas muy bien el piano. ¿Y ahora qué? ¿Qué hacemos con el piano? Ël me ofreció la creatividad...//... | ||||||||
| Titulo | THE REPUBLIC OF ARTISTS- AMBASCIATA DI VENEZIA | ||||||||
| Autor | TIZIANA BARACCHI | ||||||||
| Publicacion | MANY | ||||||||
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| Materia | Arte de accion | ||||||||
| Sinopsis | THE REPUBLIC OF ARTISTS
REPUBBLICA DEGLI ARTISTI Nel novembre 1999 tre artisti della regione francese del Limusino, Rémy Pénard (artista Mail Art), Eugénie Chabreuil (pittrice), e Pierre Digan (scultore) si riuniscono al “Ferme Auberge”, un luogo conosciuto come “Il Prato degli Scultori” a Lavergne nei pressi di St. Martin Chateau e decidono di fondare in questo sito LA REPUBBLICA DEGLI ARTISTI. Si autoproclamano AMBASCIATORI. I fondatori si propongono di diffondere la nascita di questa nuova Repubblica in tutto il mondo, in particolare tra gli artisti, da questa terra nel centro della Francia. Una terra incantata in un mondo disincantato. Un parco di 40 ettari frequentato da artisti, che sarà inaugurato il 14 luglio del 2000. Attività degli Ambasciatori della Repubblica degli Artisti, dopo il 14 luglio 2000: 2001 Limoges, Francia - Maison des Stages 2002 Biblioteca d’Ussel, Francia - Mostra di Mail Art ( video e conferenza di Rémy Pénard ed Eugénie Chabreuil, espone anche Tiziana Baracchi 2003 Centro Culturale di Saint-Yrieix-la-Perche - Video e conferenza di Rémy Pénard ed Eugénie Chabreuil Venezia - Giancarlo Da Lio invita Rémy Pénard alla 50ma Biennale di Venezia. In questa occasione Rémy Pénard nomina anche Giancarlo Da Lio e Tiziana Baracchi Ambasciatori della Repubblica degli Artisti. Limoges, Francia – Spazio Underwood – Artistamps 1 2004 St. Niklaas, Belgio – 16mo Independent Arts/ Festival/Mail Art Meeting ( con Rèmy Pénard, Joel Thépault – Giancarlo Da Lio, Tiziana Baracchi) Minden, Germania - Decentralized Networker Congress (Rémy Pénard- Eugénie Chabreuil) Limoges, Francia – Spazio Underwood - Woodnymph, Mail Art Show Limoges, Francia – Spazio Underwood – Artistamps 2 Fursac, Francia – Club del Libro, 150° anniversario della nascita di Arthur Rimbaud, conferenza di Rémy Pénard ed Eugénie Chabreuil e Mail Art Show (partecipano anche Giancarlo Da Lio e Tiziana Baracchi con azione DaDaista sull’Albero della Poesia) Point Art. Conferenza dibattito dell’Accademia dell’ Haute-Vienne – Rémy Pénard, Eugènie Chabreuil, Joel Thépault. Les Sables d’Olonne, Francia - Bouteille à la mer, progetto di J.F.Barrat, conferenza di Rémy Pénard, sala conferenze del Museo dell’Abbaye Sainte-Croix Giancarlo Da Lio e Tiziana Baracchi realizzano l’Ambasciata di Venezia della Repubblica degli Artisti. L’Ambasciata è inaugurata il 21 novembre 2004. | ||||||||
| Titulo | A la poesía de Joan Brossa | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | EFE | ||||||||
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| Materia | Poema objeto,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | PRIMER ANIVERSARIO DEL MUSEO MALLORQUÍN
Homenaje de Es Baluard a la poesía de Joan Brossa El museo de Es Baluard celebra el primer aniversario de su inauguración con la exposición 'Juegos y caminos de Joan Brossa', que mostrará desde el 2 de febrero hasta el 3 de abril 72 obras, que, según la terminología que acuñó el artista catalán, se dividen en su mayoría entre 'poemas objeto y visuales'. La exposición ha sido organizada en colaboración con la Fundación Joan Brossa. Según informa la directora del Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Palma Es Baluard, Marie-Claire Uberquoi, la exposición se alojará en la planta -1 del edificio. En ella se muestran 37 'poemas objeto', 26 'poemas visuales', la película 'No compteu amb els dits (No contéis con los dedos, 1967)', de la que el artista escribió el guión en colaboración con Pere Portabella, y ocho libros para bibliófilos creados junto a artistas como Miró, Tapies y Chillida. Un año de Es Baluard Uberquoi ha hecho balance del primer año de actividad del museo, que fue inaugurado el 30 de enero de 2004, y ha considerado "muy satisfactorios" los resultados obtenidos en la afluencia de espectadores, que alcanzó la cifra de 125.000 visitantes, muy por debajo de las previsiones realizadas por la anterior dirección del museo. A este respecto, la actual directora de Es Baluard subrayó que las "elucubraciones" que situaban en 500.000 personas el número de visitantes de Es Baluard en su primer año de actividad son anteriores a su llegada al museo, por lo que se negó a comentarlas. Actividades paralelas a la muestra La exposición de Brossa estará acompañada por un programa de actividades gratuitas, que incluye el espectáculo 'Poemancia' del mago Hausson, que interpretará varias acciones artísticas creadas por el poeta catalán. Además, se celebrarán conciertos de jazz y música de cámara, conferencias, una lectura de la obra poética de Brossa y el taller 'Vestir secretos de palabras en una escalera', concebido por la artista argentina Adriana Straijer para un público familiar, a partir de las composiciones del polifacético creador barcelonés, que vivió de 1919 a 1998. El domingo 6 Es Baluard celebrará una jornada de puertas abiertas, desde las diez de la mañana hasta las ocho de la tarde, en la que la compañía D'Aigua teatre ciutadá representará la obra 'Picada de allada (Picada de ajo)', que consiste en una obra de teatro de calle, visual e imaginativo, basada en el imaginario y los poemas de Brossa. La obra de un precursor Uberquoi destaca la importancia y la modernidad de la obra de Brossa, al que describe como una de las figuras más importantes de la plástica española de la segunda mitad del siglo XX, que se avanzó en varias décadas al auge de las 'performances' y a conceptos artísticos que triunfaron en los 80. La directora de Es Baluard también resalta los vínculos con Mallorca que tenía el poeta -tal y como se definía Brossa, que prefería esta descripción de su trabajo a la de artista- y la amistad que mantuvo con el pintor catalán Joan Miró. | ||||||||
| Titulo | Desacuerdos | ||||||||
| Autor | Catalina Serra | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Desacuerdos. Sobre arte, políticas y esfera pública en el Estado español es un proyecto de coproducción entre Arteleku-Diputación Foral de Gipuzkoa, Universidad Internacional de Andalucía-UNIA arteypensamiento y MACBA, que surge de la voluntad de erigir un “contra modelo” historiográfico que desborde el discurso académico oficial sobre el arte de la segunda mitad del siglo pasado hasta nuestros días, para contribuir a sentar algunas bases para la reconstrucción de una esfera cultural pública crítica.
-------------------------------------------------------------------------------- En este sentido el proyecto se ha constituido en una estructura descentralizada y de colaboración en red entre instituciones culturales de diversa índole, que pone en práctica dinámicas de trabajo que superan los límites institucionales con el fin de que puedan operar otros ámbitos críticos de la cultura. Desacuerdos se presenta como un programa de investigaciones y documentación, un conjunto de jornadas y muestras públicas, con el que dar visibilidad a los proyectos y las prácticas artísticas estudiadas, una exposición y una serie de publicaciones. Desacuerdos trata de rastrear prácticas, modelos y contra modelos culturales que no respondan a estructuras, políticas y prácticas dominantes que se han venido sucediendo en el Estado español a lo largo de más de cuatro décadas. Desacuerdos tiene como objetivo elaborar una historia crítica de tales estructuras y actitudes, que continúan instituidas en modelo de administración de la cultura y el arte. En definitiva, un ejercicio doble que indaga tanto sobre los vínculos entre políticas culturales e institucionales, arte, mercado y economía, esfera pública, sociedad civil y propuestas contra hegemónicas en el Estado español, como sobre la posibilidad de generar una red social e institucional capaz de aunar, ligar y poner en común aquellas experiencias o situaciones culturales que se han producido o se están produciendo. Desacuerdos. Sobre arte, políticas y esfera pública en el Estado Español se presenta como una visibilización del proceso de investigación iniciado en 2003 por las instituciones impulsoras del proyecto, Arteleku, MACBA y UNIA, y las exposiciones tendrán lugar en dos sedes al mismo tiempo: el Centro José Guerrero de Granada y el MACBA en Barcelona, a modo de proyectos complementarios. Estas exposiciones se articulan a partir de las líneas de la investigación, que se dividían en 3 grandes apartados: el archivo 69 como una documentación de las prácticas contra hegemónicas, las líneas de fuerza que dan cuenta de las dinámicas de banalización en los 70, mercantilización en los 80 y espectacularización en los 90, así como de sus paradojas y contradicciones, y finalmente los casos de estudio como análisis focalizados en fenómenos y situaciones específicas de gran significado en la escena artística de las últimas décadas. A partir de ahí, presentan un recorrido histórico que se divide en dos grandes momentos. A grandes rasgos, el primero corresponde a los 70 y el segundo a los 80-90. El punto de inflexión es 1982, con el comienzo del gobierno socialista y el nacimiento de ARCO. Las muestras conceden un papel preponderante a la noción de archivo y documento para ilustrar que las prácticas creativas no se reducen a los modelos imperantes en cualquier momento, sino que fluyen con independencia de los gustos o tendencias momentáneos, las ideologías dominantes o modelos genéricos. Un capítulo importante estará ocupado por los debates, encuentros y actividades para dar voz a protagonistas, estudiosos y críticos de los diferentes momentos importantes de este período histórico cercano y remoto al mismo tiempo. En la exposición en el MACBA se incluyen obras de Preiswert Arbeitskollegen, Eugènia Balcells, C.V.A., Juan del Campo, Estrujenbank, Esther Ferrer, Ferran Garcia Sevilla, José Mª Giro, Eulàlia Grau, Grup de Treball, Juan Hidalgo, Concha Jerez, Joaquim Jordà, Familia Lavapiés, Rogelio López Cuenca, Antoni Miralda, Indymedia da, Fina Miralles, Muntadas, Pere Noguera, Pere Portabella, Agustín Parejo School, Joan Rabascall, Francisco Ruiz de Vergara, Francesc Torres, Isidoro Valcárcel Medina, Video-Nou, Paulino Viota y Zaj, entre otros. También se mostrarán fanzines, comics, experiencias en el ámbito editorial, radios y televisiones independientes, poesía experimental, video, etc. Producción: Arteleku-Diputación Foral de Gipuzkoa (Donostia–San Sebastián); Museu d’Art Contemporani de Barcelona-MACBA (Barcelona); Universidad Internacional de Andalucía-UNIA arteypensamiento (Sevilla). | ||||||||
| Titulo | Rafael de León es un poeta inmensurable | ||||||||
| Autor | Fernando Millán | ||||||||
| Publicacion | MU | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte de accion | ||||||||
| Sinopsis | Entrevista a Fernando Millán en donde nos relata sus últimos proyectos, como la próxima muestra en el MACBA de la que es comisario y "Post cuplé" su última performance, elaborada con ayuda de fragmentos de composiciones musicales, en homenaje a la cultura popular de la posguerra española, reivindicando además la performance o arte de acción como el medio más conectado con la mentalidad del siglo XXI, y haciendo destacar a el vanguardismo de Rafael de León, autor del medio siglo XX ya que "la cuestión no es quién es o no es (artista) de vanguardia" sino de reutilizar códigos existentes y reinterpretarlos de acuerdo a las necesidades expresivas del autor y de su contexto, creativa y críticamente. (RF) | ||||||||
| Titulo | Olor Visual | ||||||||
| Autor | Carlota Fraga | ||||||||
| Publicacion | Art.es | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Entrevista de Carlota Fraga a Ernesto Ventós
Documentación: OLOR VISUAL Ernesto Ventós Fidel a la tradició familiar que ha unit la meua família durant generacions amb el món de les fragàncies, vaig nàixer en un barri senzill, envoltat de bidons desordenats d’essències que carregaven l’ambient d’espígol, ruda, menta i taronja. Els estius al camp, a casa de la meua àvia materna, omplin gran part de les meues primeres experiències olfactives com l’olor de terra humida barrejada amb l’olor dels eucaliptus després de la pluja, l’aroma de les infusions, la forta olor de naftalina que només apareixia uns pocs dies a l’any coincidint amb el canvi d’estació, el perfum de mel que desprenia el tabac fumat en pipa, i fins i tot l’olor desagradable del soterrani on es mesclaven les olors del paper humitejat amb la fusta i la roba vella, sense oblidar l’olor de fems amb la seua capacitat especial per potenciar qualsevol altra olor. Aquestes són, sens dubte, les meues primeres experiències olfactives, encara que el meu aprenentatge pròpiament dit comença treballant al costat de mon pare i sobretot sent ajudant del mestre Arturo Jordi durant tres anys a Suïssa i França. Em vaig familiaritzar amb les diferents essències i les seues característiques i vaig exercitar la memòria del meu nas. L’estudi dels nombrosos components va ser necessari per saber crear fórmules i aplicar-les als distints productes. Va ser un aprenentatge (una iniciació) intens que ha anat modelant-se i perfeccionant-se amb l’experiència diària del procés lent i reflexiu indispensable en la concepció de novetats, sempre conscient que quan tinc una idea nova l’elaboració de la seua fórmula em costarà molts mesos de treball fins que estiga perfectament confeccionada i, això no obstant, la seua vida serà relativament curta. Al llarg d’un any, per exemple, puc fer unes deu o vint fórmules de les quals és molt possible que només una o dues resulten interessants, mentre que les altres, si no es venen, a molt curt termini perden el valor. Crear un perfum demana temps i investigació, com també en demana la realització d’una obra plàstica encara que, a diferència d’aquesta, en la majoria dels casos el creador treballa oferint els seus serveis a un client que determina les característiques essencials de l’aroma; el mercat, el públic que el consumeix, els seus gustos, la seua procedència social, el seu nivell cultural, les modes i el clima són factors que cal tenir molt en compte en cada procés de creació. El perfum s’adapta a les característiques del consumidor de manera que el perfum triat per la gent sol reflectir-ne el caràcter, l’estil de vida, les preferències i la personalitat, i revela així molta informació sobre nosaltres mateixos. Hi ha perfums seriosos, clàssics, moderns, liberals, extravagants. Per exemple, són olors molt determinades i recognoscibles les d’aquelles persones que treballen utilitzant (realitzant) esforç físic i el seu perfum es barreja amb el de la seua pell; les essències afustades amb cedre i flor blanca, típiques de les colònies masculines, són utilitzades últimament per dones. L’any 1978, la Fundació Joan Miró va celebrar l’exposició “Suggestions olfactives”, en la qual van participar diversos perfumistas. El tema era molt variat: Les olors del cos Les olors dels colors Les olors dels animals Elements de l’olor (les plantes) Fisiologia de l’olfacció Olor i cultura popular La moda de les olors La literatura de les olors ...//... | ||||||||
| Titulo | En la ciudad de los surrealistas | ||||||||
| Autor | Angela Molina | ||||||||
| Publicacion | Babelia/El País | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | » París y la revolución del surrealismo, en el CCCB
El Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) presenta la exposición "París i els surrealistes", donde se analiza este movimiento artístico y se subraya su vigencia. Este análisis se hace a partir de la ciudad de París, que tiene una importante relación con las cerca de 400 obras que integran la galería. En este sentido, para los surrealistas, la capital francesa fue su taller, su musa y su utopía. Con un recorrido visual y textual, la exposición explica este movimiento artístico desde el interior de la mentalidad surrealista a la vez que analiza el espíritu transgresor. Así pues, se exponen pinturas, esculturas, fotografías, objetos encontrados, arte primitivo, arte popular y naíf, películas y documentos diversos. Además, parelalamente, se ha organizado un ciclo de cine que incluye películas surrealistas junto con otras sobre el París de los años treinta. La exposición es una coproducción del CCCB y del Museo de Bellas Artes de Bilbao. | ||||||||
| Titulo | Metronom | ||||||||
| Autor | Roberta Bosco | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Instal.llació audiovisual de Francisco Ruiz de Infante “Cosas: ocho visiones indirectas (re-presentaciones y de-construcciones)”. Col•lectiva de vídeo comissariada per Hilde Teerlink, que presenta en paral•lel vídeos d’artistes xinesos i d’artistes residents a França. Vídeo-instal.lació de Roc Parés. Fins el 2 de abril | ||||||||
| Titulo | Un género entre lo verbal y lo visual. Apuntes sob | ||||||||
| Autor | Laura López Fenández | ||||||||
| Publicacion | Ínsula nº 696 | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental | ||||||||
| Sinopsis | Laura López Fernández, seguidora de las líneas españolas en la itinerancia (al día de hoy es profesora en Canterbury pero también lo ha sido en Australia o EE UU) propone en este extenso artículo una “tipología funcional” (de ahí su título) de los géneros poético-visuales en soporte papel producidos en el territorio español, estableciendo dicha tipología sobre criterios formales y temáticos, según los cuales establece ocho tipos de producción que reflejan las necesarias ilustraciones: 1) Poema vocálico-consonántico (en donde se explora la materialidad del significante) 2) Poema tachadura – de acuerdo al proceso gestual del tachado- 3) Poema dactilar, poema antirretrato “representación del sujeto y del yo” 4) Poema numérico- “poemas combinatorios de lenguaje musical 5) Poema proceso/ escritura, - metalenguaje referido al proceso de creación de un poema 6) Poema sociopolítico y antipropagandístico –lenguaje icónico de la publicidad para crítica social 7) Poema homenaje – homenaje al arte y a los artistas y 8) Poema esquela “estructuras compositivas tipo collage en las que se explora el sentido de la muerte. | ||||||||
| Titulo | Coleccionar lo efímero | ||||||||
| Autor | Catalina Serra | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | ...//... La “CASA DE MÉXICO”, promovida por la Oficina de Turismo de México, será edificada en la Plaza de la Avenida Central de Feria de Madrid. Se trata de un proyecto especial experimental...//... La instalación, un inmenso cubo de policarbonato con distintos grados de transparencia, llevará impresas en sus paredes imágenes referentes a la cultura mexicana. Este pabellón efímero mostrará en su parte central las cinco caras de México: “Contemporáneo”, “Colonial”, “Arqueológico”, “Sol y playa” y “México natural”. Estas cinco miradas hacia la realidad mexicana llegarán a ARCO’05 de la mano de los arquitectos del estudio Table, autores del proyecto espacial de la feria y con la participación del estudio Ten-T, que desarrolló la distribución de la pasada edición de ARCO...//...
Como vemos, lo efímero está presente en cualquier macro muestra de arte contemporáneo. El propio montaje de Arco ya es un conglomerado efímero de instalaciones que desaparecerán con la Feria. Catalina Serra se pregunta ¿cómo se colecciona lo efímero?, ¿cómo se colecciona una pecera con pájaros dentro o una performance?. Ya que si un mecenas o un coleccionista quiere comprar es para conservar y nunca va a aceptar que el producto desaparezca de sus manos. Interesante artículo con muchos interrogantes. | ||||||||
| Titulo | Christo y Jeanne Claude/ Gates/ Central Park | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Efe | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Sendero de puertas en el Central Park
Christo y su esposa presentan peculiar instalación plástica La amplia obra plástica “The Gates” (Las puertas) de los artistas Christo y Jeanne Claude, que vestirá por unos días con puertas de metal y tela color azafrán los senderos del Central Park, se encuentra en etapa final de instalación. Setecientos trabajadores comenzaron a colocar, ayer lunes, en su sitio las telas que ondearán al compás de la brisa invernal, aunque las desplegarán el próximo sábado, día de la apertura. No habrá, sin embargo, ceremonia oficial para dar por inaugurado este viejo sueño de los artistas, que se convirtió en realidad tras el visto bueno dado por el alcalde de Nueva York, Michael Bloomberg, en enero de 2003. Fue en 1979 cuando Christo, artista estadounidense de origen búlgaro cuyo nombre completo es Christo Javacheff (1935), y su esposa y colaboradora, Jeanne-Claude de Guillebon, de origen francés, tuvieron la idea de un “sendero de puertas” para el Central Park, el “pulmón” de la ciudad de Nueva York, en la que radican desde hace 40 años. Se trata del primer proyecto de los artistas en esta ciudad, financiado además enteramente por ellos, y que consiste en la instalación temporal de 7,500 puertas de 4.9 metros de alto, de cada una de las cuales colgarán telas de color azafrán. Las puertas se están colocando una detrás de la otra a lo largo de 37 kilómetros de senderos y podrán ser apreciadas sólo durante dos semanas, hasta el 27 de febrero, tras lo cual serán desmontadas y recicladas. La naturaleza de la obra de Christo y Jeanne-Claude, que se hacen llamar “artistas ambientalistas”, es efímera y reciclable. Con una inversión de 21 millones de dólares, “Las puertas son la versión en el mundo del arte del Maratón de Nueva York”, declara el Comisario de Parques de Nueva York, Adrian Benepe. Las autoridades calculan que la instalación temporal en Central Park, uno de los destinos turísticos más visitados de la ciudad, generará beneficios económicos de ochenta millones de dólares y dos millones de dólares en ingresos tributarios. | ||||||||
| Titulo | Vince Davenport | ||||||||
| Autor | Robin Finn | ||||||||
| Publicacion | The New York Times | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Vince Davenport, Handling the Nuts and Bolts of Colossal Art
He fantasizes about nuts, bolts and PVC tubing, dreams of 5,000 tons of steel leveling plates. In the early stages of the design process, he exhibits the traits of a mad scientist, routinely leaping out of bed in the middle of the night to rush out to his workshop and jot down a theory. This describes every architect's fantasy engineer. Vince Davenport: consultant to Christo and Jeanne Claude. NYTimes | ||||||||
| Titulo | Gabriel Orozco/Arte y Vida | ||||||||
| Autor | Elisa Fernández Santos | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poema objeto,Arte de accion,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Gabriel Orozco (Veracruz, México, 1962) es uno de los artistas mexicanos que cuentan con mayor reconocimiento internacional. Una de sus acciones más llamativas consistió en convencer a los vecinos del MOMA de que colocaran naranjas en sus balcones en una acción que interrelacionaba el interior del museo con el entorno vecinal. Acción relevante fué también la de convertir en interior de la galería en la que exponía en plaza de parking en una lucha psicológica con la propietaria de la galería que siempre aparcaba en doble fila.
Su trabajo de honda raíz conceptual, en el que están intimamente relacionado el binomio arte/vida, se expresa tanto con los lenguajes de la escultura, el dibujo y la fotografía, como de la instalación , el vídeo y el arte objeto, estableciendo además un diálogo con la tradición estética y el universo visual mexicano. Su propuesta para el Palacio de Cristal se centra en una serie de piezas en torno al concepto de ?juego?. Alrededor, una serie de objetos plantean un recorrido por su trayectoria artística.(24 Edición de la Feria de Arte Contemporáneo ARC0/ Palacio de Cristal de Madrid) | ||||||||
| Titulo | Objetos de arte | ||||||||
| Autor | Txema G. Crespo | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Poema objeto,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | El estado de las cosas. El objeto en el arte desde 1960 hasta nuestros días
Del 2 de febrero al 22 de mayo de 2005 La exposición consta de algo más de un centenar de obras de 63 artistas internacionales, procedentes de las colecciones de los FRAC A través de una selección de fondos de las colecciones de diecisiete FRAC (Fonds Régionaux d'Art Contemporain) de Francia, El Estado de la cosas plantea un recorrido por la evolución del arte contemporáneo internacional desde principios de los años sesenta -momento en el que se produce la integración del objeto cotidiano como parte del discurso del arte- hasta nuestros días. Así, se plantea y analiza el status del "objeto" en el arte en todas sus formas y estados, a través de los diversos movimientos artísticos. A partir de este método de análisis, una especie de corte transversal, los objetos se van transformando ante nuestros ojos en reflejos de la visión contemporánea. A veces nos hablan de la experiencia del entorno inmediato, o reivindican su individualidad y la de sus creadores; o nos hacen reflexionar sobre su función y sobre los efectos de la sociedad de consumo; o plantean cuestiones como la inutilidad de la obra de arte, o las fronteras entre arte y diseño; o se convierten en metáforas, en símbolos, en huellas de su pasado inmediato, de sus orígenes. En suma, funcionan como vía para la mejor comprensión del arte actual. El protagonista de El Estado de las Cosas es el objeto. El objeto en todos sus estados, desde su entronización en el arte en los años 60 con el Pop Art y los Nuevos Realistas, hasta nuestros días. Con Marcel Duchamp y su Boîte en valise como maestro de ceremonias, una obra que reproduce 83 piezas en miniatura del artista inventor del ready-made, que ya en 1917 elevó un urinario a la categoría de "obra de arte" incluyéndolo en una exposición bajo el título de Fontaine (Fuente). Un elemento de uso cotidiano que por decisión del artista, sacado de contexto y colocado sobre una peana, pasó a ser considerado objeto artístico. El resultado fue mucho más allá de la provocación, y sentó las bases -todavía hoy vigentes- de un nuevo concepto del artista y de su obra, según la cual la idea está por encima de la manufactura. Cuarenta años de objetos acumulados, comprimidos, inventados, recuperados, fabricados, descompuestos y pasados por todas las fases que los artistas hayan imaginado. Los objetos de lo cotidiano desviados de su función por Fluxus o dotados de memoria por Boltanski; los desechados tras su uso por la sociedad de consumo y reinventados por la "Nueva escultura inglesa"; los desplazados de su función por Bertrand Lavier o John Armleder; los inventariados por Claude Closky; los desplegados por Christian Marclay; los acumulados por Daniel Firman; los magnificados por Patrick Tosani; los procedentes de encuentros efímeros orquestados por Gabriel Orozco; y todos los demás objetos utópicos, objetos máquina, objetos vitrina, objetos cínicos... Vasto panorama de lo que se ha hecho en arte desde que el arte es contemporáneo a través de muestras desgranadas en el tiempo, pues en estas exposiciones se pasa rápidamente de la cosa al objeto, del objeto al producto; se oscila sin cesar del uno al otro, entre ironía y cinismo, crítica y demostración, contestación y fascinación estética. La incorporación del objeto a la obra de arte, el objeto artístico y su funcionalidad, el arte y la sociedad de consumo; éstas y muchas otras cuestiones se abordan en El estado de las Cosas, una muestra del particular viaje de los objetos a través de la historia del arte contemporáneo y de sus creadores. ARTIUM de Álava Sala Norte C/ Francia, nº 24 01002 Vitoria-Gasteiz | ||||||||
| Titulo | Retrospective of Joseph Beuys | ||||||||
| Autor | Room Guide Further Resources | ||||||||
| Publicacion | Media Partner | ||||||||
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| Materia | Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | 4 February – 2 May 2005
Joseph Beuys (1921-86) is considered one of the most influential figures in modern and contemporary art. His charismatic presence and unconventional style gained him international fame and notoriety in the 1960s but his innovative influence is still felt today. This is the first major survey exhibition ever to take place in the UK. | ||||||||
| Titulo | Teatro fosforecente / Spai Brossa | ||||||||
| Autor | Bernat Puigtobella | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | El spai Brossa es hoy el teatro de los poetas experimentales en cualquiera de sus dimensiones. Aqui no se trata de poner el texto en movimiento para contar una historia. Es la acción teatral la que está al servicio de la palabra. Aqui la palabra lo es todo: espectáculo, presupuesto, acción, silencio, sonido, fuego, vida y muerte.
En un teatro tan pequeño no cabe más que la palabra, el silencio o el concepto. No se puede hacer una felación al micrófono ni interpretar una partitura con un coro de voces sinfónicas. Se puede dejar volar la imaginación y entonces el teatro se transforma en el más grande de los escenarios. Alli, hacer visible la palabra se ha convertido en un acto taumatúrgico. El mago Casasses ve como se encienden las palabras desde la última fila de esta caja de cerillas que es el Espai Brossa. Bienvenidos al teatro fosforecente. | ||||||||
| Titulo | Despertador de Poesía | ||||||||
| Autor | Juan Bufiil | ||||||||
| Publicacion | La Vanguardia | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Se puede leer en la web site de la Fundación Joan Brossa la siguiente referencia: (1969): Quadern de poemes (poemas visuales y literarios con el título de la portada dibujado por Antoni Tàpies), en francés (traducción de Anne Marie Comert), Barcelona, Ed.Ariel (Els llibres de les quatre estacions).
... y varias citas más que reflejan la estrecha relación entre Joan Brossa y Tápies. Y a propósito de ello, Juan Bofill establece una relación entre la obra plástica de Tapies y la poesía que la misma contiene: "Según Antonio LLena, el arte es tal cuando es poesía" "Poesía es sobre todo creación" "Cuando una obra de arte es tal, despiertan las ideas, los sentimientos y la imaginación" "Tàpies dice que está perdiendo la vista, pero desde luego no está perdiendo la razón" Antoni Tàpies (Barcelona, 1923) * Sala Vicente Noguera - Murcia del 19 de enero al 24 de febrero de 2005 | ||||||||
| Titulo | teresa Cha/ Fundación Tapies | ||||||||
| Autor | Catalina Serra | ||||||||
| Publicacion | |||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Poesia conceptual,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | El sueño de la audiencia: Theresa Hak Kyung Cha
Exposición retrospectiva que muestra por primera vez en el Estado español el trabajo poético y conceptual de la artista coreanoamericana Theresa Hak Kyung Cha (Pusa, Corea, 1951 - Nueva York, 1982). La obra de Cha trata temas como la memoria, el desplazamiento y la alienación. Sus libros de artista, sus obras sobre papel o tela, sus performances y sus instalaciones de filme y vídeo se caracterizan por un fuerte compromiso con el lenguaje, del cual Cha explora su capacidad para crear identidad, al tiempo que busca maneras de deconstruirlo. Del 27 de enero al 10 de abril de 2005 | ||||||||
| Titulo | Tinglado de artes en Tarragona | ||||||||
| Autor | Aleix Mataró | ||||||||
| Publicacion | ABC | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Bajo el título genérico de"Cadavre&Grafit", el artista Josep Maria Roselló ha querido celebrar la recuperación de unas telas de grandes dimensiones con un homenaje Dadá a Francis Picabia repitienda la experiencia del "cadaver exquisito Opus Dadá" celebrada 85 años antes en París.
La experiencia ha consistido en realizar una serie de graffitis en el Tinglado del Puerto nº1 de Tarragona donde los artistas continuaban e intervenían en la obra de los otros sin saber previamente lo que aquellos habían pintado. Los artistas que han intervenido en la experiencia, aparte del propio Roselló, han sido Rafael Bartolozzi y Nil Bartolozzi, Lluc Queralt, Justo Heras, Leina Brown, Jordi Erola, Leim, Eme, Zek, Yobtaks, Blai Mesa, Unai Reglero, Amadeus Anguera, Jordi Llort, Iván, Alex Ayxendri, Lluís Jiménez, Sergio Ortíz, Antonio Latre y Carlos Ortega. El Fotógrafo Pep Escoda ha sido el encargado de cubrir el reportaje experimental desde su inicial desarrollo hasta la final destrucción de la obra efímera. | ||||||||
| Titulo | Jazz, Poesía, Art y Dadá | ||||||||
| Autor | M.L. | ||||||||
| Publicacion | Mes Tarragona | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Jazz, Poesía, Art y Dadá es una combinación que promete toda suerte de emociones para los sentidos si todo ello se produce en el mismo espacio y al mismo tiempo. Y esta es la experiencia que se está desarrollando en el Tinglado del Puerto nº1 de Tarragona con la colaboración especial del inquieto y multifacético artista J.M. Roselló (Cadavre&Grafit) (hasta el 27 de enero 2005)
Elementos y piezas art´siticas que se están desarrollando en esta exposición: - Opus Dadá - L´ou com balla - Poema del ressò El fotógrafo Pep Escoda plasmará todo el proceso artístico hasta culminar en la extinción de la efímera obra. | ||||||||
| Titulo | Poesía visual: utopía, lenguaje y materialidad | ||||||||
| Autor | Fernando Millán | ||||||||
| Publicacion | Revista de Letras | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...
Materialidad La realidad objetiva y simple, es que la poesía visual es todo lo contrario de cualquier forma de minimalismo. Sólo puede ser entendida como un maximalismo: como una aspiración desmesurada, pantagruélica, insensata, imposible, desconsiderada, totalizante, abusiva, contradictoria, impertinente, incalificable, obsesiva, descontrolada, engreida, pretenciosa... Esto es, como un plantemiento utópico propio -y típico- de toda vanguardia radical, estética o no. En otras palabras, todo lo contrario de una poesía abstracta. Mas bién, una poesía-objeto; una poesía concreta, material, elemental, en la que la visualización nos ofrece la arquitectura, el color, el tacto, el sabor incluso...de los distintos sistemas de signos. Un arte de ideas materializadas. El hecho de que, a la búsqueda de esa concrección, se haya trabajado habitualmente con componentes elementales, moleculares, del lenguaje, no se debe a una vocación de renuncia, de elementalidad o de minimalismo propiamente dicho. Es una respuesta proporcionada a las leyes de la visualidad y a los imperativos de lo plástico. ...//... DOCUMENTACION Fernando Millán (Villarrodrigo, Jaén, 1944). Periodista especializado en información sanitaria. Trabajó en Problemática‑63, con Julio Campal y fue miembro fundador del grupo N.O. Entre 1968 y 1976, mantuvo una actividad de difusión y promoción de la poesía experimental en España, pronunciando conferencias, organizando actividades y proyectos editoriales. Sus trabajos creativos están recogidos en publicaciones internacionales de carácter antológico, y ha publicado los libros: Este protervo Zas (1969), Textos y Antitextos, (1970), Mitogramas, Beltenebros (1978), Prosae (1981). La depresión en España (1993), Ariadna o la búsqueda (1996). Poemas NO (1997). Hai Kai para los ojos (1999). Y el libro de conversaciones (con Chema de Francisco) Vanguardias y vanguardismos ante el siglo XXI. Ardora Exprés, Madrid, 1998. Articulista y crítico, como antólogo destaca su trabajo La escritura en libertad (en colaboración con J. García Sánchez), Alianza Editorial Alianza 3, Madrid, 1975. | ||||||||
| Titulo | Un festín visual | ||||||||
| Autor | Francisco Calvo Serraller | ||||||||
| Publicacion | El País / Babelia | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Las vidas de las letras, según 114 creadores gráficos // Cromotex inaugura en Madrid un nuevo espacio expositivo con la muestra 'Tipos lustrados', un homenaje a la tipografía //
114 creadores han sido invitados por la Galería Cromotrex a realizar su obra a partir de una letra concreta poniendo de relieve una vez más que el elemento tipográca de las letras es una fuente inspiradora de gran potencia y que ni sintáctica ni semanticamente las relaciones entre la literatura y las artes visuales siempre han estado estrechamente unidas.(hasta el 31 de enero 2005) Miguel Fleta, 5 Madrid | ||||||||
| Titulo | Eduardo Fraile, editor y poeta | ||||||||
| Autor | V. M. Niño | ||||||||
| Publicacion | Norte de Castilla | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | EDUARDO FRAILE VALLE
«Soy editor para buscar envoltorios bellos a las palabras» Con la posible excepción de mí mismo' es el título de un poemario suyo y bien podría ser la advertencia en el dintel de su casa. Todos los asientos de su morada están ocupados por libros, a excepción del suyo. Filólogo de formación, escritor de vocación y editor por 'deformación', -¿No es un poco frustrante como editor de poesía ganar un premio con un libro de dibujos? -¿Elige la poesía visual porque quiere pintar con palabras? -Toda la poesía es visual. No es una manera de hablar, bien decimos al afirmar que la poesía se hace con imágenes de palabra, la metáfora es una imagen. Cuando se dice que «una imagen vale más que mil palabras» siempre se contrapone la palabra a lo visual, pero esa frase viene de la imagen léxica. La traducción sería «vale más una metáfora que mil palabras», una imagen de palabras...//... | ||||||||
| Titulo | Agustín Calvo y la Poesía Visual | ||||||||
| Autor | Edith Checa | ||||||||
| Publicacion | Radio 3 | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Entrevista de la periodista Edith Checa a Agustín Calvo
15/01/2005, Programa “Rincón Literario”, Radio3-UNED (Extracto en torno a la poesía visual) ...//... Edith Checa.- Agustín Calvo es además poeta de poesía visual. ¿Qué es eso? ¿Qué es Poesía Visual? Agustín Calvo.- La poesía visual resulta de ampliar la poesía tradicional con las artes plásticas. Ahí entran muchas cosas, se considera a la poesía visual como una poesía experimental y digamos que está abierta a nuevas aportaciones artísticas sin olvidar que partimos de un arte textual que es la poesía en sí. E.C.- Lógicamente, aquí por la radio no vamos a poder ver o leer poemas de poesía visual, pues no tenemos la posibilidad de ver nada, pero sí tienes otros muchísimos poemas de los que vamos a dar una muestra a nuestros oyentes. Tu poesía visual ha sido incluida en una gran antología que se llama Poesía Experimental Española, 1963-2004, de la Editorial Mare Nostrum. ¿Cómo te sientes por estar en esta Antología tan importante, sobre de poesía experimental, además? A.C.- Bueno, fue sobretodo un gran honor pues soy de las personas más jóvenes incluidas en dicha Antología. Aquí hay gente muy importante. Además, la cuestión es que la Poesía Visual no es conocida y aún se ha de divulgar bastante, especialmente la labor que se hace, que es una labor que viene de antiguo, la gente puede pensar que es una cosa de hace pocos años; hace pocos años que hay una nueva generación pero realmente, por ejemplo en Cataluña y en catalán, hay una larga tradición dentro de la poesía visual, que entronca con los primeros ismos de finales del siglo XIX y principios del XX. ...//... | ||||||||
| Titulo | Umbrella | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Komunikazio | ||||||||
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| Materia | Arte postal | ||||||||
| Sinopsis | El trabajo de un alumno de Bellas Artes de la UPV/EHU, portada de la revista norteamericana 'Umbrella'
Esta publicación es la más importante de EEUU en el campo de los libros de artista y el arte postal Un paraguas es el motivo que siempre aparece en la portada de la prestigiosa revista norteamericana 'Umbrella', una publicación especializada en arte postal (red de artistas que distribuye sus trabajos no vía galerías oficiales, sino por correo; entre los objetos del arte postal se incluyen tarjetas postales, sellos, pinturas, mail art graffiti, copyart…) y libros de artista (libro-objeto de arte realizado por un artista). En su último número, correspondiente a mayo de 2003, la tapa reproduce una serigrafía realizada por el alumno de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco-Euskal Herriko Unibertsitatea Ramón Aznar. La obra, que lleva por título 'Bilbao Umbrella', muestra un fragmento de un paraguas en primer término y al fondo un edificio de Bilbao, identificable por quienes conocen la ciudad. La idea de preparar una portada para la revista 'Umbrella' surgió del profesor de Serigrafía Agustín Ardanaz, quien la propuso como ejercicio de clase en el curso avanzado de esta especialidad que se realiza en el segundo ciclo de la titulación de Bellas Artes. Ramón Aznar realizó de la obra 'Bilbao Umbrella' una tirada de diez estampas, de las que tres se enviaron a la revista 'Umbrella'. La editora de este boletín, Judith Hoffberg, una reconocida especialista en libros de artista, decidió que la reproducción de esta obra figurara como portada del número de mayo. Además, a partir de ahora, el profesor Agustín Ardanaz, podrá incluir en el programa de la asignatura como ejercicio habitual de clase la realización de la portada de 'Umbrella', gracias al permiso concedido por la editora de la revista. Ramón Aznar concluirá el próximo año la carrera de Bellas Artes y ha recibido, entre otros, el primer premio del concurso de Pintura Intercentros Aena (1998) y el premio especial '150 años Ministerio de Fomento' (2001) para trabajadores de dicho Ministerio en la modalidad de pintura. Además, una obra suya fue adquirida por la UPV/EHU en el VII Certamen de Arte del Campus de Alava (2002) y ha participado en una docena de exposiciones colectivas y una individual. Actualmente prepara una instalación para el escaparate de la tienda Basandere (calle Iparragirre 4, Bilbao), que se inaugurará el próximo 23 de junio, y en la que la serigrafía es de nuevo la técnica empleada para grabar las imágenes de Bilbao que centran la obra. | ||||||||
| Titulo | Christo | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | IBLNEWS, AGENCIAS | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | Christo construye en Nueva York arte 'que no sirve para nada'
Lo ames o lo odies, no podrás olvidar las 7.500 'puertas' coloreadas de azafrán que se instalarán en el Central Park de Nueva York por el artista Christo, en uno de los mayores proyectos artísticos intentados en la ciudad. Si quieres entenderlo, la mujer del artista dice que no lo tiene y que es arte "que no tiene ningún significado", según ha informado Reuters. Christo, que cobró popularidad cubriendo el Pont Neuf de París con trapos de color arena y el Reichstag de Berlín con tejido de aluminio, dijo que la mayor oposición que encontraba en la realización de su trabajo era "conseguir los permisos". Junto a su esposa y compañera Jeanne-Claude, ya propusieron revestir los 37 kilómetros de los caminos de Central Park con 'Las puertas' en 1979. Se espera que los cerca de 100 trabajadores con carretillas elevadoras para colocar las bases de acero a lo largo de los caminos y elevar las puertas de cinco metros finalicen el 12 de febrero. Enormes pedazos de trapos color azafrán colgarán desde lo alto de cada puerta y se ondularán con el frío, la lluvia y los vientos hasta el 27 de febrero. "Hemos elegido febrero, cuando los árboles están deshojadas para que desde lejos, por muy lejos que estés, lo puedas ver", dijo Jeanne-Claude, con su propio pelo teñido en azafrán ondulado por el viento, a Reuters Televisión. Desde un Maybach gris, un vehículo cuyo precio compite con los Bentleys y los Rolls-Royces, Christo y Jeanne-Claude supervisan la instalación. Estiman que el proyecto no costará más de 21 millones de dólares (15,71 millones de euros). "No aceptamos patrocinio", dijo. La pareja asegura que ellos mismos financian sus proyectos a través de la venta de las obras artísticas de Christo. ¿Por qué decorar los caminos de Central Park durante dos semanas? "Creamos trabajos de diversión y belleza. No creamos mensajes. No creamos símbolos. Creamos obras de arte", dijo la mujer del artista. "Ninguna obra de arte tiene significado, excepto ser una obra de arte". Christo ha declarado en algún otro momento que la provisionalidad de los proyectos les impregna de un sentido de la urgencia para ser vistos, y que el valor de los mismos reside en el hecho de que no durarán. | ||||||||
| Titulo | El Cristo Blasfemo de Buenos Aires | ||||||||
| Autor | Carlos Ares | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Nota publicada por el Boek861 a raiz de la contraportada de EL PAIS dedicada a León Ferrari y escrita por Carles Ares:
El 17 de diciembre del 2004 le pedí a Clemente Padín su opinión sobre las circunstancias en que se estaba desarrollando la feroz campaña contra León Ferrari bajo el patrocinio de la iglesia argentina más recalcitrante. Sus opiniones fueron certeras al 100% y extractaré, porque es pertinente, parte del largo escrito que me envió: CP: ...//... Pasé por Buenos Aires y Corrientes a raíz de mi participación en Fragmentos, el proyecto de homenaje a Neruda, y vi las consecuencias del arrebato fundamentalista. Pese a que no pude ubicarle, él está bien (León Ferrari) y el gobierno garantizó la libertad de expresión. Al fin de cuentas le están haciendo un favor: por un lado le promocionan su obra y por otro confirman las ideas de León....//... Acertó de pleno Padín, hoy (05.01.05) Ferrari es en España contraportada del periódico más prestigioso del estado y entre los cinco más importantes del mundo con una difusión internacional de más de dos millones y medio de ejemplares diarios. Pero Padín también acertó en otras muchas cosas, ya que el Cristo que aparece en la imagen no es en ningún momento una ofensa a la figura de Jesucristo sino al uso partidista que esta haciendo la Iglesia y los poderes fácticos de su figura y de todas aquellas guerras y barbaries que se cometen en su nombre. CP; ...//... “No podemos hablar de un sentimiento anti-religioso en su obra si no de un sentimiento racional, de un sentimiento de poner las cosas en su lugar y terminar para siempre con las verdades "reveladas", cuántos y cuántos semidioses que se creen poseedores de la verdad absoluta? Ese rango comparte la iglesia católica, sin duda. Tan irracionales como imposibles son las consideraciones por las cuales intentan convencernos de la existencia del reino divino. No negamos el sentimiento religioso en nosotros pero no éste no debiera canalizarse en fundamentalismos porque sí. Y menos con argumentos tan grotescos como los que se lee en la Biblia (o en el Corán u otro similar). Por otra parte, quién no le daría la razón si vemos, año tras año, como el santo padre invoca a la humanidad "por paz y bienestar para todos" y, cada año, son más y mayores las guerras y las matanzas? Ni que hablar de la economía (el "bienestar" del papa): año tras año, los ricos son cada vez más ricos y los pobres más pobres, quién lo duda, ver informes de UNICEF, de la FAO... Tal vez, en algún fin de año, nuestro santo padre nos sorprenda con la noticia de que el Vaticano dedicará una décima parte de su fortuna a remediar el hambre de los pobres del mundo, entonces podremos empezar a respetarlo. Tampoco se le puede acusar a León que identificara el poder terrenal (el imperialismo) con el Jesús de la cruz, acaso, desde tiempos inmemoriales, desde el brujo de la tribu al ayatollah, no se han prodigado por legitimar el poder de los "guerreros" o, en nuestros días, el poder político al punto tal que, a veces, se confunden en una sola persona?” ...//... Y hasta aquí un resumen de lo que nos contó Padín. A nosotros sólo nos queda decir que abrimos un debate de apoyo en nuestra web a León Ferrari y que al tercer día fue tomado literalmente por los ultras argentinos vertiendo todo tipo de amenazas y mensajes terroríficos contra León Ferrari y las libertades, imposibilitando la continuación del debate. | ||||||||
| Titulo | Unidad Mínima | ||||||||
| Autor | Fernando Galán | ||||||||
| Publicacion | Ubicarte | ||||||||
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| Materia | Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Unidad mínima de habitación. ¿Medidas físicas para un espacio metafísico?
Nilo Casares propuso a dos arquitectos y a dos artistas trabajar para su proyecto Unidad Mínima de Habitación, una reflexión teórica y plástica que profundiza en algo de tan vital importancia como es nuestro contemporáneo espacio vital. Si el concepto del espacio individual viene siendo recurrente desde hace tiempo en la creación artística, la forma en que aquí se aborda nos sorprende con algunas originalidades desde el mismo punto de partida del proyecto, que confronta las propuestas de los dos arquitectos, Carlos Salazar y Vicente Salvador, con las de los dos artistas, Xavier Arenós y Francis Naranjo. Como dice el propio comisario, “las dos mentalidades habituales y más tópicas con que consideramos el mundo de la arquitectura y el de las artes plásticas, el del pensamiento ortogonal más propio de la primera y el aparentemente libre característico a las segundas”. Vicente Salvador Carlos Salazar Con unos habitáculos de medidas más o menos estándar, que no exceden de 500x280x300 cm, los cuatro autores nos presentan sus concepciones particulares de lo que sería ese mínimo denominador común que se supone debería regir nuestras necesidades de habitación actuales. Todo tiene sus unidades de medida (hasta los caracteres con que controlamos la extensión de lo que escribimos), en ese intento científico de sistematizar, regular, comparar y cuantificar, y este proyecto aborda con imaginación e ironía la supuesta reglamentación de las necesidades mínimas de nuestro espacio vital. Necesidades que son crecientes según envejecemos y acumulamos cosas y aumentan nuestras necesidades creadas, mientras que la superpoblación del mundo, la especulación de la división horizontal del territorio y otros factores van reduciendo paulatinamente las medidas de nuestros espacios de habitación. Francis Naranjo Xavier Arenós Los materiales y elementos utilizados en cada una de las cuatro obras, que van desde las plantas al ordenador y desde el plástico a la porcelana, también nos dan una idea de la pluralidad creativa que el tema del proyecto ha desencadenado en la imaginación y en la ciencia de los cuatro autores. La casa, no considerada sólo como paredes y techo, es la epidermis tridimensional de nuestra intimidad, y puede ser un espacio envolvente y envoltorio tan variado como variado es el contenido que acoge. Y como variadas podrían ser entre sí las propuestas que cada artista hiciera. Quizá sea éste uno de los aspectos más interesantes del proyecto: ver en qué factores algo tan personal, físico y metafísico como es nuestra habitación puede ser susceptible de normativas con algún tipo de unidad mínima. La arquitectura no deja de ser un arte, por supuesto, pero cuando se convierte en estricto funcionalismo que apura sus dimensiones bajo el peso de la escasez y la especulación queda limitada a física y cálculo, a estructuras y materiales y a mera industria. Y esta exposición nos muestra lo contrario: el arte aplicado a la construcción (en el más prosaico y elemental de sus significados) para cuestionarla, dignificarla, reconsiderarla, re-dimensionarla conceptualmente en sus parámetros físicos... y tal vez también para humanizarla. (*)Espai d'art La Llotgeta. Valencia. | ||||||||
| Titulo | Gusano Impasible...//...Spai Brossa | ||||||||
| Autor | Isabel Olesti | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Una historia de pingüinos, caballos, vacas y perros, en el Espai Brossa
El gusano impasible estrena en el Espai Escènic Joan Brossa Pingüenstein, una obra en la que se ironiza sobre los símbolos estereotipados de nuestra sociedad. Basada en un texto de Ramon Colomina, que también comparte la dirección con Sílvia Genovés, en Pingüenstein se escenifica un viaje al inconsciente en el que aparecen pingüinos, caballos, vacas, coches y escenas navideñas. En este sentido, este montaje teatral reivindica la risa como única alternativa a una existencia faltada de libertad. La obra, que tiene a Paloma Unzeta como artista invitada, representa el retorno a la cartelera barcelonesa de la compañía El gusano impasible. TEATRE 'PINGÜENSTEIN', DE RAMON COLOMINA CUANDO TIENE LUGAR: Fecha del próximo acto: 31/12/2004 Fecha fin: 09/01/2005 DONDE TIENE LUGAR: Lugar: Espai escènic Joan Brossa Dirección: Allada-Vermell, 13 Distrito: Ciutat Vella | ||||||||
| Titulo | León Ferrari | ||||||||
| Autor | María Luján Picabea. | ||||||||
| Publicacion | Clarin | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | LA RETROSPECTIVA DE LEON FERRARI EN EL CENTRO CULTURAL RECOLETA
Amparo por el cierre de una muestra Lo presentó ayer un constitucionalista. Hoy el Gobierno porteño apelará la clausura. Por una libertad artística sin censura", el abogado constitucionalista Andrés Gil Domínguez presentó un recurso de amparo contra la decisión de la jueza Elena Liberatori, que el viernes pasado ordenó el cierre de la retrospectiva de León Ferrari en el Centro Cultural Recoleta. "El Gobierno no impone a la sociedad, bajo pena de sanción, que visite la muestra del artista, cada uno puede elegir hacerlo o no. De modo que no puede limitarse la libertad de expresión artística garantizada en la Constitución porteña", explicó Gil Domínguez a Clarín y agregó que interpone este recurso, "como habitante de la ciudad y como profesor de la Universidad de Buenos Aires, porque quiero representar a aquellos que deseen ver la muestra". El cierre de la retrospectiva fue ordenado porque Liberatori consideró que la obra de Ferrari agredía la sensibilidad de los fieles cristianos. "Lo que la jueza aduce es que hay un sentimiento mayoritario a este respecto, pero lo que la Justicia debe hacer es asegurar la expresión de las minorías y no ayudar a que sean aplastadas por las mayorías", argumentó Gil Domínguez, quien también expresó: "La Iglesia debería, en todo caso, debatir o rebatir las ideas del artista y no perseguir la censura". Por su parte, el Gobierno trabajaba ayer en la apelación del fallo, informó la procuradora general de la Ciudad, Alejandra Tadei. La funcionaria explicó que la apela ción será presentada hoy, luego de haber sido correctamente fundamentada. Sobre el recurso presentado por Gil Domínguez, Tadei consideró que no cree que cambie nada porque "las resoluciones judiciales no se enfrentan con amparos, se apelan". Entre tanto, la defensora del Pueblo de la Ciudad, Alicia Pierini, envió ayer a las autoridades del Centro Cultural Recoleta y la Secretaría de Cultura porteña una resolución por medio de la cual recomienda que se haga un desagravio público a la comunidad cristiana, "ofendida por el ultraje a sus símbolos sagrados". "Resulta público y notorio que el tratamiento de imágenes, símbolos e iconografía cristiana y católica en particular que efectúa León Ferrari incomoda y afecta a una comunidad que los venera", afirma Pierini en su resolución, que da respuesta al pedido de un particular. Allí mismo, reprocha a las autoridades culturales el haber autorizado "mancillar" los símbolos religiosos en un espacio público. "La ofensa está consumada más allá de que la ciudadanía pueda elegir entrar o no a la exposición —aseguró Pierini a Clarín— y cuando alguien ofende a otro, debe pedir una disculpa, sobre todo si no había una intención de ofender". El secretario de Cultura, Gustavo López, salió al cruce de la funcionaria y afirmó: "No comparto el criterio personal de Pierini. Aquí no hubo agravio, lo único que hubo fue la garantía de ofrecer un espacio público para ejercer un derecho constitucional". López volvió a remarcar que ni la Secretaría ni el Gobierno de la Ciudad se expresan a través de las obras de los artistas a los que otorgan espacios, y agregó: "En lo personal pedí disculpas por si alguien se hubiera sentido lastimado, porque no tuve ninguna intención de hacerlo. Pero como funcionario público, no puedo aceptar que la muestra de Ferrari es agraviante porque irían contra mi deber". Al cierre de esta edición, las autoridades del Centro Cultural Recoleta no había sido notificadas de la resolución de la Defensoría del Pueblo. | ||||||||
| Titulo | Entrevista a León Ferrrari | ||||||||
| Autor | Socorro Villa | ||||||||
| Publicacion | Guía Cultural | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | ...//...
- ¿Cómo se define el arte político? - Son, por supuesto, obras con un mensaje. Yo quiero que mis trabajos digan una determinada cosa, pero que la digan de un modo distinto, para que el mensaje tenga efecto, hay que encontrar nuevas formas de decirlo. Lo que importa es la forma de expresar una idea; ese me parece que es el aporte contemporáneo más interesante al arte. Ya no interesa solo la belleza, como se creía antes. Es que es imposible que sea así en una sociedad que se divide entre hambrientos y saciados. Y yo, que estoy en el mundo de los que comen, siento una suerte de contradicción permanente. Sé que si he trabajado toda la vida tengo derecho a un poco de bienestar ,y eso en un mundo donde todos tuvieran algo estaría perfecto, pero tal como es la distribución de la riqueza en este país, no sé... A los setenta y pico de años me dieron un premio municipal que consiste en una pensión vitalicia de 1.075 pesos por mes y yo no sé si corresponde, en el contexto de lo que pasa, no sé si es justo... -¿Hay un resurgir del arte político? -Me parece que sí, por un lado puede haber algo de moda pero por el otro creo que tiene que ver con la necesidad de expresión. Hay una cantidad de grupos fuera del mercado que hacen arte en las fábricas, en las marchas, en la calle... Cantidad de manifestaciones interesantes del arte fuera del mercado. - ¿Se hace arte político del mismo modo que en los 60? -Nosotros éramos, en ese momento, parte de la vanguardia. El Instituto Di Tella sirvió para que muchos artistas tuvieran el espíritu de la renovación en la cabeza. De todas formas me parece que ahora el arte político se hace más en la calle que entonces. Y además es más variado. - Quizás otra diferencia es que ustedes eran, por entonces, reconocidos como referentes artísticos por la prensa y la crítica, en cambio ahora me parece que estos grupos quedan desplazados a los márgenes. -Es muy cierto... Nosotros éramos gente que había triunfado ya, por decirlo de algún modo. El arte político actual no está incluido en el circuito de los diarios, los galeristas, los críticos, los coleccionistas, que son los que definen qué es arte y qué no para el mercado. El Cristo del avión fue la primera obra directamente política de Ferrari y también la primera en ser prohibida, de una larga lista de trabajos que despertaron el escándalo y la censura. Por citar los dos ejemplos más recientes: En el 2000 la muestra Infiernos e Idiolatrías-montada en el ICI de Buenos Aires-fue repudiada por la Agrupación Custodia que no dejaban entrar a los espectadores y proclamaban a los cuatro vientos que ' los derechos de los hombres no pueden pisotear los derechos de Dios'. En septiembre de 2002, la pintura Amate -que muestra una masturbación femenina- no pudo ser colgada en el Museo Castagnino de Rosario por orden de la Secretaría de Cultura de la comuna. -¿Le preocupa la censura de tus obras? -A diferencia de la práctica tradicional de los artistas que cuando les censuran una pieza retiran toda su obra, yo dejo el resto, porque me parece que la censura forma parte de la obra. En el caso del ICI, por ejemplo, era mejor el espectáculo de la gente afuera que lo que pasaba adentro... Hicieron una misa en la puerta y rezaban el rosario, con carteles y figuras religiosas. Hasta me tiraron una granada de gas lacrimógeno. Con la reacción del publico las obras se vuelven una verdadera intervención. En el 92 expuse una obra que se llamaba La Justicia, en la que una gallina defecada en una balanza y me escribieron de todo: 'Qué culpa tiene la gallina de que vos quieras hacer arte', 'Gallo: cagate en este arte deshumnanizante' y 'Ojalá te encierren a vos'. Con eso armé al año siguiente una muestra que se llamó Autocensura. La gallina, esta vez, estaba embalsamada. -¿Le parece peor la censura del público que la oficial? -Peor no... mejor. Hay algunos, incluso, que se acercan a la verdad: los que me dicen herejes, por ejemplo. En cambio, no deja de llamarme la atención esa preocupación excesiva por la gallina. La Sociedad Protectora de Animales mandó una carta pidiendo que la sacara. Yo les contesté explicándoles que esa gallina estaba a la espera de que la degollaran y que, por lo tanto, tenía mucho mejor destino como obra de arte. Más satisfacción me dio cuando alguien me puteó porque hacía cagar una paloma blanca sobre una imagen del Juicio Final de Miguel Angel. Por lo menos sentí que había llegado mi crítica a la cultura. El Bosco, Miguel Angel, Giotto, sin dudas hicieron maravillas pero que justificaron una cultura basada en la tortura, en la persecución, en el castigo... Ese arte avaló el accionar de la Iglesia. Así que la reacción de este hombre me sirvió para constatar de que alguien me escuchaba. Las protestas intervienen directamente sobre la obra y la completan. Peor que las puteadas es la indiferencia. ...//... | ||||||||
| Titulo | James Turrell...//... y la luz difusa | ||||||||
| Autor | Ferran Bono | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis |
James TURRELL Del 14 de diciembre al 20 de febrero de 2005 Las instalaciones que realizará para el IVAM se transformarán en lugares donde el ser humano definirá el espacio, en la frontera donde el silencio y la oscuridad se encuentran. El artista pondrá los ingredientes, los espectadores solo tendrán que mirar. Turrell no crea nada realmente nuevo, lo que crea son las condiciones que nos permiten entender qué es la luz y sus consecuencias en el espacio. Como dice el artista “Quiero tratar la luz que vemos en los sueños y los espacios que vemos provienen de esos sueños, y que son conocidos para los que viven esos espacios ”. NO ME OCUPO DE NINGUN OBJETO el objeto es la percepción misma NO ME OCUPO DE NINGUNA IMAGEN quiero evitar el pensamiento simbólico NO ME OCUPO DE NINGUN OBJETIVO NO ME OCUPO DE NINGUN PUNTO ESENCIAL DONDE MIRAR Entonces, ¿qué mirar? Te miras a tí mirando. -------------------------------------------------------------------------------- James Turrell nace en 1943 en Los Angeles, California y desde 1961 hasta 1965 estudia sicología, matemáticas, historia del arte y otras asignaturas científicas como geología y astronomía en el Pomona College en Claremont, California. Más tarde, participa en un programa experimental en la University of California, Irvine, en el que sus investigaciones combinaban el arte y la tecnología. James Turrell ha estudiado con pasión la forma con la que el ser humano percibe la luz y, a través de ella, la concepción que éste aprehende del espacio. Durante su larga carrera, Turrell ha convertido la luz en un objeto con el que extraer e implementar la sensualidad emanada de nuestras sensaciones y, por defecto, la vivencia placentera y la reflexión derivada de ellas. Todo unido a grandes dosis de espiritualidad al modo en que las sociedades más primitivas lo hicieron sin el uso de la tecnología. Como explica el artista, “Es importante modular tanto la luz como el sonido. Apreciamos la luz experimentando también su ausencia” Y la pregunta que formula y dirige al espectador es: ¿qué estoy viendo realmente y qué siento?. Su trabajo más reciente explora la desaparición de las barreras en la arquitectura existente a través de las instalaciones de luz. Según Turrell “solo usando la luz puedes controlar la percepción visual en cualquier momento [...] Por eso mi trabajo esta intrínsicamente involucrado con la creación de la estructura espacial. Normalmente esto se hace con materiales físicos, hormigón, acero o cristal, pero yo lo hago con la luz”. Turrell, como el arquitecto Louis Kahn, trabaja con la certeza de que “la luz natural proporciona emoción según como se la deje entrar y modificar el espacio a través de sus matices durante las diferentes horas del día y de las estaciones.” Estas experiencias se reflejarán en la pieza que realizará exclusivamente para el IVAM, donde el artista creará un Skyspace, un espacio cerrado pero abierto al cielo. El tratamiento de la luz interior hará que el cielo aparezca en el mismo plano que el techo de la habitación, justamente en la intersección entre el espacio interior y el exterior. La percepción del cielo irá cambiando según el día transcurra, del alba al anochecer. Recorriendo las instalaciones que realizará en la galería 1 del museo, la percepción del espacio será modificada así cómo los cambios de intensidad lumínica serán percibidos desde la oscurid | ||||||||