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ARTICULOS DE MAIL ART POESIA VISUAL Y ARTE EXPERIMENTAL |
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| Titulo | La forma de las palabras | ||||||||
| Autor |
JOSÉ LUIS ESTÉVEZ | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Pese a que vivimos en una sociedad donde las palabras valen cada día menos y las imágenes imponen su dominio, la expresión oral y escrita sigue siendo un canal básico de comunicación humana y muchos artistas han encontrado nuevos puntos de contacto entre ambas formas de expresión. La muestra Entre la palabra y la imagen, que puede verse en la Fundación Luis Seoane de A Coruña, no pretende ofrecer una relación exhaustiva de los artistas que han introducido textos en su obra, pero sí que realiza un recorrido cronológico por las últimas tres décadas sobre las relaciones entre palabra e imagen. Se exhiben obras de una treintena de creadores de España, Portugal y Brasil.
En la exposición encontramos propuestas que tienen como expresión la poesía, el diario íntimo, la lingüística y la crítica social. Entre las obras de los artistas españoles seleccionados podemos encontrar los poemas objeto de Joan Brossa, los grafismos desgarrados de Tàpies, las cartas de Elena del Rivero o la reflexión sobre el sentido y significado de los mensajes y de la información mediática que caracterizan a la obra de Antoni Muntadas. tistas portugueses incluye la visión conceptual de Helena Almeida, la fusión entre cine y literatura que lleva a cabo Julião Sarmento y los site specifics de João Louro y João Penalva. Finalmente, la representación brasileña se caracteriza por las piezas con una fuerte carga poético-visual, como ocurre en los trabajos figurativos de António Dias y en las experiencias sonoras y visuales de Adriana Calcanhotto, Arnaldo Antunes y Lenora de Barros | ||||||||
| Titulo | La bella oscuridad | ||||||||
| Autor | ANTONIO SÁEZ DELGADO | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Herberto Helder
es uno de los poetas míticos de la modernidad portuguesa y forma parte, junto a nombres como Sophia de Mello Breyner o Eugénio de Andrade, de ese selecto grupo de autores que ha provocado que el siglo XX sea considerado, desde Teixeira de Pascoaes, Fernando Pessoa o Mário de Sá-Carneiro, el siglo de oro de la poesía portuguesa. Introductor del surrealismo en su país en los años cincuenta, próximo a algunos de los postulados de la poesía experimental más tarde, Herberto Helder participa en varios de los proyectos más importantes de la historia reciente de la literatura lusa, como Folhas de Poesia o Poesia Experimental. Desde el meridiano del siglo, ha construido una obra intensa y singular, sin debilidades ni concesiones, pareja en muchos aspectos a su propia experiencia personal, con décadas de vida recluida y de entrega total a la escritura y el lenguaje, rechazando participar en antologías, entrevistas o encuentros y recibir premios, como los prestigiosos Europalia o el Fernando Pessoa, que le habían sido concedidos. De esta forma, Herberto Helder ha ido consolidando una obra profundamente personal, enigmática y depurada, que nunca deja indiferente a sus lectores, y que hace de los dominios del lenguaje su campo exacto de movimiento. Se trata de una poesía más oscura que hermética, en la que conviven los grandes temas de siempre con algunas de sus más fieles obsesiones: la proximidad de la muerte, las palabras y la cercanía de la locura ("veo que la muerte es como romper una palabra y pasar / la muerte es pasar, como rompiendo una palabra, / a través de la puerta, / hacia una nueva palabra"). blicado en Portugal en 2001, es una perfecta muestra de su poesía, y constituye una súmula de poemas pertenecientes a más de una decena de sus títulos (desde La cuchara en la boca hasta Del mundo, pasando por libros esenciales como Humus o La cabeza entre las manos), articulados como una secuencia única que es el testimonio fiel y el mapa de navegación de más de treinta años de escritura. Como señala Jesús Munárriz, el libro nos enfrenta a un autor esencial y sobrio, escueto dentro de la notable variedad de registros y de imágenes que ofrece. Helder, que escribe versos como "amo el hambre" o "mi alegría es tenebrosa", también prosista y traductor (su libro más célebre, las prosas de Los pasos en torno, fue publicado en 2004 por Hiperión en traducción de Ana Márquez), es probablemente el poeta portugués que desata más pasiones en el medio literario, el más alabado por sus numerosos seguidores y el más denostado, al mismo tiempo, por los detractores de su poesía. Desde su alejamiento físico del circuito mediático, ha ido elaborando una obra a su imagen y semejanza, con el orgullo de ser el máximo representante en su país de una de las líneas de fuego de la modernidad. Por eso, quizá, confiesa en Los pasos en torno que en una ocasión escribió con un lápiz en la pared frente a su cama una frase que bien pudiera ser su propio epitafio: "Dios mío, haz que yo sea siempre un poeta oscuro". | ||||||||
| Titulo | Rafael Azcona y Yoko Ono | ||||||||
| Autor | LAURA CANTALAPIEDRA | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Poesia experimental,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | ...//...destacó "su trayectoria como artista desde la década de los cincuenta en los más variados aspectos de la creación contemporánea: artes visuales, performances, instalaciones multimedia y música", sin olvidar la influencia que tuvo "en el movimiento Fluxus...//...
Rafael Azcona y Yoko Ono, galardonados por la Fundación Gabarrón El cineasta Rafael Azcona y la artista Yoko Ono son los dos primeros galardonados de 2006 por la Fundación Cristóbal Gabarrón, que desde 2002 distingue a las personas e instituciones que han destacado en diferentes materias sociales o culturales a lo largo del año. El premio otorgado a Yoko Ono es ... destacó "su trayectoria como artista desde la década de los cincuenta en los más variados aspectos de la creación contemporánea: artes visuales, performances, instalaciones multimedia y música", sin olvidar la influencia que tuvo "en el movimiento Fluxus, su aportación decisiva a la fundación del ... movimientos artísticos internacionales". Yoko Ono (Tokio, 1933) es una artista que ha tocado prácticamente todos los palos: desde la poesía a la pintura, la música, el cine o el vídeo, lo que la convirtió durante décadas "en una de las referencias fundamentales del arte de vanguardia". Rafael Azcona ... | ||||||||
| Titulo | Juan López de Ael : Homenaje a Unamuno | ||||||||
| Autor | G. BALBONA | ||||||||
| Publicacion | El Faro | ||||||||
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| Materia | Poesia conceptual | ||||||||
| Sinopsis | «Prefiero los libros que hablan como los hombres», decía Miguel de Unamuno como contraposición al tópico sobre quienes se expresan de palabra como los escritos. Este fragmento de la única grabación de la voz del escritor forma parte de la muestra 'El sentimiento trágico de la vida', con la que el artista y galerista Juan López de Ael ha querido rendir homenaje a uno de sus referentes personales, junto a Oteiza o Pesoa.
Este recuerdo, que se exhibe hasta el 13 de enero en Galería Itinerante de Vitoria, es un proyecto a largo plazo, que arrancó hace más de cuatro años. «He querido hacerlo ahora, porque el día 31 se cumplirán 70 años de su muerte, y así coincidirá con la fecha», señaló el artífice de la iniciativa. Primeras ediciones de 'La tía Tula', 'San Manuel Bueno, mártir' o 'Diario íntimo', entre otras muchas obras de Unamuno, constituyen la parte más bibliófila del conjunto, que también incluye una obra firmada y otra dedicada en su día por el autor. Junto a los libros, López de Ael ha dispuesto toda una serie de símbolos que recogen la personalidad del escritor bilbaíno, del que también muestra ocho artículos periodísticos. Fotografías que recorren la biografía del literato, junto a esculturas de búhos, piezas de papiroflexia, sellos, medallones o dioramas que recuerdan al hombre y al entorno del profesor de la Universidad de Salmanca comparten sala con diferentes instalaciones o poemas visuales de López de Ael, que aluden a las obras, al carácter y obsesiones del ensayista, poeta y novelista. Todo ello, muy humano. CULTURA López de Ael homenajea a Miguel de Unamuno con una exposición en Galería Itinerante La muestra reúne en Vitoria primeras ediciones, instalaciones, fotografías y una grabación de voz del escritor HOMENAJE. Juan López de Ael, en Galería Itinerante LA EXPOSICIÓN Título: 'El sentimiento trágico de la vida'. Autor: Juan López de Ael, con la colaboración de la Universidad de Salamanca (Casa museo Unamuno). Sala: Galería Itinerante, calle Zapatería, 79. Hasta el 13 de enero de 2007. | ||||||||
| Titulo | Poegramas nueva entrega | ||||||||
| Autor | G. BALBONA | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
El número 2 de la revista 'Poegramas', que acaba de ver la luz, cierra el plan de ediciones sobre poesía visual impulsado por 'La Ortiga' durante este año. 'Poegramas', la primera revista de poesía visual y experimental creada en Cantabria, recoge en esta nueva entrega la obra de nueve poetas experimentales españoles, portugueses y brasileños, abarcando un abanico intergeneracional que sitúa sus fronteras temporales entre la década de los años 40 del pasado siglo, como sucede con los veteranos Juan C. J. de Aberasturi y el prolífico Nel Amaro, y la de los años 80, como es el caso de María Montesino, la creadora más joven de las compiladas, responsable de la coordinación de la revista. La nómina se completa con Fernando Aguiar, uno de los poetas visuales más relevantes del actual panorama experimental portugués, Cida Figueira, Miguel Jiménez ('Zenón'), Mª José Vega, Claudio Rodríguez Fer, profesor de la Universidad de Santiago y director de la cátedra José Ángel Valente, que compagina sus trabajos académicos con su quehacer en los campos de la poesía discursiva y visual, al igual que sucede con Antonio Montesino, director de 'Poegramas'. Sobre Italo Calvino En esta ocasión, más de la mitad de las 20 páginas de que consta 'Poegramas', recogen 'collages' realizados a través de diversos procedimientos de ensamblaje y concebidos desde diferentes intencionalidades y propuestas estéticas e icónico-discursivas. Obras adscritas al 'letrismo' (Aguiar), a la poesía semiótica (María y Antonio Montesino) y a los 'poemas objeto' (Nel Amaro) complementan el índice visual de la publicación. La sección 'Palabras pegadas', un espacio reservado al 'elogio del fragmento', reutilizado a 'modo de collage', está dedicada a un extenso párrafo de la obra 'Seis propuestas para el próximo milenio', en el que su autor, Italo Calvino, se refiere a las 'infinitas potencialidades imprevisibles' que alberga la 'poesía de lo invisible', en su capacidad de 'evocar imágenes en ausencia'. Se pregunta el autor italiano si este poder evocador «¿seguirá desarrollándose en una humanidad cada vez más inundada por el diluvio de imágenes prefabricadas?». Proyectos Y se responde: «Hoy la cantidad de imágenes que nos bombardean es tal que no sabemos distinguir ya la experiencia directa de lo que hemos visto unos pocos segundos en la televisión. La memoria está cubierta por capas de imágenes en añicos, como un depósito de desperdicios donde cada vez es más difícil que una figura logre, entre tantas, adquirir relieve». Los responsables del proyecto ultiman los contenidos de los dos próximos números que aparecerán en 2007. Además, Antonio Montesino, director del Taller Estable de Poesía Visual y Experimental, organizado por La Ortiga y el Aula de Letras de la UC, que dirige Ramón Maruri prepara el próximo homenaje del Taller al poeta dadaísta Hugo Ball. EDICIÓN Nº 2 de 'Poegramas. Revista de Poesía Visual de La Ortiga' Edita: Editorial Límite/La Ortiga Dirección, diseño y maquetación: Coordinación: Antonio Montesino María Montesino Poetas: Juan C. J. de Aberasturi, Fernando Aguiar, Nel Amaro, Cida Figueira, Miguel Jiménez, María Montesino, Claudio Rodríguez Fer, Mª José Vega y Antonio Montesino Nº de páginas: 20 Periodicidad: Semestral Tirada: 300 ejemplares P.V.P. 3 e | ||||||||
| Titulo | El Fín del Dictador | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | La Nación | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis |
Artistas celebran el fin del dictador Rodrigo Alvarado La Nación, Martes 12 de Diciembre de 2006 El domingo fue lanzado un proyecto que reúne el trabajo de artistas visuales y literatos de todo el mundo, que hacen alusión a Augusto Pinochet y la sombra de muerte con que cubrió Chile durante 17 años. Los medios de prensa no son los únicos que tenían preparados sendos especiales apenas el ex dictador quemara su último cartucho y con los que colmarán quioscos y pantallas, por lo menos, de aquí a fin de año. El mundo del arte también, pero a través de Internet. Se trata de “Proyecto 19731990 - La muerte del Dictador” que reúne 150 obras de artistas de casi toda Latinoamérica, además de Francia, España, Alemania e Italia, y cuyo tema central, por cierto, es la figura de Augusto Pinochet y la opresión que instaló en Chile por 17 años. El responsable del proyecto es el artista visual penquista Ramón Muñoz Coloma y la idea surgió de su necesidad personal de enfrentar el arte como una necesidad humana. “Quedé pensando qué voy a hacer cuando muera Pinochet, y decidí trabajar. Enfrentar cada uno con su visión la problemática de la dictadura”, explica. El paso siguiente fue abrir en julio del año pasado una convocatoria a través de la web para obras visuales. Y le fue bien, porque los treinta trabajos que esperaba, se transformaron en ciento cinco, más una petición formal de varios escritores para enviar sus propuestas, cuarenta y cinco en total. “Tenía armado todo, sólo estaba esperando el momento para apretar el botón”, cuenta Muñoz, quien activo las obras en la página www.munozcoloma.cl/proyecto19731990/ luego de enterarse en un paseo de curso de su hija, de la defunción del ex comandante en jefe del Ejército. SOLIDARIDAD VERSUS CURATORÍA “Estábamos totalmente desconectados, cuando otro apoderado, un mayor de Carabineros nos dice ‘se murió Pinochet’”, recuerda el artista de 38 años, ahora aliviado, sólo por “dejar más limpio el aire”, sino que también “estaba muy encadenado a este proyecto”. La muestra virtual cuenta con trabajos de destacados artistas internacionales como el del performancer argentino Martín Marimaro, dos obras (una de poesía visual) del uruguayo Clemente Padín, un poema del español César Reglero y una “warholiana” imagen de la alemana Iara Simonetti. “Algunos son panfletarios, algo que pasa por trabajar con política, pero la mayoría no y si bien no hay ninguno a favor, sí existen varios bien neutrales”, confiesa el artista y gestor de 38 años que escribe en las revista de arte nacional “Escáner cultural” y “La hoja” de Rosario (Argentina). Y es que al ser una convocatoria abierta el concepto de curatoría quedó borrado de la exposición. “Nos movemos en la parte periférica del arte. El artista chileno vive en su parcelita, no existe lo de la solidaridad en el arte y el Fondart es la gran piñata para que los colegas se peleen”, asegura. Aunque por ahora el proyecto permanezca en la red, es probable que las obras se puedan exhibir como impresiones digitales de 20x30 cms. De hecho algunas instituciones como la Universidad de Valencia, Zona de Arte en Argentina, Balmaceda 1215 sede Valparaíso, y Universidad Arcis de Castro, han mostrado su interés por hacerlo. | ||||||||
| Titulo | Las tres Ranas | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Mérida Digital | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis |
Mérida contará a partir de esta semana con un nuevo local de ocio, que se presentará con el nombre de Espacio Multiuso "Las Tres Ranas" Ubicado en la calle Sagasta, nº 21, A, el espacio se estrenará con la exposición "Indoor" de Mikelo, que se podrá contemplar hasta el próximo 22 de enero, y a la que seguirán otras muestras a la que podrán acceder los artistas emeritenses que lo LOS SIETE OBJETIVOS DE LA ASOCIACIÓN. Los promotores de Las Tres Ranas, el empresario argentino Hernán García, el poeta brasileño Rodolfo Franco y el artista local Mikelo, se han marcado siete objetivos a cumplir a medio plazo, que son los siguientes: - Promover la difusión y el acceso a la cultura y al arte más contemporáneo en el ámbito local, donde a pesar de la pronunciada vena artística emeritense hay pocos sitios dedicados exclusivamente a la divulgación cultural. - Proporcionar a la ciudadanía un Espacio Multiuso abierto a propuestas y adaptable para la manifestación de eventos de diversa naturaleza: exposiciones, proyecciones, presentaciones, talleres, espectáculos, conferencias, ensayos, debates, mesas redondas, tertulias, etc. - Divulgar la obra tanto de artistas extremeños como la de artistas foráneos residentes en la región a través de exposiciones, presentaciones, encuentros, festivales, etc. - Divulgar la obra de artistas foráneos de contrastada valía, ampliando los horizontes estéticos del público local y apostando por el arte más experimental, arriesgado, independiente y paralelo al mercado del arte. - Promover exposiciones colectivas bajo convocatoria temática mezclando artistas reconocidos con noveles, impulsando así el reconocimiento de estos últimos. - Forjar acuerdos y convenios con entidades similares en el ámbito peninsular, promoviendo el intercambio de exposiciones y eventos para así divulgar la labor de nuestros artistas más allá de nuestras fronteras. - Confeccionar y editar la publicación trimestral Las Tres Ranas siguiendo las estaciones del año y divulgando los próximos eventos y reseñando los del trimestre anterior, así como elaborar una página web con la programación actualizada. Mérida contará con un nuevo e inusual local de ocio y entretenimiento bajo el nombre de Espacio Multiuso "Las Tres Ranas", que se presentará al público el próximo jueves, 14 de diciembre, a partir de las 20:30 horas, con la inauguración de la exposición "Indoor" del artista emeritense Mikelo, a la que seguirá alguna que otra sorpresa. El espacio de 90m2, que pone en marcha la recién formada Asociación Cultural Las Tres Ranas, cuenta con una atractiva sala de exposiciones y otra sala multiusos más amplia, que en un futuro estará todavía más preparada, contando con equipamiento multimedia y amueblada de modo que se pueda adaptar para dar soporte a eventos de distintos formatos. Según ha informado la entidad emeritense a través de un comunicado, el espacio se inaugurará con la muestra "Indoor" de Mikelo, que se podrá contemplar del 14 de diciembre al 22 de enero. En esta nueva exposición, el artista emeritense pinta sobre un soporte no convencional, y usa puertas corrientes como si fueran sugerentes lienzos. Además, "la puerta abandona su marco fijo, se desplaza de su función original de separar espacios distintos para asumir otras tareas", afirma la asociación. Y es que Mikelo, continúa el comunicado, no sólo la usa como un cálido soporte de madera para su pintura, sino que también consigue forjar un diálogo entre la forma y el fondo, "ya que una puerta no es un soporte neutral sino si un objeto cargado de significados simbólicos antagónicos que interfieren positivamente en la apreciación de la obra". "En el psicoanálisis es un símbolo femenino contrapuesto al masculino muro. Hay puertas que dan acceso y otras que lo niegan. Hay puertas que nos protegen del mundo, otras que protegen el mundo de nosotros; y en su nueva muestra Mikelo consigue abrir las puertas de nuestra percepción", apunta la entidad. Tras esta exposición, a partir de febrero el Espacio Multiuso "Las Tres Ranas" promoverá exposiciones mensuales, siempre inaugurándolas el primer jueves de cada mes, por tanto, el 1 de febrero, se inaugurará la próxima muestra. A este respecto, la entidad emeritense ha destacado que los artistas locales que deseen acceder a la sala de exposiciones deberán presentar un dossier que describa con textos e imágenes su proyecto, acompañado de un breve currículo, que será tenido en cuenta cuando se decida la futura programación. "Las Tres Ranas" pretende intermediar el encuentro de los artistas con el público y sus posibles compradores, "pero no tiene ánimo de lucro ya que cualquier transacción que haga el artista será únicamente para su provecho", recalca la entidad, que también añade que, dentro de lo posible, la asociación comprará piezas de los artistas expuestos para su propio acervo. Del mismo modo, a partir de marzo se editará una publicación estacional que revelará la programación semanal para la próxima primavera, "cuando tendremos cine independiente, performances, lecturas, presentaciones, o talleres", concluye la entidad. Los promotores del espacio. La Asociación Cultural Las Tres Ranas y este Espacio Multiusos han sido promovidos por Hernán García, Rodolfo Franco y Mikelo. El primero de ellos es empresario de hostelería, cocinero, y promotor cultural. Nació en Argentina donde se especializó en cocina creativa y antes de desembarcar en Mérida, en 1998, vivió y trabajó en Recife (Brasil), California (EE.UU.), o Alicante. En la actualidad regenta el restaurante de tapas creativas Los Tres Caracoles, cuyo nombre está inspirado en Leonardo Da Vinci, que también fue cocinero. Por su parte, Rodolfo Franco es antropólogo, diseñador gráfico, poeta y agitador cultural. Nació en Brasil y vive en la península desde 1989 donde co-editó la revista Delta Nueve y publicó los libros Álbum de Cromos (Diputación de Badajoz, 2004) y 22 Corazones (Gonzalo de Luis Editor, Madrid, 1996). Asimismo, ha colaborado en libros colectivos, revistas, catálogos, webs, exposiciones, encuentros y festivales, contando su trayectoria con más de trescientas participaciones en publicaciones y eventos en 14 países. Cabe recordar que en Mérida dirigió el ciclo cultural La Antiescuela y colaboró con Pleno Extraordinario - Encuentro Hispano-Luso de Poesía Experimental. Finalmente, Mikelo es pintor, ilustrador, escenógrafo y músico "diletante". Nació en Mérida donde desarrolla una coherente trayectoria estética que cuenta con varias exposiciones individuales y colectivas. Como ilustrador, su trabajo se ha plasmado en diversas publicaciones, como por ejemplo en el libro Los puentes de Extremadura (Ediciones Laluna, 2004) y la revista experimental La Más Bella (Madrid, 2005). Mikelo también se atreve con la ilustración técnica, especializándose en nuestra fauna local, y como escenógrafo, además de trabajar con distintos grupos de teatro extremeños, ideó y organizó, en el último Festival de Teatro Clásico, exposiciones temáticas al aire libre que contaban con complicidad de la ciudadanía. | ||||||||
| Titulo | Chema Madoz | ||||||||
| Autor | Jerónimo Martel | ||||||||
| Publicacion | La Voz de Galicia | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
EN la galería de arte Marisa Marimón expone hasta el día 15 -dentro del Outono Fotográfico ourensano- Chema Madoz (Madrid, 1958) bajo el título Una película de piel XII. Es premio nacional de fotografía año 2000. Y el programa del Outono Fotográfico presenta su obra así: «Mediante una inteligente y delicada manipulación de los objetos, Chema Madoz los individualiza, ordena y confronta, buscando el contrapunto que existe entre la esencia de las cosas y sus significados latentes». Por otra parte, Francisco Carpio se refiere -en el catálogo de la exposición- a las fotos del artista, precisando que «pertenecen a una genealogía de paradojas y de metáforas visuales emparentadas con el dadaísmo y el surrealismo ¿ Papá Duchamp, Magritte, Man Ray, Marcel Marien o Broodthaers son algunos de sus brillantes e ilustres parientes. Y, por supuesto, Joan Brossa, con quien también comparte muchos guiños cómplices de la poesía visual». Efectivamente, Chema Madoz integra en su arte muy diversas claves fotográficas: refiriéndolo al mundo de los grandes fotógrafos, sorprende con imágenes insólitas como Man Ray en sus rayogramas, incide en el surrealismo como Ouke Lele y en el dadaísmo como Joan Fontcuberta, y, en fin, se atiene a una fotografía de los objetos concebidos en clave de máquinas inútiles como los fotógrafos Fischli y Weis (aunque -en este último caso- no recurriendo al fotomontaje, sino a la autorrealización artesanal de los modelos fotografiados). Es más, en puridad, lo que hace con los objetos -en la línea dadá de los ready made de Marcel Duchamp- es sacarlos del mundo cotidiano extrayéndoles su contexto utilitario para trasladarlos al mundo del arte. En blanco y negro Dos de las fotos de la muestra -las que respectivamente se refieren al monedero en forma de guante y a la llave con lupa incorporada- expresan redondamente todos los matices típicos de la fotografía de Chema Madoz. En cuanto a su técnica, interesa resaltar con respecto a la exposición que fotografía en blanco y negro -lo que acentúa los contrastes-, manifestando, además, una preferencia por el color gris, que permite una cómoda neutralidad y lejanía en las propuestas. Chema Madoz ha expuesto en el Museo Reina Sofía (en 1999). | ||||||||
| Titulo | De Zaj a Fluxus/Cocierto de Pianos | ||||||||
| Autor | Carlos Jiménez | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Poesia experimental,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | LA CONSTELACION DE CAGE
El oído en el ojo: con esta fórmula lapidaria quise captar alguna vez el rasgo y el rango de la contribución del grupo Zaj a Fluxus y al resto de la llamada "constelación Cage". O sea, la transformación de la música en un acontecimiento visual, en una suerte de "música callada del toreo" que satisface sus propias exigencias desplegando instrumentos, cosas, acciones corporales delante de los ojos y haciéndolo con una cadencia que es lo único que en esta clase de música queda de específicamente musical. CUANDO EL OJO Y EL OIDO TRABAJAN AL UNISONO Advierto que me cito a mí mismo no por simple vanidad sino porque la exposición Pianofortissimo me parece un ejemplo excelente de la clase de posibilidades que resultan del injerto del oído en el ojo. Y pongo "exposición" donde debería poner "concierto", aunque se trate en realidad de un concierto de pianos y no de un concierto para pianos, que son dos cosas muy distintas entre sí, vistas y oídas desde Zaj y del resto de la constelación Cage. Y distintas también desde el mismo contenido de esta exhibición, que consiste en un conjunto de pianos intervenidos o "arreglados" por otros tantos artistas de esta cuerda, que, se escuchen o no, se concierten o no, se ofrecen siempre como un regalo a los ojos y como un sonoro estímulo a la imaginación exclusivamente visual. DESCONTEXTUALIZAR LOS OBJETOS También se ofrecen como el tipo de juguetes que conseguían los niños de antes, los de otros siglos, que desnaturalizaban los objetos que encontraban a su alcance para jugar con ellos. Porque tal y como subrayaba el poeta mexicano Octavio Paz todos los proyectos y las estrategias de John Cage estaban salpicadas por el humor y la actitud lúdica, juguetona, del payaso. Hay una foto tomada en 1962 en Wiesbaden en la que se ve a Philip Corner, junto con otros artistas, agrediendo con martillos y punzones un piano con la intención de destruirlo o de inutilizarlo como tal piano. La violencia en este caso es comprensible: Fluxus quiso siempre desacralizar al piano, en cuanto emblema de la música llamada clásica, que a ellos les resultaba jerarquizada y gélida. EL PIANO DE GEORGE BRECHT De hecho, la exposición Pianofortissimo, incluye un piano de cola de George Brecht, cuyas cuerdas el fundador de Fluxus ha cubierto con hielo seco. Junto a él, el piano intervenido por Wolf Vostell, cuyas cuerdas, sepultadas en cemento fraguado, evocan de inmediato una lápida o una tumba. EL PIANO AHORA ES UN QUESO GRUYERE Pero a pesar de estos casos de violencia simbólica lo que se impone en el conjunto de esta muestra es un tono festivo y juguetón, bien representado por el piano de Milán Knizak, sobre cuya impecable tapa de negro deslumbrante él ha dispuesto los siete enanitos de Blanca Nieves de plástico y en versión Walt Disney. Daniel Spoerri fue más lejos: su piano está pintado para que parezca un queso gruyère. El piano intervenido por el canario Juan Hidalgo, integrante de Zaj, aunque parezca político, a mí me resulta juguetón: está pintado de un extremo a otro por una banda ancha, cuyos colores son los de la bandera de la República. | ||||||||
| Titulo | Joan Brossa en Valladolid | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Europa Press | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Valladolid acogerá una exposición antológica sobre el poeta Joan Brossa
La Sala del Museo de Pasión de Valladolid acogerá a partir del 14 de diciembre la exposición 'Juegos y senderos de Joan Brossa', una muestra antológica producida por la Fundació Joan Brossa, en la que se podrán ver 29 poemas objeto, 15 litografías, 9 serigrafías, 3 instalaciones y una película de este poeta en el más amplio sentido de la palabra, que escribió poesía en estrofas tradicionales, poesía cotidiana, prosas de circunstancias y poéticas, teatro y guiones de cine, y realizó poesía visual y poesía objetual. Para Brossa no existieron los géneros ni las fronteras entre las artes. Conviene aclarar que si bien es esta una exposición de arte plástico, tanto si se expresa con la palabra como con una imagen visual, Joan Brossa es siempre y en todo momento un poeta. Siempre se declaró poeta por encima de todo aún que hubiese escogido expresar el contenido de su mensaje poético valiéndose de otros medios además del de la palabra. Su vinculación al mundo de la pintura, al mundo de Joan Miró en primer lugar y en un segundo momento al de Antoni Tàpies, así como a tantos otros artistas de su tiempo, veteranos o jóvenes; su criterio seguro en materia de arte, que acercó a su estudio un montón de artistas que le pedían algún tipo de orientación, la gran cantidad de textos que dedicó a distintos artistas, en general para hacerles una presentación, lo acercaron tanto al mundo de las artes visuales que su nombre fue en todo momento un referente incuestionable. El mismo, además, se expresó a menudo en dos o tres dimensiones ya fuera en obra gráfica, poemas objeto, poemas corpóreos o instalaciones. Su aportación, directa y continuada a la plástica catalana, expuesta en museos y galerías de arte, le dió una dimensión indiscutible de artista plástico. No es el único caso en el arte contemporáneo. Por ejemplo, también Jonh Cage, músico y compositor, fue un creador de imágenes visuales. Brossa nunca vió esta actividad ni como un divertimento ni como un pasatiempo. Si bien escondida detrás de su obra inmensa de escritor, la actividad artística no puede ser considerada como algo marginal sinó que merece ser presentada como la de un creador de gran originalidad, imaginación e influencia, para quien expresarse a partir de imágenes, de instalaciones o de objetos era fundamental. | ||||||||
| Titulo | Robert Wasler | ||||||||
| Autor | j.m.g. | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Literatura
La UC y La Ortiga rinden tributo a Robert Walser en el 50 aniversario de su muerte Lecturas, proyección de poemas visuales y música, ejes del acto sobre el autor suizo El escritor Robert Walser recibe hoy, miércoles, un homenaje del mundo de las letras cántabro con motivo del próximo 50 aniversario de su muerte. El Taller Estable de Poesía Visual y Experimental del Aula de Letras de la UC, que dirige Ramón Maruri, y La Ortiga, dirigida por Antonio Montesino organizan este encuentro que se celebrará en el Paraninfo de la UC (c/Sevilla, 6) a las 20,00 horas con la colaboración de la Obra Social de Caja Cantabria y la Consejería de Cultura. El acto constará de dos partes: en la primera, a cargo de Ramón Maruri y Antonio Montesino, se efectuará una breve introducción bio-bibliográfica y una semblanza del insigne escritor suizo; en la segunda, algunos de los miembros del Taller (Vicente Gutiérrez, Noé Ortega, Florentino Puente y Carlos Gutiérrez) leerán textos narrativos y poemas de Walser, así como composiciones propias dedicadas al autor homenajeado. Las lecturas se complementarán con la audición de una selección, a cargo de Noé Ortega, de fragmentos músicales extraídos de algunas obras de los principales autores clásicos citados por Robert Walser en sus obras: Verdi, Paganini y Mozart, así como con la proyección de un ensamblaje de imágenes referidas a su vida y obra y de poemas visuales de los poetas que intervienen en esta singular jornada de lecturas poéticas, cuyo diseño y elaboración ha estado a cargo de Montesino. Todas aquellas personas que asistan tendrán la ocasión de contemplar una exposición bibliográfica, de carácter efímero, en la que se recogerán el conjunto de las obras de Walser traducidas al castellano y una muestra de las obras de poesía y narrativa de los escritores que intervienen. | ||||||||
| Titulo |
Arte a partir de lo insignificante | ||||||||
| Autor | ANA MARIA BATTISTOZZI | ||||||||
| Publicacion | Clarin | ||||||||
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| Materia | Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | ARTE: OBJETOS/GRAFICA
Arte a partir de lo insignificante La muestra de Fluxus en el Malba es una oportunidad para acercarse a un movimiento de vanguardia que desde los 70 ha signado la producción artística en el mundo y en la Argentina. Una obra que rescata el peso de los objetos banales Cómo explicar Fluxus? ¿Cómo abordar esa experiencia desmarañada que sólo se explica en la situación de la Alemania de posguerra, hunde raíces en los Estados Unidos y extiende vínculos e influencias por Europa y buena parte del mundo? Una alternativa posible es Fluxus en Alemania 1962-1994, una larga historia con muchos nudos, la muestra del Malba que, como ocurre en estos casos, no escapa a la contradicción de intentar embutir la experiencia vital de una vanguardia en el formato museo. La paradoja, como reconocen los curadores alemanes de la muestra, es irremediable y hasta podría decirse que inherente a la recuperación histórica de toda vanguardia. Con todo, bienvenida a Buenos Aires: su presencia ilumina muchos de los rasgos que aún marcan, de manera consciente o inconsciente, la producción artística internacional que emergió en los 70 y desde entonces han signado también la nuestra. Rasgos que tienen que ver con el rescate y el peso de los objetos banales, con el poder evocador de su presencia y los recursos modestos en el cruce de prácticas, capaz de integrar la poesía experimental, la música y el teatro en la acción. Todo eso es Fluxus. No es casual que esta aproximación limitada sea auspiciada y generada por el IFA, el Instituto alemán para las Relaciones con el Extranjero y el Instituto Goethe ya que Fluxus formó y articuló buena parte de la vida artística alemana en los años 60, desde Colonia, Düsseldorf y Wuppertal, tres centros de referencia en los que actuaron figuras como Joseph Beuys, Nam June Paik, Daniel Spoerri y Wolf Vostell. Toda gente de orígenes diversos que coincidió en Renania, Alemania occidental, en un momento especialmente propicio de resistencia a la prédica oficial que, en sintonía con los Estados Unidos, se empeñaba en reposicionar el arte abstracto, tras la condena impuesta por el nazismo. Con todo, la historia registra en el punto de partida a otro personaje y otro lugar clave: el lituano George Maciunas, alma mater de Fluxus y gestor del festival de Música Novísima que por primera vez programó happenings, proyección de películas, conciertos de música concreta y música de acción durante los cuatro fines de semana de setiembre de 1962 en el Museo Municipal de Wiesbaden. Artista gráfico, arquitecto, historiador del arte y musicólogo, Maciunas trabajaba en ese momento como diseñador gráfico en el ejército estadounidense asentado en Wiesbaden. Antes había pasado por los cursos de John Cage en la New York School of Social Research. No sería posible entender los aportes de Fluxus —un movimiento interdisciplinario, nacido alrededor de la experimentación musical— al arte contemporáneo sin detenerse en la figura de John Cage, alguien que rescató sin distinción de jerarquías, el silencio, los ruidos y los sonidos musicales, pero también la experiencia performática. Ese seguramente es el sentido de la presencia en la muestra del Malba de la partitura de su legendaria composición 4'' 33", que David Tudor "interpretó" en Harvard en 1952, con sólo dejar oír los ruidos del silencio en una sala llena de un público expectante, diez años antes de que Fluxus hiciera su aparición en escena. Entre ese remoto origen y el 94, año del gran piano que recibe a los visitantes de la muestra con el impactante homenaje a Maciunas de Wolf Vostell, se sitúa el conjunto que incluye objetos, cajas, instrumentos musicales, catálogos, fotografías de conciertos, happenings, performances y toda una documentación que, de manera temprana, el archivista de Fluxus Hanns Sohm se empeñó en conservar, más allá de la lógica despreocupada que dominaba al resto de los integrantes. Es importante destacar que a pesar del enorme trabajo organizativo y teórico que supuso la existencia y expansión de Fluxus, fundamentalmente a Nueva York, Dinamarca y Francia, gente como George Brecht, Arthur Köpcke y Tomas Schmit, de un fuste intelectual infrecuente, no produjeron teoría sino que optaron por priorizar la acción. Muchas obras de la exhibición dan cuenta de la importancia que los artistas dieron al impulso destructivo como forma de expresión, pero al mismo tiempo del refinamiento que alcanzó la producción de objetos de George Brecht, Takako Saito y las cajas de Maciunas. Así, nomás y sin mayores rodeos, como decía su promotor: el arte de Fluxus es sobre cosas insignificantes, no requiere demasiado oficio ni tampoco ensayos previos. | ||||||||
| Titulo | Salvat-Papasseit | ||||||||
| Autor | Ferran Aisa | ||||||||
| Publicacion | CGT Catalunya | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | n. 1894 / Su padre eran de Barcelona y sus abuelos de Tarragona / 1914 Entra a formar parte de la redacción de LOS MISERABLES una publicación de corte revolucionario, y en 1916 es condenado a dos meses de prisión por un articulo. Mantuvo estrecho contacto con Manolo Hugué, Junoy, Josep Plá, Foix, etc.
Dentro de la poesía vanguardista su primera obra fué POEMES EN ONDES HERTZIANAS // dentro del Ultraismo establece contacto con Marinetti y Gómez de la Serna, creando asimismo varias revistas de vanguardia. Con sólo 30 años muere a consecuencia de una neumonía. Siete meses antes había muerto su hija Salomé. Su obra postuma, publicada un año después de su muerte fué OSSA MENOR. | ||||||||
| Titulo | Los Silencios de John Cage | ||||||||
| Autor | Dario Prieto/Quico Alsedo | ||||||||
| Publicacion | El Mundo | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | El 23 de noviembre se iniciará el ciclo dedicado a la figura de John Cage, con la inauguración de su instalación Essay en la Sala A de La Casa Encendida.
John Cage, un revolucionario que alteró el devenir de la Historia del Arte, rompiendo con la tradición que le precedió e inventándose fórmulas impensables hasta entonces. De la mano de este genial artista, aprenderemos que no hay una forma de arte sino muchas, aunque esto suponga asumir riesgos. Cada día el espectador se encontrará con un ligero cambio, una silla colocada en otro lugar, unas luces que el día anterior no percibía. El aparente caos que regirá el espacio de la sala, luces, sombras, sonido, silencio, se genera en realidad a partir de un orden pensado, meticuloso y reticular. Cage descubrió que para hacer buena música no hace falta ni instrumentos ni voz: el silencio es fuente generadora de excelente música. Invitamos al espectador a descubrir los entresijos de esta instalación que, inspirada en el texto de Henry David Thoreau The Duty of the Civil Disobedince, fue diseñada por el artista John Cage para la Documenta 8 de Kassel (Alemania). Además de la exposición se presentarán en la entreplanta de La Casa Encendida películas, piezas audiovisuales y entrevistas para acercar al público la figura de Cage. En torno a las exposiciones: Cage o la rebelión en el arte Tenemos el gusto de informar de un ciclo dedicado a John Cage que se abre el próximo día 23 de noviembre en el centro cultural La Casa Encendida de Madrid. Una instalación, un taller dedicado a niños y jóvenes y una programación aún por determinar de la que ya informaremos más detalladamente. Fecha: del 28 de octubre de 2006 al 6 de enero de 2007 Talleres para grupos escolares Horario: lunes y miércoles de 10.00 a 13.00 h Talleres infantiles Horario: sábados de 11.00 a 14.00 h | ||||||||
| Titulo | Sobre Francisco Pino | ||||||||
| Autor | J. M. G. | ||||||||
| Publicacion | Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Esperanza Ortega diserta sobre el silencio y la palabra en la obra de Francisco Pino
La conferencia de Esperanza Ortega pone hoy en marcha la segunda etapa de los 'Encuentros con las Letras', organizados por el Taller Estable de Poesía Visual y Experimental (Francisco Pino) del Aula de Letras de la UC, que dirige Ramón Maruri, y La Ortiga, dirigida por Antonio Montesino, con la colaboración de la Obra Social de Caja Cantabria y la Consejería de Cultura. En esta fase otoñal, los en- cuentros, ya iniciados en la pasada primavera, llevarán el título de 'Los imaginarios poéticos de Francisco Pino' y tendrán como protagonista la figura de este destacado poeta castellano del pasado siglo. En esta ocasión será Esperanza Ortega la encargada de analizar su figura y escritura con la conferencia 'El silencio y la palabra en la obra de Francisco Pino', que se celebrará a las 20,00 horas en el Paraninfo de la Universidad de Cantabria (c/Sevilla, 6). Profesora de Literatura y una de las estudiosas que mejor conoce la obra de este autor, Ortega es responsable de una importante obra como poeta, narradora y ensayista. El próximo encuentro se desarrollará el 23 de noviembre con la presencia de Víctor Infantes, el mayor ex-perto en la poesía visual de Pino. | ||||||||
| Titulo | Chema Madoz | ||||||||
| Autor | Isidoro Nicieza /J.C. Gea | ||||||||
| Publicacion | Prensa Asturiana | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
«Es verdad que los recursos que utilizo están muy cerca de lo que solemos entender como poesía» CHEMA MADOZ FOTÓGRAFO J. C. GEA El trabajo de Chema Madoz (Madrid, 1958) es uno de los más seductores y apreciados de la fotografía artística española de las últimas tres décadas. Su forma de fotografiar objetos cotidianos poéticamente intervenidos levanta pasiones, tal como dejó claro ayer la asistencia a la charla sobre su obra que impartió en La Arena, dentro de los III Encuentros fotográficos de Gijón. -¿Encuentra los objetos, busca los objetos, los objetos le encuentran a usted? -Cualquiera de los sistemas es válido. No procedo de una forma lineal ni pienso los pasos a seguir. El proceso es, por decirlo de alguna manera, un cajón de sastre en el que caben desde los objetos encontrados a los objetos que han sido creados con la única y exclusiva función de ser fotografiados. En ocasiones, la idea está clara previamente y es la que me hace buscar el objeto necesario para ponerla de relieve, y en otros la imagen puede resultar consecuencia de algo que no es exactamente un tropiezo, pero que sí tiene algo de fortuito. Pero, aunque haya un aspecto muy formal, muy meditado, hay también una parte de azar. -¿Cuándo y cómo encontró en las cosas comunes su campo de trabajo? -Fue a principios de los años noventa, como parte de un proceso de depuración de lo que estaba haciendo. Entonces trabajaba en series ordenadas conceptualmente, con una idea que se desarrollaba de principio a fin y que luego pasaba a ser otra idea con su serie de fotografías correspondiente. Durante todo ese trabajo fui metiéndome en un proceso de eliminación de todo lo accesorio y hubo un momento en el que tuve la sensación de que las figuras humanas con las que trabajaba no estaban aportando algo definitivo, sino que las estaba utilizando, y llegué a la conclusión de que casi las estaba utilizando como si fuesen objetos. Para mí fue un paso natural intentar trabajar con el objeto directamente. Natural y, al tiempo, complicado. -¿Por qué? -Porque lo que para mí hasta aquel momento había sido el desarrollo normal de la fotografía había estado centrado en la figura humana. Y el que desapareciese de la imagen me empujaba hacia una especie de vértigo o de abismo, en el sentido de cómo podía afrontar la imagen, cómo podía articularla en torno al objeto. Para mí fue un descubrimiento comprobar, con el tiempo, cómo los objetos están bañados por todos nuestros intereses. Están, por otro lado, creados con una función muy inmediata, muy clara, muy evidente, pero a la vez hay depositados en ellos muchos sueños, y hay todo un simbolismo detrás de ellos. Fue como encontrar la llave a un mundo que me permitía muchas posibilidades. -Una especie de humanización del objeto... -El objeto en sí está humanizado desde el momento en que son elementos que han sido creados por las personas, y eso les da un carácter muy particular. Pueden desaparecer las figuras, pero al hablar de los objetos estás hablando también de lo que hay detrás de ellos, que al final somos nosotros. -¿Lo que hace poetiza de alguna manera los objetos vulgares? -Es verdad que los recursos que utilizo están muy cerca de lo que solemos entender como la metáfora, la paradoja... todas estas cosas tienen una asociación muy directa y estrecha con la poesía. Es posible que por ese lado se pueda dar una identificación entre la poesía y mi propio trabajo. A mí es algo que me halaga, poder pensar que mis imágenes se pueden entender desde ese aspecto poético. -Pero lo curioso es que, junto a la sorpresa, hay una especie de obviedad, como si descubriese algo natural en los objetos... -Es que esos nexos, esos vínculos, si tienen esa validez o potencia visual es en cierta medida por esa evidencia que adquieren al verlos a través de la imagen fotográfica. Es algo que hasta cierto punto todos hemos presentido, pero no teníamos una idea clara, que es la que te da la imagen. La fotografía se vuelve así el detonante de una realidad que intuíamos. -Y siempre dejando claro que la fuerza de lo que hace reside en la fotografía, no en la escultura. -Es evidente que hay aspectos escultóricos en lo que hago, y es algo que me interesa. Pero yo intento hacer hincapié en que ese objeto coge sentido siempre a través de la fotografía, mientras que tan sólo en algunos casos mantienen esa entidad o ese cuerpo únicamente si lo mantenemos como objeto. En el taller hay infinidad de objetos, de trastos con los que has ido trabajando, y hay algunos con los que sí tienes esa presencia física; no para ser expuestos en una sala, pero la tienen. Sin embargo, la gran mayoría adquieren esa carga sólo cuando son fotografiados. -¿Los compra, los encuentra por ahí, se los dan? -Es una mezcla de todo eso. Esta misma tarde, en la calle, mientras estaba haciendo una entrevista por teléfono, me he quedado parado delante del escaparate de una ferretería y al final he tenido que entrar tres veces a comprar cacharros distintos. Los estaba viendo y dándome cuenta de que eran las cosas que necesitaba. Las cosas pueden salir de un contenedor, de un rastro, de la basura, de objetos que adquieres en tiendas o coges en casas de amigos. Cualquier cosa es válida. -Los objetos que usa están en todas partes. ¿Están siempre su ojo y su mente trabajando? -Por lo menos el intento de trabajo es continuo. Pero el resultado depende del acierto, que eso sí que es discontinuo en el tiempo. Pero sí que vas siempre con una mirada receptiva, vas intentando ir más o menos despierto para poder seguir encontrado elementos con los que puedas seguir desarrollando el trabajo. Pero como decía antes, no depende de la presencia física de ese objeto, sino que son más bien sensaciones que puedes tener ante una situación concreta, y que luego buscas la forma de traducir y de llevarlo a tu propio terreno para darle un cuerpo. -¿Puede haber en sus fotos algo de una pedagogía para ver de otro modo la vida diaria? -No es que pretenda hacer un trabajo que aspire a enriquecer a los demás, sino que pretendo enriquecerme yo mismo. En definitiva, todo esto me sirve para aclarar mis propias ideas, para aclarar mi propia relación con el entorno y el mundo. Y luego, evidentemente, si eso puede servir a alguien como punto de reflexión para entresacar sus propias ideas, bienvenido sea. Siempre eres consciente de que va a haber un espectador de esas imágenes, pero desde luego es el primer espectador, la primera persona que mantiene relación con esos objetos, es decir, yo, quien busca establecer una conexión con ellos que suponga algo. | ||||||||
| Titulo | |||||||||
| Autor | BARBERO, Eduardo | ||||||||
| Publicacion | “La Frontera del Infinito" | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental | ||||||||
| Sinopsis | Barcelona: AMIC@RT –Boletin de la Associó Amics de l’Art-, febrero, 2006
La frontera del Infinito -método minimomaxima-lista-. Gustavo Vega Eduardo Barbero En nuestros días el término “minimal” es un término meramente comercial, ya se hable de una exprimidora, música o de un edificio. Pero si nos remontamos a su origen este significado hoy tan banal muestra una entraña preñada de mesura y conceptualizaciones. Recordemos el cuadro suprematista de Malévich de 1919: “Blanco sobre blanco” o la obra de algunos de los minimalistas más influyentes en el arte del pasado siglo: Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd, Sol LeWitt, Robert Morris… Es a través de estos artistas donde Gustavo Vega encuentra inspiración para crear, ya en 1984, La Frontera del Infinito -método minimomaximalista-. Sin olvidar otros modos de hacer, aplica el método minimalista a su propia creación poético-visual. Este libro nunca vio la luz como tal -el mundo editorial considera que los poemas visuales no son susceptibles de convertirse en objeto de comercio- aunque sí retazos de él en revistas, catálogos, antologías y exposiciones. La Frontera del Infinito es ante todo un libro de poesía. Cuarenta poemas visuales completan el recorrido de este poemario más un extenso preámbulo o cuerpo teórico donde la finalidad básica del libro queda prontamente desvelada por las concreciones, aclaraciones y comentarios que realiza el autor. Este cuerpo teórico enseguida se adhiere a la máxima del artista de la Bauhaus Mies Van Der Rohe: “Menos es más”. “- es +, o viceversa”, añade Gustavo Vega. Continúa con una explicación del “método minimomaximalista” como fórmula de creación poética. Es aquí donde el autor nos propone añadir significados suprimiendo. Wey-wu-wuey (hacer-no-haciendo, eje principal del Tao). Al suprimir des-vela, al desvelar despoja y la poesía se nos muestra pura, totalmente desnuda. El preámbulo finaliza con un poema-homenaje al Minimalismo histórico de los años 60. Este homenaje abre a su vez el poemario donde Vega nos recibe con un irónico y contundente “The End” para dar paso a través del nacimiento -Ya sangrando/ el sol se levanta/ en la mañana- a tres Nocturnos donde nos arranca la sonrisa y nos lleva a la reflexión mediante los llantos de un niño -primeros ensayos del poeta-. Dice León Felipe, citado por el autor: …Creo que la filosofía arranca del primer juicio/La poesía, del primer lamento… A partir de aquí Gustavo Vega va desgranando experiencias con su método “minimomaximalista” hasta cerrar con una poética página en negro. Al igual que en sus libros anteriores, Habitando Transparencias (1982), Prólogo para un Silencio (1996) y El Placer de Ser (1997), La Frontera del Infinito lo componen poemas visuales nacidos de lo cotidiano, de observaciones de la realidad social, de la existencia, de la no-existencia, de ausencias. Son poemas-zarpazo, poemas-lágrima, poemas-caricia, poemas-burla, poemas-duda…Territorios-frontera que nos sugieren lo máximo con lo mínimo, donde lo más elemental suele ser lo más complejo, donde el microcosmos se transforma en macrocosmos o viceversa. Territorios-frontera llenos de reflexiones convertidas en metáforas visuales: austeros paisajes tipográficos, signos que esclarecen, huellas que rechazan el vacío, voces que ahuyentan el silencio, gotas que salpican la ventana, energías que desvelan la forma, “la nada liberada” (Malévich). De los innumerables viajes que podemos emprender a través de la poesía, el viaje que nos propone Gustavo Vega es un viaje diferente, sin apenas equipaje, en donde “lo que se ve es lo que se ve” (Frank Stella, 1966). La complejidad del autor estriba en el hecho de que dentro de los poemas visuales aparentemente sencillos, hechos a veces con vulgares recortes de prensa, existen múltiples niveles de experiencia. Estos “códigos secretos” culminan cuando el lector visual establece cierta complicidad con el autor. Así que cada poema encierra en sí mismo una explicación: “la poesía se explica por sí misma, o si no carece de explicación” dice Pedro Salinas. La Frontera del Infinito es poesía filosófico-visual. Una poética que conecta de pleno con el decir de Octavio Paz cuando escribe dentro de su libro El Arco y la Lira: “Vida y Muerte, ser o nada, no constituyen substancias o cosas separadas. Negación y afirmación, falta y plenitud, coexisten en nosotros. Son nosotros. El ser implica el no ser; y a la inversa”. Siendo, por tanto, una poética que asume en su ser tanto la reflexión filosófica como la emoción poética, tanto la máxima complejidad como la sencillez, la contradicción. Cabe agradecer desde estas líneas a la colección Plástica & Palabra de la Universidad de León el regalo que nos acaba de hacer a los amantes de la poesía visual con la publicación, después de más de 20 años de haberse concebido, del último libro de este poeta-filósofo-pintor-profesor que es el infatigable explorador Gustavo Vega. | ||||||||
| Titulo | Gonzalo Millan y Nicanor Parra | ||||||||
| Autor | L.C.D. | ||||||||
| Publicacion | La Nación | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Emulando la experiencia de Eloísa Cartonera en Argentina, cuatro jóvenes lanzarán en diciembre Animita. Con un catálogo que incluye parte del buscado “Archivo Zonaglo” de Gonzalo Millán fallecido y textos a 2 mil pesos, las chicas entran al mercado literario “asesoradas” por Nicanor Parra. El fundador de Eloísa, Washington Cucurto, anuncia visita a Chile y las aplaude.
En un taller de Balmaceda 1215, dentro de la Quinta Normal, tres jóvenes licenciadas en Literatura y una estudiante de Pedagogía hablan de pinceles, cartones y espirales con tanta soltura como lo hacen de sus autores (as) favoritos (as) y obsesiones literarias, mientras tijera en mano le dan formato a lo que serán las tapas de sus libros. En el viejo edificio las llaman “las princesitas de cartón”, pero ellas son Animita Cartonera, el símil chileno de la conocida editorial trasandina Eloísa Cartonera, un inédito proyecto artístico, social y comunitario sin fines de lucro (ver recuadro). Sus gestoras son las literatas de la Universidad Diego Portales, Fernanda Arrau (26), Ximena Ramos (24) y Ana Moraga (27), más la estudiante de Pedagogía Tanya Núñez (23), quienes el 28 de diciembre lanzarán esta editorial, que –como Eloísa en Argentina y Sarita en Perú- producirá libros con tapas de cartón, texto fotocopiado y bajo precio ($ 2.000), integrando sectores excluidos de la sociedad en su confección. La diferencia es que Animita, aunque paga sobre el valor real del cartón, no trabaja directamente con los cartoneros. “Son un gremio difícil”, sostiene Ximena y Tanya agrega que “trabajamos con algunos haciendo libros, pero no les motivaba hacerlo, así que vamos a trabajar con jóvenes en riesgo social y dueñas de casa”. ¿Y el nombre? “En Argentina y Perú están las divinidades paganas Sarita y Eloísa, pero como en Chile no existen, buscamos un fenómeno pagano al que la gente le de una valoración divina y esas son la animitas”, explican, apuntando que “queremos remarcar lo popular, que los libros sean accesibles para la gente”. EL PRIMER CORTE El interés había surgido dos años antes, cuando en un curso de Edición, el escritor Matías Rivas les mostró los libros de Eloísa. Sin embargo, la intención se transformó en proyecto un año después, mientras Fernanda Arrau cursaba un diplomado en Gestión en Educación de la Universidad de Chile. El paso siguiente fue un viaje a Buenos Aires con Tanya para contactar al creador de Eloísa, Washington Cucurto, quien recuerda que “vinieron a nuestra cartonería, vieron cómo trabajábamos y ahí nos contaron sobre su editorial, lo cual nos llenó de alegría”. De vuelta en el país, con Ximena y Ana, armaron un catálogo general con una serie fotográfica sobre los artefactos de Nicanor Parra, unas fichas de poesía visual de Gonzalo Millán y un cuento inédito de Jaime Collyer. A esas alturas la idea ya había traspasado los límites del diplomado y las proyecciones incluirían una línea infantil, intervenciones artísticas en colegios y concursos de creación. LOS CONSEJOS DE PARRA Las de las animitas no fueron las únicas cruces que influyeron en el destino de la editorial. La primera reunión con Nicanor Parra en el balneario de Las Cruces, fue decisiva. “Nos ayudó a bajar a tierra, a saber cómo trabajar con un autor, más allá del libro que queremos hacer”, explica Tanya, mientras Fernanda sintetiza su ayuda como un juicio crítico: “Nos cuestionaba y nos aconsejaba indirectamente, contándonos cosas como cuando Pablo Neruda lo retó por no saber vender su poesía”. De hecho cuando tuvieron que decidir si Animita Cartonera sería una ONG o una Sociedad de Responsabilidad Limitada, otra vez apareció la voz de Nicanor: “Nos dijo ‘¿saben que con esto pueden ganar mucha plata?’. Luego nos dijo que no fuéramos giles y aprovecháramos las coyunturas”, recuerda Tanya. Finalmente y a diferencia de Eloísa que comenzó a funcionar sin figura legal, ellas eligieron ser una sociedad, “pero donde el lucro”, dicen, “es para preservar una idea de acercar la cultura a la gente, porque Animita es un proyecto social y la plata que ganemos es para hacer más libros”. LA PARTIDA DE MILLÁN De ahí en adelante el proyecto agarró velocidad crucero y las colaboraciones ad-honorem de todo tipo de profesionales no escasearon. Balmaceda 1215 les cedió un lugar para trabajar en el edificio de Quinta Normal a cambio de un taller para sus actividades de extensión y ganaron dos fondos de la Universidad Diego Portales: Uno para un concurso de creación que ya está en marcha, “Aquí te las traigo” y el otro para la Línea de Rescate. Hoy la editora de esa línea, Ana Moraga, está trabajando con un equipo, donde está el poeta Felipe Cussen, para recuperar la obra de Teresa Wilms Montt, la Lira Popular y la Vanguardia Poética (más allá de los obvios Huidobro y De Rocka). “La idea es rescatar autores chilenos que estén fuera de circulación, del siglo XX y obras que no han sido valoradas con justicia”, explica. Por su parte Ximena, Editora General, trabaja en la colección “Chilensis”: ya están listos los libros de Gonzalo Millán y Jaime Collyer, mientras avanza para reeditar “Bobby Sands desfallece en el muro” (1983) de la poeta Carmen Berenguer, “Monólogos en fuga” de Andrea Jeftanovic y dos cuentos de Mauricio Electorat. Y aunque el libro visual sobre los artefactos de Parra está en veremos, para las chicas, la muerte de Millán sí fue un golpe duro. Se conocieron telefónicamente, se hicieron amigos y luego el autor de “La ciudad” les pidió que lo dejaran seleccionar 100 de las 10 mil tarjetas que tenía. “La idea era hacer una colección de libros numerados que no se pudo concretar por su enfermedad”, señala Ximena. El cáncer pulmonar fue fulminante y a días de terminar el “Archivo Zonaglo” (Gonzalo desordenado), Millán murió sin ver su obra editada. “Por eso el lanzamiento de ‘Animita’ va a ser también un homenaje a él, porque pese a que este año recibió el Altazor, nunca se le reconoció toda su obra. Y también para darle las gracias de manera póstuma”. | ||||||||
| Titulo | Joan Brossa en Lisboa | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Agencia Efe | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | portugal-exposicion 03-11-2006
Inaugurada en Lisboa una exposición del poeta catalán Joan Brossa // El Instituto Camoes de Lisboa acoge desde hoy la exposición 'Joan Brossa, de Barcelona al Nuevo Mundo', una antología de la obra plástica del fallecido poeta y dramaturgo catalán que podrá contemplarse hasta el próximo 5 de enero. La comisaria de la exposición, Gloria Bordons, explicó a Efe que la muestra pretende enseñar a los portugueses la faceta más 'visual' del trabajo del escritor y ayudar a difundir la cultura catalana en ese país ibérico. 'Se trata de una antología que intenta dar a conocer todo Brossa, en la medida que es posible, al ser una exposición visual y que él siempre se definió como poeta', señaló. Bordons recordó que la de Lisboa recoge una muestra itinerante que llega a la capital lusa después de pasar durante dos años por tres países latinoamericanos, Brasil (Río de Janeiro, Sao Paulo y Porto Alegre), Santiago de Chile y Argentina (Rosario y Buenos Aires). Reconoció, además, que entre el público luso no se conoce mucho la obra de Brossa (1919-1998) y que la idea se entiende como un intercambio cultural entre Cataluña y Portugal. La exposición recoge carteles, composiciones de distintos materiales y objetos que muestran el trabajo del poeta y artista catalán a lo largo de décadas. Joan Brossa, fallecido en Barcelona, destacó por una poesía con profundas influencias visuales y del mundo de las artes plásticas. El escritor catalán obtuvo los premios Ciudad de Barcelona (1987), El Nacional de las Artes Plásticas (1992) y la Medalla Picasso de la Unesco. La exposición está organizada por la Fundación Joan Brossa de Barcelona, el Institut Ramón Llul de la Generalitat de Cataluña, el Instituto Camoes y cuenta con el apoyo del Ministerio de Asuntos Exteriores de España. | ||||||||
| Titulo | El Dios de Guillem Viladot | ||||||||
| Autor | Josep Bertran | ||||||||
| Publicacion | La Mañana | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
La Mañana - Lo Pardal acoge la presentación del ‘Diós’ de Guillem ViladotLLEIDA, 27 de Octubre de 2006 En la sala de actos de la Casa de la Poesia Visual Lo Pardal de Agramunt se presentó ayer por la noche un libro que recoge una selección de los artículos periodísticos que Guillem Viladot publicó en LA MAÑANA bajo el título de Diós. El volumen se entregará gratuitamente con la edición del periódico el 1 de noviembre, Día de los Difuntos y jornada electoral... La colaboración entre el poeta de Riella y LA MAÑANA fue larga y fructífera. A lo largo de los años publicó sus artículos de opinión agrupados en diversas series. La última fue la de Diós, entendiendo este vocablo como una acepción que lo describe como adjetivo que se otorga a una persona llena de sabiduría adquirida a través de los años. Es evidente, sin embargo, que Viladot jugó con el significado de los dos vocablos. “Viladot era un provocador nato. No buscaba la provocación por sí misma, sino que su objetivo era que la gente reflexionase en aquellos temas que él trataba”, dijo el director general de publicaciones de LA MAÑANA, Josep Ramon Correal quien presentó el libro. Entre Viladot y Correal existía una estrecha relación que, a través del contacto asiduo de las colaboraciones diarias de tantos años, había llegado a una profunda amistad. En diversos artículos y entrevistas, el escritor de Riella había reconocido la total libertad que había encontrado en LA MAÑANA para escribir a sus anchas. Correal reconoció que esto no le había sido fácil en más de una ocasión por el contenido de sus artículos. “Sin embargo a un genio no se le censura, ni tan solo se le corrige”, dijo en su intervención. El libro, editado con la colaboración de la Diputación, está ilustrado con imágenes de los objetos de compañía que se encuentran en Lo Pardal. El prólogo es del propio Correal y cuenta con un prefacio de la presidenta de la Fundació, Montserrat Felip que cerró el acto de anoche agradeciendo la colaboración de LA MAÑANA y explicando las exposiciones que sobre la obra de Viladot se han celebrado en Burgos y Valladolid. La presentación, a la que asistieron más de medio centenar de personas, lo abrió el gerente de la Fundació Josep Miquel Garcia quien destacó la libertad con que escribió siempre Guillem Viladot, “que contrasta con la situación actual de la cultura que esta amordazada, que se siente con miedo al que dirán los poderes, a la posible subvención que ha de llegar de uno u otra administración”, dijo. El día de Sant Jordi del año 1994 Viladot inició la publicación diaria de la serie Diós que se prolongó hasta el mes de setiembre de 1999, pocas semanas antes de su muerte, el 20 de noviembre. Previa a la presentación del libro Diós, la Fundació Guillem Viladot Lo Pardal celebró una de sus reuniones anuales con la presencia de la mayoría de los patrones de la entidad. En el transcurso de la reunión se aprobaron las actividades que la Fundació celebrará a lo largo de los próximos meses. Entre ellas destaca la presencia de la poesía visual de Viladot en una muestra que se llevará a cabo en el Instituto de Cervantes de Berlín coincidiendo con al Feria del Libro de Frankfurt. También está prevista la edición de una serie de cuentos inéditos que Viladot dejó a punto de editar titulados Orgànic. También se aprobaron las actividades a realizar durante una nueva edición de las Jornades Viladot que se celebrarán en Lleida durante la próxima primavera. También están programadas diversas exposiciones, una de ellas en la Fundació Carulla de l’Espluga; nuevas presentaciones del libro catálogo de los Objectes de companyía. | ||||||||
| Titulo | La mirada lúcida de Millán | ||||||||
| Autor | Pedro Pablo Guerrero | ||||||||
| Publicacion | El Mercurio | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ENTREVISTA
La mirada lúcida de Millán Poco antes de morir, el autor realizó un crítico diagnóstico de la poesía chilena, fustigando la ausencia de debate, el relativismo ético, el afán de éxito y la despreocupación por la forma. -------------------------------------------------------------------------------- Ahora que todavía resuenan las fanfarrias póstumas, vale la pena recordar un par de cosas. Sólo durante los últimos años, Gonzalo Millán - que fue la mayor parte de su vida un poeta outsider al margen de capos y capillas, errante de país en país antes de reencontrar su lugar en el propio- disfrutó del reconocimiento público. Tarde llegaron los premios, los homenajes, las invitaciones y el interés de cierta prensa deslumbrada por el éxito. Sin dejarse encandilar por esta repentina "popularidad", Millán trabajó hasta el último minuto. Sabía que no le quedaba mucho tiempo, pero contaba con algunos meses que el cáncer no le quiso dispensar. En su cabeza bullían proyectos de libros, diarios personales, una serie de entrevistas y hasta un cortometraje de animación a partir de miles de fichas llenas de palabras y dibujos ("Doodles", en inglés) que garrapateó a través de los años. Millán concedió esta entrevista en agosto, cuando participó como jurado en el Premio Revista de Libros de poesía. Con un sentido de la responsabilidad insólito, asistió a las deliberaciones a pesar de su estado de salud. Desafiante, llegaba fumando a las reuniones con un hilo de voz y la ironía brillándole en los ojos. Una mirada provocadora, curiosa y absorta a la vez. Para este poeta que se autodefinía esencialmente como un "observador", la visualidad y las artes plásticas ocuparon, hacia el final de su vida, un lugar central entre sus exploraciones creativas. Así lo confirma la trilogía poética que completó antes de morir: Claroscuro (2002); Autorretrato de memoria (2005), y Gabinete de papel, que aparecerá el año 2007, después de la reedición de su primer libro, Relación personal (1968). Título este último que Ediciones de la Universidad Diego Portales publicará en los próximos días, con algunos poemas inéditos y prólogo de Alejandro Zambra. - ¿Cuándo nace su interés por la pintura? - Yo creo que estaba siempre ahí, en términos prácticos, porque he dibujado toda la vida. Me interesan las artes plásticas como aficionado, como diletante, pero no soy estudioso - aunque estudio- ni soy académico, pese a que soy profesor. Las artes plásticas me producen mucho placer, más que la literatura incluso. La palabra está muy ligada al pensamiento, a las ideas. Tiene demasiada connotación, mucho bagaje antiguo. La literatura te lleva a revisar, a depurar, a corregir. Así como Barthes hablaba del placer del texto, yo encuentro más placer en la pintura y los colores, la textura, la forma, la figura. Placer al ojo, retiniano. - ¿Pintor frustrado? - Nunca. Yo no dibujo. Garrapateo, hago monos. Me interesa dibujar de esa manera bruta, cercana al arte bruto de Dubuffet, pero también a Klee y esa cosa medio infantil que tiene el dibujo de los locos, de los niños, esa visión ilógica que se relaciona con el dibujo automático, donde hay la menor mediación consciente. Lo contrario del dibujo clásico, anatómico, representativo. - Usted ha dicho que el gran giro de la poesía chilena, a partir de los años sesenta, fue el desplazamiento desde la voz como modelo hacia la mirada. - Es la importancia que adquiere la espacialidad por sobre la temporalidad. La poesía ya no es lineal, no está basada en un personaje ni en un sujeto. De ahí la importancia, creo yo, de la vanguardia brasileña y la poesía concreta y experimental. Ellos son los grandes renovadores, a pesar de que aquí son poco reconocidos. - ¿Qué pasa hoy con la poesía chilena? ¿Llegó a una etapa de agotamiento? - El estado de la poesía es una situación encabritada. Hay lecturas sumamente contradictorias, como olas que chocan unas con otras. La poesía está muy fraccionada. Yo creo que es súper interesante la variedad. El hecho de que exista poesía femenina, poesía de la provincia, poesía étnica y poesía que se escribe al dictado de la academia más prestigiosa, con esta glorificación de la neovanguardia, la originalidad y la ruptura. Pero todas son poesías de gueto. Lo que me llama la atención es que anteriormente una situación así daba para el comentario. Hoy la poesía chilena no le interesa a nadie. - ¿Ni a los poetas? - A lo mejor sí, quizás lo hablan en sus tertulias, en los bares, pero me refiero a que no es una preocupación pública. No hay debate de escuelas, de proyectos teóricos, de crítica. Es como si los poetas se hubieran ido para la casa. El debate ha sido reemplazado por el cahuín. ¿Qué es la poesía? Una serie de blogs de mala leche. Hay un individualismo exacerbado y, sobre todo, mucho exitismo: premios, envidia, chaqueteo. Es un ambiente muy pobre. - ¿Y no fue siempre igual? - Yo creo que antes el hecho de discutir tenía un sentido por sí mismo, te ponía en situación, podías exhibirte con tus ideas, hacer polémica. Hoy los poetas parecen pensar que no vale la pena. Esa misma dejadez por discutir la poesía conduce a que la visión oficial, anquilosada, convencional siga predominando. Los mitos. Los mitos poéticos de Chile, que necesitan, por supuesto, como todo mito, un reajuste, porque están muy atrasados. Todavía estamos en que los grandes poetas, esos astros que siguen dominando el Olimpo, son los de la Generación del 38. Ni siquiera abordamos a los del 50, muertos hace rato. Para qué decir a los del 60. ¡Avancemos un poquito! - ¿Alguna explicación para el estancamiento? - Las circunstancias históricas, por supuesto. Y sus consecuencias: el hecho de que la institución cultural se ha cargado hacia el espectáculo, el evento, lo vistoso. Teniendo fondos, no se hacen encuentros de poesía hace años. Sería interesante, aunque terminaran agarrándose a combos, una reunión entre generaciones. Convidar, por ejemplo, a los poetas del 90 y los del 2000, que mantienen tensiones interesantes.Pero nada de eso se hace. ¿Qué se prefiere? Traer los restos de Yin Yin, el hijo de la Gabriela Mistral, a Montegrande. ¿A quién le interesa eso? Puro fetichismo. Espectáculo. - ¿Hay algún proyecto que le interese en particular? - No hay proyectos comunes, o son raros. El Foro de Escritores me parece interesante. También Casagrande, pero son excepciones, el resto son huachos, huacherío. - ¿Cuál es el tipo de poeta que más detesta? - Para empezar, esos que asumen un personaje y venden su papel recitando el mismo parlamento como actores del año del ñauca. La poesía chilena está llena de personajes. Cada poeta es un novelista, en el fondo. Todos los grandes poetas se crean distintos avatares a lo largo de su vida. A mí esto desde siempre me produjo un rechazo, porque no creo que la literatura sea para crear una identidad, sino para dispersarla. Uno trata de desmarcarse o, como decían por ahí, de desaprender más que de aprender. - ¿Y qué domina la escena poética en la actualidad? - La lectura pendeja de la poesía: esa idea de que hay que ser chacotero, entretenido, transgresor, usar palabras disonantes, tratar temas sexuales o intimidades incómodas. El poeta que se calienta con una niña agachada en la calle. Incluso gente mayor sigue en eso. Es una rebeldía intrascendente. - ¿Cuál es el mayor escándalo de la literatura chilena? - El relativismo, la indiferencia. Se tiende a aplaudir al que no toma partido, al conformista, al tibio, al que no se inmuta por nada. El hecho de que alguien sea nazi da lo mismo: es buen escritor. Hasta lo postulan al Nacional, sin vergüenza, personas que se consideran de avanzada. Eso le quita una vitalidad enorme a la poesía, que sigue teniendo, a pesar de que la lírica tradicional haya cambiado, sentimiento, emoción, preocupaciones éticas y críticas. Es un rasgo curioso que en Chile los científicos se hayan puesto a hacer poesía. Habría que ver hasta qué punto estos ingenieros y físicos que escriben poesía le han contagiado un prurito antiemocional. Como si la poesía tuviera que ser fría y sin participación en los asuntos del mundo, una poesía de limbo, con gusto a nada, insípida, pusilánime. - ¿Andamos mejor en los aspectos formales de la escritura poética? - Desgraciadamente no. Hoy se escribe de cualquier manera. Eso de andarse preocupando de que un poema se cierre o que un libro tenga unidad es indiferente. No hay empeño en construir una obra, se considera que eso es prescindente, como si un libro pudiera hacerse por azar. No hay control, no hay rigor. Se percibe desaliño, una falta de prolijidad muy grande y desprecio por la forma. Esta carencia se trata de compensar con erudición callampa, intertextualidad arbitraria, relaciones estrambóticas, porque, claro, ellos no son poetas de las chacras: son cultos, leídos. Cuando en realidad sólo parchan con textos ajenos. - Ya señaló las faltas en el libro de contabilidad: está completa la columna del debe. ¿Qué hay en la del haber? - Esto no es un diagnóstico negativo ni pesimista. Yo creo que la poesía chilena es una tradición breve, reciente y de primer nivel en el idioma castellano. No es la gran maravilla tampoco, pero está bien. Es difícil que haya en Chile otra disciplina artística que sobrepase a la poesía. La prosa es una promesa, tiene cosas buenas pero saltaditas, no hay continuidad. Lo único que nos hace sobresalir es la poesía, lo que es bastante inhabitual para un país chico y remoto como éste. Cuesta decir que en la lírica hay avance, pero hay poéticas que están más al día que otras. Y la poesía chilena está muy vigente. Eso está en el haber, y te da también un soporte, un cimiento, un piso para que las nuevas generaciones partan de ahí. - Usted dirigió la revista El Espíritu del Valle. ¿Cuál era el sentido de ese nombre? - Quisimos valorar no las grandes cumbres de la poesía, no lo prominente ni lo descollante como valor personal, sino lo acogedor. Poetas como Rosamel del Valle, por ejemplo, y otros considerados menores por cierta crítica falta de respeto, que los ve como cerritos al lado de la cordillera de los Andes: los mismos tres o cuatro nombres de siempre. La poesía chilena es muy geográfica. Resulta que no vivimos en la cima del Aconcagua. Todos los sitios de poblamiento chilenos están en los valles. A la cima van sólo los andinistas y profetas en busca de inspiración. - ¿Cuál es, finalmente, el gran objetivo de la poesía? - Los poetas trabajamos con el lenguaje, que está cargado de sintaxis y de ideología hasta la saturación. Descargarlo es la tarea. Hacer que el paso del tiempo sea lo más lento posible, porque eso permite que la palabra se mire a sí misma como objeto. En la expresión temporal la palabra se tiende a obviar, se convierte en instrumento. La poesía y la buena narrativa, en cambio, tratan de que se vea, resalte, sea opaca. Lo que interesa es el cuerpo de la palabra: jugar con la grafías, los sonidos y toda esa materialidad que permite, a través de la escritura o la memoria, su perduración. | ||||||||
| Titulo | III Encuentro Intercultural | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Hoy de Cáceres | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...La primera cita será la apertura de la exposición de mail-art 'Borders (fronteras)...//...
Cáceres Acoge ultima el III Encuentro Intercultural 'Navalmoral sin Fronteras' La delegación local de Cáceres Acoge iniciará el domingo el III Encuentro Intercultural 'Navalmoral sin fronteras', que se prolongará hasta el día 29 con distintas actividades. Colaboran el Ayuntamiento y la dirección general de Migraciones, Cooperación y Prestaciones de la consejería de Bienestar Social. La primera cita será la apertura de la exposición de mail-art 'Borders (fronteras)', que se podrá visitar en el aula de cultura de seis de la tarde a nueve de la noche. No obstante habrá que esperar hasta el jueves para la inauguración oficial, con una mesa redonda sobre 'La inmigración en el Campo Arañuelo' en la que participarán asociaciones y colectivos de la comarca. Al día siguiente el cuarteto Urueña, de Valladolid, ofrecerá el concierto 'Las tres culturas en la música del medievo'. El sábado 28 se han programado juegos infantiles y una cena intercultural, en ambos casos en la caseta que se instalará en el recinto ferial. En esa caseta finalizará también el pasacalles infantil que protagonizará Asaco Producciones el domingo 29 para despedir el encuentro. | ||||||||
| Titulo | Julian Alonso / Taller de P.V. | ||||||||
| Autor | G. BALBONA | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Julián Alonso reabre hoy el Taller de Poesía Visual // El Aula de Letras y La Ortiga organizan hoy esta cita en el Interfacultativo El ponente recorrerá los géneros y recursos literarios y los vínculos con otras disciplinas
Organizan Aula de Letras/La Ortiga. Taller Estable de Poesía Visual y Experimental. El Aula de Letras de la Universidad de Cantabria y 'La Ortiga', revista de arte, literatura y pensamiento, reinician hoy una de las actividades más singulares emprendidas en el ámbito de la cultura local en los últimos tiempos: el Taller Estable de Poesía Visual y Experimental, con la dirección de Antonio Montesino. Bajo el epígrafe 'Géneros, estilos y recursos literarios en la poesía visual', el Edificio Interfacultativo de la UC acogerá la intervención del poeta visual Julián Alonso. Una convocatoria que se celebra con la colaboración de la Obra Social de Caja Cantabria y la Consejería de Cultura. En este Taller Estable de Poesía Visual y Experimental, fruto del trabajo de Montesino y Ramón Maruri, tendrá lugar la intervención del primer creador-ponente invitado, quien impartirá un seminario monográfico. Julián Alonso es licenciado en Geografía e Historia y cuenta en su haber con una intensa y prolífica actividad creativa dispersa por diversos medios. Desde la década de los 80, ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas realizadas en más de treinta países europeos, en las que se recogen muchas de sus producciones, correspondientes tanto al campo de la fotografía como al de la poesía visual. Está en posesión de varios premios a la creación y tiene trabajos traducidos al inglés, francés, alemán, italiano, japonés y árabe. Colabora asiduamente en revistas culturales y en el diario 'El Norte de Castilla', distinguido en 2001, con el 'Premio de Periodismo Mariano del Mazo', otorgado por la diputación de Palencia. Sus trabajos se hallan compilados en diversos libros, entre otros, 'Poesía Experimental Española ante el nuevo milenio' (1999), 'PHAYUM Poéticas Visuales (2000), 'El color en la Poesía Visual' (2001), 'Antología de la Poesía Experimental española (2004). Así como en los números monográficos dedicados a la poesía visual por las revistas 'Ínsula', 'Zurgai', 'Ánfora' y 'Cuadernos del Matemático'. En el terreno de la poesía discursiva figura en varias publicaciones individuales y colectivas, entre otras, 'Diario de abril' (1992), 'Arquitextura' (1993)', 'Aldea Poética II' (2000), y '19 Poetas' (2000). También ha publicado el libro de relatos 'República de los Sueños' (1991). En el campo de la poesía visual cabe destacar sus creaciones 'Collage Poemas' (1993), 'Disolución' (1994), 'Diez poemas banales' (1997), 'Disidencias (1998), 'Fuegos fatuos' (1999), 'Solidarismo' y 'Grupo de cuerda' (1999), 'Pentagramas' (2000), 'Luz en los ojos' (2002) y el CD-Rom 'Golpes de viento' (que reúne su obra gráfica -excepto la fotografía- entre 1990 y 2004). Recientemente, ha coordinado la caja de poesía visual 'Señales de humo' y el CD-Rom 'Tod@s... o casi Tod@s' (2004), donde se recopila una amplia muestra de poesía visual, experimental y mail-arte en España, y el CD-Rom 'Cosas que ya no están' (2004), en el que se recoge una colección de plumillas y sepias del pintor Ángel Cuesta. En su intervención, Alonso efectuará un amplio repaso a las diferentes formas de creación poético visual y su relación con la poesía discursiva, ejemplificando con imágenes concretas la forma en que desde la Poesía Visual «se resuelve el uso de diferentes recursos retóricos comunes a cualquier tipo de literatura». Por último, y dado el carácter fronterizo que caracteriza a esta creación, Alonso tratará también de poner de manifiesto los vínculos entre esta disciplina y otras parcelas del arte. | ||||||||
| Titulo | Nueva Carpeta | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Region | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | "Nueva carpeta" es una muestra colectiva de los trabajos realizados por ocho mujeres, artistas extremeñas o vinculadas a Extremadura, que desarrollan su faceta creadora en los campos del videoarte, las instalaciones, la fotografía, la poesía visual y el arte experimental....//...
La directora general del IMEX inaugura este jueves en Mérida una exposición de arte multimedia La directora general del Instituto de la Mujer de Extremadura (IMEX), Josefa María Caraballo, inauguró este jueves una exposición de arte multimedia titulada “Nueva carpeta”. // La reflexiona sobre la evolución del papel de la mujer en el Arte // La muestra, que permanecerá abierta al público hasta el 31 de octubre, se ubica en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Mérida. Promovida por el IMEX dentro del proyecto "Extremadura: ESTACIÓN CULTURA" que desarrolla la consejería de Cultura con objeto de integrar la oferta cultural de la región, ...//... El título de la exposición pretende sugerir la evolución que ha experimentado el papel de la mujer en el mundo del Arte, pasando de tener un mero papel pasivo (la "musa" del creador) a otro plenamente activo como artista y creadora con un nombre y una personalidad propios. Además, la muestra también quiere plantear si la diferencia de género conlleva un diferente modo de expresar artísticamente por parte de las mujeres su forma de ver y vivir la realidad. Tras la inauguración tendrá lugar una actuación de la coreógrafa y videoartista pacense Sara García. | ||||||||
| Titulo | Doce nenos ourensanos...libro de Artista | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | La Voz de Galicia | ||||||||
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| Materia | Arte de accion | ||||||||
| Sinopsis | Doce nenos ourensanos confeccionaron os textos e as ilustracións dun libro colectivo
No marco dun convenio de colaboración entre o Concello de Ourense e a Consellería de Cultura e Deporte, a biblioteca pública da capital foi escenario a pasada semana -entre os días 2 e 5 de outubro- dunha actividade denominada Obradoiro Infantil de Libros de Artista , que forma parte dun conxunto de actividades incluídas no programa Outros libros , no que participaron 12 nenos da cidade e que foi dirixido por Xosé Poldras. O obxectivo desta iniciativa é o de achegar o xénero artístico aos máis pequenos ao tempo que propoñía como coordinador da actividade a un participante do obradoiro de Libro de artista que tivo lugar o pasado mes de xuño e no que participaron varios artistas locais. A experiencia, segundo os coordinadores, resultou moi positiva tanto para os participantes na mesma como polo resultados obtidos. O produto final do obradoiro foi un libro colectivo realizado por os nenos, tanto no apartado de ilustración coma no de narración. O resultado será presentado ás 19.00 horas de hoxe na mesma biblioteca pública e no acto entregarase aos participantes un exemplar do libro de artista titulado Recordos de Stracciatella . No mesmo marco presentarase outra actividades que terá lugar os próximos sábados -dende o 21 de outubro ao 9 de decembro- denominada Pais e nais na lectura . O taller forma parte do mesmo convenio e consiste nunha serie de relatorios impartidos por profesionais do sector, alternada con prácticas dos pais e dos nenos. | ||||||||
| Titulo | Nueva Carpeta: de Musa a Creadora | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Hoy | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | El jueves 19 de octubre a las 8 de la tarde, en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Mérida se inaugura la exposición 'Nueva Carpeta', promovida por el Instituto de la Mujer de Extremadura, a la que asistirá su directora y una danza-performance de la artista Sara García.
Se trata de una muestra colectiva de mujeres artistas vinculadas a Extremadura y cuyo trabajo entraría en la definición de 'Arte Multimedia' (Vídeos, instalaciones, fotografía, poesía visual, arte acción ) El título 'Nueva Carpeta' hace referencia al nuevo papel de la mujer en el mundo del Arte: Durante siglos la mujer ha sido la musa, la modelo del artista masculino. Hoy por fin la mujer tiene nombre y obra, ha pasado 'de musa a creadora', por eso la muestra, aparte de ser un diálogo entre artistas, es también una celebración consciente de ese cambio de rol, privilegio aún de una minoría de países desarrollados. También la discriminación positiva (sólo mujeres) pone en la palestra el ya viejo debate de si existe 'arte femenino y arte masculino'. Con esta exposición se trata de buscar una respuesta del espectador ante la pregunta ¿Tiene la mujer una manera diferente de ver y expresar la realidad?. | ||||||||
| Titulo | Murió el poeta Gonzalo Millán | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | El Universal | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Murió el poeta Gonzalo Millán
El escritor falleció a los 59 años víctima de cáncer - A A A + El Universal Lunes 16 de octubre de 2006 SANTIAGO DE CHILE (AP).- Gonzalo Millán, considerado uno de los principales integrantes de la llamada generación de poetas chilenos de los años 60, falleció víctima de cáncer a los 59 años, informó la familia. Millán comenzó su labor literaria a temprana edad, y ya a los 20 años había publicado su primer libro de poemas Relación Personal que marcó la tendencia que dominaría su trabajo, como es la poesía con fuerte ingrediente autobiográfico. Su fallecimiento se produjo en la madrugada del sábado, cuatro meses después de que se le diagnosticara la enfermedad, pese a la cual siguió trabajando intensamente hasta el final, según sus allegados. Fue ganador del Premio Pablo Neruda, el máximo galardón que se otorga en Chile a la obra poética. Otros libros de poemas de Millán incluyen La Ciudad, Trece Lunas y Autorretrato de Memoria, publicado en 2005. Gonzalo Millán nació en Santiago de Chile en 1947. Paralelamente a su actividad poética y docente, se dedicó a la creación artística en el campo de la poesía visual y las artes plásticas. Realizó exposiciones en Chile, Canadá. Estados Unidos, Suecia y Holanda. Durante su exilio en Canadá fundó la editorial Cordillera y a su regreso a Chile dirigió la revista de poesía El Espíritu del Valle. Fue también traductor del inglés, francés y neerlandés. En los últimos meses de su vida, Millán se dedicó a concluir su trilogía titulada Croquis, de la cual publicó Claroscuro (primero), Autorretrato de memoria (tercero), y el segundo es Gabinete de papel, que corregía hace unos meses. Dejó un poemario inédito, Lagunas y El veneno del escorpión, diario en el que trabaja incesantemente y que nació de "un remedio alternativo contra el cáncer", cuenta. | ||||||||
| Titulo | Chema Madoz y los objetos cotidianos | ||||||||
| Autor | F. SAMANIEGO | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...
El proceso de trabajo de Madoz se descubre en un documental y en el círculo formado por 24 escaleras que cuelga de una pared, dispuesto a desaparecer tras su paso a la fotografía. El artista, que no pudo acudir a la presentación por una reciente intervención quirúrgica en la espalda, declaró que la imagen definitiva no necesitará añadidos. "Es una imagen que ilustra bien la metodología del trabajo. Se trata de crear algo diferente a partir de los objetos y ofrecer una lectura más abstracta, menos definida. Ese objeto es un círculo de sol, una tela de araña que une puntos en un espacio". Borja Casani añade que la composición de escaleras es un concepto metafísico, un universo, una metáfora de la vida, el comienzo y el final. "A partir de 2000, con la antológica en el Reina Sofía, Madoz abandona la presencia humana y se concentra en el objeto y sus formas de hablar. Es un periodo de madurez, con una percepción del objeto que se expresa con nitidez en la fotografía en blanco y negro. Imágenes o conceptos que eclosionan en una nueva comprensión, abierta a la interpretación del espectador. Su obra tiene un contenido poético y literario y un contenido artístico con tradición en viejos sistemas de vanguardia, como el surrealismo". En las imágenes sin títulos aparecen unas tijeras con pestañas, un zapato con raíces, una llave lupa, un globo terráqueo como píxeles, una jaula con una nube encerrada y varias interpretaciones a partir de piedras, tablero de ajedrez, cubos de hielo, fósforos, escaleras, jaulas y pianos. El artista señala que junto a los objetos encontrados, naturales o construidos ha utilizado la luz como un objeto más. "Me gusta pensar que las imágenes tienen distintos niveles de lectura. Prefiero una puerta abierta a un mensaje cerrado. Son objetos y elementos tan banales y cercanos que incluso me sorprenden como espectador, y eso me invita a seguir trabajando en este entorno. Son imágenes que provienen de la imaginación, y el medio más apropiado es la fotografía". Borja Casani encuentra en este "rastreador de objetos y fotógrafo de ideas" una mirada neutra, ironía, humor y "un cierto extrañamiento de la realidad". El catálogo incluye textos de Casani, José Luis Gallero, Luis Arenas y Fernando Castro R. y habrá un ciclo de conferencias. ...//... | ||||||||
| Titulo | PV en Peñarroya | ||||||||
| Autor | Elena Medel | ||||||||
| Publicacion | Día de Córdoba | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...
De viernes a domingo, Peñarroya-Pueblonuevo acogerá la primera edición de un Encuentro de Poesía Visual que surge para permanecer; el pueblo alberga un Centro de Poesía Visual que ya actúa como archivo y museo, que edita una revista sobre esta disciplina, y en el que se trabaja duro para alcanzar la categoría de referente nacional. El programa es de aúpa: creadores como Rodolfo Franco, Pablo del Barco, Rafael de Cózar, Antonio Gómez, Julián Alonso, Yolanda Pérez o Pepe Murciego participarán en performances y exposiciones, debatirán en mesas redondas e intentarán acercar al público esta expresión que suena, dentro lo minoritario, a mayor minoría. Para entonces se habrá inaugurado la nueva edición del Encuentro Internacional de Creación Sensxperiment, una cita heroica celebrada entre Córdoba y Lucena, y cuyas apuestas apabullan por su calidad. Este año se centran en los fondos de la Muestra de Arte Sonoro Español, trazando una ruta fiable en la selva de una expresión aún menos divulgada que la abordada en Peñarroya. Los interesados en la actividad contarán, entre el 5 de octubre y el 5 de noviembre, con exposiciones que incluyen esquemas, piezas, esculturas e instalaciones, o conferencias, debates y espectáculos varios, protagonizados por especialistas del ámbito universitario y artistas cuya producción merece el adjetivo histórica. Así, si tienen por costumbre repasar la agenda del día, no se limiten los actos programados en la capital: echen un vistazo, también, a lo que la provincia ofrece. A eventos más grandes, como los de Lucena o Peñarroya, se suman ciclos de teatro, recitales o conciertos que muchos quisiéramos para la capital, su público y sus aspiraciones. No andaba desencaminado Antonio de Guevara: con buenas ideas, con tesón, es posible conseguir mucho. | ||||||||
| Titulo | Poesia Experimental en Rusia | ||||||||
| Autor | R.F. | ||||||||
| Publicacion | Babelia / El País | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...Un lugar especial lo ocupa la línea de la poesía rusa para la cual el principal acontecimiento del siglo de plata no fue el acmeísmo, sino el futurismo. La mayoría de los autores para los que el principal interés en el futurismo estaba en la idea de la síntesis de las artes y la renuncia al logocentrismo abandonaron las fronteras de la poesía y avanzaron hacia la poesía visual, la soundpoetry, el performance. La interpretación del futurismo como el intento de liberar el significado del yugo de la norma del idioma dio en la segunda mitad del siglo pasado un maestro excelso como Guennadi Aigui.
Otro grupo está formado por autores para los que las principales fuentes de su poética se encuentran fuera de la tradición nacional rusa. Por ejemplo, el análogo ruso de la poesía objetivista personalizado en Stanislav Lvoski, Serguéi Timoféyev o Víktor Poleshchuk. Prácticamente todos los que escriben en verso libre en lugar del verso rimado y métrico integran este grupo sumamente heterogéneo. Paradójicamente, no está muy desarrollada en Rusia la poesía típicamente femenina, a pesar de haber tenido en el siglo pasado a clásicos como Ajmátova y Marina Tsvetáieva. Aunque hay muchas poetas, la mayoría no se ocupa de reflexionar de forma especial sobre los problemas de la mujer. Entre las excepciones podemos citar a Lisniánskaya, que dibuja con una extraordinaria fuerza emotiva el destino de la mujer como de entrega total al servicio de su hombre. Pero es en los versos de Vera Pávlova donde se reflejan con más amplitud y con exactitud psicológica los temas tradicionalmente femeninos del matrimonio al nuevo amor que conduce a la desintegración de la familia. En los últimos dos o tres años ha surgido una nueva generación de poetas. Entre los menores de 25 años hay autores que ya han abierto, según Kuzmín, una nueva página en la historia del verso ruso: Mijaíl Kótov, Ksenia Marénnikova, Yulia Idlis; caben destacar también Mariana Gueide, cuya poesía es cercana al metarrealismo; Iliá Kriger, con sus miniaturas en verso libre, y Dina Gátina, con su especial concretismo....//... | ||||||||
| Titulo | José Blanco / PV País Vasco | ||||||||
| Autor | Marta Nieto | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Un CD recoge la biografía y los trabajos de 18 poetas visuales que trabajan en el País Vasco. La nómina está prácticamente completa, ya que reúne "al menos al 90%" de quienes se dedican a esta minoritaria disciplina literaria en Euskadi, asegura José Blanco (Barakaldo, 1965), uno de los poetas de esta antología y editor también de la revista Metamorfosis (www.joseblanco.org). Ha sido la editorial Lupi (La Única Puerta a la Izquierda; www.lupieditores.com) quien ha sacado una tirada 60 ejemplares, que se distribuirán "por centros de documentación, museos, bibliotecas, fundaciones y universidades". La presentación del muestrario Realidad 2005, como se llama el CD, coincidió con la segunda celebración en Bilbao del día de la poesía visual que distintos autores instauraron el 26 de enero en 2005.
Pregunta. ¿Sirve para algo un día de la poesía visual? Respuesta. No sé si le sirve a la gente, pero a nosotros sí. Este es un mundo muy voluntarioso, se trabaja de forma amateur y este día es una fecha de referencia para reunirnos y para seguir la pista a lo que se está haciendo. P. ¿De qué salud disfruta hoy la poesía visual vasca? R. En el respaldo institucional que tiene, la salud es ciertamente precaria, ya que no existe ninguna ayuda. Hay compañeros que están intentando promover algo similar a los certámenes que se hacen en otras comunidades, pero por ahora no han recibido respuesta alguna de las instituciones. Pero, por otra parte, la salud creativa es excelente. P. ¿Tiene la impresión de que se hace más caso a la poesía visual en otras comunidades que en Euskadi? R. Sin duda. Por ejemplo, en Badajoz se celebra desde hace cuatro años un certamen de poesía experimental y también lo hay en Galicia, Cataluña, Canarias, etcétera. P. ¿La publicidad se acerca cada día más a la poesía visual? R. La publicidad siempre ha tomado elementos de la poesía, adaptando rasgos poéticos a las cosas que quieren vender. Pero creo que el lenguaje publicitario y el poético no se confunden. Y puede ser bueno para la poesía visual que la publicidad haga que el público se acostumbre al lenguaje poético. P. ¿El ordenador facilita la creación? R. Es una herramienta excepcional, que abre un gran campo a la poesía experimental. P. ¿Qué reclaman los poetas experimentales vascos? R. Que, para que nuestro trabajo tenga una difusión digna, las instituciones emplearan algunos medios para realizar, al menos, un catálogo. Que no tuviéramos que costearlo nosotros. | ||||||||
| Titulo | Oskar Pastior fallece | ||||||||
| Autor | SANDRA ELLEGIERS | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Oskar Pastior, poeta, el "ago de la palabra" alemana
Oskar Pastior, de 78 años, era originario de Transilvania, pero vivía desde 1969 en Berlín. Traductor al alemán de la obra de Petrarca, adquirió notoriedad en Alemania con su obra experimental inspirada en el dadaísmo, Lautmalereien (Pinturas en voz alta). Fallecióla semana pasada en Francfort."Descubridor de palabras", "cocinero de textos", "mago de la palabra", "acróbata de la palabra", "viajero en el universo de las palabras". La literatura alemana perdió la semana pasada al más creativo y juguetón de la lengua alemana, al poeta Oskar Pastior. Tenía 78 años. El 21 de octubre este reinventor de la lengua germana hubiera recibido de la Academia de la Lengua y Poesía el Premio Georg Büchner, la más célebre distinción que existe en Alemania para la literatura. Pastior, de quien circulan pocos libros, falleció de manera literaria, leyendo sentado a una mesa en casa de sus amigos que le acogieron en Francfort. Había viajado a esta ciudad desde Berlín, donde vivía en una habitación que alquiló de una galerista. El poeta quería leer junto a la escritora rumana Herta Müller en la feria del libro de Francfort textos sobre la deportación de alemanes rumanos a Ucrania durante la II Guerra Mundial. Con su colega pasó últimamente la mayor parte de su tiempo, todos los días desde las tres de la tarde hasta las diez de la noche. Escribían juntos una novela sobre aquella deportación, con elementos autobiográficos. Oskar Pastior nace en 1927 en Herrmanstadt, hoy Sibiu, en Rumania. Pertenece a una minoría alemana en un territorio que sería ocupado por los nazis. En 1944 es deportado a un campo soviético. Durante los cinco años siguientes aprende el ruso y, de otros trabajadores forzados, todos los regionalismos del alemán del Este. Regresa el poeta en 1949 a Rumania, donde le obligan a tres años de servicio militar y estudia filología germánica después. Trabaja de redactor para el programa alemán de la radio estatal rumana en Bucarest. A pesar del éxito como poeta, escapa Pastior en 1968 del totalitarismo rumano durante un viaje a Viena sin despedirse ni siquiera de su mujer, y se instala en Berlín occidental. Se aloja un año en la casa de su editor alemán, Michael Krüger (Hanser). Celebra sus primeros éxitos en Alemania con Palabras abiertas (1964) y Poesías (1966). Los tres totalitarismos que experimentó Pastior personalmente y la experiencia de la radio marcan su poesía. En primer lugar, le hacen sentir los límites de la libertad de la existencia, y, en segundo lugar, los marcos de la palabra. De ello huyó Pastior y encontró la libertad en una poesía que recreaba sus propias reglas de lenguaje, sus ritmos y sonidos. El alemán de este "mago de las palabras" se alimentaba, además del rumano, del húngaro, ruso, francés, inglés y de los regionalismos alemanes que conoció en la prisión rusa. Este poeta, cuya obra tiene raíces en el dadaísmo, "amplió la capacidad de expresión" del alemán, dijo el crítico literario Denis Schenk. Para el lector significa primero un esfuerzo entrar a aquel mundo de las letras de Pastior, la onomatopeya que no se tradujo al español. Este mundo parece hermético al principio y luego, una vez en él, resulta sencillo, inspirador y cómico. Según Schenk, "el lector percibe que es capaz de emanciparse de lo conocido", se da cuenta de que el habla transforma la lengua. El tono, el ritmo de las frases y la musicalidad del lenguaje puede cambiar todo el sentido de las palabras. En opinión de la ex ministra de Cultura Christina Weiss, Pastior influenciaba "las visiones del mundo" al experimentar con el lenguaje. La obra de Pastior dependía de su propia voz, porque "hacía perder la cabeza a quienes le escuchaban recitar", dijo Weiss tras su muerte. La ex ministra elogiará al desaparecido, quien destacó asimismo por la traducción del renacentista Petrarca al alemán, el día de la celebración de la entrega del Premio Büchner. Sus palabras de agradecimiento ya estaban escritas y serán leídas por otra persona. Weiss cuenta en un artículo publicado por el periódico Die Welt que Pastior quería comenzar con una imagen de su región natal. Describía la manera de pelar una cebolla: hay que abrirlas y quitar un trozo tras otro del centro hacia fuera. Pastior borró la metáfora introductoria. Otro escritor alemán ya la utilizó, Günter Grass, en sus memorias Pelando la cebolla.- | ||||||||
| Titulo | Muere Oskar Pastior | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Terra Actualidad - EFE | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | Muere en Fráncfort el poeta experimental Oskar Pastior
El poeta experimental Oskar Pastior, ganador del Premio Georg Büchner, murió esta madrugada en Fráncfort (oeste de Alemania) a los 78 años de edad, informó la editorial Hasser en la Feria del Libro de esta ciudad. Pastior, considerado heredero del movimiento Dadá y cuya obra no ha sido traducida al español, se encontraba en Fráncfort para asistir a la feria del libro más importante del sector. Entre sus obras destacan 'Offene Worte' (Palabras abiertas), 'Ein Tangopoem und andere Texte' (Un poema tango y otros poemas), 'Anagrammgedichte' (Poemas anagramas) y 'Villanella & Pantum. Gedichte' (Villanella y Pantum. Poemas). El pasado 14 de mayo, la Academia Alemana de Lengua y Literatura le otorgó el Premio Georg Büchner, el galardón literario más importante de Alemania, por su creación de una obra de gran radicalidad y variedad, que le ha revelado como un 'metódico mago del idioma'. Pastior, destacado traductor al alemán del poeta renacentista italiano Francesco Petrarca, ha experimentado en su poesía con juegos de palabras como anagramas o palíndromos, así como con poemas onomatopéyicos. Otra línea de trabajo de Pastior han sido los poemas políglotas en los que mezcla raíces y palabras de diversos idiomas como el alemán, el rumano, el húngaro, el ruso, el francés o el inglés. El escritor, que nació en 1927 en Rumanía, donde pertenecía a la minoría de lengua alemana, residió hasta su muerte en Berlín. En 1945, Pastior fue deportado a la Unión Soviética, donde estuvo cuatro años condenado a trabajos forzados. Posteriormente, estudió filología germánica y en la década de los sesenta trabajó en una emisora de lengua alemana en Bucarest hasta 1968. Pastior aprovechó un viaje de estudios a Viena para huir de la órbita comunista y radicarse en Berlín Occidental. | ||||||||
| Titulo | El museo como escenario / Fluxus, Duchamp,... | ||||||||
| Autor | Angela Molina | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte postal,Arte de accion,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | ...O DE COMO DESDE FLUXUS A DUCHAM, PASANDO POR LEON FERRARI, MUNTADAS Y EL MAIL ART, EL POEMA OBJETO Y LA POESIA VISUAL, ... LA OBRA AL SALIR DEL MARCO Y AL DESCOLGARSE DE LA PARED SE CONVIERTE EN UN ARTE ESCENICO.
La teatralidad va más allá de la producción de significado en escena. Es un acontecimiento político desde la resistencia De todas las artes ligadas a la construcción de sentido y pensamiento, el teatro se presenta como un lenguaje especialmente diseñado para combatir la alienación, la mundialización y la expansión capitalista. Las recientes censuras y autocensuras en las herméticas y maniqueas tablas de nuestra micro y macropolítica demuestran cómo los dramaturgos/intérpretes que actúan mientras dirigen una contienda con el público no evitan que la representación acabe en discusión real. La teatralidad va más allá de la producción de significado en escena. Es un acontecimiento político desde la resistencia, una expresión siempre en dirección contraria capaz de producir subjetividades alternativas y significados a partir de un lenguaje ancestral que remite a la antigua medida del ser humano. El convivio de lo teatral apunta a la escala de lo corporal y al territorio. Es volátil, porque se consume en el momento de su nacimiento. No es la idea realista de una copia de la vida, sino una experiencia vital intransferible, antídoto frente al artificio de lo social (Debord) y herramienta de asunción del horror pasado y presente. Fruto de esa ubicuidad, la teatralidad aparece en expresiones y espacios que no le eran propios, como la literatura, la religión, la ciencia, la política, la biografía. Pero ha sido en el ámbito de los museos y el arte contemporáneo donde este concepto se ha reforzado con más imaginación. Frente a la idea de "visión", que hasta mediados de los sesenta garantizaba a la modernidad la autonomía del objeto, surge la "narración", que sitúa el lugar del sujeto en múltiples experiencias relacionadas con el modelo escénico y la teatralización de la realidad, pues el espectador es interpelado como elemento estructural y agente de la obra. En su visión minimalista -en contraposición con el poder de los mass media-, las prácticas teatrales exaltan la reconstrucción y medida del sujeto en el momento del fracaso de lo político. En esta actitud desafiante frente a la historia del arte moderno, dadaístas, futuristas, situacionistas, el movimiento Fluxus, y autores como Samuel Beckett, Bruce Naumann, Antonin Artaud, Carl André, Marcel Broodthaers, Dan Graham, Dieter Roth o James Coleman, son fundamentales para entender la vigencia aurática del teatro (la presencia de los cuerpos de artistas, técnicos y público) en la plástica de los últimos cuarenta años, cuando la mediación -del cine, fotografía y documentación sonora- suplanta a la reproducibilidad. Todo este crisol de sombras, de impresionante economía, tendrá dentro de unos meses su puesta en escena en la muestra Un teatro sin teatro que el historiador Bernard Blistène prepara para el Macba. Es en este contexto donde la colección del museo barcelonés -presentada el pasado día 22 de la mano de su director de escena, Manuel Borja-Villel, con ochenta nuevas adquisiciones, entre compras, donaciones y depósitos- se convierte en un ensayo general de esa nueva significación del concepto de teatralidad, la que lo relaciona con las nuevas condiciones culturales mundiales y su valor relacional y de resistencia. A las dos plantas del edificio de Richard Meier se ha sumado un nuevo y definitivo espacio expositivo, La Capella Macba; en él, Borja-Villel sitúa religiosamente a autores cuya obra se desarrolló durante los años cincuenta y sesenta y que representan una cierta "edad de oro" de nuestras vanguardias: Cy Twombly, Lucio Fontana, Henri Michaux, Tàpies, Oteiza, Palazuelo, Motherwell, Calder, Philip Guston y Joan Colom. En la zona de acceso al Macba el espectador entra en escena: la pieza central de Öyvind Fahlström, Meatball Curtain (1969), invita a la interactividad y sirve de nexo entre La Capella y el edificio del museo, cuya primera planta presenta una selección de la colección Bombelli, con los trabajos in situ ligados a la galería Cadaqués. En este punto, encontramos los nuevos modelos narrativos de un arte moderno que coloca al espectador y al autor frente a una nueva dimensión autocrítica ligada al cuestionamiento de "lo institucional". Marcel Broodthaers, y sus precursoras pinturas literarias, y Jo Spence (Beyond The Family Album) se alían con el activismo catalán del Grup de Treball, Francesc Abad y el colectivo formado por Daniela Carnevale, Roberto Jacoby, Eduardo Favario y León Ferrari, que en 1968 denunció en la exposición Tucumán Arde las condiciones de la crisis económica de la provincia argentina; documentos, fotografías, panfletos y periódicos demuestran cómo la teatralidad es un lenguaje de resistencia especialmente diseñado para los discursos subalternos, en particular latinoamericanos. Antoni Llena, Muntadas, Dan Graham, Ed Ruscha y James Coleman (Slide Piece, 1972-1973, y La Tache Aveugle, 1978-1990) exploran los procesos de percepción. Y entre las creaciones de las dos últimas décadas, las transparencias retroiluminadas de Jeff Wall y sus "escenificaciones" de la vida cotidiana en el terrain vague de las grandes ciudades comparten los espacios escultóricos de Juan Muñoz (The nature of visual illusion, 1994), llenos de trucos visuales y provocaciones al espectador. Otros métodos teatrales se sirven del documento y el archivo (Pedro G. Romero, Mabel Palacín, Maja Bajevic, Alejandra Riera) y el cine de exposición, antítesis del paralizante cubo blanco, que en los casos de Harun Farocki (Eye/Machine) y Krsztof Wodizcko (If you see something say something) remiten a las nuevas formas de espectáculo y control que constituyen una especie de "inconsciente tecnológico", y que sólo otro "inconsciente" dotado de semiosis ilimitada como el teatro es capaz de combatir. Contra la univocidad (y muerte) de lo real, sus metáforas. | ||||||||
| Titulo | Arte cacereño por Palestina | ||||||||
| Autor | RUFINO VIVAS | ||||||||
| Publicacion | El Periódico | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | El arte cacereño alimenta la paz en Palestina
Quince artistas donan sus obras para un proyecto de ayuda en la franja de Gaza. El arte hecho solidaridad. Aunque la frase suene a tópico, la unión de 15 artistas cacereños logrará que 158.000 familias palestinas de la franja de Gaza puedan recibir alimentos a través del Comité Español de la Unrwa, la agencia de Naciones Unidas para los refugiados de Palestina en Oriente Próximo. En la exposición titulada Arte por la paz , inaugurada anoche en el Museo de Cáceres hasta el 12 de noviembre, participan Perico Valhondo, Lourdes Murillo, Mariano Muriel, Javier Alcaíns, Matilde Belvís, Toni Barroso, Antonio Gómez, Luis Costillo, Marina Martín, Pepe Higuero, César David, Antonio Orihuela, Juan Manuel Barrado, Sebastián y Antonio Sarró. Fotografías, pintura y poesía visual en 16 obras donadas por sus autores con precios que oscilan entre los 400 y 700 euros. El objetivo de los organizadores se centra ahora en llegar a recaudar 6.000 para un programa urgente de alimentos de la Unrwa en Gaza, donde viven 1,5 millones de palestinos en condiciones extremas. Esta agencia trabaja desde 1949 con casi 4,5 millones de refugiados palestinos en el mundo repartidos entre Siria, Líbano, Jordania y en la franja de Gaza y Cisjordania. A la apertura de la muestra acudió ayer Eduardo Reneses, director del comité español de Unrwa, que destacó el apoyo del grupo de artistas al proyecto solidario con Palestina. Su radiografía de la situación humanitaria en la franja de Gaza fue desoladora: "Hay unos problemas enormes para la entrada de personas y alimentos. Los niveles de desnutrición infantil son muy altos, igual que el desempleo y para que los niños vayan a las escuelas". Movilización conjunta Esta difícil situación y la reciente guerra del Líbano animó al gremio cacereño a movilizarse el pasado verano. "Hablamos en agosto y pensamos que había que hacer algo", afirmó Juan Manuel Barrado, poeta visual y uno de los impulsores de la iniciativa que pretenden trasladar a Madrid o París. El responsable de la Unrwa agradeció la "especial sensibilidad" de los participantes por su apoyo a causas humanitarias como la de Palestina y destacó la calidad de sus obras: "Son preciosas y animo a los ciudadanos a que vengan a verlas y que, si adquieren alguna, sepan que van destinadas a un proyecto de emergencia". Sobre la situación real en los territorios autónomos, hizo hincapié en que "es imposible entender lo que ocurre en la franja de Gaza y Cisjordania si no se vive" y puso como ejemplo el muro que separa Palestina de suelo israelí. Acudir al trabajo o a un centro de salud se convierten en misión imposible para estos refugiados. "Es imposible porque hay que cruzar ese muro. El impacto es tremendo", señaló. Los artistas cacereños, aunque lejos, han conseguido superarlo. | ||||||||
| Titulo | Taller Infantil: Libros de artista | ||||||||
| Autor | Lois Pardo | ||||||||
| Publicacion | Nota de Prensa | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | TALLER INFANTIL DE LIBROS DE ARTISTA
OTROS LIBROS (esta vez para niños/as) Despues de más de 3 meses, se va a cerrar el programa Outros libros-Otros libros, que dio comienzo allá por el mes de junio con la exposición Outros libros - Libros de Artista de José Emilio Antón, en el Museo Municipal de Ourense. Proponemos en esta ocasión un Taller infantil de Libros de Artista que empezó en el día de ho (2 de octubre) y se llevará a cabo hasta el próximo 5 de octubre, de 18 h. a 20 h. en la Biblioteca Pública de Ourense (Sala Infantil). Se cierra así el ciclo de actividades alrededor de esta disciplina artística, que, además de traer la exposición del artista visual afincado en Madrid a nuestra ciudad, convocó un Taller a finales de junio impartido por Ángel Sanz Montero y Javier Seco Goñi, en el que participaron una docen de artistas locales. De aquel evento sale el coordinador de este Taller infantil, que va a ser Xosé Poldras, artista ourensano licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, habiendo obtenido una Beca de Doctorado para cursar estudios de Postgrado en la Academia de Arte S’Hertogembosch, Holanda. La actividad, organizada por abana eventos, es gratuita, merced a la colaboración de la Consellaría de Cultura e Deporte y el Concello de Ourense, que además contaron con la colaboración de la Biblioteca Pública de Ourense y del Campus de Ourense. Fdo.: lois pardo Comisario Outros libros | ||||||||
| Titulo | Encuentro de Poesía Visual Peñarroya | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | EFE | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | El Encuentro de Poesía Visual de Peñarroya convocará a una docena de creadores
córdoba. El primer Encuentro de Poesía Visual, que se celebra en la localidad cordobesa de Peñarroya-Pueblonuevo del 6 al 8 de octubre, reunirá a doce artistas nacionales que intentarán "poner orden, pero no límites" a esta disciplina artística, según el director del Centro de Poesía Visual (CPV), Francisco Aliseda. Aliseda aseguró que la poesía visual es "un lenguaje experimental y horizontal, que no tiene nadie en la cúspide que marque tendencias" y afirmó que "en el terreno hay una interrogante, decir qué es la poesía visual y sus límites". Aliseda insistió en que esta expresión artística "actualmente no tiene límites" e incluye manifestaciones que van desde el land-art hasta las performances corporales, por lo que "es un debate que está abierto pero que no tiene solución, porque no tiene límites". "La poesía visual siempre se ha considerado como un capricho retórico o visual, como algo no clasificable", reconoció Aliseda, aunque "en nuestra vida cotidiana estamos rodeados" de este tipo de poesía y "sólo hace falta mirar para encontrarla". La publicidad es uno de los ámbitos donde se encuentra esta disciplina, pues "los publicistas se inspiran en la poesía visual para comunicar mejor los conceptos", a través de mensajes que mezclan la letra escrita, el color, la música y la imagen en movimiento, entre otros lenguajes. El encuentro, que se celebrará en la Biblioteca Municipal, ubicada en el Parque Carbonífera, arranca el 6 de octubre con la presentación de la acción de J.M. Calleja A E I O P S, mientras que a continuación se celebrará una de las dos mesas redondas que se incluyen en la cita. En esa ocasión, bajo el nombre de ¿Qué es la poesía visual?, los artistas J.M. Calleja, Rodolfo Franco, Juan Rosco Madruga y Pablo del Barco tratarán de "fijar qué es la poesía visual en España, donde tiene unas características muy diferentes a las de otros países", aseguró el director del CPV. El primer día del encuentro continuará con la exposición de Juan Rosco Madruga El tercer discurso, el recital con música de José Blanco Noticias de todo el mundo y el recital de Jon Andoni Goikoetxea Poesía Reversista: El idioma de la especie. Las actividades del sábado comenzarán con la exposición La vanguardia antes de la Vanguardia, de Rafael de Cózar, para continuar con la de Rodolfo Franco, Un acercamiento a la poesía visual de cariz tipográfico, y con Poemas de Acción, de Antonio Gómez. También ese día, Julián Alonso realizará su exposición Estilos y recursos literarios en la Poesía Visual, Yolanda Pérez Herreras pronunciará la ponencia Díptico, visto lo visto y llevará a cabo la acción Díptico, Pepe Murciego presentará la acción Antifaz-ismo 1 y Pere Sousa traerá su recital Dadá Phonem. Las actividades previstas para el último día del encuentro incluyen la obra de J.M. Callejas Huellas. Poemas 1974-2004), la exposición Mira tu poesía de Pablo del Barco y la mesa redonda sobre La situación actual de la Poesía Visual en España, en la que participarán Pepe Murciego, Antonio Gómez, José Blanco, Julián Alonso y Rafael de Cózar | ||||||||
| Titulo | Poesía Sonora / Sensxperiment | ||||||||
| Autor | Marisa Montes | ||||||||
| Publicacion | El Día de Córdoba | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Poesia experimental,Polipoesia,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | El Sensxperiment de Lucena rinde tributo al arte sonoro español
El encuentro se desarrollará del 5 de octubre al 5 de noviembre de forma simultánea en la localidad y la capital cordobesas El Encuentro Internacional de Creación Sensxperiment 2006, organizado por la asociación cultural Weekend Proms, ha dedicado este año su octava edición a la Muestra de Arte Sonoro Español (MASE), que estará presente en la cita a través de múltiples actividades relacionadas con esta materia y llevadas a cabo por artistas de España o que han realizado sus obras en el territorio español. Diversos espacios en Córdoba y Lucena acogerán a partir de la semana que viene exhibiciones, audiciones, mesas redondas, conferencias y recitales en torno a esta experiencia artística, cuyos orígenes se remontan a las prácticas radiofónicas del escritor Ramón Gómez de la Serna en los años 20 del siglo pasado. A estas prácticas se añade la aportación que supuso el postismo, movimiento en el que se integraron otros artistas como Carlos Edmundo de Ory y Jesús Juan Garcés, promoviendo un tipo de poesía experimental. Las obras de arte sonoro –que han cristalizado en poesía fonética, esculturas, instalaciones sonoras, performances o soportes multimedia–, mostrarán a lo largo de estos días el variado panorama existente en España. El programa comenzará el próximo jueves en el Círculo Lucentino de la localidad cordobesa, con una conferencia a cargo del comisario de la Muestra Mundial de Arte Sonoro Español, José Iges. En el Castillo del Moral estará instalado un punto de información sobre artistas y actividades, que resolverá las dudas de los asistentes hasta la hora de la mesa redonda de Arte Sonoro: su expansión en España, que a partir de las 19.00 pondrá en comunicación a representantes de esta disciplina: Concha Jerez, J. M. Berenguer, Lugán, Valcárcel Medina y José Iges. El 6 de octubre las actividades se extenderán a la capital con un acto inaugural de exposiciones en la sede de la Fundación Antonio Gala, el Museo Regina, el Palacio de Orive, la Consejería de Cultura y el Colegio Oficial de Arquitectos. En la Fundación Gala estarán Isidoro Valcárcel Medina mostrando esquemas, guiones, partituras y piezas de audio; José Antonio Orts su instalación Fábrica de Melodías; Lugán su Bosque de Mensajes; Concha Jerez su Jardín de Palabras Escritas y José Manuel Berenguer la escultura Transfer. En el Museo Regina, Mikel Arce expondrá su instalación y en el Colegio de Arquitectos, Fernando Millán ofrecerá la muestra Iconosonoridades, que incluirá una conferencia y un recital. El 13 de octubre en la sala La Buhardilla de Lucena se inaugurará la muestra de Guillermo Lorenzo, que también ofrecerá la instalación Cumulatio Fracta en el Castillo del Moral. Al día siguiente, la sede de la Consejería de Cultura albergará performances y karaokes de este mismo autor. El viernes 20 Bartolomé Ferrando será el encargado de mostrar vídeos de performances en el Colegio de Arquitectos, y Xavier Sabatés de ciberpoesía catalana, a través del colectivo La Papa. El 21 de octubre comenzará el Encuentro sobre Poesía Sonora en España en el Círculo Lucentino con algunos de los artistas antes mencionados. El 27, el Conservatorio Profesional de Música de Lucena acogerá un encuentro con los representantes de los centros públicos de formación y producción de arte sonoro en España, entre ellos J. A. Sarmiento (Facultad de Bellas Artes de Cuenca), M. Molina (Facultad de Bellas Artes de Valencia) y M. Arce (de la Universidad del País Vasco). Por último, como clausura, el 4 de noviembre a partir de las 21.00 se presentará en el Palacio de Orive el catálogo de la Muestra Mundial de Arte Sonoro Español (MASE). | ||||||||
| Titulo | Mingotes, la expresión de las piedras | ||||||||
| Autor |
RUBÉN SUÁREZ | ||||||||
| Publicacion | PRENSA ASTURIANA | ||||||||
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| Sinopsis | ......a menudo se cita a Brossa a propósito de sus creaciones, el poema objeto, la poesía visual, las yuxtaposiciones de objetos dispares, encuentros imposibles de los surrealistas, o los objetos encontrados duchampianos. Personalmente, sin embargo...//...
En sus exposiciones, el gijonés Mingotes siempre consigue hacernos disfrutar y pensar porque, uniendo lo poético y lo plástico, suele plantear un discurso filosófico-popular que nos seduce con el ingenio de sus propuestas y nos invita luego a la reflexión sobre el sentido de la existencia y de lo cotidiano. Ya se sabe que a menudo se cita a Brossa a propósito de sus creaciones, el poema objeto, la poesía visual, las yuxtaposiciones de objetos dispares, encuentros imposibles de los surrealistas, o los objetos encontrados duchampianos. Personalmente, sin embargo, y sin negar su parentesco con esas tradiciones, siempre he encontrado en las creaciones de Mingotes peculiaridades que las diferencian en buena medida de las contenciones del género. Su obra es más bien una empresa solitaria y el artista acredita un personal modo de relación con los objetos, un idioma privado para comunicarse con ellos y una especial ternura para extraer de ellos sus significados ocultos. Su actual exposición en la galería Cornión tiene más del sencillo encanto del juego que de elaboradas paradojas objetuales. Y por eso, en vez de descontextualizar, como sucede en los poemas-objeto, Mingotes contextualiza. Recoge piedras, pequeños guijarros que trae el mar y están formados en la erosión, o trozos de alguna pieza de cerámica rota, y con una intervención mínima, o ninguna, el artista les infunde una nueva vida, pierden su carácter inerte y se hacen expresivos, elocuentes, convertidos en perros, hipopótamos, pájaros o diminutos barcos a punto de zozobrar en un mar denso y negro sobre cuya línea del horizonte emerge como la cabeza del perro enterrado de Goya. | ||||||||
| Titulo | Juan Hidalgo | ||||||||
| Autor | Jesús Hernández | ||||||||
| Publicacion | La Opinión /Diario de Zamora | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Poesia experimental,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | BIENAL CIUDAD DE ZAMORA
Juan hidalgo, "artista invitado" a la Bienal de Pintura de Zamora: «Los cánones artísticos los cambiamos poco a poco, como las ruedas de un coche. Tienen su gracia» «Santificamos el mercado por incultura. Yo no quiero ofender a nadie, pero es así» Es "artista invitado" en la Bienal de Pintura de Zamora. Juan Hidalgo (Las Palmas de Gran Canaria, 1927), que se expresa de variadas formas artísticas, recibe el homenaje del certamen. El fundador del Movimiento ZAJ, vanguardia sobre vanguardia, presenta su obra conceptual, que tal vez no está hecha para ciertas miradas y entendimientos, en la sala de la Biblioteca Pública del Estado. El veterano creador habla, en tono libre, sobre unas y otras cuestiones. La crítica también posee un matiz irónico. JESÚS HERNÁNDEZ - Lo suyo es conceptualismo. Al menos, ahí le inscriben. Y algunos aseguran que Juan Hidalgo es el gran "pope" de la cosa. - También hablaron de gestualismo... Yo soy accionista. Realizo acciones, que es un tipo de espectáculo visual que se hace ante un público. Me gusto realizarlo en una tarima o en el escenario de un teatro. No tiene nada que ver con el actor teatral. Esas acciones se denominan, frecuentemente, "perfomances". Pero eso es equivocar a la gente. La acción es algo más simple y lo otro resulta mucho más rebuscado, con un hilo conductor y una cantidad de elementos distintos. - Una acción puede ser... - Salir, ponerse delante de un público, estar veinte minutos sin decir una palabra y al final exclamar: "¡Olé!". - Siempre estuvo en la vanguardia artística. Así lo refleja su trayectoria. ¿La vanguardia ya no es lo que era...o falta perspectiva para lo último? - Yo creo que mientras haya gente viva habrá de todo. La vanguardia fue un nombre que se dio, en cierto momento, a un cambo técnico dentro del mundo de la cultura creativa artística. Y ese nombre ha pasado de moda. Hoy en día cada uno hace lo que puede. Yo creo que lo más interesante es esto: realizar lo que debe hacerse. Y las cosas serán más vanguardistas o más modernas, más conocidas o más desconocidas. - Artista multimedia: grabado, composición musical, fotografía, "instalación", poesía, teatro, pintura... Una rica trayectoria, donde brilla la heterogeneidad. ¿Un renacentista del siglo XXI? - He hecho, sobre todo, cosa objetual. Soy un artista multidisciplinar. Y podría ser, sí, un renacentista del siglo XXI. Como diría Leonardo Da Vinci, soy un manierista del siglo XX. La gente confunde el manierismo. Piensa que es amaneramiento. Y no. Es hacer las cosas a mi manera. - ¿Las vanguardias cambian la sensibilidad del público? - No. Son las aportaciones de cada artista, en cada época, quienes producen los cambios. - ¿Le gusta ir "contracorriente"? - No me interesa demasiado. Me da igual. Los demás pueden verme, en algún momento, de esa manera... Pero yo paso de todo eso. - ¿Qué fue lo mejor de aquel Movimiento ZAJ, fundado en 1964? - El día que se nos ocurrió crearlo. Walter Marquetti, Ramón Barce y yo nos reunimos y decidimos realizar un trabajo creativo diferente a cuanto se hacía en España. Marquetti y yo veníamos de Italia, y ya habíamos trabajado en ese campo. Nos encontramos con Barce, en Madrid, y determinamos buscar un nombre, que fuese monosílabo, sin connotaciones de ningún tipo. Y encontramos ZAJ, que no significa nada. Muy español, pero nada. - ¿La experimentación es la reflexión activa? - La palabra experimentación no me llena demasiado. - ¿Por qué? - Porque cualquier cosa que uno haga, siempre, es experimentación. No resulta algo específico. No se trata de algo para lo que uno tenga que preparase o trabajar para hacer algo. No me seduce al cien por ciento. No pierdo el tiempo experimentando. - ¿Cómo lleva eso de disponer de espacio expositivo propio -es el único artista vivo- en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo "Reina Sofía" de Madrid? - Me asombra un poco... Y puede ser que yo sea el artista más viejo, y vivo, de cuantos se hallan en el "Reina Sofía". Porque yo nací en 1927. Una edad avanzada. No está mal. - ¿Ser heterodoxo en España ya no se mira de manera ceñuda? - No. Ya no. En España, por fortuna, a pesar de la Santa Sede, hay unas libertades mayores, donde se aceptan las cuestiones sexuales. Eso está bien. Hay una comprensión y una libertad. Un respeto. Yo pienso que lo principal, en la vida, es el respeto: saber respetar a los demás. En lugar de hablar de democracias, dejémonos de tonterías, respetémonos.Y, entonces, no pasa nada. Todo el mundo estaría feliz y tranquilo. - Heredamos cánones. ¿Por qué no los cuestionamos? - Los cambiamos poco a poco, como las ruedas de un coche. Aquí hacemos eso. - ¿Y para qué sirven? - Tienen su gracia. Siempre existirán. Pero los de hoy no serán los de mañana. - En arte, ¿hay muchos diosecillos? - ¡Uff! Muchos, muchos. ¿Usted no ha conocido a ninguno, aquí mismo? Eso es una pérdida de tiempo. El que se entretiene con eso, pierde el tiempo... No sé si usted le hizo alguna entrevista a Félix de la Concha, por ejemplo, que estuvo por aquí. - Se la hice. - Pues ése es uno de ellos... Lo conozco de Madrid y hemos sido amigos. Siempre es igual. Tiene el problema de que como es así, pequeñito, delgado... Ya sé que aquí dio mucha guerra. Eso me han dicho. Ganó mucho dinero y se lo pasó bien. - ¿Por qué santificamos el mercado? - Por incultura. Yo no quiero ofender a nadie, pero es así. - Del fracaso se aprende. ¿El fracaso ensaña más que el éxito? - Yo creo que son las dos caras de la misma moneda. - ¿Usted cree, como el cineasta Mel Brooks, que «el buen gusto no existe»? - Son cosas muy ambiguas. No puede existir buen gusto sin mal gusto, y al contrario. No hay nada completamente positivo ni nada absolutamente negativo. Todas las cosas tienen el yin y el yan. Siempre existe un pequeño equilibrio... Se puede hacer "kits", que es el arte del mal gusto. Yo siempre he soñado con disponer de una habitación, si contase con una casa grande con muchas estancias -y alguna que me sobrase, así como dinero suficiente-, dedicada al "kits". Todos los objetos allí dispuestos tendrían que ser horrorosos. Terriblemente. Y sería algo de una belleza extraordinaria. Pero no es lo mío. - ¿Lo de Zamora´ - No asustará a nadie. Cosas normalitas. Más irónico que cansado Ahí donde lo ven, como un apacible setentón, más irónico que cansado, de paso lento y mirada vivaz, es un transgresor con su arte conceptual. El quita importancia a su actitud estética, que también es ética, y sólo habla de manierismo. (Esto es: el que hace las cosas a su manera). Se clasifica como "artista multimedia" (música, plástica, poesía), que no pone fronteras, empalizadas, mojones a la creación. Siempre hay interconexiones e influencias. Y se sabe minoritario, por qué no, pues las vanguardias nunca entusiasmaron a la masa. Esta suele necesitar mucho tiempo para asimilar, y aún así... Después pontifica. O descalifica, que es arte arraigado en el personal celtibérico. Desmitificador, o así, se apunta. Cuando describe la poquedad de la existencia o cuando plasma la realidad del sexo. Porque también es un compositor que tiene buen oido para la vida que pasa... y acaba: materia o espíritu. Interpreta lo anti-normativo y lo anti-acomodaticio. O lo anti-convencional. Eso era, antes, libertad. Sin añadiduras, que hacen otros caldos. ¿Pero quién le asegura un sitio en la (pequeña) historia a los adelantados? | ||||||||
| Titulo | ¡¡Merda¡¡ Obra de Brossa robada | ||||||||
| Autor | A.P. | ||||||||
| Publicacion | Página 12 | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Manos anónimas robaron una obra de una muestra de Joan Brossa en el Centro Cultural Recoleta. El artista catalán, creador de imágenes, de poesía visual y de mensajes construidos con objetos, un transformador del lenguaje, expone su antológica itinerante De Barcelona al nuevo mundo con obras de la Fundación Joan Brossa, tras su paso por Chile y por Brasil. Un grupo de artistas argentinos dialogan con Brossa con sus propuestas de poesía visual en otras salas del Centro Cultural.
La obra robada es una condecoración nazi en un estuche original, en el que el artista escribió la palabra Merda (mierda). La obra tiene escaso valor económico y nulas posibilidades de comercialización. El robo parece tener contenido político: un nazi rescata una condecoración nazi de un museo donde se ironiza y se repudia su sentido. Un argentino simpatiza con los criminales contra la humanidad y rescata su legado siniestro. Nada nuevo bajo el sol. ¿Qué decir a Cataluña, que recibió a miles de argentinos exiliados que tuvimos así la suerte de conocer, entre otras, la obra incisiva e irónica de uno de sus mayores artistas, Joan Brossa? ¿Cómo explicar que la “culta” Buenos Aires esconde entre sus pliegues personajes que reivindican el fascismo atacando alevosamente la obra y el pensamiento de quienes lo repudian de modo singular? ¿Cómo devolver a Barcelona el resto de la obra de Brossa mutilada, sin su gesto sencillo de desprecio por los símbolos nazis, por el militarismo, por el autoritarismo, expresado en esta obra–objeto que ha desaparecido? En otra sala del Centro Cultural Recoleta, un grupo de trece artistas latinoamericanos estamos exponiendo nuestro trabajo sobre los desaparecidos en América latina. Asumo su representación como artista porteño en esta muestra, y en nombre de todos expreso nuestra solidaridad con Joan Brossa y con su obra desaparecida en las mismas manos que al reivindicar el terrorismo de Estado nos están diciendo que están dispuestos a hacerlo de nuevo, a desaparecer primero las obras y después las personas. ¡Visca Catalunya! ¡Solidaridad con Brossa! ¡Merda al fascismo! * Artista plástico. | ||||||||
| Titulo | Poegramas Revista Poesía Visual | ||||||||
| Autor | G.B. | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | La primera revista de poesía visual y experimental creada en Cantabria acaba de ver la luz impulsada por el equipo responsable de La Ortiga y Editorial Límite, bajo el título de 'Poegramas'. Esta producción cultural y editorial adopta el singular formato de la colección 'Los pliegos de La Ortiga', surgida el año 2002. La periodicidad de la nueva revista será semestral, su edición consta de 300 ejemplares e incluirá creaciones que requieran el uso de cuatricromías.
La nueva revista que acaba de nacer, se enmarca en la especial atención que 'La Ortiga' viene dedicando, prácticamente desde sus inicios, a la poesía visual y experimental, y que tiene claras manifestaciones en algunas de sus múltiples series: 'Hojas Sueltas' y 'Señaladores' (1998), 'Infolios del ojo' (carteles, 1999), 'Tarjetas de la Visión' y 'Dípticos y Polípticos' (2000), 'Los libros del laberinto' (2001) y los 'Cuadernos de Poesía de La Ortiga' (2003), así como su empleo como un importante recurso iconográfico, caso de algunos monográficos. Esto ha llevado a los responsables del proyecto cultural de 'La Ortiga', en su acuerdo de colaboración con el Aula de Letras de la UC, que dirige el profesor Ramón Maruri, a proponer la creación, conjuntamente, del Primer Taller Estable de Poesía Visual y Experimental existente en Cantabria, el cual, pese a su incipiente fundación, «ya está despertando uncreciente interés ciudadano por el experimentalismo poético, al tiempo que ya se empiezan a dejar ver sus fructíferos resultados». Una eficacia que tal vez se derive de la solidez del ambicioso programa que lo sustenta y que tiene entre sus principales objetivos: «contribuir al impulso y desarrollo de la poesía visual mediante programas de formación teórico-práctica, intervenciones poéticas en espacios públicos, realización de exposiciones, organización de conferencias y el impulso de planes de investigación». Este primer número de 'Poegramas' -homenaje 'in memoriam' a Rafael Gutiérrez-Colomer-, consta de 20 páginas, en las que se recogen las obras de ocho poetas visuales, siete españoles y un brasileño, además de una página dedicada a los créditos-índice general, con los autores y los títulos de las obras, y de otra página-sección: 'Palabras pegadas', que contiene dos interesantes citas de los filósofos Maurice Marleau-Ponty, a cerca de la 'Fenomenología de la percepción', y de Hans Robert Jauss, sobre una 'Pequeña apología de la experiencia estética'. Nómina de autores En el estreno de esta nueva revista de poesía visual se cuenta con un importante plantel de autores activos, entre los que cabría destacar, por la cuantía y relevancia de sus aportaciones y propuestas a J. M. Calleja, Antonio Gómez, Francisco Aliseda, Julián Alonso, Rodolfo Franco (Brasil), Luis Marigómez y Antonio Montesino. A las dos creaciones que aportan cada uno de estos autores, hay que añadir las dos entregas del poeta y dramaturgo cántabro Isaac Cuende, una de reciente creación y otra de finales de la década de los 70, época en la que compartía con Gutiérrez-Colomer un claro interés por el visualismo poético, que llevaría a ambos a organizar en Santander, en el año 1979, con el apoyo del escritor y profesor Víctor Infantes, las I Jornadas de Poesía Visual de Cantabria, bajo el rótulo 'Encuentro con la poesía experimental'. Los responsables del nuevo proyecto han puesto de relieve su intención de que 'Poegramas' se convierta en una plataforma al servicio de «las múltiples propuestas que en el ámbito del experimentalismo visual se están realizando». 'Poegramas' complementará algunas de sus ediciones con tiradas especiales de 'poesía fonética' o sonora, 'Videopoemas' y 'Poesía cibernética'. Nace 'Poegramas', la primera revista cántabra de poesía visual El nuevo proyecto de La Ortiga, con un primer número en homenaje a Gutiérrez Colomer, tendrá periodicidad semestral Edita: Editorial Límite/La Ortiga Dirección, diseño y maquetación: Antonio Montesino. Coordinación: María Montesino Nº de páginas: 20 Periodicidad: Semestral. P.V.P. 3 euros. | ||||||||
| Titulo | Ouka Lele | ||||||||
| Autor | Redacción de Informativos | ||||||||
| Publicacion | Canal Sur | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | La fotógrafa Ouka Lele vuelve a la Cibeles 20 años después en
un proyecto contra la violencia de género 10/09/06 Informativos CanalSur La fotógrafa Ouka Leele, la fuente de Cibeles y más de 200 voluntarios han protagonizado hoy en Madrid una original iniciativa contra la violencia de género. La recreación de una de las más famosas obras de la artista servirá para montar varias exposiciones. Los beneficios que produzcan se destinarán a un centro de recuperación para mujeres maltratadas. La Cibeles se despertaba esta mañana rodeada de cientos de manos rojas y entre gritos de denuncia contra la violencia de género. Más de 200 voluntarios, digiridos por la fotógrafa Ouka Leele, han participado en una puesta en escena que dará frutos en breve. Esos fondos de destinarán integramente a un centro de recuperación integral para mujeres maltradas. Con este proyecto, llamado 'Revive Cibeles' Ouka Leele vuelve a recrear su obra 'Rappelle toi, Barbara', en la que hacía una personalísima poesía visual sobre el mito griego de Hipómenes y Atalante, dos amantes a los que la madre tierra convirtió en leones. 20 años después, la artista revisa su mirada sobre el amor entre hombre y mujer. Si una imagen vale más que mil palabras, valga esta para reclamar que no haya más víctimas del terror doméstico, ni las próximas generaciones tengan que sufrir las consecuencias. | ||||||||
| Titulo | El refrito de Parra | ||||||||
| Autor | Justo Pastor Mellado | ||||||||
| Publicacion | El Mercurio | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | ...//...En "El pago de Chile", la obra que más interés mediático ha despertado, las siluetas ahorcadas de los personajes parecen provenir de un juego escolar de recortes de personajes patrios...//...
"OBRAS PÚBLICAS". Sobre la obra del Centro La Moneda: El refrito de Parra "Apenas da para sketch. Todo es ya hecho, y muy mal hecho, por mal citado, mal referido y mal dispuesto. Es lo que se llama un refrito de la propia incomprensión de Nicanor Parra del campo plástico...". -------------------------------------------------------------------------------- Hay lugares que son eminentes por su sola configuración espacial. Una determinada noción de vacío puesta en obra nos remite a percibir la solemnidad de los espacios ceremoniales. Ese efecto lo produce el hall del Museo de Bellas Artes. Pero también el espacio central del Centro Cultural Palacio de la Moneda. Justamente, el rol de plaza interior subterránea no es menor. La rampa de acceso permite concebir ese espacio como una mediación significativa entre la calle y las salas de exhibición. La dimensión de ese espacio no ha sido gratuita en el proyecto de Cristián Undurraga. Por algo, dicho proyecto representa a nuestro país en un certamen prestigioso como una de las grandes obras realizadas en la última década. Una exposición no debe ofender el espacio en que se instala. La muestra "Obras Públicas", de Nicanor Parra, le ha faltado el respeto al edificio, porque ha rebajado su dignidad arquitectónica, convirtiéndolo en un mal espacio de feria. Por extensión, agrede al espacio de artes visuales, al indisponer referentes que han establecido un rango de exigencia mínimo. Dicha indisposición afecta el rigor de obras cómo las de Dittborn, Duclos y Leppe, para comenzar. Siluetas escolares En "El pago de Chile", la obra que más interés mediático ha despertado, las siluetas ahorcadas de los personajes parecen provenir de un juego escolar de recortes de personajes patrios. Parece que Parra nunca supo del colectivo "El piano de Ramón Carnicer" y de sus trabajos radicales de cuestionamiento gráfico y objetual de la iconografía de los padres de la patria. La base del éxito mediático de los trabajos visuales de Parra se basan en su propia ignorancia y en la desinformación del público. Estas siluetas escolares no pueden competir con el emblema que instaló la obra de Dittborn, al incorporar en las aeropostales la imagen del ahorcado obtenida de un grabado de Posadas. Eso se llama intertexto. Eso, Parra lo sabe. Sin embargo, al parecer, el "calculado" desconocimiento de los standards establecidos por la propia historia del arte de las últimas décadas constituye la base de una propuesta objetual sólo sostenida por una sorprendente soberbia. Lo de Parra no puede llamarse "instalación", porque simplemente es una broma de mal gusto, que emplea recursos gráficos y objetuales de procedencia dadaísta, pero "pasados por agua", creyendo estar temporal y formalmente en su mismo nivel. Es decir, opera con un lenguaje visual y objetual que ha experimentado más de una vuelta de tuerca en estas últimas décadas. En los paneles en que emplea recursos provenientes de la publicidad callejera de gran formato, montados en el interior, colgando de los muros, imitando una estrategia gráfica "a lo Benetton", pero materialmente mal resuelta, repite lo que la obra de Duclos ha venido formulando como referencia crítica desde hace dos décadas. Parra ni siquiera parece enterarse de que el espacio de artes visuales le señala un rango mínimo de exigencias formales, para no pasar por cándido. En la tela que reproduce el collage de fragmentos manuscritos y que cubre el muro cuya gráfica arquitectónica identifica al propio centro cultural, Parra da por descontado que el efecto del alto contraste es como el abc de la gráfica chilena político-sesentera. La reproducción monumental de la caligrafía apela a la sobredimensión de la firma, como expresión de una megalomanía que instala el poder visivo de la letra. Las pizarras de Beuys son referentes insuperados. Parra no puede ser tan ingenuo, al punto de operar con esa ignorancia literalizada que no alcanza a convertirse, visualmente, en "artefacto". La retórica del artefacto parriano se verifica en el rigor de su resolución. Es lo que valida su lugar en la poesía chilena. Pero no han sido formalmente autorizados los traspasos automáticos entre los artefactos ya historizados y esta incompetencia curatorial. Inventario de lugares comunes Si se ingresa en la sala de los artefactos visuales, no se sabe si se ha ingresado a una tienda por departamentos; pero de las antiguas. Esto corresponde a una "estética a lo Ville de Nice". El montaje es museográficamente inepto. Las bases de madera mal terminadas sostienen objetos que ilustran con total literalidad unas "ocurrencias" verbales que no se comparan al rigor que su obra poética ha adquirido. En los muros de la sala se reproduce una mala cita de trabajos probablemente inspirados en Barbara Kruger, mientras enfrente, en soportes de tela mal diseñados y montados sin cuidado alguno, se distribuyen -como en un diario mural- las bandejas de cartón escritas con plumón y los pedazos de madera machimbrada que recogen unas frases escritas con lápiz pasta. En una escuela de arte, en el momento de hablar de los desplazamientos del dibujo y del grabado, lo primero que se menciona son trabajitos con bandejas estampadas en cartón, para pasar después a los históricos dibujos de Mario Soro, realizados con lápiz pasta a comienzos de los ochenta. Pero estas obras de Parra, que "emulan" la propia parodia de "El quebrantahuesos", realizado en 1952, en las vitrinas del restaurante "El naturista", parecen entregas de principiante. Las obras dispuestas en el patio central y que fortalecen la ofensa contra el edificio se levantan sobre plataformas circulares, que denotan la falta de conocimiento museal de los diseñadores del montaje. Reproducen la imagen de oficialización del formato que sostiene una parodia de conexiones que a estas alturas se han vuelto comunes en cualquier diccionario de artes visuales. Mediante la localización de acumulaciones de cachureos en extremo denotativos, realiza un inventario de lugares comunes. Luego, en la segunda sala, un montaje audiovisual de fotografía mapuche señala el alcance oportunista de la propia exposición. Las proyecciones de fotografías aseguran la presencia fantasmal de "los orígenes" sobre cuya presencia Parra intenta legitimar su desinformación. La obra de Paz Errázuriz no le sirvió de nada. Ni el lugar de la propia fotografía en las fábulas de origen del propio arte chileno. Los exámenes de grado de egresadas y egresados de artes visuales reproducen situaciones similares cada final de semestre. En un pasillo lateral, los video-artefactos no superan en términos formales las obras de video-arte de los ochenta, ya que apelan a un extraño infantilismo audiovisual que no se compadece con el estado actual del video-arte o del cortometrajismo crítico en nuestro país. Apenas da para sketch. Todo es "ya hecho", y muy mal hecho, por mal citado, mal referido y mal dispuesto. Es lo que se llama un refrito de su propia incomprensión del campo plástico. Lo que hay que preguntarse es cómo se puede llegar a cometer este error conceptual, que convierte a Parra en un saltimbanqui. Todo el respeto instaurado por su poesía no puede servir de garantía a esta operación de montaje, en que los errores conceptuales son la base para el más eficaz de los oportunismos políticos. Coda En ocasión de su exposición en Telefónica ("Trabajos prácticos"), no hace mucho tiempo, mencioné que sus operaciones visuales actuales ya no tenían techo. Estaba en el límite de su propia tolerancia. Señalé el cuidado que debía tener para no caerse, en términos formales, frente a la exactitud de los "Artefactos" (1972) y de "Chistes Parra desorientar a la Policía Poesía". Sólo deseo señalar que no es posible hacer una recuperación de la "visualidad" de Parra, sin referirse al valor paradigmático que tiene la publicación de "News from nowhere", entre las páginas 89 y 116, en el número único de Revista Manuscritos, editada por Ronald Kay en 1975. | ||||||||
| Titulo | Raúl Barcelos | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | EL NORTE | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...La utilización de textos bajo distintos tipos de tipografías crean en la obra de Raúl Barcelos una poesía visual...//...
Durante todo el mes de agosto, el joven artista Raúl Barcelos (Segovia, 1977) expone su obra más reciente en la sala de exposiciones del auditorio de Vilagarcía de Arousa (Pontevedra). La exposición se titula 'Visiones Reflejas'. Un total de 23 cuadros, la mayor parte de ellos del último año, componen la muestra. La obra de Barcelos, que destaca por el gran impacto visual, la riqueza de los detalles y la mirada poética, fantasiosa e incluso infantil, se enmarca en el llamado arte digital, que combina en la mayoría de las ocasiones fotografía e ilustración. La utilización de textos bajo distintos tipos de tipografías crean en la obra de Raúl Barcelos una poesía visual. Así, se establece una complicidad con el espectador, que debe encontrar el mensaje oculto en los pequeños detalles. Esta es la primera exposición monográfica de Barcelos, aunque anteriormente su obra ya había sido exhibida en algunas galerías de arte, especialmente en Estados Unidos, donde ha desarrollado parte de su actividad profesional. | ||||||||
| Titulo | Muestra Mundial de Arte Sonoro | ||||||||
| Autor | JUAN A. FERNINDEZ | ||||||||
| Publicacion | Diario de Córdoba | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | EN CORDOBA Y LUCENA ENTRE EL 5 DE OCTUBRE Y EL 5 DE NOVIEMBRE
´Sensxperiment´ dedica este año a la Muestra Mundial de Arte Sonoro Realizará un recorrido por la poesía experimental en España. Las actividades se repartirán en casi media docena de espacios. (25/08/2006) Publicidad El Encuentro Internacional de Creación Sensxperiment 2006 , organizado por la Asociación Cultural Weekend Proms, dedica su octava edición al proyecto titulado Muestra de Arte Sonoro Español (MASE). En el mismo se plantean una serie de actividades, comisariadas por José Iges, que tendrán lugar entre el 5 de octubre y el 5 de noviembre en diversos espacios de Córdoba y Lucena. La muestra en cuestión ofrecerá un documentado recorrido por el arte sonoro en España a través de sus creadores más importantes, desde Edmundo de Ory a Jesús Juan Garcés, promoviendo una poesía experimental que buscaba resonancias más allá de lo semántico. El primer nombre de relieve en el ámbito de la instalación y la escultura sonora es el madrileño Lugán, pionero del arte cinético, que inició su actividad en 1966. Asimismo, cabe destacar las aportaciones muy significativas, como las del valenciano José Antonio Orts, los madrileños Adolfo Núñez y Juan Lleó, el barcelonés José Manuel Berenguer, el vasco Mikel Arce o el dúo formado por Concha Jérez y José Iges, entre otros autores. En la poesía sonora se halla el trabajo de Fernando Millán, que puede considerarse como heredero de actitudes como Problemática 93 o de figuras como Julio Campal y Felipe Boso. Ya en los años 80 destacan Javier Maderuelo, del grupo Texto Poético . En los 90 resaltan las aportaciones de Flatus Vocis Trío y de los festivales de performances y poesía de acción, en ambos casos marcados por la figura de B. Ferrando. Más tarde, vendría el trabajo de Xavier Sabater y su entorno en Cataluña, impulsor, desde el movimiento internacional de la polipoesía, del reciente proyecto de ciberpoesía. Esta primera edición de la MASE pretende hacerse eco del variado panorama del arte sonoro realizado en España o por autores españoles. Los artistas enmarcables dentro de la categoría arte sonoro han venido desarrollando sus trabajos en apartados como el concierto, el performance, la instalación sonora, la poesía sonora, el arte radiofónico o el soporte audio. | ||||||||
| Titulo | ¡Viva la creatividad! | ||||||||
| Autor | Pedro Montero | ||||||||
| Publicacion | El Avisador | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | UNA IDEA ORIGINAL DE ANTONIO GOMEZ
...//...Cuadernos escolares. Y mala suerte también el nombrecito, que despista al más pintado, porque no tiene nada que ver con escuelas y colegios....//... Badajoz, en este mes tiene sus salas de cultura repletas de Exposiciones a cual más interesantes y variopintas. Pero hay una que está pasando sin pena ni gloria, mucha gente en el acto inaugural, eso sí, y cuatro gatos desde que se abriera al público . Me estoy refiriendo a la que actualmente está montada en la Biblioteca General de Extremadura, en la Alcazaba, titulada Cuadernos escolares. Y mala suerte también el nombrecito, que despista al más pintado, porque no tiene nada que ver con escuelas y colegios. Bueno, sí, sólo el soporte: cuadernos escolares de los años 60. Nada más. Porque aquello que muestran sus páginas --120 cuadernos, nada más y nada menos, cada uno de su padre y de su madre-- son otras tantas pequeñas obras de arte gráfico y visual, donde la imaginación y la creatividad fluyen a borbotones. ¡Ahí es nada, 120 revistas únicas, firmadas por fotógrafos, pintores, escritores, diseñadores, poetas, editores, profesores, periodistas, artistas plásticos, dramaturgos y perfomers de toda España, incluyendo a gentes de Portugal y de nuestra Región! Muestra salida del caletre de un poeta visual, experimental y atrevido, un tal Antonio Gómez --¡un perfomer!--, un tipo genial de Cuenca que lleva viviendo en Mérida desde hace más de 30 años. Que resulta que desde 1998 hasta el bienio 2003-04, con algunos intervalos de quietud, Antonio ha ido repartiendo sus famosísimos cuadernos escolares --esos que llevan dibujos de cebras, jirafas, camellos, lagartos, ciervos... en su portada y, detrás, las tablas de multiplicar y de dividir de las escuelas de nuestra infancia-- a amigos, colectivos y asociaciones, artistas, gente de la cultura, en general, diciéndoles: "Podéis pegar fotografías, dibujos, collages, realizad las obras directamente sobre las páginas, utilizad textos manuscritos o componedlos y montadlos sobre el soporte, que será el mismo para todos. La libertad es total, es vuestra revista, es vuestro número, es vuestro cuaderno". ¿Y qué ha salido? Pues un extraordinario repertorio de todo lo imaginable y lo que no lo es, utilizando todo tipo de material: textos escritos, recortes de revistas, pinturas, grabados, cordones, telas, tiritas, fotos, hilos, etiquetas, pegatinas, cromos, pinzas, etc. Y la combinación de factores, multiplicada por 120, hace que te quedes enganchado hasta que tus neuronas se adapten a tanta algarabía, tanto ingenio, tanto desmadre bien calculado. Y olvidaos de vuestros esquemas conceptuales, de lo tradicional, de lo de siempre, que aquí nos los hacen polvo. Todo es distinto, sorprendente y provocador, que me recuerda la Gramática de la fantasía, de Gianni Rodari, referida a los cuentos y la poesía populares, aplicada aquí a la creación visual, al esperpento, al arte contemporáneo. ¡Viva la creatividad! ¡Arriba la imaginación! ¡Viva Antonio Gómez y la madre que lo parió! EL CATÁLOGO Y como toda gran Exposición que se precie, ésta tiene también su Catálogo, magnífico, editado por Indugrafic Artes Gráficas (Badajoz, 2006). Y original, consistente en 12 cuadernillos de color naranja, conteniendo una antología de todas las páginas expuestas --dos por autor/es--, junto con otro, de color blanco, con la inestimable Introducción de Francisco López Blanco y el Índice general de autores. Todo ello, metido en un estuche ad hoc, ¡como si fuera un caba escolar! Y entre la legión de firmas, destacar las de Bernardo V. Carande, Dulce Chacón y Antonio Covarsí, ya fallecidos, lo que supone un homenaje póstumo a sus figuras. | ||||||||
| Titulo | I Muestra de Arte Sonoro Español | ||||||||
| Autor | Alfredo Asensi | ||||||||
| Publicacion | Día Córdoba | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Córdoba y Lucena acogerán la I Muestra de Arte Sonoro Español
córdoba. Diversos escenarios de Córdoba y Lucena acogerán del 5 de octubre al 5 de noviembre la primera Muestra de Arte Sonoro Español, que, comisariada por José Iges, constituye el eje del VIII Encuentro Internacional de Creación Senxperiment. Isidoro Valcárcel Medina, Concha Jerez, José Manuel Berenguer y Mikel Arce son algunos de los artistas cuyas obras serán contempladas por los visitantes a las exposiciones previstas. La empresa Weekend Proms, organizadora de la muestra, explicó ayer en un comunicado que esta primera edición persigue el objetivo de revisar "el variado panorama del arte sonoro realizado en España o por autores españoles, sin intentar agotar el tema" pero "con la suficiente ambición" como para hacer de este acontecimiento "referencia obligada en tanto retrospectiva y manifestación de actualidad a un tiempo". Uno de los espacios escogidos en Córdoba es la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores, donde se exhibirán obras del veterano artista murciano Isidoro Valcárcel Medina, José Antonio Orts (que presentará Fábrica de Melodías, propuesta que él define como "una instalación fotosensible, de unos ocho-doce elementos, cuyo conjunto genera melodías con sonidos pizzicato que recuerdan un poco a los de un xilófono y se producen según los movimientos del espectador"), el madrileño Lugán (un pionero del arte cinético), Concha Jerez y José Manuel Berenguer. En la Delegación de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía en Córdoba "se establecerá un punto de información que brindará un folleto con referencia escrita y sobre plano de las actividades de la muestra" y se instalará un ordenador "que permitirá la audición a la carta de una variada selección de obras de arte sonoro". Arte sonoro español en soporte digital es el epígrafe provisional de esta iniciativa, para la que se va a contar fundamentalmente con el archivo particular de José Iges, "aunque también con fondos de RNE y de las universidades de Castilla-La Mancha y Valencia". Otros escenarios serán el Museo Regina (que acogerá una instalación sonora de Mikel Arce), el Colegio de Arquitectos (donde se exhibirá una muestra de poesía visual de dos reconocidos representantes de la poesía experimental en España: Bartolomé Ferrando y Fernando Millán) y el Palacio de Orive (que albergará una muestra de las publicaciones y ediciones del Centro de Creación Experimental de la Universidad de Castilla-La Mancha y el Laboratorio de Creación Experimental de la Facultad de Bellas Artes de Valencia). En Lucena, las sedes serán el Castillo del Moral, donde podrá contemplarse la instalación de Guillermo Lorenzo Harmonia Mundi (que crea con el sonido y la luz una atmósfera continuamente cambiante); el Círculo Lucentino, donde se celebrarán conferencias, mesas redondas, charlas de expertos como José Antonio Sarmiento o Miguel Molina y un recital de poesía sonora (con la participación de Fernando Millán, Bartolomé Ferrando y Pere Sousa); la sala La Buhardilla, que ofrecerá una selección de esquemas y material visual documental de diferentes proyectos de Guillermo Lorenzo; y el Palacio Erisana, donde se celebrarán conciertos de poesía sonora. | ||||||||
| Titulo | Montero, Orihuela y Stabile en la UIMP | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Terra Actualidad - EFE | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | uimp-cultura 23-07-2006 //
Rosa Montero y Antonio Oriuhela estarán en actos culturales UIMP / La periodista y escritora Rosa Montero, que protagonizará los 'Martes Literarios', y el poeta Antonio Orihuela y el editor Uberto Stabile, en las 'Veladas poéticas', serán las figuras entre el 24 y el 28 de julio de las actividades culturales en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo. La autora de 'Historia del rey transparente' o 'La hija del caníbal' impartirá la conferencia del ciclo de los 'Martes Literarios', en el Paraninfo de la Magdalena, donde hablará de su afición a las letras, que se desarrolló durante su infancia cuando por una enfermedad tuvo que permanecer varios años en cama. El onubense Antonio Orihuela estará junto a Stabile en las 'Veladas poéticas', que se desarrollará el día 27 y en las que ambos hablarán de su visión de la poesía actual y de sus últimos trabajos. Orihuela, que publicó en 1995 su primer libro de poesía 'Perros muertos en la carretera', destaca por su uso de la denominada poesía visual, con la que ha participado en más de 150 exposiciones en 32 países del mundo. Stabile, reconocido promotor cultural que coordina los encuentros 'Voces del extremo' en la Fundación Juan Ramón Jiménez, lleva desde los años 70 publicando revistas de creación literaria. Los espectáculos 'Imprebís Etiqueta negra', 'L'om Imprebis' y 'Pereda-Galdós: una conversación' traerán el teatro a las actividades de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo, en Santander, el miércoles, día 26, y el jueves, día 27, en el teatro de la Obra Social y Cultural de Caja Cantabria y el vestíbulo del Palacio de la Magdalena. Las actividades comenzarán mañana con una muestra de cortometrajes del festival Kimuak 2004, del País Vasco, en la que se podrá ver las obras 'El aire que respiro', 'Amuak', 'El despropósito', 'Dos encuentros' y 'El soñador'. Todos los cortometrajes se proyectarán en el Paraninfo de Las Llamas. Además, continuarán las exposiciones que la UIMP ha instalado desde el inicio de su actividad como la de 'Galdós y la educación', que se encuentra en el Parlamento de Cantabria, o la de homenaje a cien años del socialista Ramón Rubial, en el centro cultural La Vidriera (Camargo). | ||||||||
| Titulo | George Brecht, un artista provocador | ||||||||
| Autor | Angela MOlina | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte postal,Arte de accion,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis |
DESDE EL HAPPENING A LA OBRA EFIMERA Y CONCEPTUAL El Macba presenta una amplia retrospectiva de la obra de George Brecht (Nueva York, 1926), un artista provocador que en los años cincuenta realizó trabajos de investigación plástica alejándose de las formas convencionales y orientándola a la experiencia más que al objeto de arte. Creador del happening, realizó una obra efímera y conceptual incitando a la participación del espectador. FLUXUS, ROBERT FILLIOU La exposición de George Brecht en el Macba es la muestra más importante en Europa de un artista conceptual en el contexto de Fluxus desde 2003, año en que se exhibió, también en el museo barcelonés, la retrospectiva de Robert Filliou. Su valorización es mayor si la relacionamos con la desaparición, el pasado mes de abril, de Allan Kaprow (1927-2006), inventor del happening (artefacto pop, collage de movimientos, materiales y sonidos), con quien Brecht (nacido George MacDiarmid, 1926) y Robert Watts firmaron un manifiesto (1957) que anticipaba la dirección que tomaría la creación plástica en la siguiente década, al trascender la gran influencia que en ese momento tenía la Escuela de Nueva York en pos de un arte avanzado, de prácticas conceptuales radicales y multimedia. POSTDADAISTA George Brecht. Eventos apunta a aquel momento crucial de la historia del arte y al legado de Allan Kaprow, romántico, agitador, mentor de tantos artistas y motor de algunos de los movimientos que sucedieron a aquellos años, hasta hoy, cuando todavía la segunda oleada posdadaísta no ha sido capaz de autodestruirse por exceso de "institucionalización". "Multimedia en arte", confesaba Kaprow años después de aquel manifiesto, "era el espejo, la rima de cada momento de la vida, que siempre es 'multimedial" (hoy, la palabra sería relacional). EL READY MADE COMO INSTRUMENTO DE PROVOCACION George Brecht fue un auténtico provocador de la contemplación, el artista que mejor supo llevar el ready-made al terreno de la acción. Se formó como químico investigador en Nueva Jersey, a finales de los cincuenta, lo que le permitió servirse de modelos científicos -al igual que Duchamp con Raymond Roussel- para reflexionar sobre cómo el arte podía ser el medio ideal para representar la experiencia. EL PAPEL DEL AZAR En 1957 escribió un ensayo de referencia, Chance-Imaginery (imágenes aleatorias), donde investigaba el papel del azar en los ámbitos de la ciencia y el arte de vanguardia y ponía de manifiesto su consideración por los proyectos dadaístas y surrealistas. Su correlato plástico fueron las Chance Paintings; dos de ellas están colgadas en la primera sala de la exposición. Brecht se refería a aquellas sábanas teñidas al azar como un tipo de "expresionismo abstracto corregido". JOHN CAGE Y SU INFLUENCIA Determinantes en su desarrollo como creador fueron las clases de "composición experimental" de John Cage. De él, Brecht aprendió el sentido de generar partituras musicales mediante procedimientos aleatorios y a apreciar el sonido del entorno como ready-made auditivo. En la muestra se pueden ver algunos testimonios de sus primeras "partituras evento" que estructuran el espacio y el tiempo de la obra para invitar al espectador a participar en ella. DESDE JOHN CAGE A GEORGE MACIUNAS, DICK HIGGINS,... En sus trabajos posteriores, insistió en el aspecto temporal y de participación (evento, arreglo): la partitura sugería la realización de un objeto; en otros casos, el objeto era descubierto y el artista escribía posteriormente una partitura para el mismo, poniendo de relieve la relación entre lenguaje y percepción (Chairs events, Contingent Publications). En palabras del artista, "para que los detalles de la vida cotidiana, las constelaciones aleatorias de objetos que nos rodean, dejasen de pasar inadvertidos". Esta base conceptual fue importante en el contexto alemán de Fluxus, donde las partituras radicales de Brecht y otros artistas de su círculo, como Dick Higgins, Alison Knowles, Ben Vautier o Emmett Williams, formaron parte de los conciertos de nueva música organizados por George Maciunas en Wiesbaden. ARTE POSTAL La "heterospectiva" abarca también su época europea, a partir de 1965, cuando Brecht se traslada a Roma y después a Villefranche-sur-mer, para encontrarse con su compañero de Fluxus Robert Filliou y fundar su "taller de creación permanente", bautizado como "La Cédille qui sourit" (la cedilla que sonríe), un conjunto de objetos, cajas, libros, envíos postales y proyecciones que funcionan como imágenes "afectivas", llenas de humor y, a la vez, expresión de resistencia al sistema de galerías y museización de la obra de arte. La esencia última de la provocación brechtiana era que el visitante se preguntara qué está haciendo ese objeto ahí. ------------------------------------------------ George Brecht. Eventos. Macba. Plaça dels Àngels, s/n. Barcelona. Hasta el 12 de octubre. Comisarios: Julia Robinson y Alfred Fischer. Producción: Macba y Ludwig Museum de Colonia. | ||||||||
| Titulo | Desde la Poesía Visual al Net Art | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Noticias Hoy | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | DESDE LA POESIA VISUAL HASTA EL NET ART. UNA MUESTRA DE ARTE CONCEPTUAL EN RENFE
Renfe presenta una exposición de arte conceptual y contemporáneo en diferentes estaciones del núcleo de cercanías de Valencia. Durante la muestra “16 Artistas en tránsito”, 16 artistas buscan, viajan, analizan y plasman sus ideas y conceptos actuales en soportes novedosos. La exposición forma parte de la estrategia de Responsabilidad Social Empresarial, denominada Un Tren de Valores. Se trata de una exposición colectiva de nuevos formatos de arte contemporáneo, como el video-arte o la instalación y la fotografía. 16 jóvenes artistas actuales españoles que Renfe acerca a sus viajeros para que puedan disfrutar del mejor arte contemporáneo español. Los viajeros podrán disfrutar de la citada exposición en las estaciones de Sueca, Gandía, Puzol, Sagunto y Silla hasta el próximo 30 de julio. Renfe quiere acercar el arte contemporáneo a todos aquellos viajeros que habitual o eventualmente utilizan los servicios de cercanías. El arte contemporáneo es la disciplina artística que se desarrolla en todos los campos artísticos. Las estaciones de cercanías del núcleo de Valencia se transforma así en un nuevo concepto de espacio para la exposición de obras de arte. Las nuevas formas de expresión y de creación artística (como el video-arte, la instalación o el Net Art) salen a la calle, al encuentro de un público diferente: un público dinámico, variado y en constante movimiento. Las creaciones - situadas en puntos estratégicos de la estación - buscarán la interacción con el público, especialmente con el más joven. La muestra persigue establecer una nueva forma de comunicación con un espectador “en tránsito”. Las obras y las zonas donde se instalan ganan así un nuevo significado y una nueva relación: se complementan, contrastan y dialogan. En definitiva, convive en un entorno destinado a la interrelación. Las obras seleccionadas van desde la poesía visual de Mireia Maso, Tere Recarens o Luis Bisbe, hasta la aguda revisión de nuestra sociedad planteada por Fernando Sánchez Castillo, Jordi Colomer o Tamara Arroyo hasta un total de 16 artistas. Sergio Belinchón, Antonio Abad, Eugenio Ampudia, Txomin Badiola, Guillem Bayo, Juan Galdeano, Juande Jarillo, Ivan Perez, Sergio Prego y Francesc Ruiz participan también en estas cinco exposiciones que de forma paralela estarán en el núcleo de Valencia en las estaciones citadas hasta el 30 de julio. Además, en la web de Renfe se mantendrá activo un espacio específico relacionado con la exposición (www.renfe.es/cercanias/16entransito) con información detallada de la muestra, días, ciudades y lugares de la exposición, los artistas (con su biografía, obras, premios, etc.) así como detalles relacionados con las obras expuestas. Incluso los visitantes de la web podrán disfrutar de algunas descargas relacionadas con las obras y un espacio donde expresar su opinión sobre las mismas (sección “Impresiones en Tránsito”). | ||||||||
| Titulo | EL DIBUJO INFANTIL Y LA ESENCIA DEL ARTE | ||||||||
| Autor | Leslie Camhi / crc | ||||||||
| Publicacion | The New York Times | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | EL DIBUJO INFANTIL Y LA ESENCIA DEL ARTE
Una exposición inaugurada en este mes de julio en la Phuillips Collection de Washintong sobre dibujo infantil ha puesto de relieve muchas cosas que en esencia nos vienen a decir que es precisamente el dibujo infantil el que nos da la verdadera dimensión del arte por cuanto se realiza sin cortapisas, condicionantes y en total libertad. En los talleres de creatividad impartidos por Bartolome Herrero se realizó la siguiente experiencia. Se dijo a 20 niños que dibujaran una "a" en sus cuadernos y que a partir de esa letra hicieran la composición que quisieran. Los niños no se lo pensaron dos veces y de manera inmediata crearon todo tipo de composiciones y hubo que parar la actividad, porque el evolución del dibujo no tenía fín. Asociaban una idea con otra y el dibujo era un continuo. La misma experiencia se realizó con 20 profesores y la mayoría de ellos, en primer lugar se quedaron parados, después pidieron explicaciones sobre lo que tenían que hacer y, finalmente, unos cuantos dijeron que no sabían dibujar. Evidentemente, todos sabemos dibujar, la prueba está en que todos los niños dibujan, mientras que los adultos ya se atienen a unas normas establecidads sobre lo que esta bien y lo que esta mal, sobre lo que los demás esperan de ellos, sentido del ridiculo acrecentado, etc. Ed definitiva, la creatividad ya esta muy condicianada y la espontaneidad rota. Es por ello la importancia de esta muestra que en principio pensaba realizarse en la National Gallery de Washington pero el museo abandono la idea ante la normativa implícita de que no se podía colgar dibujos infantiles en esta magna galería, lo cuál no deja de ser extraordinario si tenemos en cuenta que entre otros estaban dibujos infantiles de Picasso, Miró, Dubuffet, Klee, etc. El caso es que se buscó una galeria alternitiva y se puso el énfasis en la mirada totalmente novedosa del niño al contemplar el mundo, libre de todo tipo de ataduras academicistas y sociales. No se trataba de habilidad, sino de la virginadad de la mirada. Todos los pintores señalados se han caracterizado porque en un momento dado de su trayectoria artística han tratado de des-andar el camino academicista para volver a una fuente inagotable de recursos creativos y volver al impulso original y fuente de la esencia del arte. | ||||||||
| Titulo | Los años jubilares de Gutiérrez Colome | ||||||||
| Autor | G. BALBONA/SANTANDER | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañés | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...Pionero junto con Isaac Cuende de la poesía experimental y el arte vanguardista en Cantabria...//...
'Los años Jubilares', el poemario póstumo de Rafael Gutiérrez Colomer, se presenta mañana en Caja Cantabria. Un recital poético, a cargo de Rosa Gil e Isaac Cuende, y la intervención del crítico literario José Manuel Cabrales así como de José del Río Mons, fotógrafo e ilustrador, integran el programa del acto. 'Los años Jubilares', tal como se avanzó, ha sido editado por Caja Cantabria y el Ayuntamiento de Santander. La velada literaria dará comienzo a las 20 horas y la entrada es libre. 'Los Años Jubilares' recoge poemas de Rafael Gutiérrez Colomer y se convierte así en una obra póstuma del artista fallecido en 2005 por cuanto está editada «siguiendo exactamente las anotaciones que para su publicación realizó Gutiérrez Colomer en aspectos tan concretos como la maquetación o incluso el tipo de papel». Fotografías de José del Río Mons, nieto de José del Río 'Pick' ilustran esta obra. Para la Obra Social de Caja Cantabria el proyecto tiene además un«carácter de homenaje» al desaparecido Gutiérrez Colomer quien mantuvo una participación activa y relevante en el Aula de Cultura. Rafael Gutiérrez-Colomer Velasco nació en Santander en 1937. Aunque su profesión fue la de arquitecto, también dedicó su vocación a la pintura y a la poesía, en este último campo con una nutrida lista de obras. Pionero junto con Isaac Cuende de la poesía experimental y el arte vanguardista en Cantabria, creó Cuévano, dirigió y la revista 'La Draga' y fue un destacado promotor de espectáculos, recitales y conferencias. En 1978 organizó las Jornadas de Arquitectura y los Encuentros de Poesía Visual de Cantabria y fue presidente de la Casa de Cantabria en Madrid donde impulsó los premios de poesía. Después de su muerte su familia donó al Ayuntamiento de Santander más de tres mil volúmenes de poesía y obra gráfica de este poeta. Publicó: 'Transido en el taller de la palabra' (1978), 'Desprendida' (1979), 'Entre Alira y Ramar' (1980), 'Derecha & Izquierda' (1980), 'Cinco poemas cinéticos' (1980), 'Oficio de poeta' (1982), premio José Luis Núñez; ' Ars Amandi' (1982), 'Épica de mariposas' (1983), 'Eros, Cronos y Tanatos' (1986), premio José Hidalgo; y 'Con Suecia en la memoria'(1987). Destacan también sus trabajos como crítico, antólogo y teórico urbanístico. 'Los años jubilares' se compone de historias 'dolorosas' que escribió antes de recaer en la enfermedad que le condujo a la muerte. | ||||||||
| Titulo | George Brecht / Macba / Fluxus | ||||||||
| Autor | Catalina Serra | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | DUCHAMP Y CAGE COMO FUENTE DE INSÌRACIÓN
...//... Es difícil presentar una exposición con la obra de George Brecht (Nueva York, 1926), ya que gran parte de sus trabajos tienen un carácter efímero o, sobre todo, participativo, algo que se contradice con el carácter perenne y estático de los museos. Con todo, la retrospectiva que hasta el 12 de octubre se presenta en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba) ofrece una amplia visión del trabajo de Brecht desde sus primeros trabajos inspirados en Duchamp y Cage hasta sus obras en Fluxus. CUANDO LA OBRA PUEDE PERDERSE, ROMPERSE, DERRAMARSE, ENSUCIARSE, CAMBIARSE, ETC. "Forma parte del espíritu de la obra (como en general de la vida) que algunas partes puedan perderse, romperse, derramarse, robarse, sustituirse, añadirse, ensuciarse, limpiarse, construirse, destruirse... ¿Cómo se enfrenta a esto el galerista? En primer lugar, relajándose, pues le eximo por completo de la responsabilidad de restituir la obra en su forma original; en segundo lugar, haciendo lo que considere oportuno". Este fragmento de una carta enviada por George Brecht al MOMA con motivo de una exposición en 1961 da cuenta del carácter abierto y participativo del trabajo de Brecht. EL AZAR COMO ELEMENTO BASICO Naturalmente, en la exposición las obras -con la excepción de una baraja de cartas diseñada por él- no pueden tocarse ni aún menos sustituirse. El azar, uno de los elementos principales en la obra de Brecht junto a la participación o el tiempo, ha querido que sus trabajos acaben como piezas de museo, algo que les quita fuerza pero permite a las nuevas generaciones conocer la obra y el trabajo de un artista atípico que se formó como químico pero que aplicó su interés por la experiencia y la naturaleza a todos los ámbitos de la vida y el arte. ...COMO UN TRABAJO DE PARTITURA, PORQUE PUEDE SER INTERPRETADO TANTO POR EL ARTISTA COMO POR EL ESPECTADOR "El carácter específico de la obra de Brecht es que entendía el arte como un evento y su trabajo tiene dos orígenes complementarios: por una parte, Duchamp y su idea del ready-made, y por otra, la manera de entender el tiempo en las composiciones de John Cage", explicó ayer Manuel Borja-Villel, director del Macba. "El suyo es un trabajo que tiene cierto carácter de partitura porque puede ser interpretado tanto por el artista como por los visitantes". Las partituras evento de Brecht incluían instrucciones o comentarios sobre acciones o sobre objetos; también se sirvió de los assamblage, aunque según la comisaria de la exposición, Julia Robinson, la combinación de objetos de Brecht es muy diferente, por su énfasis en el uso, de la de los ready-made de Duchamp y, también, de las combinaciones de Josep Cornell, con el que guarda formalmente muchas similitudes. "Cornell busca los objetos con una mirada nostálgica o sentimental y Brecht se sirve más del azar", indicó Robinson. La exposición -que bajo el título de Eventos incluye 350 obras- aborda también los trabajos europeos de Brecht, quien reside en Alemania desde 1972, en buena parte enmarcados en el trabajo del colectivo Fluxus o en colaboración con otros artistas como Robert Filliou o Stephen Kukowski. ...//... ------------------------------- El Macba exhibe el arte participativo de George Brecht El artista, miembro de Fluxus, destacó por sus 'partituras evento' | ||||||||
| Titulo | Juan Hidalgo | ||||||||
| Autor | David Mangana | ||||||||
| Publicacion | Diario de Alava | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | ...//...ya ha pasado por "todas las etapas de la historia del arte" y su discurso ha asimilado disciplinas que van desde el trabajo con objetos hasta la poesía en sus más amplias acepciones, pasando por la música concreta o la performance....//...
El Trayecto continúa la galería vitoriana abrió ayer una nueva sede de exposiciones en san vicente de paúl Las imágenes del artista canario Juan Hidalgo son las primeras protagonistas, en la muestra 'Biografías y corbatas' // El artista canario Juan Hidalgo, ayer en Trayecto Galería Vitoria. Más que celebrar su reinauguración, la galería Trayecto simplemente volvió ayer a la senda de la actividad, a su presencia como lugar físico en la capital alavesa. El corte de cinta de la nueva sede del proyecto coordinado por Fernando Illana, que continúa de esta manera la labor expositiva -que no creativa- interrumpida hace medio año, corre a cargo del trabajo del artista canario Juan Hidalgo, con una selección de su obra visual. Para el veterano creador Juan Hidalgo, la oportunidad de estrenar la nueva sede de Trayecto es "un regalo inmenso", máxime cuando puede colaborar con Fernando Illana, "quien conoce mi trabajo desde hace muchos años". En su opinión, más que contar con un lugar donde colgar algo "lo interesante es que se cree una relación entre el galerista y el artista, un contacto intelectual y creativo". Hidalgo, de 78 años, hace suyo el pensamiento de Duchamp y asegura que más que artista se siente alguien que hace cosas, y que algunas de ellas alcanzan cierto nivel. A lo largo de su carrera, que empezó muy joven, ha visitado todos los medios de expresión imaginables, concluyendo que "el arte da igual que sea una imagen, un sonido o un movimiento". En todos ellos "el problema de componer es el mismo, aunque cambian las gramáticas". La fotografía es el lenguaje que el artista de Las Palmas elige en Trayecto, donde recoge obras de distintas etapas, pertenecientes a las series Un/una más y Testimonio , además de cuatro trípticos de la serie Biografías , mediante los que "quería dejar una constancia de lo que para mí son mis momentos importantes de la vida". Dolor, placer, muerte y vida se entremezclan en instantáneas de gran formato, donde Hidalgo autobiografía su propio trayecto, en una suerte de metáfora del nombre con que se bautiza la propia sala. "Todo no puede estar; son pequeños momentos de la vida cotidiana de un ser al que le interesaba dejar un rastro". El título de la muestra, Biografías y corbatas , casa con el espíritu de un artista que disfruta por igual "el mundo de la seriedad y el de la frivolidad", al que le cuesta analizar los matices integrados en sus piezas porque ya ha pasado por "todas las etapas de la historia del arte" y su discurso ha asimilado disciplinas que van desde el trabajo con objetos hasta la poesía en sus más amplias acepciones, pasando por la música concreta o la performance. artista múltiple Sin embargo, o precisamente por todo ello, Juan Hidalgo huye de hablar de "mi obra", ya que asume que no sólo él, sino todo el mundo, "ha pasado por múltiples experiencias", por lo que "cualquier tipo de trabajo artístico es una propuesta, y es el público, en contacto con ella, el que realiza la obra". Desde su perspectiva integral y multidisciplinar, "lo que tiene que hacer el arte es crecer y evolucionar; lo que no puede haber es un canon estricto, esos señores que lo saben todo". Entre esos doce "momentos que forman parte de mi vida" de Biografías y también en el resto de fragmentos de sus series, el sexo es elemento esencial, un tema que ya visitó en anteriores muestras, dedicadas, por ejemplo, expresamente, a los órganos sexuales. "El escándalo siempre está en los demás, me han dicho muchas veces que soy un provocador, pero creo que a estas alturas esto ya no importa nada". Lo importante para él, dentro de la expresión personal, es encontrar el particular aroma que distingue a cada autor. "La diversidad en mí es muy importante, pero hay un reconocimiento de ese perfume". Afirma el responsable de Trayecto, Fernando Illana, que la reapertura huye del tono inaugural. Más bien se alían la necesidad de proseguir con el proyecto expositivo en su apartado físico y el condicionante de contar ya con dicho espacio para participar en la próxima edición de ARCO, que ha apretado el calendario de la puesta de largo. Para Illana, la figura de Hidalgo conecta a la perfección con el discurso de la galería, acercando el trabajo de un artista "desde el cual se puede articular una lectura del arte español contemporáneo de los últimos 50 años, que a buen seguro no coincidirá con los predicados exigidos por los referentes de la gestión del arte en activo. Un artista que, en su desarrollo, ha venido sumando experiencia, conocimiento y complejidad para seguir produciendo un trabajo que lo sitúa en medio de las preocupaciones actuales del pensamiento". | ||||||||
| Titulo | Scripto-objetuales de Nicanor Parra | ||||||||
| Autor | Justo Pastor Mellado | ||||||||
| Publicacion | Boletín Fundación Telefónica | ||||||||
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| Materia | Poema objeto | ||||||||
| Sinopsis | Abordar el estudio de los Trabajos Prácticos de Nicanor Parra plantea variados problemas de método. En general, los críticos literarios remiten estos enunciados "scripto-objetuales" a la tradición de la "poesía visual", y luego, de la "poesía objetual", buscándole un lugar de arrimo más o menos consistente, con la precisión necesaria de que la poesía de Nicanor Parra no sabría ser reducida nada más que a eso. De este modo, la objetualidad es una "papa caliente" para una crítica literaria que tampoco ha reconstruido la secuencia de guiños que Parra ha realizado hacia las artes visuales.
Haciendo un breve inventario, se requiere mencionar "El Quebrantahuesos", 1952, poesía mural hecha a base de recortes de diario siguiendo las normas del colage. Sin embargo, la reproducción de algunas de sus láminas en la revista Manuscritos, introducida por Ronald Kay, en 1978, permite separar dicha experiencia del collage dadaísta para otorgarle una dimensión estructuralizante. De tal manera, algunos críticos consideran "El Quebrantahuesos" como un precursor del arte conceptual de Chile. Lo cual fortalece la idea de que el espacio literario siempre ha subordinado al espacio plástico, hasta que en los años 80, justamente, el espacio plástico dejo de ser ilustrador del discurso literario de la historia chilena. Y, justamente, la poesía de Parra es un aliado de una eficacia no suficientemente reconocida. Aunque el mismo Parra, a mi juicio, sucumbe a la ilustración, en 1958, al editar "La Cuenca Larga", con imágenes de Nemesio Antúnez. Pero valga señalar, se trata del mejor Antúnez en el grabado; el de la serie "Almorzando en Quinchamalí. El título de Antúnez, para su serie de célebres litografías, es muy próximo a la poética parriana. Lo lamentable es que Antúnez jamás abandonó el síndrome plástico nerudiano. Si hubiese persistido en la senda de Parra es probable que hubiese llegado a comprender las rupturas del espacio del grabado chileno de los años ochenta. Justamente, ruptura garantizada por la obra de Catalina parra, entre otros artistas. Ciertamente es la cercanía de la obra de Catalina la que obligará Nicanor Parra a "ponerse las pilas" respecto de la ilustración con estampitas declinantes. Vuelve a cometer el error cuando en 1983 edita "Chistes para desorientar a la poesía", que consisten en 250 textos ilustrados por 30 artistas. En este sentido, Catalina debió habérselo impedido, porque "Artefactos", que es un conjunto de tarjetas que recogen sentencias y dichos populares, editado en 1972, plantea una interlocución dinámica y productiva con el espacio plástico, a tal punto que no es posible concebir la poética de Eugenio Dittborn, el artista plástico, sin mencionar el carácter paradigmático de "Artefactos" en su obra. Se podría, incluso, advertir la dependencia parriana inicial que el trabajo textual de Dittborn no puede evitar manifestar, en los inicios de los años ochenta, que son los años en que Kay reescribe la interpretación estructuralizante de "El Quebrantahuesos". Finalmente, en 1988, Nicanor Parra expone sus "Trabajos prácticos", rebautizados en otro momento como "obras públicas". El subtítulo de esto es explícito: poemas objeto. Entonces, en la secuencia de guiños parrianos hacia el espacio plástico, hay abances y retrocesos; hay momentos de mayor extensión problematizadora de las relaciones entre imagen y palabra; hay momentos de mayor subordinación de la imagen a la palabra. Con todo, valga preguntarse si es legítimo considerar los "Trabajos Prácticos" de Parra como una obra que opera en las artes visuales, obligando estatutariamente a la crítica a no considerarla fuera de los límites de la poesía chilena. En ese caso, estaría en los límites. En el caso de su inclusión al espacio plástico, sólo sería pan corriente. Y no estaría mal, pero habría que establecer sus interdependencias e interpelaciones con obras plásticas que, formalmente, le son afines, y que, dentro de sus límites jurisdiccionales, no sobrellevan el apelativo de "poemas-objeto". Sólo hacen poemas los poetas. Aun cuando digan que hacen "poemas-objeto". De un artista visual que trabaja con objetos, lo menos que se podrá decir es que "con su debe no más cumple". Parra lo sabe. Cumple, a la inversa, con el deber de su institución, doblándoles la mano en el oficio de disponer de una herramienta suplementaria. Mi hipótesis sobre Parra es que los objetos, acomodados por la palabra sobre un soporte inerte, pueden ser tanto un "plus" como una "resta" de sentido. De ahí que todos sus poemas en "Trabajos Prácticos" se edifiquen bajo las determinaciones del fantasma del objeto, que amenaza el mundo de la poesía. Entonces, tenemos la poesía a la sombra del objeto. Pero, en términos estrictos: ¿A qué hace sombra? ¿A la palabra? ¿Y por qué la palabra dejaría que esa sombra le cayera encima y la interpelara? Probablemente porque no puede sino afirmarse en la inadecuación de sí misma con la cosas. El objeto, como sombra que anticipa su concepto, la pone en duros aprietos, porque señala el destino que está no puede cubrir. Finalmente, para comenzar, en nuestro país, donde las artes de la excavación han adquirido un estatuto metodológico significante, la recuperación de restos de cosas, de cuerpos, indica la imposibilidad que tiene la palabra jurídica, por ejemplo, para "forcluir" el nombre de los padres a quienes esas filiaciones remiten. En este sentido, el objeto, en la poesía visual, así llamada, es puesto delante para desviar la atención sobre la falla de la poesía contemporánea, en cuanto a no poder ya resistir el deseo de expansión que la revolución tipográfica mallarmeana, como efecto de revolución cezanniana en el campo literario, señala como límite condicional para una reforma total del entendimiento; es decir, de lo que es posible entender, en nuestra escena de escritura, como reforma de la poética general. Lo anterior me permite al peso que tiene el título de estos trabajos de Nicanor Parra: "Trabajos Prácticos. La práctica parece indicar el valor suplementario de la adecuación a nivel del fraseo; es decir del farseo. El poema como tragedia, el objeto como farsa. Lo Práctico, siendo el atributo literario del "chanchito llamado Práctico". El único que no desobedeció. Su casa resistió el furioso soplido del Lobo. El Hombre de los Lobos podría ser denominado poeta chileno lírico. Del tipo "olerí –olerí-olerí". Expreso común del falctus vocis. Cuando Parra escribe Práctico, hace resaltar lo que señala como un abandono: la teoría. el sabe: profesor de mecánica racional. Hay una teoría implícita, en la poesía chilena, que es necesario diluir. Teoría no sólo implícita, sino simplicísima: dominio del poeta como voz de la tribu. Esto es, efecto de faltus lupus (el aliento onto-programático del Lobo). Chanchito "Práctico" levanta su casa con ladrillos inamovibles. Su "Trabajo Práctico" es poner el objeto ladrillo delante del efecto de la voz. El objeto será la sombra acarreada de la palabra inválida. Más bien, e4l producto del sombrío acarreo del objeto, para levantar su monoliticidad reducida y concentrar el proceso de trabajo en la noción de artefacto. Esa debía ser la excusa "griega" para introducir una tendencia termodinámica en el mecanismo de ampliación de un verbo primigenio. Por eso, el artefacto es un síntoma cuya gnoseología debe ser pesquisada en "El Quebrantahuesos". Más aún si ahora los huesos aparecen para quebrantar el afecto acumulado en los túmulos de la memoria objetual. Entonces, "El Qubrantahuesos" era un ejercicio de enlace en que la tipografía recortada se dejaba atrapar en la mucosidad de la goma arábiga, mientras que los artefactos eran una manifestación de un "deseo miguelítico" en la poesía. Es decir, los artefactos fueron a las letras chilenas lo que los"miguelitos" a la locomoción facciosa. Para, un extremista. Los "Trabajos Prácticos", más aún, han traspasado el deseo "miguelítico" y han entrado en las artes funerarias, porque se nos aparecen como retracciones de animitas literarias. | ||||||||
| Titulo | 12 Movimientos artísticos | ||||||||
| Autor | B. A. GUTIERREZ | ||||||||
| Publicacion | La Voz de Asturias | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia sonora,Poesia experimental,Arte postal,Arte de accion,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | doce movimientos artísticos, que van del dadaísmo, fluxus, pop-art, op-art, bandarte, povera, zaj o mailart, entre otros...//...Christo y Jean en una vitrina unos pequeños dibujos de sus famosos envoltorios de edificios
...//... No está la famosa bicicleta o el urinario de Marcel Duchamp, pero sí una vitrina con algunas de sus cajas y la huella de sus manos sobre papel, o dos pedazos de tela recortada de una performance de Yoko Ono y una legión de cucharas y tenedores tendidos a modo de alfombra en un pequeño jardín, de Wolf Vostell, el padre del movimiento Fluxus. Son algunas de las piezas que desde ayer se pueden ver y, en algunas ocasiones, tocar, en el edificio histórico de la Universidad de Oviedo, en la calle San Francisco. Es la puesta de largo de parte de la colección Danae, una recopilación de piezas de arte realizada durante años por Acindino Quesada, donde se muestran todas las vanguardias del siglo XX. Tras la exposición celebrada en el 2002 en Gijón con algunas obras, la colección se exhibe ahora en toda su variedad y a través de 54 piezas de doce movimientos artísticos, que van del dadaísmo, fluxus, pop-art, op-art, bandarte, povera, zaj o mailart, entre otros. Todas ellas producto de años de dedicación de Acindino Quesada en Francia y que ahora se encuentra en Asturias con vocación de quedarse, tal como deseó ayer su creador. Quesada destacó el factor de investigación en el arte de vanguardia y aludió a la exposición como una forma de promoción de un arte que en ocasiones no se conoce en exceso y eso pese a que el dadaísmo, por ejemplo, cumple un siglo, mientras que Fluxus nació en los años sesenta. "Debemos abrir esos movimientos para que los conozca la sociedad como se abren las iglesias para conocer a los santos de Dios". Quesada abogó por una mayor implicación de los artistas, más creación y también --como consecuencia-- más economía. PARA TODOS LOS GUSTOS La exposición, con el nombre de Artransmedia, invade el edificio histórico en su práctica totalidad. Variada y para todos los gustos. Matsut Ani ofrece una pequeña muestra del movimiento zaj, con una bolsa pendular llena de tinta que va goteando sobre una tela formando una obra de arte, mientras que Yoko Ono deja unos pequeños retales de una performance que protagonizó en 1965 en el Carnegie Recital Hall de Nueva York; Christo y Jean Claude ofrecen en una vitrina unos pequeños dibujos de sus famosos envoltorios de edificios; y el norteamericano Robert Watts muestra una especie de nido dentro del movimiento fluxus. En una de las salas, conviven unas cajas en vitrina y un manifiesto del gran artista del dadaísmo, pionero del arte cinético y del ready-made , Marceal Duchamp, con fotografías de Man Ray. Sin duda una de las piezas más llamativas es la cubertería que luce en el suelo del pequeño jardín del edificio histórico, obra de Wolf Vostell, que evoca los campos de concentración nazis y que logró despertar el interés de la directora de Radiotelevisión Española (RTVE) Carmen Caffarel, visitante por unos momentos de la exposición. Los artistas internacionales conviven también con una decena de autores asturianos, como Cuco Suárez, Pepa Osorio, Natalia Pastor, Adolfo Manzano o Roxana Popelka. El rector, Juan Vázquez, mostró su satisfacción por "vestir" el edificio noble de la Universidad con un traje tan innovador. Por su parte, el director general de Cultura, Carlos Madera, consideró esta exposición, que estará abierta hasta eal 31 de agosto, como una forma de pagar "la deuda" contraida con la fundación Danae. | ||||||||
| Titulo | Mail art y amor al libro | ||||||||
| Autor | SANTOS SANZ VILLANUEVA | ||||||||
| Publicacion | Mundo Libro | ||||||||
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| Materia | Arte postal,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Se definía don Miguel de Unamuno como un "devoralibros". Es una variantes extrema de la afición a la lectura. El "devoralibros" tiene –o tenemos– la virtud de la tolerancia y el eclecticismo. Ha de poseer, cómo no, un criterio propio que le lleve a establecer su particular jerarquía de valores en razón de principios estéticos y morales. Pero nunca menosprecia aquello que se salga de esos criterios.
Somos muchos los que pensamos que los primores de la forma no valen por sí mismos si no están al servicio del fondo. Como escribía Machado en el borrador del discurso de ingreso de la Academia: "Lo bien dicho me seduce sólo cuando dice algo interesante". Esto no implica la ignorancia de la expresión que busca el mérito intrínseco de la forma o que indaga en ella con voluntad novedosa o experimental. Al revés: tiene un gran encanto esa labor un tanto clandestina de quienes se fijan en los aspectos externos, materiales de la literatura. Suelen ser poetas. Y entre ellos hay un grupo de fieles fervorosos dedicados a la poesía visual. Los infatigables Fernando Millán o Pablo de Barco logran creaciones muy señaladas. Además, la forma en ellos es un modo de revelar el fondo. Un manera de trasmitir emociones o de protestar. Andan, la verdad, un paso más allá de la comunicación verbal y entran, sin dejar ésta, en la expresión plástica. Aunque no fuera esta clase de la literatura la que yo salvaría en un naufragio universal, aprecio mucho lo que tiene de creatividad pura, de búsqueda incesante de unas nuevas fronteras de la expresión. Por ahí anda, en ese terreno minoritario, con mucha fuerza, con fervorosa entrega, el malagueño Francisco Peralto, que poco a poco se va revelando como uno de los nombres más interesantes de esta actividad poética marginal, unas veces lírica y otras no. Viene dando Peralto sus trabajos en una restringida "Biblioteca fPV", donde acaba de sacar una "Antología internacional de poesía visual" con el título ‘Panóptico 2 (mil) + 1’, repleta de noticias, textos y comentarios. Habla en ella con voz propia y absoluta independencia, juega con las palabras, las crea y las rompe, retuerce las ideas, pero me interesan más otros trabajos suyos. En la primavera de este mismo 2001 confeccionó Peralto su ‘Apología del periodismo en libertad y epítome del papel prensa’, una especie de manual (si se me admite este término para un libro singular y creativo) ilustrado de variedades de publicaciones periódicas, prensa, fascículos, tebeos, revistas rosas y rojas... Otros cuantos títulos ha dado de esta afición. Mejor que nada la explica el rótulo de uno de ellos, quizás el suyo que más me gusta: ‘Laurel de octosílabos que glosan al papel compuestos e impresos a mano por su autor sobre un escandallo de ese soporte scriptorio’. Otro hay en su catálogo que es un prodigio de amor múltiple: al libro, a la imagen y a la propia poesía: ‘Fantasía mail arte en homenaje a `Ninfeas' y `Almas de violeta' de Juan Ramón Jiménez en el centenario de su publicación’. Es arte correo, que utiliza con profusión la estampa y los sellos cargándolos de sentido. Es también un acto de fe en el poder la palabra escrita y de la imagen. Nada más abrir el volumen se encuentra, dentro de una solapilla, el sobre que contiene la carta que el autor envía a Juan Ramón declarándole cuánto lo admira. Quién sabe la reacción que habrá tenido el poeta al llegarle la misiva a su domicilio actual, en La Gloria (Villa Platero, 4. 21800 El Olimpo). A su ego quisquilloso le habrá agradado el tributo. A su sensibilidad tal vez le haya disgustado el punto de barroquismo del libro, tan lejano de la escueta limpieza de sus propias ediciones. Pero está lleno de intenciones y de muchos aciertos: los sellos con su propia estafeta, las ilustraciones, la cartulina de color violeta intenso de toda una parte... Todo un despliegue de energía y de trabajo gustoso (en eso sí que es muy juanramoniano). Y un canto, el de éste y los otros volúmenes de Peralto, a la letra, al dibujo, a la imprenta..., al libro. Un verdadero alarde de texturas del papel, de tamaños y variedad de tipografías.... Sólo falta que las páginas de esta ‘Fantasía’ estuviesen impregnadas con aromas que evocaran olores o fragancias... En fin, una declaración de amor al libro que si siempre fue necesaria hoy tiene un valor casi simbólico. Hay estudiantes que fotocopian hasta ‘El Quijote’. La fotocopia es el pergamino de la actualidad. Pocos jóvenes tienen hoy el gusto por el libro. Contra ello, sin decirlo, trabaja Francisco Peralto. Se nota, además, que lo pasa bien, que se divierte mucho, cuando lo hace. Y uno, que prefiere la literatura de contenidos, no puede sino rendirse ante este ejercicio de imaginación, ingenio y libertad. Que permite, a su vez, pasarlo bien con el serio juego que propone el autor. | ||||||||
| Titulo | Poegramas, revista de Poesía Visual | ||||||||
| Autor | G.B. | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
Poesia Nace 'Poegramas', la primera revista cántabra de poesía visual El nuevo proyecto de La Ortiga, con un primer número en homenaje a Gutiérrez Colomer, tendrá periodicidad semestral G. B./SANTANDER EN DATOS Novedad: Edición del nº 1 de 'Poegramas. Revista de Poesía Visual de La Ortiga' Edita: Editorial Límite/La Ortiga Dirección, diseño y maquetación: Antonio Montesino. Coordinación: María Montesino Nº de páginas: 20 Periodicidad: Semestral. P.V.P. 3 euros. La primera revista de poesía visual y experimental creada en Cantabria acaba de ver la luz impulsada por el equipo responsable de La Ortiga y Editorial Límite, bajo el título de 'Poegramas'. Esta producción cultural y editorial adopta el singular formato de la colección 'Los pliegos de La Ortiga', surgida el año 2002. La periodicidad de la nueva revista será semestral, su edición consta de 300 ejemplares e incluirá creaciones que requieran el uso de cuatricromías. La nueva revista que acaba de nacer, se enmarca en la especial atención que 'La Ortiga' viene dedicando, prácticamente desde sus inicios, a la poesía visual y experimental, y que tiene claras manifestaciones en algunas de sus múltiples series: 'Hojas Sueltas' y 'Señaladores' (1998), 'Infolios del ojo' (carteles, 1999), 'Tarjetas de la Visión' y 'Dípticos y Polípticos' (2000), 'Los libros del laberinto' (2001) y los 'Cuadernos de Poesía de La Ortiga' (2003), así como su empleo como un importante recurso iconográfico, caso de algunos monográficos. Esto ha llevado a los responsables del proyecto cultural de 'La Ortiga', en su acuerdo de colaboración con el Aula de Letras de la UC, que dirige el profesor Ramón Maruri, a proponer la creación, conjuntamente, del Primer Taller Estable de Poesía Visual y Experimental existente en Cantabria, el cual, pese a su incipiente fundación, «ya está despertando uncreciente interés ciudadano por el experimentalismo poético, al tiempo que ya se empiezan a dejar ver sus fructíferos resultados». Una eficacia que tal vez se derive de la solidez del ambicioso programa que lo sustenta y que tiene entre sus principales objetivos: «contribuir al impulso y desarrollo de la poesía visual mediante programas de formación teórico-práctica, intervenciones poéticas en espacios públicos, realización de exposiciones, organización de conferencias y el impulso de planes de investigación». Este primer número de 'Poegramas' -homenaje 'in memoriam' a Rafael Gutiérrez-Colomer-, consta de 20 páginas, en las que se recogen las obras de ocho poetas visuales, siete españoles y un brasileño, además de una página dedicada a los créditos-índice general, con los autores y los títulos de las obras, y de otra página-sección: 'Palabras pegadas', que contiene dos interesantes citas de los filósofos Maurice Marleau-Ponty, a cerca de la 'Fenomenología de la percepción', y de Hans Robert Jauss, sobre una 'Pequeña apología de la experiencia estética'. Nómina de autores En el estreno de esta nueva revista de poesía visual se cuenta con un importante plantel de autores activos, entre los que cabría destacar, por la cuantía y relevancia de sus aportaciones y propuestas a J. M. Calleja, Antonio Gómez, Francisco Aliseda, Julián Alonso, Rodolfo Franco (Brasil), Luis Marigómez y Antonio Montesino. A las dos creaciones que aportan cada uno de estos autores, hay que añadir las dos entregas del poeta y dramaturgo cántabro Isaac Cuende, una de reciente creación y otra de finales de la década de los 70, época en la que compartía con Gutiérrez-Colomer un claro interés por el visualismo poético, que llevaría a ambos a organizar en Santander, en el año 1979, con el apoyo del escritor y profesor Víctor Infantes, las I Jornadas de Poesía Visual de Cantabria, bajo el rótulo 'Encuentro con la poesía experimental'. Los responsables del nuevo proyecto han puesto de relieve su intención de que 'Poegramas' se convierta en una plataforma al servicio de «las múltiples propuestas que en el ámbito del experimentalismo visual se están realizando». 'Poegramas' complementará algunas de sus ediciones con tiradas especiales de 'poesía fonética' o sonora, 'Videopoemas' y 'Poesía cibernética'. | ||||||||
| Titulo | Poesia Visual y escolares cántabros | ||||||||
| Autor | G. Balbona | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte de accion,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis |
Divulgar y extender la práctica de la poesía visual inicialmente entre alumnos de ESO, a través de una experiencia que «aúna educación estética, didáctica y escuela», es el objetivo de la singular iniciativa que ha puesto en marcha el Taller Estable de Poesía Experimental y Visual de la Universidad de Cantabria. El proyecto piloto, ahora en su primera fase, es el denominado 'Programa DODO de Poesía Visual y Educación Estética', destinado a los escolares de Cantabria y cuenta con la colaboración 'activa y entusiasta' de tres profesores miembros del taller: Rebeca Sánchez, Estela Castro y Oscar Bravo, encargados de llevar a cabo esta experiencia neófita. La propuesta, que surge del ámbito universitario, es uno de los frutos más atractivos del Taller dirigido por Antonio Montesino y organizado por el Aula de Letras de la UC, que dirige Ramón Maruri, y por 'La Ortiga'. Este taller, denominado 'Francisco Pino', primero de los de su género que se realiza en Cantabria, pretende «forjar las bases de una educación estética de la visión, crítica y plural, mediante la puesta en marcha de un modelo interdisciplinar de didáctica educativa que haga posible, en el espacio escolar, la necesaria confluencia entre las teorías estéticas, las ciencias humanas y sociales y de la educación». En una primera etapa, los profesores encargados de impartir los tres talleres previstos, que tendrán lugar en colegios públicos de Campoo de Yuso, Lantueno y Santander, abordarán actividades gráficas, pictóricas, plásticas, dramático-teatrales, sonoras y musicales, encaminadas a la realización de poemas 'letristas', 'poesía fonética' y 'semiótica', 'collages', 'poemas objeto', 'happenings'... Exposición y publicación Como colofón de esta primera experiencia, está previsto celebrar una muestra escolar de los materiales de los talleres, la proyección de videos, fotografías y poemas visuales y la edición de la I Antología Escolar de Poesía Visual, recogida en una publicación que se denominará 'Dodo', en lo que será la primera revista interescolar de poesía experimental y visual de Cantabria. Este nombre es una clara alusión-homenaje al 'Dodo' de la obra de Lewis Carrol, 'Alicia en el País de las Maravillas'. Tras esta nueva iniciativa, los responsables ya están trabajando en la elaboración de un programa-acuerdo marco, que en su momento será presentado a las autoridades educativas de la región con el fin de extender y generalizar la poesía visual y experimental a los restantes niveles educativos. Iniciativa encaminada a «lograr que la educación visiva de los alumnos pueda contribuir tanto al desarrollo de las sensibilidades artísticas, como al descubrimiento y potenciación de las capacidades creativas y, en consecuencia, al fomento de una mirada y una pedagogía teórico-practica de la creatividad que contribuya a la autorrealización de los escolares, facilitándoles el acceso a un conjunto de destrezas visuales, de experiencias útiles y educativas, y de visiones críticas capaces de analizar y cuestionar el universo de imágenes socialmente dominantes». Maruri y Montesino creen tal vez que se pueda llegar así a estar más cerca de ese ideal de democracia cívica al que se refiere Martha C. Nusssbaum, cuando escribe: «una democracia no sólo requiere instituciones y procedimientos; también requiere una particular calidad de visión. Formar la imaginación cívica no es la única función de la literatura, pero es una función primordial». | ||||||||
| Titulo | Desde Goya hasta las resonancias magnéticas | ||||||||
| Autor | Salvador Miranda | ||||||||
| Publicacion | Més Tarragona | ||||||||
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| Materia | Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Cuando se juntan dos mentes explosivas pasan estas cosas en Tarragona y en cualquier lugar del mundo. Me refiero al espacio A.R.T. de J.M. Roselló. Este espacio nació para dar cabida a todo aquello que, por insólito, efímero o imposible, no tenía un espacio adecuado donde exponerse y su destino era el olvido o esperar a la Semana Santa para salir a golpe de penitencia y flajelamiento al ámbito público.
La otra mente efervescente, a la estoy haciendo mención es la de Jordi Abelló, un artista como la copa de un pino que, además es técnico de cultura del Ayuntamiento de Tarragona. Tanto una cosa como la otra la vive con pasión, y esta consiguiendo objetivos increibles en Tarragona, sólo al alcance de aquellos que se entregan en cuerpo y alma a su obra y a su trabajo. A veces me reuno con él para tomar un café y, como psicólogo y amigo, me preocupo de su espíritu y de su alma, le recomiendo que baje el listón, que tanta entrega y pasión quema los fusibles del más pintado. Pero cada uno es como es y esta dispuesto a quemar todas las velas para que la artes visuales en Tarragona tenga el tratamiento que se merece y, lo que es más difícil, ¡lo consigue! Lo cierto es que, retomando el tema de estas dos mentes inquietas que se han juntado para que todos nosotros disfrutemos de lo imposible, ahora Jordi Abelló nos muestra una reflexión sobre la génesis del arte a partir de las resonancias magnéticas del estómago y los gravados de Goya. El tema no es valadí, por cuanto, como se sabe, el arte nace de las entrañas y sale al exterior en forma de tirones del alma y quejidos del espíritú. Particularmente me alegra que sucedan estas cosas, porque J.M. Roselló ha demostrado que no se puede estar permanentemente esperando el milagro de los panes y los peces (léase Char3), y que más vale ponerse el mono de trabajo y empezar a construir con imaginación, aunque sin presupuesto. Tal es el caso de su espacio, su propio estudio, que cediéndolo, en parte a otros artistas, esta siendo más efectivo que el Plan I, II, III, del Excelentísimo Ayuntamiento de Tarragona. | ||||||||
| Titulo | José Emilio Antón: Libro de artista | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | La Voz de Galicia | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | El Municipal descubre el libro de artista como un género del arte
Los objetos de la exposición pertenecen a José Emilio Antón La muestra se completa con varias actividades paralelas como talleres y conferencias El Museo Municipal abrió sus puertas a la exposición titulada Libros de artista. Outros libros de José Emilio Antón. El artista acudió ayer a la presentación de la muestra en donde indicó que lo más importante de la misma «no es mostrar mi obra sino este género del arte». José Emilio Antón subrayó que: «Es nuevo. No se trata de pintura ni escultura». El libro del artista es un género interdisciplinar que el responsable de la muestra comparó con la ópera. «Une distintos géneros. Como en la ópera que hay danza, música y teatro. Se diferencia de la pintura en que se puede mezclar todo». El Museo Municipal de Ourense es el segundo espacio de Galicia -después de Santiago- que es escenario de una muestra de estas características. | ||||||||
| Titulo | 20 Pintoras cordobesas y el libro objeto | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Día de Córdoba | ||||||||
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| Sinopsis | La editorial Depapel ha publicado una edición artesanal en la que recopila parte del trabajo de una veintena de pintoras cordobesas que habían caído en el olvido, según señaló ayer uno de los responsables de la empresa, Manuel Patiño. Esta editorial comenzó a trabajar hace un año y tiene ya en el mercado seis publicaciones de edición limitada. Una de ellas recopila textos sobre Córdoba y otras dos están dedicadas a las torres y las fuentes de la ciudad. También ha publicado un libro sobre poesía y pintura y un poemario de Dulce Chacón.
Patiño señaló que en esta última publicación el uso de papel reciclado de fabricación propia, que se une a la impresión digital y la encuadernación artesanal (como en todas sus ediciones), permite "recuperar cuadros y autoras que han estado en el olvido". Así, aseguró que han perseguido un libro "basado en lo visual". "Hemos conseguido que el papel resalte la belleza que tienen los cuadros", añadió. El teniente de alcalde de Cultura del Ayuntamiento, Luis Rodríguez, indicó que Depapel fabrica "libros-objeto", en el sentido de que "contenido y continente tienen la misma importancia". Este grupo lleva 20 años como taller de encuadernación y hace diez comenzó la fabricación artesanal de papel. | ||||||||
| Titulo | Taller estable de P:V. y Experimental | ||||||||
| Autor | VICENTE GUTIÉRREZ ESCUDERO | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | La puesta en práctica de lo poético
A propósito del Taller Estable de Poesía Visual y Experimental El taller celebró una acción poética 'dadá' en Santander. Desde siempre he sentido gran interés por diversas corrientes utópicas del siglo XX como son el el letrismo, el surrealismo, el dadaísmo o el situacionismo. Recuerdo que con 17 años escribí mis primeros poemas cinéticos programados en un rudimentario MSX, usando para ello el lenguaje basic. Todo aquello era muy perturbador e inquietante, pero en Cantabria por aquel entonces apenas existían lugares donde poder compartir esa afición, y mucho menos revistas afines que se editaran o al menos que se distribuyeran. Yo personalmente no recuerdo haber conocido ninguna actividad relacionada con la poesía visual o experimental desde la conocida 'La Draga' de Rafa Gutiérrez Colomer, la publicación de algunos poemarios de Isaac Cuende o las actividades del grupo 'Cuévano'. Esa situación de vacío y aislamiento ha continuado hasta nuestros días. Digamos que Cantabria ha permanecido ajena a acontecimientos que se han desarrollado en otras provincias y países en torno a la poesía experimental. A mi entender es esencial -en este y otros ámbitos- tender puentes hacia fuera de nuestra región y no construir muros que, en nombre de un regionalismo feroz, nos aislen. Así que es de agradecer la aparición del 'Taller Estable de Poesía Visual y Experimental' organizado por al Aula de Letras de la Universidad de Cantabria y 'La Ortiga'. Era ya una necesidad de urgencia. No sólo porque este tipo de talleres permiten a los asistentes desarrollar un trabajo que combine el impulso individual con la puesta en juego colectiva, sino porque además supone una esperanzadora apertura hacia el exterior. Ya el hecho en sí de encontrar en el propio Santander un punto de encuentro donde poder debatir o documentarse sobre, por ejemplo, la poesía letrista, la poesía concreta o el situacionismo, supone un cambio drástico a tener muy en cuenta. Y quién mejor que un poeta ya veterano en estos terrenos, Antonio Montesino, para dirigirlo. No obstante sorprende comprobar que en el resto de España no exista un taller de estas características, incluso en regiones que presumen de poseer prestigiosas facultades. Bien es cierto que el taller pudo haberse desarrollado en un intencionado hermetismo. Sin embargo los impulsores del taller, Ramón Maruri y Antonio Montesino, han optado por elecciones poco comunes en el ámbito académico; una forma abierta a la ciudadanía y de extensión prolongada más allá de los límites fijados por el calendario escolar. Otra de las virtudes de este taller es sin duda su horizontalidad; me refiero al protagonismo que tenemos todos los asistentes a la hora de aportar ideas o a la hora de desarrollar el trabajo creativo. Mencionaré una de las actividades planteadas recientemente. El 3 de mayo, contamos con la participación de Francisco Aliseda. Aliseda es uno de los más importantes conocedores de poesía visual que tenemos en España, además ha sido el promotor y coordinador de 'Interolerti: Festival Internacional de Poesía Experimental' (1999), 'I Encuentro de Poesía Visual en Euskadi' (2000) y 'Poesía Visual hoy' (2003). En su intervención nos leyó un poema fonético dedicado a Santander de 7 minutos de duración; construyó junto con nosotros algunos collages; nos mostró diversos poemas-objeto y nos habló, entregándonos diversos ejemplares, de la veterana revista 'Veneno' de la que ha sido fundador y director. Insisto en la importancia de este tipo de actos. La presencia de Francisco Aliseda en Santander es un lujo que muy pocas universidades han tenido. Pero todo esto no tendría el sentido que ya ha adquirido si al taller no se le hubiera asignado una jugosa dimensión práctica; una de las recientes actividades realizadas ha sido la conmemoración del 86 Aniversario del 'Festival Dadá' celebrado en la Sala Gaveau de París el 26 de mayo de 1920. Ésta consistió en tres 'dadá-acciones' realizadas en el centro de Santander, en las que se procedió a la lectura de 'manifiestos dadá', poemas de Tristan Tzara, poemas fonéticos y discursivos y al reparto de diversos materiales elaborados por el taller. Para ello nos habíamos disfrazado al modo en que lo hacía Hugo Ball durante sus actuaciones en las veladas dadaístas. Estas acciones poéticas van más allá de meras pretensiones artísticas o estéticas, ya que plantean una reapropiación de los entornos de convivencia que habitualmente no son arrebatados por el modo de vida que nos imponen. Es evidente que el taller, sin esta puesta en práctica de lo poético, perdería gran parte de su razón de ser. Sinceramente, espero que en Cantabria afloren más proyectos de este tipo. Y que este taller que ha comenzado de la mejor manera posible se estabilice en el tiempo. Es una muestra más de la paulatina y lenta apertura de nuestra región hacia el exterior. | ||||||||
| Titulo | Arte Conceptual / Magia Cotidiana | ||||||||
| Autor | ROBERTO MIRANDA ZARAGOZA | ||||||||
| Publicacion | El Periódico | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | El Cuarto Espacio ofrece una exposición de arte conceptual // La DPZ presenta la 5ª edición del proyecto pedagógico ´EnseñARTE´
La Sala de Arte del Cuarto Espacio (Plaza España) de la Diputación de Zaragoza acoge desde ayer una muestra de arte conceptual titulada Magia cotidiana con obras de Joan Brossa, Chema Madoz y Pep Llambías, Ben Vautier y el Grupo Zaj. La exposición se integra en el ciclo titulado EnseñARTE surgido hace cinco años en el Ayuntamiento de Ejea con la intención de mostrar las claves del arte contemporáneo de forma didáctica y pedagógica a un público mayoritario tradicionalmente huérfano de cualquier tipo de educación artística. En la primera edición (2002) se abordó La posmodernidad española y sucesivamente se dedicaron exposiciones a La mirada en el paisaje, El papel como soporte en el arte contemporáneo, El pop y la cultura de masas que se trasladó el año pasado al Monasterio de Veruela, hasta llegar a esta muestra de poesía visual que ha estado expuesta en la sala de Exposiciones de la Parroquia de Ejea del 5 de mayo al 5 de junio. Ahora llega a Zaragoza, "consolidada como una propuesta cultural que contribuye a democratizar la experiencia artística", como explicó ayer la diputada provincial delegada de Cultura, Cristina Palacín, del PSOE. La exposición va acompañada de un catálogo y de unidades didácticas para profesores y alumnos destinadas a descifrar las claves técnicas, estéticas y conceptuales. Se explica el arte conceptual a través de una cita del artista Sol LeWitt: La idea o concepto es el aspecto más interesante de la obra... todo se proyecta y se decide de antemano y la ejecución es una cuestión superficial, porque la idea es la máquina que fabrica el arte. Este estilo tuvo sus inicios a finales de la década de 1960 a raíz de la obra de un artista esencial: Josep Beuys (1921-1986) catedrático de arte en Düsseldorf y fundador del grupo neodadaísta Fluxus. Desde ahí, la idea superaba al objeto artístico, que quedaba desvinculado del mercantilismo. Los artistas conceptales realizan obras deliberadamente faltas de interés o triviales desde el punto de vista visual, con el fin de desvir el interés hacia la idea que expresan. Colocar los platos de la comida seriados en una rejilla del alcantarillado (Chema Madoz) es una idea feliz más que una fotografía. O ponerle un marco al Rey de Bastos de la baraja (Joan Brossa) es un poema visual, no un cuadro. Con el sugerente título de Magia Cotidiana, se da paso en esta edición a la poesía visual, al misterio de la palabra convertida en objeto artístico, a la ironía de la provocación por el uso de grafías cotidianas que alteran su sentido, produciendo chocantes y equívocas imágenes o simplemente mostrando a rienda suelta, la magia creadora del artista que mezcla objetos y crea conexiones y extrae nuevos significados cargados de humor y espíritu crítico. Así los poema visuales de Brossa : Los escudos del Bar§a y del RCD Español enlazados por un arácnido, o las palabras en madera situadas en vitrinas con sus significados (Pep Llambías). El concepto y el significado se sitúan por encima del resultado estético. | ||||||||
| Titulo | La posibilidad de una isla | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | LanzaroteDigital | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
...//...La posibilidad de una isla’, que ofrece una serie de proyecciones que nos acercan a la poesía visual...//... El paisaje lunar de Lanzarote, escenario de una ‘performance’ protagonizada por Juliette Binoche El Centro de Arte DA2 de Salamanca centra la programación del II Festival Internacional de las Artes, donde hoy va a ser inaugurada la exposición ‘El mundo no es un panorama’, de los videoartistas italianos Jacopo Bedoni y Nicolo Massaza (Masbedo), en colaboración con el escritor francés Michel Houellebecq y del que es principal protagonista la actriz Juliette Binoche. Se trata de una muestra relacionada con la última novela de Houellebecq, ‘La posibilidad de una isla’, que ofrece una serie de proyecciones que nos acercan a la poesía visual, con una iconografía inquietante ambientada en la isla de Lanzarote. A través de una triple videoinstalación y película con el ‘making-off’ del filme, Masbedo presentan la historia de María 23, clon de María 1, que habita en un mundo post- nuclear donde los neohumanos viven sin emociones y pasan la vida en busca de su original. Rodado en Lanzarote, por ser “lugar perfecto para descubrir una situación atómica y absurda”, el video presenta un trabajo en torno a la soledad del hombre, según aseguran los creadores, que señalan que el proyecto presenta a un ser humano del futuro “en peregrinación en torno al amor”. | ||||||||
| Titulo | Performance y periódicos | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Radio Granada | ||||||||
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| Materia | Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | La Casa de los Tiros acoge una 'performance' que combina esculturas con papel de periódico
La Casa de los Tiros de Granada ha acogido una peculiar "performance" de la artista mexicana Anel Medina, que utiliza papeles de periódico para construir "esculturas efímeras" con las que pretende trasmitir que en lo cotidiano y lo rutinario existen verdaderos "espacios para la belleza". La artista, estudiante de Bellas Artes, explicó que con esta actividad, que ha venido desarrollando en la ciudad desde hace varios meses, concluye un ciclo de creaciones artísticas en las que "construye" trajes de elaborados con papel de periódico, con los que "viste" a algunos de los presentes en sus representaciones. Mendoza señaló que este tipo de creaciones permite que la obra "esté viva" y que sea esencialmente "efímera", de ahí que el verdadero valor no radique en el producto final sino en su proceso de construcción y elaboración. "Transfiguro los periódicos con la simple ayuda de celo, para convertirlo en un momento poético que se va y que se pierde, por eso cada obra es nueva, es como hacer casi un retrato en el que no importa el objeto, sino el proceso", adujo. Según esta artista, el papel de un periódico implica rutina y periodicidad, "algo que se marcha", y con "performances" como la que representa en el patio central de la Casa de los Tiros pretende simular hasta qué punto una persona puede estar "investida" en lo que se conoce como sociedad de la información. | ||||||||
| Titulo | Dos muestras y dos performance | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | ABC Cultural | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | ...//...La posibilidad de una isla», que ofrece una serie de proyecciones que nos acercan a la poesía visual, con una iconografía inquietante...//...
Dos muestras y dos «performances» en el DA2 El Centro de Arte DA2 centra la programación del II Festival Internacional de las Artes hoy, ya que allí serán inauguradas dos exposiciones y se llevarán a cabo dos «performances». La primera de las muestras lleva por título «If I had you» (Si te tuviera) y es obra de Darren Almond, uno de los miembros de la Young British Artist. La obra presente en Salamanca es una monumental videoinstalación, que muestra por primera vez en España una selección de las obras que Almond ha realizado en los últimos cinco años. La segunda exposición que mañana se inaugura en el DA2 es «El mundo no es un panorama», de los videoartistas italianos Jacopo Bedoni y Nicolo Massaza, en colaboración con el escritor francés Michel Houellebecq. Se trata de una muestra relacionada con la última novela de Houellebecq, «La posibilidad de una isla», que ofrece una serie de proyecciones que nos acercan a la poesía visual, con una iconografía inquietante en la que es protagonista la actriz francesa Juliette Binoche. La poesía estará abierta hasta el 2 de julio. Por otro lado, se celebran también en el DA2 las dos primeras performances integradas en la sección «Post-Performances. Noches de Performance en el DA2». A las 21.30 horas tendrá lugar «Circles of life», de las alemanas Ulrike Rosenbach y Sussane Schorr. Rosenbach, en la imagen, fue una pionera de la «performance» y el videoarte en los 70 y emplea las nuevas tecnologías, en las que aborda cuestiones como la política y el feminismo. A las 22.30 será el turno del español Marcel-Lí Antúnez con «Transpermia». Antúnez, conocido internacionalmente por sus «performances» y sus instalaciones robóticas, fue fundador de la Fura dels Baus, con la que colaboró hasta 1988. Sus actuaciones tratan temas como la transgresión de los límites físicos y perceptivos del ser humano a través de la manipulación de elementos científicos y tecnológicos. | ||||||||
| Titulo | Libro Objeto: Tapies y Sánchez-Robayna | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | El Día de Canarias | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | La poesía y la pintura, un eterno diálogo
mapfre expone el libro-objeto de sánchez-robayna y antoni tàpies La Fundación Mapfre Guanarteme expone desde el pasado viernes en Las Palmas de Gran Canaria el proceso creativo que emprendieron el poeta grancanario Andrés Sánchez Robayna y el pintor catalán Antoni Tàpies. Un libro-objeto titulado . La Fundación Mapfre Guanarteme expone desde el pasado viernes en Las Palmas de Gran Canaria el proceso creativo que emprendieron el poeta grancanario Andrés Sánchez Robayna y el pintor catalán Antoni Tàpies. Un libro-objeto titulado Sobre una confidencia del mar griego. La exposición estará abierta al público hasta el 9 de junio en el edificio Cultural Ponce de León de la capital grancanaria (Calle Castillo, 6, frente a la fuente del Espíritu Santo) y posteriormente será trasladada a La Laguna (desde el 20 de junio al 20 de julio). Esta muestra, titulada Dibujos originales y poemas autógrafos tiene como objetivo fundamental mostrar el proceso de creación y elaboración de un libro, Sobre una confidencia del mar griego, publicado en 2005 por Editorial Huerga y Fierro, dentro de la colección Signos. Con esta muestra, la Fundación Mapfre pretende mostrar los pasos que dieron ambos artistas en este «peculiar diálogo de las artes». La exposición inaugurada el viernes contiene los dibujos originales de Tàpies, los poemas autógrafos de Andrés Sánchez Robayna y otros documentos, como la maqueta del libro. Este tipo de colaboración entre poetas y artistas plásticos en los llamados libros-objeto forma parte de un «trabajo creador que define a la cultura contemporánea» y el resultado final, según analiza el catálogo de la exposición, se concreta en «libros en los que se produce una atrayente interacción de lenguajes artísticos». En el libro, en los poemas de Sánchez Robayna, a juicio del crítico Carlos Javier Morales, «late ese deseo humano, de toda la especie, por sobrevivir junto al Mundo natural, eterno y divino; pero, más que la penosa búsqueda de la eterna permanencia de nuestro ser y de la Humanidad entera, lo que en estos poemas se ofrece es el gozoso encuentro, la comunión entre las obras humanas y la divina Naturaleza, reiterado en distintas experiencias y en diversos paisajes». Morales cree que «los dibujos de Antoni Tàpies se adecuan con acierto y perfección a la emoción de comunión gozosa del poeta. Así, la reproducción de huellas dactilares y de otros miembros humanos junto a líneas que evocan esquemáticamente elementos paisajísticos o mensajes escritos hablan muy bien de esa correspondencia entre Hombre, Palabra, Arte y Naturaleza». Un poema, 'La tela del encuentro' Quizás una de las piezas en las que mejor se refleja el encuentro, el diálogo entre el pintor y el poeta, la firma Andrés Sánchez Robayna en 2001 y forma parte de la obra titulada El libro, tras la duna, también con dibujos de Antoni Tàpies: «Aprendí por entonces que en el gesto / del pintor se contiene el movimiento / del planeta, y la brizna en la montaña. / En su muñeca vi gemir el árbol / doblado por el viento, y la mañana / del amor y los frutos de la noche / y la noche y el viento y el amor. / En aquellas pinturas se leían las indóciles huellas en el muro / desconchado, la tiza y el anónimo / quejido, el firmamento y la adhesión, / los cordeles, el grito, el alfabeto / cotidiano, la silla y el ropero, / la destructora X que se adueña / del espacio y del ser, la destrucción / que es construcción, el rojo y el violín / en la puerta metálica, la nada / y el éxtasis: la tela del encuentro». Sus poemas han sido traducidos al inglés, francés, alemán, italiano, portugués, griego y árabe. Actualmente dirige el Taller de Traducción Literaria de la Universidad de La Laguna el poeta crítico y ensayista Poeta español nacido en Las Palmas de Gran Canaria en 1952. Cursó estudios de Filología Hispánica en la Universidad de Barcelona. Es catedrático de Literatura Española en la Universidad de La Laguna, fundador y director de las revistas Literradura hasta 1976 y Syntaxis de 1983 a 1993. Notable crítico y ensayista. el pintor tradición literaria Nace en Barcelona en 1923, en una familia burguesa, culta y catalanista, involucrada desde mediados del siglo XIX en una tradición editorial y librera que despierta muy pronto en el artista un amor por los libros y la lectura. Esta predisposición se ve acentuada por la larga convalecencia de una enfermedad pulmonar, durante la cual inicia sus tanteos artísticos. | ||||||||
| Titulo | Espacio Brossa de manera permanente | ||||||||
| Autor | Agencia Efe | ||||||||
| Publicacion | Terra Información | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual | ||||||||
| Sinopsis | Han pasado 20 años desde que Xavier Canals escribiera en EL PAIS (17 mayo 1987) un trabajo titulado "Pedagogia i Poema Acción", en el mismo se reivindicaba la necesidad de que la poesía visual fuera penetrando en los circuitos de enseñanza como una forma de mejorar la comunicación y llegar a un lenguaje universal comprensible por todas las culturas. Este artículo de Canals hacia referencia a la exposición que se estaba celebrando en la Sala Transformadors de Barcelona. En estas jornadas participaban varios especialistas del campo de la pedagogía que aún abarcaban más y señalaban que la poesía visual podía ser un excelente sistema terapeútico para un mundo convulsionado.
La noticia que viene a continuación hace referencia a todo esto que venimos señalando por cuanto el maestro Brossa fué el máximo exponente de la comunicación a través del elemento visivo, del humor y de la magia. Elementos fundamentales en cualquier sistema de enseñanza. Y el hecho de que poco a poco su figura vaya alcanzando el lugar que se merece en la historia del arte, es para todos nosotros motivo de honda satisfacción. Fundacion brossa Fundación Brossa inaugura exposición permanente con objetos poeta Poemas-objeto, poemas visuales, catálogos, carteles y libros de poesía y teatro de Joan Brossa se exhiben desde hoy en exposición permanente en un nuevo espacio de la Fundación Brossa, en la calle Provenza de Barcelona, desde el que también se difundirán y editarán obras inéditas del poeta. La Fundación Joan Brossa, creada en 1999, abre por primera vez un pequeño local para que el público pueda conocer los diferentes registros artísticos del poeta, a la vez que podrá adquirir libros y catálogos 'brossianos', y visionar las películas, fragmentos de obras de teatro y entrevistas, recogidas en su día por algunas cadenas de televisión sobre el también mago. Una de las vocales de la Fundación, Gloria Bordons, explicó hoy en rueda de prensa que a finales del próximo mes de septiembre se presentará, asimismo, un libro inédito del escritor titulado 'Día a día (1988-1992)', que edita Edicions 62, con lectura poética a cargo de Carles Rebassa. Un mes más tarde se presentará el primer volumen de las obras completas, también de Edicions 62, y para finales de año está previsto que se de a conocer un DVD con poemas inéditos visuales, con comentarios de otros poetas, discípulos de Brossa. Precisamente, la compañera durante más de treinta años del artista, Pepa Llopis, comentó en el mismo acto que aún hay muchos papeles por 'descifrar' de un artista considerado 'muy prolífico', y al que se debe reinterpretar hoy, incluso, con la ayuda de una lupa. La Fundación trabaja, además, en la realización de itinerarios a pie por Barcelona por los lugares en los que hay obra del autor catalán. Otra de las iniciativas que lleva a cabo la fundación está relacionada con la puesta en marcha de un servicio pedagógico que recogerá los trabajos realizados por escuelas de toda Cataluña sobre la obra de Brossa y programará visitas guiadas para niños a la exposición permanente. Por otra parte, en los próximos años la Fundación quiere producir exposiciones de la obra 'brossiana', a partir del fondo de la propia entidad, o de préstamos puntuales a otros museos. Los medios de que dispone la fundación, recordó su tesorera Carme Llopis, son escasos, de manera que se plantea en el futuro abrir una campaña de patrocinio privado para conseguir nuevos recursos. Nacido en enero de 1919 en el barrio de Sant Gervasi de Barcelona, Joan Brossa se sintió atraído por el teatro desde pequeño, mientras que siendo muy joven empezó a practicar la escritura de imágenes 'hipnagógicas', resultado de sueños inconscientes y del automatismo psíquico. En los años cuarenta empieza a emerger el Brossa más prolífico y heterogéneo, que toca todos los lenguajes artísticos, desde la poesía, a la pintura, pasando por la música, la ópera y el teatro. Enemigo del materialismo, es en los años noventa cuando tuvo su máximo reconocimiento público. En diciembre de 1998 fallece en Barcelona a los 79 años, después de haber sufrido en octubre un accidente doméstico, al caer por la escalera de su casa. | ||||||||
| Titulo | Guillermo Marín: Rúbriques a l'aire | ||||||||
| Autor | Noriam Muñoz | ||||||||
| Publicacion | Diari de Tarragona | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Guillermo Marín, el gozo de dibujar poemas de hierro
La exposición 'Rúbriques a l'aire' está hasta hoy en el Teatre Metropol Norián Muñoz | El poeta visual Guillermo Marín propone una exposición llena de peculiaridades. La primera de ellas, el hecho de que la inauguración y la clausura se celebran el mismo día: hoy. Marín nos recibe en su casa de la Part Alta, un antiguo prostíbulo que ha reformado para convertirlo en vivienda y estudio, todo junto, donde las señales de la creación se esconden por todas partes. «Es que yo en cualquier lado voy dejando una libreta, un bolígrafo y voy escribiendo esas cosas que la gente llama chorradas, bien sea aquí, en el salón, en la cocina� La verdad es que no me aburro, ja, ja», explica el artista, quien se autodefine como poeta visual, bajo el concepto más puro que promovieron los surrealistas. La exposición que puede verse hasta hoy en el vestíbulo del Teatre Metropol es la muestra de una evolución de más de cuarenta años en el mundo de la creación. En primer término aparecen las esculturas formadas por barras de hierro que dibujan líneas etéreas, un camino hacia la sencillez que le ha llevado a despojarse de todo, incluso de la soldadura, puesto que la mayoría están hechas con una sola pieza. El resultado son líneas suspendidas en el aire que tienen una presencia casi tan importante como las sombras que proyectan. En segundo lugar aparecen los poemas visuales, probablemente la forma más sencilla y directa de entender la naturalidad con que este creador vive y goza la vida, creando con humor e ingenio. Tan pronto aparece un abanico con cerradura para que la dueña vea a través de ella como una manzana de la tentación mordida y con una servilleta al lado que desea: «Bon profit», o un libro donde se han quedado pegadas todas las huellas de los que lo han visto. Creador global Marín nació en un pueblo malagueño en 1943 y desde 1989 vive en Tarragona. Su trayectoria da cuenta de exposiciones en diferentes puntos de España y Europa, como Málaga, Marbella, Cádiz, Verona, Düsseldorf, Colonia y Utrecht, entre otros. Es tan polifacética su creación que parece que ninguna forma de expresión se le resiste. De los óleos del principio salta al collage, a la escultura, a la cerámica, el grabado, a las instalaciones... pero sobre todo a lo que él llama «cocina de taller». Salta tanto de una técnica a la otra que si se le pregunta en qué trabaja ahora mismo, no tiene muy claro qué está «cocinando», inventando. Últimamente prueba a despigmentar portadas de revistas. Y es que transformar las cosas es otra de sus pasiones. «Me cuesta mucho tirarlo todo. Ya se ve, ¿no?». Una muestra de ese afán experimentador que él mismo describe como infantil es, por ejemplo, un libro sobre poesía visual que no necesita de punto de libro, porque está encuadernado de tal forma que es imposible confundir la página en la que uno se encuentra. Otra confirmación de su hacer polifacético es la invención de los «espirocantos» (se divierte tremendamente poniendo nombres a todo lo que hace). Se trata de poemas con un sentido en sí mismos, pero en los que juega con la caligrafía para crear formas, especialmente cuadrados que transcurren en espiral. Se divierte con tan poco que hasta disfruta pintando sus esculturas sobre fotografías de diferentes sitios para imaginarse cómo se verían en otro lugar. Embrujo tarraconense Después de vivir en Alemania y París, en 1989 Marín vino a vivir a Tarragona y dice que lo hizo a conciencia, enamorado de esas calles que para él tienen un embrujo que a su juicio los tarraconense no siempre aprecian. «Me dije: éste es el lugar en que me quiero morir, y no me equivoqué». Cuenta que cuando le llegue la hora quiere que tiren sus cenizas al Mediterráneo. Pero lo cuenta sin dramatismo, y dice en una especie de testamento que si alguien se atreve a enterrarle, que al menos coloque en la lápida una inscripción que diga «Aquí quedan mis restos, yo me voy». En vista que la exposición no pudo inaugurarse en su momento, el acto social se hará hoy, y cuenta entre risas a unos vecinos que «hasta me he comprado un traje de novio». | ||||||||
| Titulo | PV y Cuadernos Escolares | ||||||||
| Autor | Agencias Extremadura | ||||||||
| Publicacion | El Periódico | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | UNA INICIATIVA DEL POETA ANTONIO GOMEZ
220 creadores plasman sus ideas en cuadernos escolares Doscientos veinte artistas, nacionales e internacionales, relacionados con el movimiento de la poesía visual, participan en la exposición Cuadernos escolares que hasta el 15 de junio puede visitarse en la Biblioteca de Extremadura en Badajoz. El poeta y escritor Antonio Gómez, nacido en Salamanca y afincado en Mérida, concibió este proyecto en 1998 y fue enviando a numerosos artistas aquellos cuadernos tan utilizados por los escolares para realizar sus tareas. VISION DEL MUNDO Los autores que participaron el proyecto modificaron el cuadernillo que se les entregó con dibujos, poemas, narrativas, collages o fotos, y en ellos han ido expresando sus vivencias escolares, su visión del mundo o han denunciado violaciones de los derechos humanos. En la muestra inaugurada ayer se exhiben obras de 70 autores extremeños, 70 del resto de España y otros 80 de Sudamérica, Portugal, Marruecos y el norte de Europa. Entre este grupo de artistas que ha colaborado de forma desinteresada con la propuesta de Antonio Gómez, figuran de la Escuela de Diseño de la Facultad de Bellas Artes de Bilbao, además de poetas como el extremeño Angel Campos, Clara Janés y Víctor Infantes. Además, la exposición sirve como homenaje póstumo a artistas de la comunidad autónoma como Dulce Chacón, Antonio Covarsí o Bernardo Víctor Carande, que también aportaron sus creaciones. Para la inauguración de la muestra se ha editado un catálogo diseñado por Luis Costillo del que se han tirado 1.000 ejemplares. El consejero de Cultura, Francisco Muñoz, destacó ayer en la presentación de esta exposición, la curiosidad que supone contemplar en los cuadernos "como se han cruzado los géneros", expresado por poetas que dibujan y dibujantes que escriben textos. Por su parte, el director de la Biblioteca Regional de Extremadura, Justo Vila, dijo que el conjunto expuesto en la capital pacense es una muestra creativa de lo que estos artistas han realizado a finales del siglo XX. | ||||||||
| Titulo | IX Feria de Arcale/ Poesía Visual | ||||||||
| Autor | MARÍA AURORA VILORIA | ||||||||
| Publicacion | Norte Castilla | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...
Poesía visual En la sección de vídeo-arte se proyectarán, entre otros, trabajos de Luis Eduardo Aute, Carlos Salamanca o Lisette Pons, y también habrá un espacio dedicado a la poesía visual con las Palabras de la Tribu. Es una idea que nace a partir de poemas de Mario Pérez Antolín, José María Muñoz Quiros, Carlos Aganzo, José Pulido y Ana Agustín, cuya lectura, con acompañamiento de violín, tendrá lugar el viernes 26 a las 19.00 horas. La Feria, que ha celebrado sus anteriores ediciones en Salamanca y fue presentada ayer por su director y organizador, Román Rollón, es un proyecto de la Asociación de Galerías de Arte de Castilla y León al que se han sumado otras que no pertenecen a ella, y cuenta con el apoyo económico de Urbanizaciones Rhiconsa. ...//... CULTURA La IX Feria de Arcale reúne en Valladolid las obras de 300 artistas a través de 31 galerías Un programa de instalaciones y proyecciones acompaña la exposición LA FERIA Participantes: 31 galerías, de las que tres son extranjeras, que ofrecerán las obras de 300 artistas. Programa cultural: Instalaciones, vídeo-arte y poesía visual. Más de trescientos artistas, desde los consagrados a los noveles y entre ellos algunos que ya forman parte de la historia de la pintura -como Miró, Picasso, Celso Lagar, Tápies, Guinovart, Chillida, Chagall, Dalí, Saura, Oteiza, Lucio Muñoz, Broto, Mompó o Venancio Blanco-, estarán representados en Arcale, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Castilla y León, que celebrará su novena edición, por primera vez, en Valladolid. Sus obras aparecerán en los espacios de las 31 galerías participantes, entre las que hay tres extranjeras; Crisolart Galleries, de Dinamarca; Manfred Meuser, de Alemania, y Zhonng Yi, de China. Castilla y León está representada por 12 galerías, Paloma 18, de Burgos, Sardón, de León; G.M.N., de Palencia; Annia y Reyes Católicos, de Salamanca; Claustro y Fontanar, de Segovia; Lorenzo Colomo, Rafael y Samuel, de Valladolid, y Espacio 36 y Román Arte, de Zamora. El resto llegarán de Madrid, A. M. C. Artes, Art Reproducción, Hispánica, Lorenart, Maes, Mun y Ra del Rey; Álava, DKS; Oviedo, Costa de Diego; Málaga, Espacio Tres; Mallorca, Racó 98; Pamplona, San Antón; Valencia, Art Europa, Gargón Art Gallery y Maika Sánchez, y Sevilla, Manuela Talaverano. Mostrarán pintura, escultura y fotografía de todas las tendencias y estilos y ocuparán la mitad del espacio del Pabellón número 2 de la Feria Internacional de muestras, mientras que la otra parte estará dedicada a un programa cultural que ofrecerán Artistas por la Paz y la Federación Española de Artistas Plásticos. Dividido en tres apartados, incluye instalaciones de creadores como el cubano Alain Betancourt, el español Carlos Gonzalo o la argentina María Eugenia Piacentini | ||||||||
| Titulo | El dadaísmo invade Santander | ||||||||
| Autor | JOSÉ MARÍA GUTIÉRREZ/SANTANDER | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | El dadaísmo invade Santander
El taller de poesía visual y experimental de la UC realiza hoy un 'happening' conmemorativo del 86 Aniversario del 'Festival Dadá' celebrado en París en 1920 El artículo, entre otros hace referencia a Paul Eluard, Hans Harp, Yves Tanguy y Rene Crevel, Tristan Tzara, Andre Breton, Salvador Dalí, Max Ernst, Man Ray....//... y debemos recordar que el dadaismo tiene mucho que ver con el nacimiento del mail art y el renacer de las versiones vanguardistas de la poesía experimental (poemas-acción, poema-proceso, etc.) Contenidos: 'Happening' conmemorativo del 86 Aniversario del Festival Dadá celebrado en la Sala Gaveau de París, el 26 de mayo de 1920. Día y hora: hoy, viernes, de 18,30 a 20,30 horas. Lugares e itinerarios de la 'Dadá-acción': -1ª: Formación de la 'Altzarabanda' en la Farola de Pío Muriedas (Plaza de Numancia). - 2ª: 'Altzarabía' itinerante desde Numancia a la calle Lealtad. - 3ª: 'Altzaraencuentro' (Almacenes de Zara). Organiza: Aula de Letras de la UC, dirigida por Ramón Maruri, y La Ortiga, dirigida por Antonio Montesino, dentro del Taller Estable de Poesía Visual y Experimental. Publicidad Tristan Tzara, fundador del dadaísmo, recibirá hoy un especial homenaje por las calles de Santander. La forma, una jornada cívica de 'poesía acción', un 'happening', una 'performance'... Los protagonistas, los miembros del Taller Estable de Poesía Visual y Experimental, dirigido por Antonio Montesino, y organizado por el Aula de Letras de la UC de Ramón Maruri. El motivo, la conmemoración del 86 Aniversario del 'Festival Dadá' celebrado en la Sala Gaveau de París el 26 de mayo de 1920. Entonces, los dadaístas, disfrazados de 'hombres-sandwich', repartieron numerosos programas en los que figuraban diecinueve acciones poéticas, relacionadas, entre otras, con el pugilato sin dolor, la ópera, el juego de ajedrez, el ilusionismo, la lectura de manifiestos y de poemas fonéticos... No faltaron a la cita destacados miembros de la vanguardias del momento como Francis Picabia, Louis Aragon, Paul Éluard, Philippe Soupault, André Breton, Céline Arnauld, Paul Dermée y el propio Tristan Tzara, quien hizo una lectura de 'La décima aventura del señor Aa Antipirina' y de la 'Vaselina sinfónica'. Esta primera actividad urbana en Santander se enmarca en una de las estrategias vertebrales del taller, denominada 'Iconoplásticas ciudadanas', que tiene por objeto generar una «poesía del comportamiento», mediante la organización de acciones-poéticas, encaminadas a la reapropiación simbólica y discursiva de ciertos espacios públicos, socialmente significativos. Como es lógico, para recordar el acontecimiento histórico de París, los miembros del Taller de Poesía Visual y y Experimental de la UC han recurrido al empleo de la modalidad de 'Poesía acción', que trata de producir una poetización de la vida en el ámbito de lo cotidiano, una identificación entre el arte y la vida. Tres acciones Al igual que los dadaístas de los años 20, se ha elaborado un programa que, bajo la denominación de 'Altzarabanda Tzaradadaísta' recorrerá, entre las 18,30 y las 20,30 horas, el camino que va desde la plaza de Numancia a la calle Lealtad. Los miembros del taller Rebeca Sánchez, María Isabel Rodríguez, Florentino Puente, Noé Ortega, Antonio Montesino, Vicente Gutiérrez y Jorge Aparicio realizarán una serie de tres 'dadá-acciones' disfrazados al modo en que lo hacía Hugo Ball durante sus actuaciones en la veladas dadaístas. La primera de ellas se efectuará en torno a la farola de Pío Muriedas (Plaza Numancia), donde tendrá lugar la lectura de 'manifiestos dadá', poemas de Tristan Tzara, poemas fonéticos y discursivos y reparto de materiales elaborados por el taller (poemas visuales, versos y manifiestos de Tzara, imágenes de Hugo Ball y de Tzara, 'poemas objeto', programas del 'Festival Dadá'...). A continuación se organizará una 'Altzarabía itinerante' que, acompañada de un montaje sinfónico-dadaísta, recorrerá diversas calles de la ciudad hasta llegar a los almacenes de Zara en la calle Lealtad, donde tendrá lugar la tercera 'dadá-acción', con unos actos sorpresa. El programa de homenaje a Tristan Tzara del Taller de Poesía Visual, cuya segunda parte está prevista para el próximo otoño, se enmarca en dos importantes tradiciones, que complementan este primer «guiño dadaísta, surrealista y situacionista»: la que toma su herencia de la tendencia lírico-poética de Kaprow y la que se inspira en la corriente extrovertida y social de Oldenburg. Reinventar la ciudad Con este acto Taller Estable de Poesía Visual y Experimental quiere, como manifiestan sus responsables, poner en marcha una serie de intervenciones poético-urbanas que, vehiculizadas a través del 'happening', puedan contribuir, de algún modo, a «elaborar, reinventar, juegos cívico-rituales, que permitan entender la ciudad como una articulación de lugares practicados, dotados de presencias, sentidos y significaciones plurales». Por ello, se quiere hacer un llamamiento a la ciudadanía para que se sume al acto de esta tarde. | ||||||||
| Titulo | Roselló, Homenaje a la Fotografín de Man Ray | ||||||||
| Autor | F. Basco Gracià | ||||||||
| Publicacion | Gal Art | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | JOSEP M. ROSSELLÓ: UN SURREALISTA HOMANATGE A LA FOTOGRAFIA.
El popular i prestigiós artista, Josep M. Rosselló (Tarragona, 1950), exposa onze de les seves creacions més recents a la sala d'exposicions LLAC, de la Llibreria Antiquària Catedral, situada al carrer Cos del Bou de Tarragona, durant el mes de maig, sota el títol "Suite Man-Ray". Les teles són de format mitjà, excepte la que presideix la sala, "Sfinx i sol vermell", un oli sobre tela i collage de 146x114 cm. Totes han estat realitzades en els últims mesos del 2006, expressament concebudes per aquesta exposició a la sala Llac. El 2003, Rosselló va fer la seva última exposició a La Chartreuse de Tarragona. Rosselló amb tres de les seves obres L'artista ens mostra unes composicions a partir de fotografies de Man-Ray; les imatges retallades ens obren suggerents camins de recreació, en una metamorfosi que va del blanc al negre fotogràfic, als móns matèrics, el color i les seves atmosferes habituals. En aquesta mostra, l'autor tarragoní renova el seu interès pel surrealisme, i fa un homenatge als clàssics francesos i als autors catalans. Rosselló utilitza, en aquestes teles fetes a l'oli, materials com el cristall, la fusta, el collage i la fotografia, amb la presència constant, en les seves obres, de la cara de Kiki Montparnasse. EL CATÀLEG El catàleg de l'exposició, magníficament editat, conté un text teatral de Joan Cavallé, dividit en tres actes i dedicat a l'artista, que titula "El domador d'Esfinx". Té com a personatges Man Ray, Kiki de Montparnasse, Esfinx i l' Artista domador. S'ha fet amb la col·laboració d'Abelardo Castellet, Pep Escoda, Joan Cavallé, Pau Galvaldà, Teresa i Josep del Rio i l'artista, Josep M. Rosselló, "a la part alta de Tarragona, quan el sol estava a la constel·lació d'Àries despertant l'equinocci de primavera". Una obra magnifica que conté les fotografies de les obres exposades, el currículum de l'artista i les exposicions més importants realitzades des del 1967 fins al 2003. L'ACTE L'acte inaugural comptà amb la presència de nombrós públic, artistes, amics i admiradors de l'obra de Rosselló. Presidí el pintor, acompanyat de Josep del Rio, Teresa Mercadé, Joan Cavallé i Pau Gavaldà. Del Río presentà l'obra de Rosselló i explicà el seu contingut, agraint la presència del selecte públic. Joan Cavallé explicà l'origen i els quatre personatges que formen la seva obra. Man Ray, el protagonista de l'exposició; la modelo Kiki Montparnasse, el mite de la esfinx i l'artista domador, que en aquest cas es tracta de Josep M. Rosselló. L'artista Pau Gavaldà va llegir un petit poemari, en una breu i divertida intervenció, en el qual va posar de volta i mitja a alguns polítics catalans. Després oferí un breu fragment d'una durada de cinquanta segons, d'una peça musical del propi Rosselló, el qual es mostrà agraït per la sorpresa, atès que fa anys que no toca cap instrument. Tancà l'acte Rosselló, el qual destacà la importància de la figura de Man Ray com una de les fonts d'inspiració d'aquesta mostra. I constatà que des de sempre l'hi ha agradat que les seves obres es moguin al voltant d'alguna cosa onírica, entre el somni i la realitat, tal com van fer els grans pintors francesos i catalans, en aquest mateix estil. LLAC, Sala d'Exposicions de la Llibreria Antiquària Catedral, Tarragona. Del 6 al 26 de maig de 2006. 10 de Mayo de 2006. | ||||||||
| Titulo | Censura, política y arte en Tarragona | ||||||||
| Autor | César Reglero | ||||||||
| Publicacion | Diari de Tarragona | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte postal,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
LA POLITICA CULTURAL EN TARRAGONA Y LA LIBERTAD DE EXPRESION Ahora que estamos en la tercera fase del Plan Cultural de Tarragona, y en el ámbito de las artes visuales, quisiera felicitar a quien corresponda porque se puede contemplar en nuestra ciudad una serie de exposiciones de excelente factura, tal es el caso de las esculturas y poesías visuales de Guillermo Marín en el Metropol; las fotografias y montajes de Pep Escoda en el Museo de Arte Moderno; J.M. Rosello en su particular homenaje a Man Ray en la Sala de Exposiciones Llac, etc. Si a esto añadimos el lanzamiento de algunas publicaciones tan interesantes dentro del campo de las artes visuales como pueden ser “La Pell del Llavi” o “Caldo de Cultivo”, llegaremos a la conclusión de que el momento creativo de la ciudad es excelente. De esto no cabe ninguna duda, Tarragona está repleta de figuras internacionales con una trayectoria consolidada y nuevas generaciones que aportaran toda la adrenalina necesaria para asegurar nuestro futuro creativo. La pregunta que surge a continuación es si las instituciones están a la altura de las circunstancias en el momento en que se somos candidatos a la capitalidad europea de la cultura para el 2016. Porque de momento, lo que vengo observando es que los planes teóricos culturales funcionan de maravilla, Plan I, Plan II, Plan III,…esto va perfectamente, pero en la práctica, salvo algún técnico de Cultura, que va de bólido intentando hacer cosas dignas en la ciudad, apreciamos mucha teoría y pocos hechos. Como muestra un botón, la famosa Char3 como Centro de Arte y Creación Contemporánea de Tarragona. Este proyecto, fundamental para cualquier capitalidad cultural europea, se debe encontrar estancado entre el Plan 1, 2 y 3. Cosa que tiene mucho mérito si tenemos en cuenta que se lleva trabajando sobre el mismo cerca de cuatro años. Después de este largísimo periodo de tiempo, lo único que se ha conseguido es perder lo que se tenía, el espacio. Ahora sólo nos quedan los planes. En estas circunstancias no vale la pena ni siquiera preguntarse sobre equipamientos, presupuestos, y demás zarandajas innecesarias cuando se trata de montar castillos en el aire. Debo decir que fui invitado a participar en el Plan III, y que tuve que renunciar a mi participación por incompatibilidades temporales. Pero es que además, anteriormente había colaborado con el Plan II, y finalmente he llegado a la conclusión de que prefiero pasar directamente al Plan IV, aquel donde uno se pone el mono de trabajo y empieza a poner ladrillos y a trabajar sobre realidades. Si a todo lo anteriormente señalado añadimos el último tijeretazo del responsable de cultura, el Sr. Albert Vallvé, a la exposición de Lidia Pérez, porqué había osado mezclar sexo y religión en su proyecto, pues eso: miel sobre hojuelas. ANEXO ...Y no quisiera despedirme sin aportar un nuevo dato personal a la polémica de censuras-ARTE/CIU. Me refiero concretamente a un caso que viví en propias carnes en el 2002. Por entonces era comisario de una muestra de mail art en el Tinglado número cuatro del Puerto de Tarragona representando al Colectivo AUMA (Acción Urgente de Mail Art); los participantes fueron aproximadamente 700 artistas de unos cuarenta países. La muestra era a favor de Amnistia Internacional y el tema: contra la pena de muerte. Por aquel entonces era Presidente de la Junta del puerto el Sr. Lluis Badia i Chancho. Como símbolo de la muestra y en la parte exterior del tinglado se había realizado un montaje aéreo en el que se podía contemplar el maniquí desnudo de una figura femenina y una gran bola roja pendulando sobre su cabeza. Justo el día antes de su inauguración el Sr. Badia dio ordenes tajantes a la brigada de la Junta para que quitaran dicho montaje. Así se hizo, sin consultar a nadie. A posteriori explicó que la inauguración de la muestra coincidía con la salida de la Vuelta Ciclista a España del mismo lugar, y que era poco fino este montaje. Por lo tanto, amigos, hay una vieja tradición CIU en estos temas y más vale que estén al tanto aquellos que creen que estamos en época de libertades. | ||||||||
| Titulo | Chema Madoz / Aforismos fotográficos | ||||||||
| Autor |
JUAN BUFILL | ||||||||
| Publicacion | La Vanguardia | ||||||||
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| Materia | Poema objeto,Poesia experimental,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Un libro abierto, en blanco, y un raro lápiz de goma larga y mina corta: más borrador que escritor. Una partitura con agujas de reloj en vez de notas, tal vez porque la música es tiempo, aunque el tiempo de esa música no sería el del reloj, no sería irreversible, sino imaginario (hay una pinza para extraer o añadir agujas-notas, que están sueltas y no giran obedientes). También un piano con una partitura ajedrezada sobre su teclado blanquinegro. O un puzzle o casi archipiélago de gotas de agua (una gota tiene forma de pieza de rompecabezas). Etcétera en blanco y negro.
Las fotos de Chema Madoz (Madrid, 1958), son imágenes-ideas, juegan con la relación entre las formas y los conceptos, entre lo visual y lo verbal, una relación que es profunda, pues el lenguaje verbal tiene un origen principalmente visual. Y también juegan y cuentan con la relación entre objetos distintos de formas similares. La exposición que presenta la Fundación Telefónica, organizada por el Ministerio de Cultura, es una selección de obra posterior a la retrospectiva del Reina Sofía del año 2000. Incluye un vídeo y en el catálogo hay un espléndido texto de José Luis Gallero. Madoz enriquece una línea expresiva, la del objeto o ensamblaje surrealista (cuya actualidad es ya metarrealista, ultrapobre o surrealista pop). Sus obras son poemas objeto, pero presentados en otro medio. La fotografía le permite un pleno control del punto de vista y una mayor distancia. Yel blanco y negro desmaterializa, ofrece significados menos concretos y más abiertos, un sentido a la vez arquetípico y polisémico. Lo de Madoz es escultura por otros medios, pero también es poesía y pensamiento por otros medios, con ecos de Joan Brossa y de las Greguerías de Ramón Gómez de la Serna, con alguna ocurrencia de corto alcance junto a bastantes ingeniosas y profundas. Sus obras son poemas o aforismos fotográficos, ideas ilustradas o representadas mediante fotografías escenificadas. Pero no es un teatro de personajes, sino de objetos buscados y encontrados, yuxtapuestos o recompuestos, primero materialmente y luego fotográficamente (por primera vez se exhibe un ensamblaje de Madoz: una gran telaraña de escaleras concéntricas). Estas esculturas representadas fotográficamente se basan, sin embargo, sobre todo en la metáfora, la paradoja y otras figuras de la poesía. Madoz establece analogías y paramorfismos: azar de un dado de hielo, con salpicaduras como cifras evadidas, o efímero regalo con lazo y charco de tiempo, en otro cubito de hielo. O también las huellas de latas y bidones sobre la arena, similares a los círculos concéntricos de la lluvia en el suelo mojado. A veces asoma la crítica política (la bandera de alambradas), o el mejor humor: un sarcófago del faraón Tutankhamón (versión souvenir) convertido en modesto jugador de futbolín, en una obra que hace de lo más sagrado y solemne lo más intrascendente y despreocupado, de lo más grave lo más ligero. | ||||||||
| Titulo | Pòsters verbals’de Viladot | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | La Mañana | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Los ‘Pòsters verbals’de Viladot se exhiben en un congreso poético en Huelva
Edita 2006, El Encuentro Internacional de Editores Independientes que se celebraron en Huelva el pasado mes de abril (28, 29 y 30), contó en su exposición con los Pòsters Verbals de Guillem Viladot, una carpeta que editó LA MAÑANA y que, además de la ciudad andaluza, también ha recalado en Brasil de la mano de la Fundació Viladot. Esta antología del autor de Agramunt, que se regaló con el diario durante el 2004, ha tenido una gran acepción entre los ámbitos culturales de diveros países. El gerente de la Fundació Viladot, Josep Miquel Garcia, explicó que Edita 2006 es un marco internacinoal de editores de poesía visual. Puesto que Viladot fue el primer editor de libros de poesía visual –creó un sello en 1964 para tal fin–, este congreso ha reconocido la labor del autor de Riella presentando los Pòsters verbals. Se trata de una antología de los poemas visuales “más interesantes de Viladot” con creaciones seleccionadas de obras como Poema de l’home o Contrapoemes, según explicó Garcia. Detrás de cada póster se incluye una explicación de la obra, puesto que la carpeta tiene una clara voluntad didáctica, aunque este diseño “ha tenido proyección internacional”. Garcia destacó que a nivel de diario se agotó la edición, aunque después esta carpeta ha cobrado valor como “edición singular”. Pòsters verbals reúne los temas más característicos que abordó Guillem Viladot, puesto que la intención de esta carpeta era ofrecer una “antología sintética” al lector. Entre otros aspectos, la carpeta reúne creaciones de alto compromiso político, como el poema Catalunya. Fuga de vocals, donde la ausencia de las vocales significaba en plenos años 70 que Catalunya estaba huérfana de lo esencial. El sexo como “el otro opio del pueblo”, que marca la importancia del erotismo en la obra de Viladot, o la disociación del individuo con la sociedad son otros de los temas que abordan los Pòsters verbals, un conjunto que también ha recalado en Reus. | ||||||||
| Titulo | Mail Art / Fronteras | ||||||||
| Autor | JUSTO J. PÉREZ | ||||||||
| Publicacion | Hoy Digital | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte postal,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Tan fácil como poner un sello a una creación de cualquier tipo. El 'modus operandi' particular del 'mail art' no requiere nada más. Después, el receptor no llevará a cabo censura, selección, pago alguno o utilizará las creaciones con ánimo de lucro o de forma dogmática.
«Un tema y a enviar propuestas», comenta Lola Lucio, miembro de la Asociación para la Cultura y el Arte en Extremadura, Acuarex. Ella, junto a su marido, el placentino de origen estadounidense Kris Mininger son los ideadores de la muestra 'Fronteras/Borders' que podrá verse a partir de las 22.00 horas del próximo viernes en el pub de la calle Esparrillas, 'Tubular'. Desde Argentina a la antigua Yugoslavia, pasando por Canadá o Australia, han sido 65 las obras de todos los formatos llegadas a manos de Lola. Todas ellas serán expuestas. Una historia familiar La interpretación material o psicológica del concepto de frontera hace de este tipo de compilación una poesía visual cosmopolita. «La decisión de organizar el proyecto surgió de nuestra propia vivencia» -explica Lola Lucio, como esposa de Kris Mininger- Éste llegó a España en 2003 y un año después editó el fanzine 'Extranjero', una visión de España y su cultura desde los ojos de un americano. Título en castellano y texto en inglés. «Cuando uno se convierte en ciudadano del mundo -Kris tiene la doble nacionalidad tras contraer matrimonio con ella- las fronteras comienzan a diluirse, pero aún existen muchos límites que los artistas de 'mail art' pueden constatar». Estaba en lo cierto. Desde una cáscara de naranja cosida a un cartón, con la leyenda «ésta es la frontera entre la naranja y el mundo» hasta una perspectiva histórica del mapa de Palestina hecha por el uruguayo Clemente Padín - «uno de los más reconocidos en este sector»-. Y así, numerosas texturas, fotografías, grabados y relieves y mucha mezcla entre collage, pintura o plástico. La intención inicial es «que permanezca durante dos semanas sobre las paredes del local y después se intentará llevar por otros ámbitos, como los Espacios para la Creación Joven». El catálogo de la muestra ya ha sido remitido a todos los artistas que han participado. Ésta suele ser una de las reglas habituales del 'mail art', un movimiento artístico en red bajo los cánones de la comunicación directa internacional, el intercambio de experiencias no competitivas, la solidaridad o la sorpresa. Plasencia Un artista en el remite La asociación Acuarex estrena el 'mail art' este viernes en Plasencia El café 'Tubular' acogerá 65 obras enviadas desde 21 países distintos Nombre de la muestra: 'Fronteras' Lugar: Café Tubular, c/ Esparrillas Inauguración: Viernes, 19 de mayo a las 22.00 horas con proyección continua de los trabajos enviados. La próxima exposición Tema: 'El tamaño de...? ('The measure of...?'). Recepción de obras: Kris Mininger y Lola Lucio, c/ del Obispo, 4 Bajo, Plasencia, 10600. Fecha límite: Junio de 2007 Contacto: acuarex@lycos.com o en el móvil 654513739. 'Arte correo' latino En 1969 el artista uruguayo Luis Camnitzer expuso sus obras en la Galería Di Terra en Buenos Aires. Recogía el relevo de experiencias como la de Ray Johnson en Nueva York, invitar a sus amigos a completar una postal que luego expuso, pero sin establecer circuitos de intercambio. La primera gran exposición se llevó a cabo en 1974 en la Galería U de Montevideo, con 480 artistas. Era el Festival de la Postal Creativa en los comienzos de una dictadura. Estos regímenes motivaron el cierre de una muestra internacional en Brasil y la persecución a varios de sus creadores. Así se constituían como válvulas de escape comprometidas con la realidad social. Hoy las formas de postales o sobres se completan con el 'añade y pásalo', una carta creativa en cadena o el envío de objetos extraños. A Extremadura llegaba la iniciativa de la mano del cuarto centenario de la publicación de 'El Quijote'. El IES de Arroyo de San Serván estrenaba hace un año esta faceta artística con 420 postales de 25 países en referencia a la obra universal de Miguel de Cervantes. | ||||||||
| Titulo | Censura en Tarragona | ||||||||
| Autor | Ferran Gerard | ||||||||
| Publicacion | El Periódico de Catalunya | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Tarragona anul·la una exposició artística crítica amb l'Església
apostates | 11 Maig, 2006 10:55 Creadors i oposició critiquen la decisió de l'Ajuntament L’equip de govern de Tarragona (CiU-PP) ha anul.lat una exposició de l’artista Lidia dmis, crítica amb l’Església dmisibl, que havia d’inaugurar-se el dia 19 a la sala dmisible Antic Ajuntament i estava programada des de fa dos anys. Albert Vallvé, tinent d’alcalde de Cultura (CiU), ha justificat la dmisibl mesura perquè “molta gent podia sentir-se ofesa”. La mostra havia estat seleccionada pel consell dmisi de l’àrea de Cultura. No obstant, quan Vallvé en va conèixer el contingut, va portar el cas a la junta de govern dmisible, que va acordar la suspensió. Lidia dmis es va mostrar ahir molt sorpresa. Va explicar que pretenia, mitjançant una estètica kistch, revelar contradiccions entre l’Església i el món real. L’exposició es titulava Has visto lo que hace la guarra de tu hija, en dmisible “a la visió dmisibl i timorata que el sexe és una cosa bruta”, segons l’artista. dmis va dissenyar una verge María inflable que perdia volum i quan en recuperava cridava “¡Miracle!”. En una sala a part instal.lava maniquins en postures amatòries. “Qualificar de sacrílega la mostra, com ha fet l’ajuntament, implica que no han dmis res”, va declarar sorpresa. Creadors i artistes de Tarragona li han mostrat el seu suport i preveuen reunir-se demà per organitzar una protesta. “També hauria impedit burles a les creences de Mahoma o Confuci”, va dir Albert Vallvé. “Tots coincidim que un local de l’ajuntament no podia acollir una cosa així”, va afirmar Francesc Ricomá, regidor del PP. Condemna PSC, ERC i ICV, a l’oposició dmisible, han condemnat els fets. El regidor socialista dmisi Félix Ballesteros es va declarar “indignat”. Rosa Rossell, d’ERC, va afirmar que “una ciutat com Tarragona, que aspira a ser l’any 2016 capital cultural europea, no pot practicar la censura”. Lluís Balart, d’ICV, va declarar que “no és dmisible impedir la llibertat d’expressió”. F. G. (Tarragona) | ||||||||
| Titulo | Oskar Pastior premio poesía experimental | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | EFE/El Universal | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Gana Oskar Pastior premio de poesía experimental
Entrega la Academia Alemana de la Lengua el galardón literario a quien llamaron "metódico mago del idioma" EFE El Universal Berlín, Alemania Domingo 14 de mayo de 2006 La Academia Alemana de Lengua y Literatura otorgó hoy al poeta experimental Oskar Pastior, de 78 años, considerado heredero del movimiento Dada, el Premio Georg Büchner, el galardón literario más importante de Alemania. El premio le fue concedido por su creación de una obra de gran radicalidad y variedad, que le ha revelado como un "metódico mago del idioma", según explicó la Academia al término de su asamblea primaveral realizada en Copenhage (Dinamarca). Pastior ha experimentado en su poesía con juegos de palabras como anagramas o palíndromos, así como con poemas onomatopéyicos. Otra línea de trabajo de Pastior ha sido la de experimentar con poemas políglotas en los que mezcla raíces y palabras de diversos idiomas como el alemán, el rumano, el húngaro, el ruso, el francés o el inglés. El escritor reside actualmente en Berlín, pero nació en 1927 en Rumanía, donde pertenecía a la minoría de lengua alemana. En 1945 Pastior fue deportado a la Unión Soviética donde estuvo cuatro años condenado a trabajos forzados. Posteriormente estudió filología germánica y en la década de los sesenta trabajó en una emisora de lengua alemana en Bucarest hasta 1968, que aprovechó un viaje de estudios a Viena para huir de la órbita comunista y radicarse en Berlín Occidental. Pastior, además, se ha destacado como traductor al alemán del poeta renacentista italiano Francesco Petrarca. En el pasado han obtenido el Premio Büchner escritores como Günter Grass, Gottfried Benn, Elfriede Jelinek, Heinrich Boell o Alexander Kluge. | ||||||||
| Titulo | Francisco Aliseda / Taller de P.V. | ||||||||
| Autor | G.B. | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | El poeta Francisco Aliseda interviene hoy en el taller estable de poesía visual del Aula de Letras
Antonio Montesino dirige esta propuesta de la Universidad de Cantabria y de La Ortiga G. B./SANTANDER LOS DATOS Taller Estable de Poesía Visual y Experimental. Dirección: Antonio Montesino. Ponente: Francisco Aliseda. Título de la ponencia: 'Del dadaísmo al poema objeto" El poeta Francisco Aliseda es el nuevo protagonista del taller de poesía visual y experimental puesto en marcha por el Aula de Letras de la Universidad de Cantabria y La Ortiga. 'Revista de Arte, Literatura y Pensamiento'. En la tarde de hoy, entre las 18,30 y las 20,30 horas, el 'Taller Estable de Poesía Visual y Experimental', conjuntamente organizado por el Aula de la UC, que dirige Ramón Maruri, y por La Ortiga, con la colaboración de la Obra Social de Caja Cantabria, tendrá lugar la intervención de Francisco Aliseda, actual director del Centro de Documentación de la Poesía Visual de España. Aliseda, nació en 1957, en Peñarroya Pueblonuevo (Córdoba), es licenciado en Filosofía y Letras, sección Historia del Arte, por la Universidad de Valladolid. Desde 1983, ha sido el fundador y director de la veterana revista de poesía visual 'Veneno', cuyo número 153 está a punto de ser editado. Desde los ochenta, viene colaborando asiduamente en numerosas publicaciones especializadas en arte y literatura. Ha participado, además, en diversas coediciones e ilustraciones de libros, así como en diseños escenográficos para grupos teatrales independientes. Igualmente, ha aportado su testimonio a varios foros académicos e impartido diversas conferencias sobre el experimentalismo poético, campo éste en el que ha organizado varios talleres monográficos, destinados al conocimiento y aprendizaje de las técnicas y métodos de la poesía visual. Aliseda es autor de artículos y ensayos sobre la creación poético-visual, y ha sido el promotor y coordinador de 'Interolerti: Festival Internacional de Poesía Experimental' (1999), 'I Encuentro de Poesía Visual en Euskadi' (2000) y 'Poesía Visual hoy' (2003). Entre sus publicaciones, destacan los libros: '11'. 'Aunadocena', 'Siete Brisas' y 'Lengua geográfica'. En el ámbito de la pintura, Aliseda cuenta con un prolífico activismo, puesto de manifiesto a través de su participación en numerosas exposiciones nacionales e internacionales, individuales y colectivas, que dan testimonio de su quehacer pictórico: acuarelas, óleos, collages. En su intervención de hoy, Aliseda no sólo hará un intenso recorrido por las principales corrientes del experimentalismo poético, partiendo de las vanguardías de principios del pasado siglo, más en concreto, del 'dadaísmo', para concluir en el denominado 'poema-objeto', sino que también propondrá al grupo participante en el Taller, dirigido por el también poeta Antonio Montesino, la realización de un 'ejercicio sorpresa'. El propósito radica en que cada asistente pueda elaborar, en el transcurso de la jornada, su propio poema visual. Finalidad, ésta, que forma parte «esencial de los planteamientos metodológicos de este novedoso taller» que ha puesto en marcha el vicerrectorado de Extensión Universitaria. | ||||||||
| Titulo | Rafael Gutiérrez Colomer | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...Pionero junto con Isaac Cuende de la poesía experimental y el arte vanguardista en Cantabria...//...
Vida y Ocio / CULTURA Poesia Caja Cantabria presenta el libro póstumo del poeta Gutiérrez Colomer REDACCIÓN/SANTANDER Hoy viernes, Caja Cantabria presentará su edición del libro póstumo del poeta cántabro Rafael Gutiérrez Colomer, fallecido el pasado año. El autor santanderino, aunque arquitecto de profesión, también dedicó su vocación a la pintura y a la poesía, en este último campo con una nutrida lista de obras. Pionero junto con Isaac Cuende de la poesía experimental y el arte vanguardista en Cantabria, inició el movimiento cultural Cuévano; dirigió y creó la revista'La Draga' y fue un destacado promotor y activista cultural. En 1978 organizó las Jornadas de Arquitectura y los Encuentros de Poesía Visual de Cantabria, y fue presidente de la Casa de Cantabria en Madrid donde impulsó los premios de poesía. Después de su muerte su familia donó al Ayuntamiento más de tres mil volúmenes de poesía y obra gráfica. Entre sus poemarios, destacan 'Transido en el taller de la palabra' (1978), 'Oficio de poeta' (1982), y 'Eros, Cronos y Tánatos '(1986). | ||||||||
| Titulo | Espacio Poético y Profesorado | ||||||||
| Autor | JOSÉ VÍCTOR PAVÓN | ||||||||
| Publicacion | Hoy Digital | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | PROVINCIA DE BADAJOZ
ZAFRA La exposición colectiva 'La visualización del espacio poético' se puede ver en Santa Marina Participan dieciséis profesores de diferentes puntos de Extremadura JOSÉ VÍCTOR PAVÓN/ZAFRA El Centro de Profesores y Recursos (CPR) de Zafra realizó un curso para el profesorado sobre poesía visual, que culmina con una exposición colectiva que lleva por título 'La visualización del espacio poético'. La muestra estará abierta hasta el próximo día 12 en el Centro Cultural Santa Marina con la participación de diecisiete profesores y el horario de visita es de 19 a 21 horas. Esta exposición es una pequeña muestra de lo amplio, sorprendente y plural que puede llegar a ser el espacio poético. Los ocho ponentes y artistas del curso, celebrado en el CPR de Zafra, acompañan en esta aventura conjunta a los dieciséis participantes en el mismo, en un gesto de la creatividad fecunda que esperan y desean que no se detenga aquí. La exposición contiene objetos realizados por Emilia Oliva, Roberto Farona, Antonio Gómez, Rafael de Cózar, Francisco Aliseda, Julián Alonso, José Calderón y Juan Rosco. Asistentes al curso Los asistentes al curso son María Esther Amaya, Natividad Atencia, Belén Cano, Antonio M. Cardeñosa, Vanesa de Alba, María Guadalupe Fernández, Claudio Herrera, María Izquierdo, Salvador Lavado, Carolina Mariño, Francisco Pérez, José Francos, Ana Romero, José María Santiago, María del Carmen Urbano y Rosario Vera. Nuria Elvas Gayo, coordinadora del curso y de la exposición, afirmó que "en estas obras observamos como cada una de ellas nos abre múltiples vías por la que transcurren la sensibilidad, la capacidad de observación, aportando notas de color, de humor, de critica, de trasgresión de la mirada, de tal manera que el artista se vale de todos estos ingredientes para dar una segunda vida a la realidad u objeto de su atención". El ponente Antonio Gómez se mostró sorprendido del trabajo presentado por parte de los profesores que acudieron a la muestra porque en veinte horas que duró el curso han logrado desarrollar estas ideas y esto demuestra el mucho valor que existe en la enseñanza y sobre todo la importancia de la poesía visual. | ||||||||
| Titulo | Exposición censurada en Tarragona | ||||||||
| Autor | Josep Maria Marsal | ||||||||
| Publicacion | El Diari de Tarragona | ||||||||
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| Materia | Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | El Ayuntamiento suspende una exposición de Lídia Pérez por irreverente
La artista, que lleva dos años con el proyecto, asegura que 'no han entendido nada de mi obra' El próximo 19 de mayo tenía que inaugurarse en el Antic Ajuntament de Tarragona la exposición de Lídia Pérez Has visto lo que hace la guarra de tu hija , que, con un lenguaje kistch , trataba de explicar la incomunicación de la Iglesia ante los problemas de la sociedad, sobre todo aquellos relacionados con el sexo. El Ayuntamiento de Tarragona la ha suspendido por considerarla irreverente. «Creemos que es una exposición que puede ofender a mucha gente, por eso hemos tomado la decisión de suspenderla. Los elementos que presentaba la artista eran ofensivos e irreverentes hacia la Iglesia. Se puede exponer en cualquier parte, pero un espacio municipal no creo que sea el más idóneo», afirmaba ayer al Diari el teniente de alcalde de Cultura, Albert Vallvé . Por su parte, la artista Lídia Pérez señalaba que «la exposición está pensada para hablar de la incomunicación de la iglesia hacia temas tan presentes en la sociedad como la homosexualidad. El trabajo está hecho en un lenguaje kistch , que en alemán significa hortera, por eso son elementos que provocan risa, pero que en ningún momento están pensados para ofender a nadie. Por ello, creo que desde el Ayuntamiento de Tarragona no han entendido nada de mi obra». La polémica salta cuando a las manos de Albert Vallvé llega el dossier del proyecto de la exposición que, entre otros elementos, presenta una virgen Maria de tres metros de alto realizada como si fuera un muñeco hinchable y con un sensor de movimiento que al acercarse la gente gritaba «milagro, milagro». Esta era la figura central de uno de los espacios del Antic Ajuntament, mientras que el otro estaba configurado por una serie de maniquíes en posiciones provocadoras que, también con un sensor gritaban a la gente: «Has visto lo que hace la guarra de tu hija». Para Lídia Pérez , que asegura que se quedó «a cuadros» cuando el responsable de las exposiciones municipales, Jordi Abelló , le transmitió la noticia, «todo está planteado desde la estética kistch , sin intención de ofender a nadie. Me planteé llenar el espacio con una gran virgen Maria de tres metros de alto, como las figuras de Papa Noel que podemos ver en Navidad en muchos establecimientos. Para ello hablé con varias empresas para que realizan la imagen. La virgen va encima de un altar rodeado de flores y luces que conducen hacia la otra habitación del Antic Ajuntament, en donde colocaría un grupo de maniquíes con caras de placer sexual, caras que había pintado, para denunciar la actitud de la gente hacia los homosexuales, por ello se repetía la frase Has visto lo que hace la guarra de tu hija , una frase despectiva hacia gays y lesbianas puesta para criticar a la gente que mantiene esas actitudes». Por su parte, Vallvé asegura que «cuando me enteré de lo que iba la exposición lo transmití a la Comissió de Govern del Ayuntamiento y, por unanimidad, se decidió no programarla». Lídia Pérez indica que «llevo dos años trabajando en esta exposición y el proyecto hace mucho tiempo que se presentó. Si no la querían que me lo hubieran dicho en su momento, no a los quince días de su inauguración. Además, por parte del Ayuntamiento, sólo Jordi Abelló se ha dirigido a mí para decirme que la muestra quedaba suspendida. Yo soy creyente, aunque no creo en la actual Iglesia. En muchos temas parece que está todavía en el siglo XI, por eso inventé todo este proyecto». El espacio del Antic Ajuntament está ocupado en estos momentos por una exposición sobre fotografía en la Part Alta que puede prorrogarse al quedar suspendida la muestra de la artista reusense Lídia Pérez . Desde que en 1996 Lídia Pérez terminara la carrera de Bellas Artes, ha seguido una línea muy característica en su obra. Según explica Jordi Abelló, «su discurso está marcado por el arte contemporáneo y una línea kistch característica en toda su obra». En este caso, y según el dossier del proyecto que entregó al Ayuntamiento de Tarragona, «el efecto que busco es el de montar como un teatro religioso con efectos especiales, un espectáculo para hacer referencia a todos los montajes históricos que ha hecho, en algunas ocasiones, la Iglesia para hacer creer a los creyentes cosas que no son...». Para afirmar más adelante que «la relación con la sala A es la desconexión que tiene hoy en día la religión en conceptos como la homosexualidad o la utilización del preservativo para evitar las enfermedades de transmisión sexual, por ello, los dos ambientes estarán separados físicamente. Pero con la Iglesia hemos topado y según qué cosas siguen siendo tabúes». | ||||||||
| Titulo | AINIZE TXOPITEA | POETA VISUAL | ||||||||
| Autor | ALVARO BERMEJO | ||||||||
| Publicacion | Diario Vasco | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
AINIZE TXOPITEA | POETA VISUAL // Ainize Txopitea en su exposición de la galería Noventa Grados de San Sebastián. - Un día de 1999 Ainize Txopitea salió de Zarautz con la idea de pasar una semana en Londres. Una vez allá, ¿ tuvo un encuentro con Peter Pan o fue directamente seducida por Bruce Nauman? - Londres me sedujo, me pareció el lugar idóneo de recogida. Allí tengo mi burbuja, mi independencia. - Siete años después, vuelve a San Sebastián con una exposición llena de poesía experimental. ¿Qué cuenta 'Destinations'? - Destinations es una exposición interdisciplinar de mi última producción poético visual y una muestra fotográfica de Ione Saizar. Por mi parte presentaré dos cuerpos de trabajo, esta vez fuera del soporte electrónico. Cartelería poética y Poesía sin sentido(s), Ione a su vez propone una colección de imágenes con un tinte urbano. - Y en ese trabajo conjunto, ¿cuál es la clave del juego de equilibrios entre dos creadoras? - Las fotografías de Ione tienen una carga poética muy intensa, es en este punto donde mejor se encuentran nuestros trabajos - Sus ciberpoesías seducen y desconciertan. ¿ Qué decir de sus propuestas «tecnoesqueléticas»? - Desde el año 2002 la pagina web de poesía experimental www.Cyberpoetry.net, me ha servido para publicar mis producciones hipertextuales y mis poesías interactivas. Colgar la poesía en la red, dándole un giro visual, saca este arte literario de los círculos establecidos para ponerlo al alcance de todos. - El collage fotográfico es otro de sus soportes básicos. ¿A qué espera la hija de Daniel Txopitea para ponerse a pintar? - Desde muy niña he dicho rotundamente que 'yo pintora no voy a ser'. Puede que por respeto. Tengo una gran admiración hacia los pintores pero yo siento más las palabras. - Y esa respuesta, ¿admite una lectura freudiana? Si me dice que no, le preguntaré por qué la página 'Recuerdos de mi niñez' está llena de palabras tachadas.... - Ese ciberpoema es una canción de cuna distorsionada, es el cordón umbilical que mece los vagos recuerdos de mi infancia. - En su cartelería poética también abundan las imágenes de tintes sadomaso. ¿Pasión por la provocación o sólo por la irreverencia? - La provocación es una manera de atraer la atención, pero también es una herramienta que puede servir para expresar el espíritu de barbarie que domina en nuestro mundo, un mundo cargado de violencia y vacío, de dolor y desesperación. - Como diseñadora de páginas web, ha trabajado para personajes como Rafael Bonachela, el coreógrafo de Kylie Minogue y The Kills. La posmodernidad, ¿será multimedia o no será? - Ahora a los creadores se les ofrece la posibilidad de mostrar su trabajo al público a través de internet. Soy consciente de que la tecnología, puede cargarse muchas artes ancestrales, incluida la de la conversación. Lo multimedia, sin embargo, está en todo, en un papel arrugado, en las sombras de una escultura, en la mirada misma de cada artista. - Hablando del cruce de géneros, Ray Loriga nos dijo que aspiraba a ser un equilibrista elegante. ¿Y usted? - Yo aspiro a ser mejor persona y mejor creadora. - Moverse entre Londres y Zarautz, y entre las dos orillas de la cultura, ¿le hace más evanescente, más diletante o más exigente? - Creo que es bueno estar entre dos sitios, o a mi me sirve. Es la manera de llevarse lo mejor de ambos lugares. - ¿Cómo ve la situación del arte último en el País Vasco? - Aquí siempre han habido artistas de mucho nivel pero las generaciones cambian y los artistas se van. Hoy se cuenta con mucha más información, más escuelas, más medios, pero habrá que trabajar muy duro para superar a los artistas que ha dado esta tierra. - ¿Qué ha llegado a sus píxels acerca del proyecto Tabacelera ? - No tengo demasiada información sobre este tema. Sé que se trata de un proyecto muy interesante, pero el vivir fuera tiene estas cosas, que llevas un despiste encima de cuidado. - Pensándolo bien, qué le aterra más, ¿el nuevorriquismo institucional aplicado a las bellas artes o la vacuidad del discurso cultural oficial ? - Sobre todo el conformismo, la desinformación, la apatía, la superficialidad. Si un joven se cree que con estudiar la carrera de Bellas Artes ya se convierte automáticamente, en artista, si a los museos acude gente para contemplar el edificio, y no lo que se muestra dentro (con todo mis respetos hacia la arquitectura), si las instituciones traen arte extranjero para modernizarnos culturalmente la llevamos muy clara - ¿Es usted de las que no se pierden cada edición de ARCO, cada nuevo libro de Amelie Nothomb, cada compacto de Bjork, y así sucesivamente? - Me gusta acudir a las ediciones de Arco o Frieze, también cuento con compacts de Bjork a la que considero una tía única, original y con una fuerza impresionante, aunque un poco gritona. De todos modos hay cantidad de gente que lo hace estupendamente y que nunca expondrán en Arco o que nunca publicarán un CD, o un libro, o que ni siquiera le interesan las últimas tendencias. - Cuando pasó por está página Derrick de Kerkhove, el heredero de McLuhan, nos dejó una frase muy enigmática: 'El ciberarte desestructura nuestras mentes'. ¿Cómo la interpreta? - T. S. Elliot dijo a su vez: '¿Dónde esta la vida que hemos perdido viviendo? ¿Dónde esta la sabiduría que hemos perdido con el conocimiento? ¿Donde esta el conocimiento que hemos perdido con la información?' - Cada vez hay más ciberartistas que interactúan con sus obras, algunos hasta el extremo de implantarse conexiones virtuales en su cerebro. ¿Viene un mundo de cyborgs renacentistas? - Se están acercando el arte y la ciencia, el hombre y la máquina. La tecnología ha cambiado la manera de percibir el mundo que nos rodea, nos ha abierto una nueva perspectiva global de comunicación, se ha creado un nuevo lenguaje. - Su visión del Londres de Tony Blair, ¿es básicamente paradójica, patética, eufórica...? - Tony Blair tiene cara de buena gente pero no actúa como tal. - Y el horizonte del País Vasco que ve desde allá, ¿se parece a una instalación estilo Nam June Paik o más bien a un poema interactivo con mucho collage? - Si fuera un collage sería verde y con muchas texturas. Si fuera una instalación sería una pieza de videoarte de Arzallus recitando el Corán. - «Me fascina conseguir hacer con una sola letra el retrato de un país» -nos dijo Cuca Canals-. Y usted, ¿cómo retrataría la Euskadi de 2006? - Como un país que tiene que recuperar su voz y abrir sus puertas. - La verdad en el arte, ¿está en el punto de partida o en el de llegada? - Para mi el arte, como la vida, es un camino por recorrer, una verdad que espera ser contada. Y el camino dónde empieza y dónde acaba. | ||||||||
| Titulo | V edición de ENSEÑARTE | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Ejea Información | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...se han dado cita artistas como el catalán Joan Brossa, el madrileño Chema Madoz, el mallorquín Pep Llambías -agrupados los tres en el subtema que podemos llamar poesía visual...//...
V edición de ENSEÑARTE Este sábado, 6 de mayo, a las 8´30 de la tarde y en la Sala de Exposiciones de la Parroquia, tendrá lugar la inauguración de una exposición que, bajo el título genérico de MAGIA COTIDIANA, forma parte del proyecto ENSEÑARTE. Las claves del arte contemporáneo, una iniciativa que surgió en 2002 de la colaboración entre el Ayuntamiento de Ejea de los Caballeros y la Diputación de Zaragoza. En 2006 y ya en la quinta edición, EnseñARTE se presenta bajo el título de MAGIA COTIDIANA. Para darle contenido se han dado cita artistas como el catalán Joan Brossa, el madrileño Chema Madoz, el mallorquín Pep Llambías -agrupados los tres en el subtema que podemos llamar poesía visual- . Además, en otro bloque complementario encontraremos a Ben Vautier, el artista de origen napolitano aunque afincado en Niza, y al grupo español Zaj -exponentes ambos de una estética particularmente radical y provocadora-. La exposición permanecerá abierta hasta el día 6 de junio y puede visitarse en horario de 7 a 9 de la tarde. ENSEÑARTE tiene como objetivo acercar a los ciudadanos al conocimiento del arte de nuestro tiempo: sus técnicas, su estética, sus tendencias, sus temas, sus autores y cuantos aspectos contribuyan a su comprensión. El proyecto se concibió desde sus orígenes como una sucesión de exposiciones en las que, año a año y monográficamente, se acometieran diferentes temas que, en su conjunto, contribuyeran al conocimiento global del hecho artístico contemporáneo. Pero el proyecto tiene además dos objetivos añadidos: Uno, se refiere a la dimensión pedagógica de la muestra, pues se pretende que los escolares ejeanos visiten la exposición y aprendan, con la ayuda de una guía didáctica-catálogo, a mirar los cuadros y a captar tanto su temática como los elementos formales de las obras. El otro objetivo derivado de este proyecto es iniciar la configuración de una colección municipal de arte contemporáneo. Quiere esto decir que, cada año, de acuerdo con las recomendaciones de los expertos, se adquiere una de las obras expuestas y de esta manera se va conformando esta colección y enriqueciéndose, por añadidura, el patrimonio artístico de la ciudad. En todo momento, el proyecto ha contado con la colaboración del galerista MIGUEL MARCOS. La colección está constituida hasta la fecha por las siguientes obras. VÍCTOR MIRA: “Caminantes”. MANOLO QUEJIDO: "I love Menorca" XAVIER GRAU: “Sin título” EQUIPO CRÓNICA: “El crimen de Cuenca” | ||||||||
| Titulo | Manuel Calvarro, poesía visual en .... | ||||||||
| Autor | Miriam Naranjo | ||||||||
| Publicacion | Huelva Informaciones | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | La muestra 'Poesía visual' de Manuel Calvarro viaja al museo Vázquez Díaz
NERVA. El Área de Cultura de la Diputación Provincial de Huelva y el Ayuntamiento de Nerva inauguran hoy, a las 20.00 horas, en el Museo Vázquez Díaz de la localidad, la exposición Poesía visual, del artista Manuel Calvario. La muestra, que ha estado en la Sala Siglo XXI del Museo de Huelva entre el 8 y el 26 de marzo, permanecerá en el municipio hasta el 21 de mayo. En rueda de prensa, la vicepresidenta de la Diputación y presidenta de la Fundación Vázquez Díaz, Manuela Parralo, ha explicado, junto al concejal de Cultura del Ayuntamiento de Nerva, Juan Barba, y el artista, que la exposición está compuesta por "una serie de 45 cuadros, entre collages y óleos, y una selección de textos en las que Calvarro presenta una galería de personajes y escenas marcadas por asuntos como las injusticias sociales". Se trata, en definitiva, de "una obra absolutamente sugerente y comprometida, que, además, no está completa hasta que el espectador la interpreta", ha indicado Parralo. Por su parte, Manuel Calvarro ha añadido que "entiendo el arte como un compromiso" y, por ello, los temas que centran sus obras son las desigualdades sociales, la muerte, los problemas del mundo actual y el amor, entre otros. Manuel Calvarro es graduado en Artes Aplicadas por la Escuela de Arte 'León Ortega' de Huelva. En el campo de la pintura ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas y ha colaborado con sus dibujos en artículos y publicaciones. En los últimos años está explorando, con especial atención, el mundo de la poesía visual, un campo en el que asegura que "no importan tanto los instrumentos ni las técnicas que utilices" y que, además, destaca por ser "muy participativo, ya que el espectador completa la obra al interpretarla". | ||||||||
| Titulo | La poética de lo espectacular | ||||||||
| Autor | FRANCISCO CALVO SERRALLER | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte postal,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Es increible que quien ha sido capaz de envolver El Pont Neuf París; o poner una cortina descomunal en un valle del Cañón del Colorado; rodear con plástico coloreado unos islotes de la costa de Florida, etc. Sea a la vez un minimalista dentro del mundo del mail art, con pequeños y cuidados envios. Es por eso que siempre hemos prestado una especial atención a este artista y a su compañera Jeanne Claude, que han logrado deslumbrar al mundo con sus fantásticas intervenciones urbanas.
Profundizando en el tema, podriamos decir, emulando el mundo cirquense: ¡Señoras y señores, ante ustedes: la más grande poesía visual que en el mundo ha habido! B.H. ------------------------------------------------- Una gran retrospectiva de los trabajos de Christo (Bulgaria 1935) y su colaboradora Jeanne-Claude reúne en Madrid gran cantidad de fotos y los dibujos preparatorios de sus proyectos. (Canal de Isabel II) Christo se dio a conocer en el fervoroso París de comienzos de 1960, como uno de los miembros más interesantes del Nouveau Réalisme, esa agrupación vanguardista, que, siguiendo los pasos del neodadaísmo americano, preparó la irrupción del pop en el continente europeo. Con una influencia surrealista procedente de Magritte, Christo adoptó enseguida una técnica de intervención urbana donde, por así decirlo, lo real se superponía a lo real, haciendo que sus instalaciones espectaculares mostrasen al alienado ciudadano las contradicciones a las que le sometía el sistema capitalista. Con el tiempo, no sólo aumentó su ambición, sino que supo adaptarse a los sucesivos campos de atención que fue fijando la vanguardia, con una inteligente mezcla del conceptualismo y el land-art. De todas formas, lo que le dio la enorme popularidad mediática que le ha rodeado los últimos treinta años fue, no sólo sus famosos proyectos y, a veces, realizaciones de empaquetamientos de los edificios y monumentos más emblemáticos de las grandes metrópolis, sino sus acromegálicas intervenciones en la naturaleza. ciertamente que alguien corra una cortina descomunal en un valle del Cañón del Colorado o rodee con plástico coloreado unos islotes de la costa de Florida. No obstante, la espectacularidad de los proyectos de Christo es antiespectacular, no por lo que tiene de obvia denuncia política, sino por su complejo entramado poético. En realidad, convierte en poética la política cuando gesta trabajosamente, mediante una lenta tarea de convicción ciudadana, algunas de sus iniciativas, que, por fuerza, violan más las costumbres y las inercias ético-estéticas que los códigos rurales o municipales. ...//... | ||||||||
| Titulo | Francisco Fresno / Poesía Visual | ||||||||
| Autor | Georgina Fernández | ||||||||
| Publicacion | La Voz de Asturias | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
El que no entienda lo que es una poesía visual tiene la respuesta desde mañana en la galería Gema Llamazares de Gijón, donde estrena una exposición el artista Francisco Fresno (Villaviciosa, 1954). Francisco Fresno vuelve por sus fueros // El artista maliayés realiza una muestra exclusiva de pintura por primera vez en doce años. GEORGINA FERNANDEZ (26/04/2006) Fresno ha trabajado más la escultura en los últimos años, pero en el espacio gijonés presenta una muestra totalmente pictórica por primera vez en doce años. Son pinturas y collages y estos sí tienen algo de escultura, ya que están hechos con papel de periódico que se escapa algo de la superficie plana. Esos collages son poesía visual. Lo explica así el autor: "Son hojas de árbol hechas con papel de periódico y es una metáfora, porque la prensa amarillea como las hojas del árbol y, por otro lado, el papel también se saca de la madera". Por algo la exposición se titula Naturaleza . Todas las obras están hechas desde el 2004 y tienen en común eso, la naturaleza: hojas de árboles, ramas, paisajes... Las ramas, a veces, aparecen boca abajo, "son motivos ingrávidos, un guiño a la obra de Chagall"; otras veces las piezas tienen una trama de puntos que se pierden al mirarlas en la distancia, con lo que los cuadros presentan dos lecturas; una cercana, barroca, y otra lejana, con un plano más sintético. El espacio, la luz y la profundidad son tres factores muy importantes en algunas de las piezas de la exposición. Paisaje y cielo juegan y falsean la realidad. "A veces, ya no es la montaña la que recorta el cielo, sino que es el cielo el que recorta a la montaña", explica Fresno. Y en otras ocasiones una línea horizontal sirve de eje para duplicar el motivo y hacer dudar al espectador sobre qué es la realidad, y qué el reflejo. Es una exposición en la que el artista sigue fiel a su línea de los últimos años. Su anterior muestra fue en el 2005 en la casa de cultura de Piedras Blancas, y la anterior en la galería Vértice de Oviedo, en 2003. En el prólogo del catálogo de la muestra el artista explica su obsesión por el revés: "Quizá, el alma de las cosas que buscamos con el arte se encuentre más fuera que dentro de ellas --entre ellas--, en ese exterior que es a su vez el interior común de su revés, como el interespacio de las letras, o como el tiempo que nos perfila a nosotros y nos lleva a preguntarnos si no será el límite el alma conceptual --y residual-- que surgió con la separación de aquella materia infinitamente densa y la abertura espaciotemporal del Big Bang". | ||||||||
| Titulo | Calvarro, guiños de un artista | ||||||||
| Autor | Bernardo Romero | ||||||||
| Publicacion | El Mundo | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Que un periódico de tirada nacional dedique una página entera y en color a la poesía visual no es nada sencillo. Que el causante de la noticia sea Manuel Calvarro en la primera exposición que se hace de este género en el Museo de Huelva, es algo extraordinario, pero que la base central del artículo sea una esquela mortuoria, eso ya es increible. El curriculum vitae que Calvarro se montó a partir de una esquela mortuora del finado dejó sumamente impresionado a Bernardo Romero y, según confiesa, sus carcajadas llegaron a oidos del guardía de seguridad que tuvo que llamarle al orden. -CRC- | ||||||||
| Titulo | José María Iglesias /ELDAG 2003 2004 | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Europa Press | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...Su interés por la poesía experimental, especialmente en el aspecto gráfico de la palabra, le llevó a la publicación de 'Poemas visuales' y de 'De palabras parecidas y otros estigmas' y la carpeta de huellas 'Del dado y del dedo'...//...
El Museo Salvador Vitoria de Rubielos de Mora acoge hasta junio la muestra de José María Iglesias 'ELDAG 2003-2004' RUBIELOS DE MORA (TERUEL), 11 (EUROPA PRESS) El Museo Salvador Vitoria de la localidad turolense de Rubielos de Mora acoge hasta el mes de junio la muestra del pintor abstracto José María Iglesias, fallecido en 2005, 'ELDAG 2003-2004'. Desde 1981 el autor denominó a sus obras ELDAG, palabra formada por las iniciales de 'Elucidación Lúdica De Argumentación Geométrica'. En ellas la creación o utilización de modelos geométricos permite al artista asentarse sobre sistemas derivados de gran sencillez, que pueden convertirse en complejos. Esta muestra de los últimos años de la serie ELDAG 2003-2004, viene a ser un homenaje al autor, pero también una oportunidad de acercarse al conocimiento de una obra, que es junto con la de José Luis Gómez Perales, de las más serias y rigurosas que se han realizado dentro del campo de la abstracción geométrica en España. Tanto las pinturas como los paneles de la serie ELDAG que se exponen dan una idea de sus preocupaciones. Los dibujos son en ocasiones bocetos preparatorios en los que construye tramas logarítmicas que luego le sirven para distribuir el plano que es cada cuadro, de una manera equitativa y armónica. Las referencias a Klee, Kandinsky, Modrian, Jean Arp o Malevitch no le son ajenas en cuanto a sus fuentes primigenias, pero tampoco el pensamiento de Heráclito ni la ciencia de Pitágoras. Una amalgama de vertientes y de contrapunto, de síntesis y de diálogo para lograr unas creaciones que tienen una evidente carga filosófica resultando un mundo pictórico con una aspiración metafísica y una mira universal. Las obras aquí expuestas constituyen una parte del plan general ELDAG, mucho más amplio de sus experimentos con el color. Aportan una solución parcial, pero muy importante al problema de las relaciones recíprocas entre los colores, a la tensión en la relación cromática, a la manera de imprimir ritmo a esa tensión y al paso hacia la construcción de los colores basada en las propias leyes del color. Las obras pertenecen a museos y colecciones públicas, tanto nacionales como extranjeras, como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, la Diputación Provincial de Huesca, el Museo de Arte Contemporáneo de Sao Paulo (Brasil), el Museo de Arte Moderno de Sassoferrato (Italia) o el Instituto Panameño del Arte, entre otros. La muestra puede verse hasta el mes de junio en el Museo Salvador Victoria de Rubielos de Mora en horario de mañana de martes a domingo, de 10,00 a 14,00 horas; de martes a viernes por las tardes, de 16,30 a 19,00 horas; y los sábados y domingos de 16,00 a 19,00 horas. JOSÉ MARÍA IGLESIAS José María Iglesias nació en Madrid el 14 de enero de 1933. Desde muy joven su afición a la lectura le llevó al conocimiento de la poesía y pintura surrealista, y de aquí nace su interés por el arte contemporáneo, especialmente el cubismo y tendencias constructivas, como el constructivismo ruso. Desde 1959 participó en las más importantes Bienales Internacionales, destacando las de Venecia, Sao Paulo, París o Tokyo. También ha estado presente en múltiples muestras colectivas nacionales e internacionales. Su interés por la poesía experimental, especialmente en el aspecto gráfico de la palabra, le llevó a la publicación de 'Poemas visuales' y de 'De palabras parecidas y otros estigmas' y la carpeta de huellas 'Del dado y del dedo'. Además, ha sido miembro de la Asociación Española y de la Internacional de Críticos de Arte, publicando en Revista de Cultura Brasileña, Mundo Hispánico, Noesis o Artes, entre otras. Es autor de monografías sobre los artistas Amador, Ceferino Moreno o Alberquilla. Ha s | ||||||||
| Titulo | Arte Conceptual Museo Vostell | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Hoy Digital | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Cultura
Muestra de arte conceptual en el Museo Vostell Malpartida La muestra, hasta el próximo mes de junio, reúne a más de 30 artistas Hasta el próximo mes de junio puede contemplarse en el Museo Vostell Malpartida una selección de arte conceptual europeo que abarca prácticamente toda la segunda mitad del siglo XX. La exposición, en la que se muestran obras de 38 artistas provenientes de los fondos propios del museo, arranca cronológicamente con la importante pieza de Vostell 'Transmigración', de 1958, que supuso la primera utilización en la Historia del Arte del aparato de televisión con fines estéticos. Hay que recordar que el Museo Vostell Malpartida fue pionero en el panorama artístico español en la muestra de arte conceptual europeo, trabajando en esta línea ya desde los años 70. Por tanto, se trata de una relevante conjunto de cuadros, cuadros-objetos, esculturas e instalaciones de creadores que desde la inauguración del Museo, en 1976, estuvieron vinculados al mismo. Entre los artistas que componen la exposición se encuentran Bartolozzi, Canogar, Equipo Crónica, Monteiro Gil, Antonio Gómez, Saldanha, Saura, Volsi o el propio Vostell. | ||||||||
| Titulo | Poetes Visuals, Vius | ||||||||
| Autor | Josep Miquel García | ||||||||
| Publicacion | Lectura | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | 32 POETES VISUALS, VIUS
Josep Miquel Garcia Lleida va acollir l´any 1971 a la Petite Galerie la primera exposició de Poesia Visual a Catalunya. Mes tard, el 1989, la primera trobada de Poesia Visual de l´ estat espanyol i, ara, la primera mostra de poetes visuals dels Països Catalans, una selecció que, sota el títol genèric de VI ( R ) US, atenent a que son vius els poetes i que la poesia visual s´encomana, s´exposa a la Sala d´actes dels Servis Territorials del Departament de Cultura de la Generalitat. Organitzada per l´Associació d´Agitació Cultural Pont de Petroli, que ha editat un llibre de títol homònim, ha estat comissariada pel poeta Josep Maria Calleja que, a més de `practicar la poesia visual, reflexiona de sempre sobre els seus llindars. La novetat d´aquesta proposta és que es fa sense acollir els pares de la Poesia Visual Catalana. És per tant un fer-se grans dels fills, els que resten i son vius, tot i tenir encara entre ells l´Albert Ràfols Casamada, el pintor poeta que als seus vuitanta-tres anys continua en actiu, arrelant la poesia visual a la tradició de les avantguardes catalanes. L´altra novetat és l´esguard envers els Països Catalans, indefugibles , doncs poetes valencians com Bartomeu Ferrando, Josep Sou o José Carlos Beltran – aquest amb la revista Phayum- mantenen vincles d´activisme compartit, o envers les illes balears, on Andreu terrades cada vegada resta com un referent cronològic. Sense Brossa-Viladot-Iglésias del Marquet, la Poesia Visual es manté viva, i son altres els que prenen el relleu, sempre des de la individualitat. En aquesta nova condició hi figura Santi Pau, que utilitza les noves tecnologies per relacionar objectes hiper-reals, o Gustau vega dins d´una tradició més lletrística, i Xavier Canals o Josep Maria Calleja, activistes tots dos de la pràctica i la recopilació històrica de la Poesia Visual Catalana. Aquests son els referents ara, acompanyats de Nuria-Rosa Cabré, César Reglero- que dirigeix la publicació electrònica Boek861- Brustenga-Etxauri, Isabel Jover, Paco Fanés, o els dos lleidatans Dionis Orrit o pep Segón. L´amidament s´eixampla fins els nous comportaments on destaca Eduard Escoffet, impulsor del festival de pràctiques poètiques actuals al Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, amb un estol que completen Ferran Fernandez, Paco Perez, Xavier Forés, Jordi badiella, Joan Puche, Lluís Vilaseca, Sergi Quiñonero o Daniel Montes. La característica compartida d´aquesta exposició és la constatació que la base que regia la tradició generacional anterior venia donada per l´abecedari, la lletra i la llengua. Ara el protagonisme és per la imatge, les icones, i els nous mitjans que s´apliquen a la construcció poètica. Tot i això, que queda ressenyat en el llibre que acompanya la mostra, l´exposició dels originals indica una rellevança de l´original, un sentit pulsional i pictural de la majoria de les obres, que aposten per una factura d´obra original, amb testimoni del rastre de l´autor, amb calidesa. El dia de la inauguració el grup LABCROM va executar una acciò poètica com a porta d´entrada. Un narrador, vestit de blanc, recitava definicions poètiques, mentre un home de negre colpejava amb un martell ous damunt d´una taula, enfatitzant les afirmacions. Després , esgotat, quedava estès a terra, com un cadàver. El narrador repartia al public lletres que els espectadors posaven al damunt de l´home estès i restava un epitafi: PA – PAU. | ||||||||
| Titulo | Taller de Poesía Experimental | ||||||||
| Autor | Cristina Nuñez | ||||||||
| Publicacion | Hoy Digital | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | PROVINCIA DE CÁCERES / FRANCISCO CILLÁN ASESOR DE FORMACIÓN DEL CENTRO DE PROFESORES Y RECURSOS
«El poeta es un pequeño Dios que crea con todo lo que tiene» El Centro de Profesores y Recursos de Cáceres imparte un curso sobre poesía experimental, entre el 26 de abril y el 11 de mayo Joan Brossa (Barcelona 1919-1998) abordó la poesía desde todos los flancos imaginables. Trallazos de imaginación que desmontaron fronteras. Brossa sembró la ortodoxia pero también se lanzó sin miedo a la heterodoxia de una poesía visual y objetual que creó escuela. Algunas de sus imágenes son bien conocidas: una máquina de escribir escupiendo serpentinas o un balón de fútbol tocado con una peineta. El Centro de profesores y Recursos de Cáceres organiza del 26 de abril al 11 de mayo un curso sobre poesía experimental que trata de abordar todos los ángulos de esta experiencia a medio camino entre el arte y la literatura, un juego de percepciones en el que tomarán parte profesores y artistas como Antonio Gómez García, Juan Manuel Barrado o Juan Rosco. Francisco Cillán se ha encargado de gestar y coordinar estas jornadas. -¿Cómo surgió la idea de organizar estos cursos? -Fue a petición de unos compañeros de aula, de profesores de aula principalmente. -La poesía de la portada del díptico de los cursos es de Antonio Gómez. -Sí, es un poeta visual muy conocido. Fue alumno de Joan Brossa y hoy día está a una altura muy importante dentro de la poesía experimental. Sus obras de arte se presentan en la feria Arco, al parecer con bastante aceptación. -¿Qué es la poesía experimental, cómo se podría definir? -La poesía experimental es un poco de todo. Engloba a la poesía visual, la poesía objeto, se habla de los caligramas, de los libros objeto...puede ser visual, puede ser sonora... -¿Y, obviamente, también puede ser escrita? -Sí, claro, también puede ser escrita. A partir de la generación del 27 adquiere una importancia básica. Hay un verso del poeta chileno Vicente Huidobro que a mí me parece que es muy significativo, y que concluye: «Por qué contáis la rosa, oh, poeta, hacedla florecer en el poema. Solo para vosotros viven todas las cosas para el sol. El poeta es un pequeño dios». El poeta crea, y todo lo que hay a su alrededor puede ser poesía, crea con todo lo que tiene. Un ladrillo con una antena, ahí te lo deja el poeta. -¿A quién está dirigido el curso? -A profesores de lengua y literatura, plástica y arte, imagen y sonido y a todos los profesores que estén interesados en el tema. -Está claro que la poesía visual abarca muchas disciplinas... -Claro, está todo conectado. Lo importante es hacer cosas novedosas, eso es lo que busca el poeta. Primera fila -¿Quién está poniendo en práctica actualmente la poesía visual? -Extremadura está en primera fila en este campo. Incluso Antonio Gómez, como ya he comentado, es una de las figuras más importantes. También está Juan Rosco Madruga, que es profesor de arte y también hace poesía experimental. Juan Manuel Barrado Sánchez, que es un poeta joven. -Es una forma de expresión que se aplica en la publicidad... -La publicidad está llena de mensajes subliminales, igual que esta poesía, que lo importante es que el que lo vea lo descubra. -Lo que está claro es que las fronteras entre el arte y la literatura se difuminan... -La verdad es que sí, las fronteras se difuminan. De todas maneras la poesía no tiene porqué dejar de ser una obra de arte. -Pero en este caso la palabra cobra un sentido mucho más secundario que en la poesía tradicional... -La experimental tiene palabras, objetos, depende siempre del tipo de poema experimental que tengamos. Por eso hablamos de ese concepto tan amplio, tan abarcador. | ||||||||
| Titulo | Universidad de Cantabria Taller Poesía Experimenta | ||||||||
| Autor | GUILLERMO BALBONA | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Universidad de Cantabria
Nace el primer taller estable de Poesía Experimental y Visual de Cantabria El Aula de Letras y 'La Ortiga' ponen en marcha la propuesta el día 19 Antonio Montesino dirige la serie «del dadaísmo al poema objeto» Nace el primer taller estable de Poesía Experimental y Visual de Cantabria Montesino, director de 'La Ortiga' y del nuevo taller. Bajo el epígrafe 'Sobre las letras: del dadaísmo al poema objeto', y estructurado en torno a una serie de encuentros teórico-prácticos, la próxima semana se pondrá en marcha en Santander el primer Taller Estable de Poesía Experimental y Visual. La dirección estará a cargo de Antonio Montesino, antropólogo, editor y poeta que, ya en el año 1997, fue el creador e impulsor del I Taller de Escritura Creativa que se organizó en Cantabria, bajo el patrocinio de la Obra Social de la Caja. La nueva cita, que será neófita en la región y es fruto de la organización del Aula de Letras de la UC, que dirige Ramón Maruri, y de La Ortiga, se inicia el próximo miércoles, día 19, bajo el nombre del famoso poeta vallisoletano Francisco Pino. El primer taller de estas características creado en Cantabria abre sus aulas a la participación de «todas aquellas personas interesadas en el experimentalismo poético». Igualmente, intervendrán -en sucesivas sesiones- Francisco Aliseda, director del Centro de Documentación de Poesía Visual de España, y Julián Alonso, ambos destacados creadores e impulsores de esta poesía en España, con una amplia trayectoria creativa. El taller se desarrollará en cuatro ámbitos de actuación, de acuerdo con el siguiente programa: Hablar a la vista, donde se abordará «el conocimiento y desarrollo de diferentes métodos y técnicas expresivas visuales, entre las que se encuentran el 'letrismo', la 'poesía concreta', el 'collage', el 'poema objeto', el 'fotomontaje'... 'El ojo (Des)orientado', que se basará en la organización de tres itinerarios urbanos, a través de los cuales se intenta elaborar un 'cuaderno de campo' -imágenes, textos, entrevistas e imaginarios y diversidades sociales- que dé cuenta de «una serie significativa de referentes visuales, de aportes discursivos y de otros materiales empíricos, extraídos de los 'lugares practicados' de la vida cotidiana, que posteriormente habrán de servir para la confección de poemas visuales, fundantes de lo que podríamos denominar la 'cultura visual de un arte cívico de carácter público'». Iconoplásticas ciudadanas, que se planteará la organización de varias acciones-poéticas, encaminadas a «la reapropiación simbólica y discursiva de ciertos espacios públicos socialmente significativos de la ciudad». Y 'Papeles plegados', una iniciativa que pretende dar a conocer las múltiples posibilidades de la autoedición de calidad, fundamentada en el ejercicio de la autonomía individual y de la cooperación colectiva, para lo cual se tiene prevista «la edición de tantas revistas nuevas de poesía visual (con sus cabeceras legalmente registradas y aptas para su uso continuado) como integrantes tenga este primer Taller». El director Antonio Montesino asegura que entre los objetivos se contempla tanto la creación de una publicación propia de carácter anual, como el deseo de «impulsar una práctica artística considerada como crítica cultural y social, que posibilite la autorrealización creativa de las personas, facilitándoles el acceso público y gratuito a un conjunto de destrezas visuales, de experiencias útiles y educativas, y de visiones críticas». Y, de este modo, poder contribuir, desde un adecuado conocimiento teórico-práctico, basado en paradigmas de la complejidad, «al desarrollo de una nueva cultura visual y de unas habilidades y confianzas individuales». Educación estético-visual A juicio del artífice de 'La Ortiga', se persigue que los ciudadanos dispongan de una «necesaria educación estético-visual cívica, crítica, 'glocalizada', cultural y socialmente activa y comprometida, que, sin duda alguna, habrá de ser decisiva en la conformación de nuestra manera entender la realidad social, en nuestra forma de ver las imágenes y, también, de percibirnos a nosotros mismos». Montesino cuenta en su haber con una prolífica e intensa trayectoria intelectual, creativa, organizativa y de producción cultural. Es autor de numerosos libros y ensayos, y ha editado diecinueve poemarios de poesía discursiva, a los que han de sumarse varias publicaciones dedicadas a la poesía visual. Montesino es, desde el año 1996, el creador y director de 'La Ortiga' y de numerosas colecciones de este original proyecto cívico-cultural que celebra su décimo aniversario. Organizan: Aula de Letras de la UC y La Ortiga Colabora: Obra Social de Caja Cantabria Título: 'Sobre las letras: del dadaísmo al poema objeto' Fecha de inicio: Miércoles día 19 de abril, de las 18,30 hs. a las 20,30 hs. Lugar: Edificio Interfacultativo (Aula 21) Dirección: Antonio Montesino Creadores que intervendrán: Montesino, Francisco Aliseda y Julián Alonso. | ||||||||
| Titulo | Poegramas: Nueva revista de Poesía Experimental | ||||||||
| Autor | Guillermo Balbona | ||||||||
| Publicacion | El Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Nace en Cantabria, -Poegramas-, una apuesta por la poesía experimental // La revista, que abre una colección de creación poética visual, es el nuevo fruto del proyecto 'La Ortiga', publicación que cumple este mes diez años de existencia
Novedad editorial: Nace la revista de poesía experimental y visual: POEGRAMAS Edita: Editorial Límite/La Ortiga El prolífico y plural proyecto editorial santanderino de 'La Ortiga' suma una nueva creación con la aparición de una revista de poesía experimental y visual, publicación poética que a mediados del pasado mes de febrero se incorporó a las muy diversas creaciones surgidas en su densa trayectoria. El equipo responsable de este proyecto cultural y editorial aprobó la puesta en marcha de la nueva publicación que se suma a sus numerosas colecciones, entre las que destacan: 'Los libros de La Ortiga', 'Los pliegos', 'Los Libros del Laberinto', 'Cuadernos de Poesía', 'Glocalia-Antropológicas', 'Jiras y Condumios', 'Los Cuadernos de La Casa de Fresno', 'Travesías del Pensar', y, sin duda alguna, la publicación más importante: la 'Revista de Arte, Literatura y Pensamiento' que da nombre y aglutina al proyecto, próxima a cumplir (a finales del presente mes) una década de existencia, con la edición de un nuevo número, el 62/64, que verá la luz a principios del mes de mayo. La colección recientemente creada se dedicará a la Poesía Experimental y Visual y su formato se encuentra inspirado en la colección 'Los pliegos de La Ortiga', una iniciativa surgida el año 2002, con la edición de 'Etnomanía contra ciudadanía', del filósofo Fernando Savater, que, ya entonces, supuso, «desde el punto de vista de la concepción formal de su diseño», toda un novedad en el panorama editorial español. La nueva revista se denomina 'Poegramas', su periodicidad será semestral y será editada a cuatro colores, con la finalidad de poder incluir creaciones que requieran el uso de cuatricromías y dispondrá de 24 páginas. Los responsables de este proyecto emergente, Antonio Montesino, como director, diseñador y maquetador, y María Montesino, como coordinadora, han manifestado su voluntad de que esta nueva publicación plasme en sus páginas «las creaciones de los poetas visuales y experimentales más relevantes de la actualidad, para lo cual se incluirán ámbitos de referencia creativa que abarquen, en su dimensión espacial, tanto los creadores locales y nacionales como los internacionales, y, en las propuestas de sus lenguajes poéticos, todos aquellas variantes de la poesía experimental susceptibles de ser recogidas en los actuales soportes tecnológicos existentes, desde el papel hasta los CDs y DVDs». Estos últimos avances tecnológicos, incluido el empleo de Internet, permitirán a 'Poegramas' complementar algunas de sus ediciones con tiradas especiales de 'poesía fonética' o sonora, 'Videopoemas' y 'Poesía cibernética'. En las primeras entregas está prevista la inclusión de unos catorce poetas visuales cuya creación comprende diversas variedades, entre otras: 'letrismo', 'poesía concreta', 'poesía semiótica' y 'collages'. En su elogio de 'una mirada icónica crítica y glocalizada' consideran que 'la importancia de la poesía visual irá en aumento en los próximos años, sobremanera en un medio social globalizado en el que el empleo intensivo y extensivo de imágenes constituye la piedra angular de un amplio universo de referencialidades que están conformando activamente los diversos imaginarios visuales y cognitivos de la ciudadanía, dando lugar a un nuevo orden visual, cuya comprensión requiere una nueva semiosis social». En este contexto, el recurso a los lenguajes de la poesía experimental y visual domina, desde hace ya unas décadas, la práctica totalidad de los sistemas de comunicación, principalmente aquellos que se mueven en el campo de publicidad y del diseño. A juicio de Montesino, la poesía experimental «ha contribuido históricamente, sobre todo a partir de la vanguardias de principios del siglo XX, en concreto de la idea de 'arte total' debida al cubismo, a una importante y fructífera búsqueda de nuevos medios de expresión que van más allá de los utilizados por la poesía convencional». Y esto ha sido así, aseguran los responsables de la nueva publicación, en la medida en que este tipo de propuestas poéticas y los diferentes lenguajes que moviliza, «no se ha conformado con el empleo de las palabras como portadoras de significados, sino que ha utilizado todos los medios a su alcance para conseguir sus nuevos objetivos poéticos, desde las palabras consideradas en su dimensión puramente plástica a todo tipo de sonidos, pasando por cualquier imagen o variedad de situaciones que ofrece la vida cotidiana». | ||||||||
| Titulo | Trasdós / Rafael Gutiérrez Colomer | ||||||||
| Autor | JOSÉ MARÍA GUTIÉRREZ | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...quien recientemente ha realizado una donación al propio Museo de Bellas Artes de una biblioteca especializada en poesía visual...//...
Presentado en el Museo el séptimo número de la revista 'Trasdós' en un emotivo acto Se recordó la figura del pintor, poeta y editor Rafael Gutiérrez Colomer Numerosas personalidades del mundo del arte y la cultura en general arroparon ayer la presentación del séptimo número de la revista 'Trasdós', correspondiente al año 2005, que edita el Museo de Bellas Artes de Santander. El concejal de Cultura, César Torrellas y la redacción científica de la revista, formada por Javier Díaz, Julio Polo, Juan Antonio González Fuentes y Salvador Carretero, fueron los encargados de presidir el acto celebrado en la pinacoteca. La presentación estuvo dedicada a la memoria de Rafael Gutiérrez Colomer (1937-2005) con la proyección del vídeo 'Los años jubilares' (2005), realizado por Jiménez Zacanini. Fue un momento de suma emotividad, puesto que el documento videográfico inédito recoge la lectura del epitafio de un libro inédito, en lectura llevada a cabo por el propio Gutiérrez Colomer. Estuvo presente la viuda de Colomer, quien recientemente ha realizado una donación al propio Museo de Bellas Artes de una biblioteca especializada en poesía visual, así como una copiosa colección de grabados y otras obras...//... | ||||||||
| Titulo | Manuel Calvarro /PV Museo de Huelva | ||||||||
| Autor | varios | ||||||||
| Publicacion | varios medios | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | RECOGEMOS ALGUNAS DE LAS OPINIONES DEL PROPIO MANUEL CALVARRO Y DE OTROS CRONISTAS CON MOTIVO DE LA EXPOSICIÓN QUE ESTE AUTOR A REALIZADO EN EL MUSEO DE LA DIPUTACION DE HUELVA.
Entre otros: El Mundo (Varias Crónicas) Odiel Información 9/3/06 Huelva Información (Varias Crónicas) MANUEL CALVARRO Y LA POESIA VISUAL (ENTREVISTA) - Profesor especializado en Pedagogía Terapeútica, considera el arte como una fuerte liberadora de tensiones. -Ha llegado a la PV como producto de una evolución personal. - La Poesía Visual no es un simple ejercicio de de contemplación, también requiere un esfuerzo del intelecto - Para Calvarro, el arte, además de placer, es también compromiso. - La creatividad es una fuerza incontrolable que no admite limites. - La PV necesita del complot del espectador. El poeta lanza una pista, una idea, el espectador la sigue, juega con ella, la encuentra,... - Si el espectador te entiende, te comprende, y si te compendre, es de los tuyos - Llega a la PV a través del mail art, al descubrir que muchos mail artistas son poetas visuales. Sus primeras obras en las que combinaba el mail art y la poesía visual, fueron sus "relicarios" que recorrieron medio mundo. -En la primera exposición en la que participó de mail art se quedo sorprendido por la gran variedad de propuestas y por la creatividad desbordante - La PV le permitió romper con muchos de los esquemas preconcebidos de lo que debía ser el arte, para disfrutar del mismo con total libertad. - Da especial importancia al hecho de no estar atado tanto a los instrumentos y a las técnicas, como a la creatividad pura. ...//...y asi ha ido desgranando este autor sus ideas sobre la poesía visual, el arte y su compromiso ante la vida. También hay que decir que el Museo ha acogido esta muestra dentro de un esquema expositivo según el cual se promueven las últimas tendencias europeas. Finalmente decir que por la excelente acogida de la muestra, la misma será itinerante. | ||||||||
| Titulo | La muerte como ready made | ||||||||
| Autor | Angela Molina | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | ...//...Lo que quieres que diga... Yo ya estoy muerto” se centra en piezas que exploran una dualidad muy recorrida en la literatura y el propio arte, como es la vida y la muerte...//...
Dentro de la videocreación uno de los referentes internacionales más importantes lo constituye el artista escocés Douglas Gordon (Glasgow, 1966), quien recurriendo a imágenes de muy distinta procedencia, las manipula para crear instalaciones, esculturas, fotografías y otro tipo de piezas, que en la mayoría de los casos, nos enfrentan como espectadores con aquellos mecanismos que se establecen en la percepción. Con una muy reputada carrera que le ha hecho merecedor de galardones como el Turner Prize (1996) de la Tate Britain o el Hugo Boss Prize (1998) del Guggenheim Museum de Nueva York, Gordon demuestra varias búsquedas en su trabajo que se centran en explorar la potencialidad temática de sus propios referentes culturales y las posibilidades de los espacios expositivos, como lugares que intervienen en la propia percepción de la obra. En el trabajo de Gordon se observan también otras constantes, como el gusto por estudiar en una misma obra temas contrarios, tal es el caso del pasado y el futuro, lo positivo y lo negativo o la memoria y el olvido. Sin embargo, “Lo que quieres que diga... Yo ya estoy muerto” se centra en piezas que exploran una dualidad muy recorrida en la literatura y el propio arte, como es la vida y la muerte, aunque es necesario destacar que esta muestra intenta ser una retrospectiva al exhibir trabajos de Gordon realizados desde 1992 hasta la actualidad. Entre las obras más conocidas del artista destacan aquellas que, tomando secciones y fotogramas de films conocidos, muchos de Alfred Hitchcock, replantean las nociones del tiempo y la memoria. De estos, la exposición ofrece piezas como: 24 Psyco (1993), Through a looking glass (1999) y Predictable incidents unifamiliar surroundings 1, 2, 3, 4 y 5 (1992-1995). Sin duda, el trabajo de Gordon ha sido de gran importancia en el desarrollo de los tratamientos de la imagen desde los años ochenta hasta hoy, demostrando una obra muy dinámica y comprometida, como lo expresan sus experimentaciones y consecuentes búsquedas. | ||||||||
| Titulo | El Correo Artístico | ||||||||
| Autor | Esther Ferrer | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Arte postal,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Debo decir en primer lugar que la fecha de publicación es incorrecta. Este artículo de prensa nos lo ha cedido Ibirico pero la fecha del mismo es indeterminada. A través de google hemos tratado de localizar la fecha exacta sin conseguirlo, por ello lo fechamos con fecha de hoy.
En cualquier caso, el documento es histórico y merece ser reseñado por cuanto esta hablando de una exposición de arte correo celebrada en el Museè de la Poste de París y en la que participan Picasso, Matisse, Manzoni, Man Ray, Duchamp, Warhol, Mallarmè, Barthe, Klein, Schwitters, etc. Asi pués, fijamos la fecha de publicación entre el 88 y el 89. Esther Ferrer también se encarga de hacer un relato histórico con respecto a las primeras exposiciones de mail art en España, que se las adjudica al Grupo Zaj (Marchetti y Juan Hidalgo) // Igualmente hace mención a la intervención de los futuristas, cubistas, neodadaistas y Fluxus, en los origenes del mail art. En la vertiente moderna, señala las múltiples variantes con las que se manifiesta el M.A., y señala como ejemplo la participación de Shozo Shimamoto del colectivo japonés Gutai, que envio un pulpo disecado por correo, con toda la parafernalia de sellos y franquicias perfectamente insertada entre sus tentáculos y la dirección insertada correctamente en la zona vulvar. -CRC- | ||||||||
| Titulo | Entrevista a Jose Blanco | ||||||||
| Autor | Marta Nieto | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Un CD recoge la biografía y los trabajos de 18 poetas visuales que trabajan en el País Vasco. La nómina está prácticamente completa, ya que reúne "al menos al 90%" de quienes se dedican a esta minoritaria disciplina literaria en Euskadi, asegura José Blanco (Barakaldo, 1965), uno de los poetas de esta antología y editor también de la revista Metamorfosis (www.joseblanco.org). Ha sido la editorial Lupi (La Única Puerta a la Izquierda; www.lupieditores.com) quien ha sacado una tirada 60 ejemplares, que se distribuirán "por centros de documentación, museos, bibliotecas, fundaciones y universidades". La presentación del muestrario Realidad 2005, como se llama el CD, coincidió con la segunda celebración en Bilbao del día de la poesía visual que distintos autores instauraron el 26 de enero en 2005.
Pregunta. ¿Sirve para algo un día de la poesía visual? Respuesta. No sé si le sirve a la gente, pero a nosotros sí. Este es un mundo muy voluntarioso, se trabaja de forma amateur y este día es una fecha de referencia para reunirnos y para seguir la pista a lo que se está haciendo. P. ¿De qué salud disfruta hoy la poesía visual vasca? R. En el respaldo institucional que tiene, la salud es ciertamente precaria, ya que no existe ninguna ayuda. Hay compañeros que están intentando promover algo similar a los certámenes que se hacen en otras comunidades, pero por ahora no han recibido respuesta alguna de las instituciones. Pero, por otra parte, la salud creativa es excelente. P. ¿Tiene la impresión de que se hace más caso a la poesía visual en otras comunidades que en Euskadi? R. Sin duda. Por ejemplo, en Badajoz se celebra desde hace cuatro años un certamen de poesía experimental y también lo hay en Galicia, Cataluña, Canarias, etcétera. P. ¿La publicidad se acerca cada día más a la poesía visual? R. La publicidad siempre ha tomado elementos de la poesía, adaptando rasgos poéticos a las cosas que quieren vender. Pero creo que el lenguaje publicitario y el poético no se confunden. Y puede ser bueno para la poesía visual que la publicidad haga que el público se acostumbre al lenguaje poético. P. ¿El ordenador facilita la creación? R. Es una herramienta excepcional, que abre un gran campo a la poesía experimental. P. ¿Qué reclaman los poetas experimentales vascos? R. Que, para que nuestro trabajo tenga una difusión digna, las instituciones emplearan algunos medios para realizar, al menos, un catálogo. Que no tuviéramos que costearlo nosotros. | ||||||||
| Titulo | Arte / Recordando a Irak | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | El Punt | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | EL TALLER DEL SOL HA COLABORADO Y HA RESPALDADO A
LA COORDINADORA TARRAGONA PATRIMONI DE LA PAU EN TODAS SUS ACCIONES EN FAVOR DE LA PAZ, CONTRA EL ARMAMENTO Y EN SU ACCIONES DESTINADAS A EVITAR QUE EL PUERTO DE TARRAGONA SEA UNA BASE LOGISTICA DE LOS BUQUES DE GUERRA. ESTE COLECTIVO HA EMPLEADO EL ARTE EN LA MAYORIA DE SUS MANIFESTACIUONES REIVINDICATIVAS Y LO VUELVE HACER EN SU DENUNCIA DEL TERCER ANIVERSARIO DE LA GUERRA DE IRAK. La Coordinadora Tarragona Patrimoni de la Pau va dur a terme ahir una nova acció per denunciar la invasió de l’Iraq coincidint amb el tercer aniversari de l’inici de la guerra. Si dijous a la tarda els pacifistes van pintar un mural al carrer August per recordar que el conflicte ja ha causat la mort de mig milió de persones, ahir van clausurar simbòlicament la delegació de Defensa. L’acció va consistir a «tapiar» l’edifici del govern militar pintant sobre el mur la frase Cap exèrcit defensa la pau. Segons la Coordinadora, «al marge de les aplicacions que es vulgui donar a l’edifici, el que caldria és invertir en cultura de pau, en educació per la pau i en despesa social (educació, sanitat, centres cívics...) en lloc de fer-ho en exèrcits que no serveixen per garantir ni mantenir la pau, i en armaments». La Guàrdia Urbana va retirar els maons i les cintes de clausura poc després que tingués lloc l’acció. Aquesta també va servir per convocar els ciutadans a la manifestació que començarà aquesta tarda a les cinc a la plaça Corsini. Al matí, els activistes pintaran la pancarta de la convocatòria a la mateixa plaça del Mercat Central. | ||||||||
| Titulo | Manuel Calvarro/ Poesia Visual Museo Huelva | ||||||||
| Autor | Elena LLompart | ||||||||
| Publicacion | Huelva Información | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Manuel Calvarro cuelga sus gritos de poesía
El prolífico artista onubense exhibe una cuarentena de textos visuales de temática social hasta el próximo 26 de marzo en el Museo Provincial huelva. La exposición Poesía visual, del artista Manuel Calvarro, busca –por encima de todo– la complicidad del espectador. Sus textos, libres de cualquier atadura, gritan contra la injusticia, el poder del dinero, la guerra y la hipocresía. Pero también cantan a la vida, al amor y la belleza. El rico tesoro de sugerencias que ofrece queda expresado en un total de 45 cuadros, entre collages y óleos, y una selección de textos en los que presenta una galería de personajes y escenas marcadas por asuntos como la muerte, el paso del tiempo, los problemas del hombre y el amor. A través de ellos, se demuestra la capacidad de creación de este artista multidisciplinar, que es sobre todo conocido como pintor, pero que, en los últimos años, está descubriendo las posibilidades que le ofrece el mundo de la poesía visual para incidir en esa denuncia social que marca la mayoría de sus trabajos. Un campo en el que asegura que "no importan tanto los instrumentos ni las técnicas que utilices" y que, además, destaca por ser "muy participativo, ya que el espectador completa la obra al interpretarla". De esta forma queda patente sus ansias de renovación. Y también su calidad. Porque Calvarro, con un perfecto bisturí artístico y grandes dosis de ironía y ternura es capaz de lanzar sus ideas como si de un alquimista se tratara. El onubense maneja el collage con maestría y oficio disfrazados de un desaliño sólo aparente. Para él es imposible limitarse a ningún esquema previamente definido. Es un pintor muy valorado en el ámbito de la poesía visual, pero planea y sobrevuela su obra sin poder detenerse en este género ni en ningún otro. La creatividad para él es una fuerza incontrolable que no admite límites. Así, su ansia de buscar la conceptualidad y la síntesis no impide que enmarcar un lagarto atropellado en el asfalto de la N-350, titulado Elegía. O que exponga una curiosa esquela bajo el título Curriculum. Y es que las formas de lo incomprensible que Calvarro recrea proceden de un tiempo sin tiempo. Tal y como asegura el madrileño Alfonso López Gradolí en el prólogo del catálogo de Poesía Visual: "No hay realidad representada. Incluso el símbolo está trascendido Es huella sin huella de lo extraño". | ||||||||
| Titulo | POESIA VISUAL EN HOMENATGE A VILADOT | ||||||||
| Autor | Amado Forrolla | ||||||||
| Publicacion | Diari Segre | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | POESIA VISUAL EN HOMENATGE A VILADOT A LA SEU DE CULTURA
La Biblioteca inaugura la VII Quinzena d’Arts de Ponent. LLEIDA. Amado Forrolla Poesia visual, pintura, escultura i gravats es van convertir ahir en protagonistes de tres exposicions que es van inaugurar gairebé simultàniament a Lleida. Així doncs, la seu dels serveis territorials de Cultura acull la mostra Vi(r)us. Antologia de poesia visual dels països catalans, en el marc de les IV Jornades Guillem Viladot. Es tracta d’una antologia de poesia visual, amb peces de 32 poetes seleccionats i al mateix temps poetes Joan Puche i Josep Maria Calleja (precisament aquest últim serà el pròxim convidat del cicle Ponentades). Entre aquests, destaquen les obres dels lleidatans Pep Segon i Dionís Orrit, juntament amb autors de la talla de Ràfols-Casamada o el mallorquí Andreu Terrades, a més de Xavier Canals o Gustavo Vega. La mostra es converteix així en un homenatge a Viladot, un dels exponents d’aquesta disciplina a partir dels anys 50. Així mateix, la mostra va comptar amb una acció poètica del grup Labcrom di Sol. A més, es va presentar el llibre Vi(r)us. Per la seua part, la sala Coma Estadella va inaugurar una selecció d’obres de 26 obres de José Enrique Ruiz sota el títol Zàping Natura Morta. D’altra banda, la Biblioteca Pública acull la VII Quinzena d’Arts de Ponent amb una dedicació especial a l’aquarel•la, a més de pintures i escultures. Podrà visitar-se fins al 25 de març. | ||||||||
| Titulo | Chema Madoz/ Atrapados por el ingenio | ||||||||
| Autor | Alberto Martín | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Chema Madoz, el maestro por excelencia de la poesía visual fotográfica, admirado profundamente por Franklin Fernández, el histórico y magristral poeta objetual venezolano, sufre, en esta ocasión una dura crítica por parte del periodista:
...//... el pequeño formato que durante años utilizó para presentar sus imágenes, provocando un claro juego de escalas, conseguía construir perfectamente esa proximidad íntima. Y ahí es donde se encuentra lo mejor de esta muestra, en esa pared que muestra doce imágenes de pequeño formato, perfectamente homogéneas y alineadas. O en un grupo de ocho fotografías con un mismo elemento, piedras de formas redondeadas, que permiten ver la idea de serialidad y tipología que subyace en buena parte de su obra. Pero parece que la tendencia dominante en esta exposición es el gran formato y con ello no sólo se resiente gravemente el trabajo de Chema Madoz, que se convierte en anodino e innecesariamente espectacular, sino que el propio montaje expositivo se muestra irregular y tremendamente desordenado a consecuencia del baile de formatos en la pared. A ello hay que añadir, además, que en esta ocasión el artista ha presentado algunas obras francamente flojas. Especialmente dos bloques con notas musicales y tableros de ajedrez como tema unificador, en los que se ha dejado llevar por la facilidad que le ofrece el marcado grafismo de dichos elementos. Desde luego poco aportan a la persistente y consolidada trayectoria del autor. Convertidas progresivamente en meras paradojas visuales y guiños, no es extraño oír decir a algún espectador en la sala, como yo mismo pude escuchar, "en ésta no lo pillo"...//... | ||||||||
| Titulo | Char3 y los Mediums | ||||||||
| Autor | Cesar Reglero | ||||||||
| Publicacion | Mes Tarragona | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis |
La Chartreuse: o el mensaje arquitectónico de un espacio abandonado. Pau Gavaldá y J.M. Rosello fueron los mediums en A.R.T. César Reglero El 24 de noviembre del 2002 “El Pais” publicaba un artículo titulado “El nuevo mapa del arte en España” y a lo largo del mismo, bajo el subtitulo de “Lluvia de museos de arte contemporáneo” hablaba de la vieja fábrica de licores Chartreuse de Tarragona, como el futuro museo de arte contemporáneo de esta ciudad a partir del 2004. Hasta se llegaron a dar cifras para la rehabilitación y reacondicionamiento (3.6 millones de euros) Estamos en el 2006 y todo ha salido manga por hombro, este espacio que en principio estaba presupuestado como Centro de Creación Contemporánea, ha sido destinado a Escuela Oficial de Idiomas. . Pero los espacios arquitectónicos tienen vida propia y la prueba está en que el fotógrafo Pau Gavaldá ha sabido captar ese espíritu y transmitirlo en A.R.T. Desde mi punto de vista el mensaje sólo podía ser recogido en A.R.T. Precisamente porque en Tarragona no existe otro espacio cuya función esencial sea lanzar proyectos imposibles, efímeros e irrealizables. Y cómo las cosas no suelen suceder por casualidad, tampoco lo es que cuatro años después de anunciada la propuesta de un nuevo espacio contemporáneo para Tarragona, las fotografías de Gavaldá resuciten, a la luz de este lugar semi-abandonado, un deseo y un mensaje. El proyecto de Pau Gavaldá fue premonitorio y un tanto esotérico por cuanto el objetivo de las fotografías de Pau Gavaldá en el espacio de Roselló fueron, sin duda, el de hacer de mediums para recoger el mensaje de las paredes, el polvo y la luz de la Chartreuse. Y el mensaje ha llegado en forma de interrogantes transmitidas por los antiquísimos muros que en leve susurro les han preguntado: ¿Qué es el arte? ¿Quién es el artista? ¿Quién pone la etiqueta de artista? ¿Qué función cumple hoy en día el arte? ¿Debe ser el arte una actividad libre? ¿Te tienes que integrar en los circuitos comerciales o institucionales para ser artista? ¿Qué debe ser primero, el artista o el vendedor de arte? ¿Se puede ser artista sin saberse vender? ¿Qué es contemporáneo? ¿Qué es vanguardista? ¿Dónde está lo contemporáneo y lo vanguardista en Tarragona? ...La última pregunta fue: ¿Se merece Tarragona un espacio de arte contemporáneo? ...//... y así fueron desgranadas las pregunta ante el respetuoso silencio de Roselló y Gavaldá que se comprometieron a transmitirlas puntualmente a los poderes fácticos para que ellos trataran de contestar a las mismas y obrar en consecuencia. | ||||||||
| Titulo | Xavier Erola / Jordi LLort | ||||||||
| Autor | J.M. Marsal / S. Miranda | ||||||||
| Publicacion | Diari de Tarragona / Mes Tarra | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | EL LABORATORIO DE IDEAS DE A.R.T. / EXPOSICIÓN DE JORDI EROLA Y JORDI LLORT
Existe un espacio en Tarragona denominado A.R.T. (Espacio Roselló Tarragona) que nació fruto de la casualidad y casualmente su destino son los proyectos efímero, inacabados o imposibles. Con un año de existencia, se ha convertido en un espacio de referencia por cuanto refleja la última fase del arte contemporáneo. Es bien sabido que en las últimas décadas las vanguardias han sucedido a las vanguardias a un ritmo vertiginoso, y hasta tal punto ha sido difícil seguir el fulgor de esta trayectoria trepidante que muy pocas galerías, espacios de arte, organismos culturales o instituciones, han podido adaptar su funcionamiento a los nuevos tiempos. Esto fue lo que detecto J.M. Roselló cuando decidió transformar parte de su estudio en un laboratorio de ideas. Y esto es lo que yo denomino la última fase de la creación contemporánea. La idea necesita muy poco espacio, y a veces ninguno. No es fácil explicar todo esto; es más fácil vivirlo que explicarlo, pero la muestra que se pudo contemplar durante el mes de Febrero en A.R.T. es bastante ilustrativa de todo lo dicho hasta ahora. El artista es Jordi Erola, agitador cultural y miembro de Inout Produccions. Y el proyecto efímero ha consistido en arrugar una hoja de periódico hasta formar una bola, un hecho cotidiano realizado innumerables veces por ciudadanos de los cuatro continentes. Sin embargo, en esta ocasión la finalidad no ha sido tirar la bola de periódico a la papelera, sino realizar un acto creativo. ¡Y lo ha conseguido¡ Evidentemente no es lo mismo una bola de papel en la papelera que siendo protagonista estelar de un espacio de arte, fotografiado, filmado y relatado en las crónicas periodística como una gran estrella. Este es el mundo de las ideas. Lo importante no es la materia, ni la obra, sino la idea. Ya lo hizo Marcel Duchamp en su momento con su prestigioso urinario. Ahora Jordi Erola ha rizado el rizo y ha culminado una vieja teoría que dice que tan genial puede ser un simple punto como la realización de una Catedral Gótica. Otra dimensión de la idea de que tratamos de expresar lo da la última exposición de Jordi Llort durante el mes de marzo “Insectezzz Tipogràfics”. Se trata de una mosca compuesta con las iniciales de A.R.T. donde se conjuga el concepto efímero a través de la vida fugaz de la mosca y la propia finalidad del espacio expositivo. El gestor del espacio, J.M. Roselló, cada día remoja el insecto con el fín de contribuir con la oxidación a potenciar el proceso degenativo-generativo. /CRC/ | ||||||||
| Titulo | La Mas Bella | ||||||||
| Autor | Manuela Villa | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte de accion,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Con motivo del Stand de La Mas Bella en Arco, "El Pais" dedica una página entera y a todo color a las actividades de Pepe Murciego y Diego Ortiz, creadores de esta publicación que se mueve entre el espectáculo, la performance, la poesía visual, el libro de artista, la máquina expendedora y el objeto imposible.
Desde luego no es un zine, ni deja de serlo, pero es que tampoco son una editorial, ni siquiera dejan de serlo,...yo diría que tampoco son bellos, ni siquiera lo más bellos, pero lo cierto es que tienen algo en su mirar y en su forma de hacer las cosas que impresiona. Asi lo demostraron en el 2001 con su BELLAMATIC, esa máquina automática expendedora de arte que se inventaron en un día de aburrimiento en Arco, para poder ir al bar a tomar una copas sin que el negocio quedara desatendido,.........o en el 2003, con LA MAS BELLA TU, esa cartera de bolsillo de polipiel., con todo tipo de tarjetas de crédito, dinero en efectivo y diversos elementos facilitadores de un viaje internacional sin problemas a través de las cadenas hoteleras Husa,..... No contentos con todo lo logrado hasta entonces, en el 2005 hicieron que 55 artistas crearan los JUEGOS REUNIDOS, 55 juegos enloquecedores que causaron fascinación, en unos casos, rabia y desesperación en otros.,... y asi nos plantamos en el 2006 con sus GRANDES EXITOS. Era de esperar, una trayectoría meteorítica como la suya precisaba de este reconocimiento universal de 100 artistas que definitivamente les han lanzado al mundo del estrellato, -CRC- | ||||||||
| Titulo | Poesía Mágica | ||||||||
| Autor | Departamento cultura | ||||||||
| Publicacion | Nota de prensa Fira Mágica | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Poesía Mágica
Como cada año la Fira Mágica pone motores en marcha con la convocatoria de Arte Postal, este año bajo el título de La Magia de los Elementos. Pero en su VII edición, la Fira Màgica no solamente continúa con su tradicional llamamiento postal, sino que además abre sus puertas a una nueva forma de intercambio artístico: el Arte en Red, o Net-Art. Esta nueva disciplina, que consiste en el envío de obras de arte a través de la red, contará con la instalación del equipo necesario para su visualización en el recinto de la Fira Màgica. La segunda propuesta innovadora de la Fira para el 2006 es la presentación de una baraja del tarot en formato de poesía visual. Comisionada por Josep M. Calleja, junto con Ángel S. Martínez, director de la Fira, esta exclusiva baraja se compondrá de los diseños de los 22 arcanos del tarot que habrán realizado, respectivamente, 22 poetas visuales de la Península Ibérica. Durante los días de la Fira se podrá visitar la exposición de estas obras y adquirir una de estas barajas de edición limitada y numerada. La agenda artística de la Fira ofrecerá: una selección de los trabajos recibidos en las seis convocatorias anteriores de arte postal sobre Tierra, Agua, Aire y Fuego; una exposición de las obras elaboradas con materiales reciclados recibidas en respuesta a la convocatoria La Magia de los Elementos; presentación y visualización de las obras enviadas en respuesta a la convocatoria de arte en red; y, noche poético-mágica, el 23 de junio de 2006, en la que ya se cuenta con la presencia confirmada de artistas de la talla de Enric Casasses y el Circo de la Palabra Itinerante Invitamos a todos aquellos que deseen más información a visitar la página web de la Fira: www.firamagica.com o a que se pongan en contacto con nosotros en firamagica@stasusanna.org o 93.767.83.61. | ||||||||
| Titulo | Gutiérrez Colomer y su biblioteca | ||||||||
| Autor | GUILLERMO BALBONA/SANTANDER | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...Esta ingente y atractiva colección integrada por esas 3.000 obras, principalmente libros especializados en la denominada poesía visual y experimental, así como algunas carpetas de obra gráfica...//...
La nueva biblioteca del Museo acogerá la colección de Gutiérrez Colomer Más de tres mil volúmenes de poesía y obra gráfica integran la donación de la viuda del poeta al ayuntamiento La Concejalía de Cultura santanderina destinará los fondos este mismo año al centro de Bellas Artes de la calle Rubio GUILLERMO BALBONA/SANTANDER Rafael Gutiérrez Colomer falleció el pasado año. / Más de tres mil volúmenes, en su mayoría obras poéticas y creaciones del campo visual y experimental, configuran la donación de la colección bibliográfica del poeta Rafael Gutiérrez Colomer, cedida por su viuda. Esta ingente y atractiva colección integrada por esas 3.000 obras, principalmente libros especializados en la denominada poesía visual y experimental, así como algunas carpetas de obra gráfica, pasará a formar parte de la futura biblioteca del Museo de Bellas Artes de Santander que la Concejalía de Cultura de ese ayuntamiento tiene previsto abrir este mismo año. César Torrellas, concejal de Cultura, aseguró ayer que la pinacoteca de la calle Rubio habilitará un nuevo espacio en la planta superior del Museo destinado a biblioteca, que estará restringida al uso y consulta de especialistas y profesionales del mundo del arte y la vida académica. La Concejalía espera que el proyecto se consolide durante este año de modo que el museo que dirige Salvador Carretero ofrezca este nuevo servicio con fondos principalmente vinculados al ámbito de la plástica y ahora enriquecidos con las obras de esta donación. Primeras ediciones, obras originales del arquitecto, pintor y poeta fallecido el pasado año, y de otros autores, autógrafos inéditos, creaciones experimentales, originales y grabados conforman la mayor parte de los fondos de esta colección donada a Santander. Fundador e impulsor del grupo Cuévano, -una de las experiencias poéticas más importantes de esta región-, Gutiérrez Colomer fallecido el pasado mes de septiembre creó 'La Draga', revista de divulgación cultural, y destacó como promotor altruista de multitud de espectáculos culturales, recitales y conferencias, y organizó las Jornadas de Arquitectura y Urbanismo, del año 1.978, y los Encuentros de Poesía Visual de Cantabria. Bohemio y libertario vocacional, activista cultural, a ese periplo creativo habría que sumar su extensa, profusa y prolífica aventura editorial, desde su primer libro publicado, 'Transido en el taller de la palabra', a 'Eros, Cronos y Tánatos', Premio Jose Luis Hidalgo; 'Oficio de Poeta', Premio José Luis Núñez; y 'Epica de mariposas', entre otros. Recientemente, la última entrega de la revista santanderina está dedicada a la memoria de Gutiérrez Colomer, de quien se publica 'Walden', un largo y emocionado poema inédito que el autor de 'Oficio de poeta' escribió en Madrid en el año 2000. | ||||||||
| Titulo | HOMENAJE A FELIPE BOSO | ||||||||
| Autor | REDACCIÓN | ||||||||
| Publicacion | LABCROM DI SOL | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | COMUNICADO DE PRENSA
LABCROM DI SOL PUBLICA “HOMENAJE A FELIPE BOSO” Tras su primer homenaje al poeta Guillem Viladot, el colectivo Labcrom di Sol publica ahora, en colaboración con la editorial madrileña Diógenes Internacional, un nuevo cuaderno en homenaje al poeta experimental y traductor español Felipe Boso, nacido en la localidad palentina de Villarramiel de Campos en 1924 y muerto en Alemania en 1983. En esta ocasión el cuaderno de homenaje cuenta con obras gráficas originales de Isabel Jover, Roberto Farona y Agustín Calvo. Como dice Roberto Farona en su introducción “Traemos a colación la persona de Felipe Boso en este número 2 de nuestros Homenajes porque él ha ejercido una indudable influencia sobre la creación poética española, bosquejando unas líneas de experimentación lingüísticas basadas en el concretismo que muchos en la actualidad han continuado, haciendo que la obra poética de Boso, pese a los años, se reciba siempre como un golpe de aire fresco que engolosina e impulsa la búsqueda creadora, un auténtico clásico de la literatura experimental española.” De esta manera Labcrom di Sol sigue su serie de homenajes encaminados a enfocar nuestra atención hacia poetas experimentales fundamentales de nuestra tradición contemporánea, no con la vana pretensión de popularizarlos, sino para reencontrarnos con sus experiencias enriquecedoras desde el punto de vista de la creación actual. Febrero 2006 | ||||||||
| Titulo | La Inmortalidad / Salvat-Pappaseit | ||||||||
| Autor | Sergi Pámies | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...Es un poema narrativo cargado de melancolía vital, muy propio de esas personas excepcionales que cuando no consiguen vencer los obstáculos más terribles (la muerte de una hija, una enfermedad, la propia muerte), los afrontan con una grandeza de espíritu que empequeñece el mundo que les rodea y que acompleja a los supervivientes. De eso hablan los poemas de Salvat-Papasseit: de la luz del puerto, de la potencia del amor, de la belleza de las chicas, de la fuerza de la esperanza (incluso de la esperanza injustificada). Las sonrientes luces de las que hablan las palabras inscritas sobre su lápida podrían acompañarse con inscripciones de sus textos más militantes. "Les dones entre sí s'odien més que no els homes entre sí. I, amb tot, no es fan tant mal". O con esta reflexión, tan apropiada para estos tiempos de manipulaciones y provocaciones fanáticas y respuestas reactivas: "Que aquells que no s'estimen es barallin mai no serà motiu perquè aquells que no s'odien s'hagin de barallar". Lay no hizo ningún comentario hasta que, en el momento de despedirnos, dijo: "Las tumbas deberían tener libro de visitas, como los de los entierros". "¿Tú qué habrías escrito?", le pregunté. Y en un catalán más que correcto, el ex turista belga sacó un libro de la cartera y recitó lo que escribió Salvat-Papasseit en julio de 1920: "Jo us invito, poetes, a que sigueu futurs, és a dir, immortals. A que canteu avui com el dia d'avui. Que no mediu els versos, ni els compteu amb els dits, ni els cobreu amb diners. Vivim sempre de nou. El demà és més bell sempre que el passat. I si voleu rimar, podeu rimar: però sigueu Poetes, Poetes amb majúscula: altius, valents, heroics i sobretot sincers"....//... | ||||||||
| Titulo | Jordi Erola | ||||||||
| Autor | Josep Maria Marsal | ||||||||
| Publicacion | Diari de Tarragona | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | En el pequeño espacio A.R.T., cuyo destino son los proyectos efímero, imposibles, absurdos o inacabados, se presenta el último trabajo de Jordi Erola que está basado en un solo gesto: arrugar una hoja de poriódico. Visionado en un video y acompañado por una fotografía manipulada conforman este proyectos que, por su simpleza, resulta genial.
J.M. Roselló, en cuyo estudio se encuentra A.R.T., entiende que este es el gesto-Dios, por cuanto un simple movimiento puede ser un acto de creación infinita. | ||||||||
| Titulo | POESIA VISUAL AVUI | ||||||||
| Autor | Joan Casellas | ||||||||
| Publicacion | Diari Avui | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | POESIA VISUAL AVUI
La col·lecció «Pont de Petroli» de l'editorial Edicions Fet a Mà (Badalona) acaba de publicar una interessant antologia de poesia visual recent als Països Catalans coordinada per J.M. Calleja. Calleja és un dels artistes catalans més reincidents i persistents en tot això de la poesia visual i les seves associacions (poesia d'acció, poema objecte, edicions d’artista i art correu) no sols com a poeta sinó com a estudiós i promotor de la mateixa. Vint-i-cinc anys separen la seva primera antologia de poesia experimental («17», edicions La Cloaca, Barcelona,1980, amb J.A. Sarmiento) de la que comentem ara, titulada «VI(r)US». Poesia concreta, experimental, visual, polipoesia o ciberpoesia, aquesta pràctica artística eixida del futurisme i dada continua «...un recorregut silent o potser fins i tot secret, però amb una vitalitat persistent», apunta Calleja. El motiu, doncs, d'aquesta nova antologia és mostrar aquesta vitalitat a través d'obres recents i inèdites dels autors vius mes recurrents en aquest mitjà. L'obra recull 64 obres de 32 autors ordenades cronològicament del més veterà, Albert Ràfols Casamada (1923), al més jove, Eduard Escoffet (1979). Totes les obres son del nou mil·lenni i un 75% del mateix 2005. Encara que la cosa dóna per a força més, la selecció i presentació són impecables, la introducció, la bibliografia i els currículums dels artistes aporten una informació breu però precisa i útil i sols ens sorprèn l’escassa participació de poetesses –només tres: Núria-Rosa Cabré, Isabel Jover i Nieves Salvador. En tot cas «VI(r)US» és una bona notícia dins el panorama de les arts intermèdia que ajuda a treure’s el mal regust de boca del tractament donat a la poesia visual en l'exposició “DESACUERDOS” (MACBA 2005), un “fiasco” institucional de difícil reparació. “VI(r)US” es presenta en forma d’exposició itinerant en diverses ciutats de Catalunya, entre les quals Badalona, a l’Espai Apunt; Girona, a La Llibreria, Barcelona, a la Galeria H2O, o a Mataró, a la llibreria Robafaves. Joan Casellas | ||||||||
| Titulo | LA CHARTREUSE, EL ARTE CONTEMPORANEO Y EL MAIL ART | ||||||||
| Autor | César Reglero | ||||||||
| Publicacion | Diari de Tarragona | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Como coordinador del Taller del Sol quiero mostrar mi total apoyo a la recién creada Plataforma Artística en pro de la Chartreuse para que además de ser sede de la Escuela Oficial de Idiomas, lo sea también del Centro de Creación Contemporánea de Tarragona (CCCT). Una vez dicho esto, y recordando que en la Plataforma están entidades tan importantes como la Asociación de Artes Visuales de Cataluña, Asociación de Críticos de Arte, el Archivo Roselló Tárraco, la Escola D´Art, el Museo de Arte Moderno, la Agrupación de Fotógrafos de España, el Tinglado nº2 y la propia Universidad (Departamento de Historia), cabe preguntarse que está pasando en nuestra ciudad con el arte contemporáneo para que todas estas entidades pongan el grito en el cielo por la escasa o nula atención que se presta a este tema en una ciudad que se supone que es Patrimonio de la Humanidad.
Una vez dicho esto, tengo la impresión de que la mayoría de políticos dudan seriamente sobre la conveniencia de que algo tan etéreo y volátil como es el arte contemporáneo, necesite de un espacio concreto y, en todo caso, dudan de que esto sea políticamente rentable ( dudan de los votos que les puede proporcionar este proyecto). Y así nos encontramos con que se junta el hambre con las ganas de comer. Es decir, por un lado, no saben bien que es esta cosa del arte contemporáneo, y por otro dudan de su rentabilidad. Conozco a muchos de los componentes de la Plataforma mencionada, y me consta que en su conjunto forman una fuerza poderosa capaz de lanzar hacia la modernidad artística una ciudad como Tarragona. Pero la mayoría de ellos se encuentran dando palos de ciego por cuanto no hay una estructura adecuada que les permita canalizar sus obras y sus proyectos. Pongamos un ejemplo práctico. El Taller del Sol, conjuntamente con otros colectivos de Tarragona (Músicos por la Paz, Tarragona Patrimoni de la Pau, Escola D´Art, Amnistía Internacional, Col.legi de Metges, etc), han desarrollado varias convocatorias de mail art en las que han participado miles de artistas de todo el mundo. Existe un Archivo-Museo en el que se conservan buena parte de estas obras, ¿Cuánto políticos en nuestra ciudad saben de estas muestras y cuántos saben de este archivo-museo? Debo aclarar una cosa, el mail art es el movimiento internacional más masivo que se conoce en la actualidad, es plenamente contemporáneo por cuanto se prima la creatividad y las ideas por encima de toda excelencia técnica, y se mueve ajeno a los circuitos comerciales, sin selecciones ni jurados; sin censuras y con todas las características que permiten el desarrollo pleno de la creación en su estado más puro. Para que se pueda entender mejor del porqué traigo a colación este tema y la relación con todo lo que venimos hablando, me voy a remontar a 1994, por entonces, y en plena guerra de los Valcanes, se organizó desde Tarragona la convocatoria “Sarajevo Ferida Oberta”, en la que participaron cerca de 800 artistas con más de 1200 obras y estuvieron representados artistas de 42 países, esta exposición fue itinerante en varios lugares de Cataluña y culminó con una muestra en Sarajevo: ¡La primera muestra de arte que habían visto desde que comenzó la guerra! Un acertijo para finalizar: ¿Creen que algún político tarraconense se dio por aludido? | ||||||||
| Titulo | Tres núvies per a la Chartreuse | ||||||||
| Autor | CARINA FILELLA | ||||||||
| Publicacion | EL PUNT | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | L'antiga fàbrica de licors Chartreuse (Tarragona)s'ha convertit en un bé cobejat per tres col·lectius: artistes, músics i estudiants d'idiomes. Els artistes, units des de dimarts en una plataforma, la reclamen com a seu per al futur centre de creació contemporània i l'Associació de Músics de Tarragona, com a equipament per a aquest col·lectiu. Però el desembre passat la Generalitat va fer un cop de puny a la taula i va dir que es tancava de totes totes el problema de la falta d'espai per a l'Escola Oficial d'Idiomes (EOI): la Chartreuse, un edifici de la seva propietat, serà la seu defintiva de l'escola. Aquesta decisió, que va ser rebuda com una clatellada per als altres dos col·lectius que festegen el local, ha desembocat ara en un cursa de fons per veure si un, dos o els tres col·lectius poden conviure a les mateixes instal·lacions de la Chartreuse.
Entre els diversos elements constructius i les zones enjardinades -qualificades com a zona verda i, per tant, sense possibilitat que s'hi construeixi- les instal·lacions de la Chartreuse tenen una superfície d'aproximadament 9.000 metres quadrats. Els seus orígens són una fàbrica de producció tèxtil a vapor que es va inaugurar el maig de 1857 amb el nom de La Fabril Tarraconense i amb una màquina de vapor de gran potència. Quan el novembre de 1882 els pares cartoixans la van adquirir, aquesta fàbrica ja havia estat convertida en destil·leria d'alcohol per l'últim llogater, Josep de Muller. Amb la crisi del petroli, el 1979, i els canvis de gustos del mercat, la producció dels cartoixans va entrar en un moment crític, que va acabar el 1990 amb la venda de l'edifici a la Generalitat de Catalunya. D'aquestes activitats, en queden ara diverses construccions. La principal és una gran nau de tres plantes -seu de la primitiva fàbrica tèxtil-, que disposa d'un suport de columnes de ferro fos en les dues primeres plantes i sense pilar a la tercera. També en queda la zona que estava dedicada a la producció del licor, formada per una sèrie d'edificacions annexes (l'àrea de Cultura creu que aquests espais es podrien museïtzar per mostrar com era el procés de producció del licor). I, a la zona de llevant, hi ha un magatzem i habitatges. Poden conviure l'EOI, el Centre de Creació Contemporània i l'espai per als músics en aquestes instal·lacions? L'equip d'arquitectes format per Pau Jansà, Albert Duch i Neus Fonollosa creuen que construir les aules necessàries per a l'EOI a l'interior de la nau central de la Chartreuse és malmetre un espai privilegiat. «No es pot trinxar un espai tan ampli i tan bonic per fer-hi aules a dins; és un edifici industrial com n'hi ha pocs a Tarragona», apunten. Aquests arquitectes són els autors d'un avantprojecte que van fer per encàrrec de l'Ajuntament de Tarragona per al Centre de Creació Contemporània. Per Pau Jansà, si s'aprofiten bé les construccions actuals ben bé hi poden conviure diferents activitats a la Chartreuse. Però no són partidaris que la nau central -de prop de 4.500 metres quadrats- es trossegi per fer-hi les aules de l'EOI. | ||||||||
| Titulo | Vi(r)us/Antologia de poesia visual catalana | ||||||||
| Autor | TERESA MÁRQUEZ | ||||||||
| Publicacion | El Punt | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual | ||||||||
| Sinopsis | «Vi(r)us» recull i propaga la primera antologia de poesia visual d'autors vius dels Països Catalans El volum, a cura de J.M. Calleja, reuneix obra recent de 32 creadors «Més de 50 anys separen l'autor més veterà del més jove, però tots dos demostren que la poesia visual és ben viva.» Amb el títol de Vi(r)us Edicions Fet a Mà ha publicat la primera antologia de poetes visuals dels Països Catalans. J.M. Calleja, l'encarregat de fer la tria, tan sols va posar dues condicions: que fossin vius i que mostressin obra recent. El llibre mostra creacions de 32 artistes entossudits a propagar, com el virus, una lectura feta pel gaudi dels ulls. La recerca inicial va donar com a fruit fins a una cinquantena d'autors, dels quals se n'han acabat triant 32 depenent tant de l'origen geogràfic del creador com de la varietat de la proposta. J.M. Calleja, un veterà en el món de la poesia visual, considera que l'obra és un reflex fidel de l'adaptació d'aquesta disciplina artística a l'evolució dels instruments per comunicar-se. «En el recull es troben tècniques tradicionals, com el collage, però hi ha una evident tendència cap al món de les noves tecnologies que, d'altra banda, obren encara més les possibilitats interpretatives», apunta. Així, el lector descobreix la poesia visual més lletrista d'Isabel Jover, Paco Pérez i Gustavo Vera, i la més gràfica de la mà de Dionís Orrit, Joan Puche i F. Xavier Forés. L'estructura del llibre el marca l'ordre de naixença «per evitar ferir susceptibilitats» i l'obre Albert Ràfols-Casamada. «Per què Vi(r)us? Pel plaer del joc interpretatiu. Tots són autors vius i tots demostren que la poesia visual es propaga igual que ho faria un virus comú», reflexiona J.M. Calleja. El poeta argumenta l'encesa defensa en la necessitat d'entrar en el joc «seriós» de la comunió entre imatge i lletra. «Aquests creadors provenen tant del món de la literatura com de la plàstica i convergeixen en una proposta que demana la implicació del lector/espectador», apunta. Així, en el món més visual de la poesia els objectes més quotidians esdevenen instruments de missatges ocults, amagats a la primera ullada i evidents i clars quan hom para atenció. «És com una descàrrega emocional i per aconseguir un bon poema visual cal molta feina i un bon coneixement dels instruments», assegura el poeta. Vi(r)us és el vuitè llibre que forma part de la col·lecció Pont de Petroli i aquest dijous es presentarà a la llibreria Robafaves de Mataró. L'obra ha passat o passarà també pels escenaris de Badalona -seu de l'editorial-, Barcelona, Girona, Terrassa, Sabadell i Lleida. Cada vegada, segons explica J.M. Calleja, la presentació va acompanyada d'una exposició d'una selecció de vint obres incloses en el volum. «És la millor manera de fer un tast del contingut», Participantes: A. Ràfols-Casamada, Andreu Terrades, Santi Pau Bertran, Gustavo Vega, Núria-Rosa Cabré, César Reglero, J. Brustenga-Etxauri, B. Ferrando, Xavier Canals, Isabel Jover, Josep Sou, J.M. Calleja, Paco Fanés, J.C. Beltrán, Donís Orrit,F.Fernández, Paco Pérez, Pep Segon, F. Xavier Forés, Salva Pérez, Pep Mita, Nieves Salvador, J. Badiella, A. Albalat, Joan Puche, Lluís Vilaseca, J-S. Leblond-Duniach, Sergi Quiñonero, Raül Gàlvez, Miquel Martínez, Daniel Montes y Eduard Escoffet. | ||||||||
| Titulo | El arte curativo de Joseph Beuys | ||||||||
| Autor | SANDRA ELLEGIERS | ||||||||
| Publicacion | BABELIA / El País | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | REPORTAJE
En el 20º aniversario de su muerte, el Kunst Palast de Düsseldorf analiza al artista más influyente de la posguerra alemana y su mirada sobre la capacidad curativa del arte. RECOGEMOS LOS PRINCIPALES FRAGMENTOS DEL ARTICULO La medicina homeopática no hace daño. Impulsa la autocuración del cuerpo que cualquiera puede influenciar si es que así lo desea. "Es algo que tiene mucho en común con el concepto del arte que tenía Beuys", ...//... ...//... Beuys estaba convencido del efecto terapéutico individual y social del arte. Este efecto afecta a todas las áreas de la enseñanza y de la vida y es capaz de germinar en cada una de ellas. El artista intentaba generar impulsos para dar cuerpo a su concepto universal de la "plástica social" mediante acciones e instalaciones. ...//... ...//... Beuys ya declaró que quería ser médico al terminar el colegio. ...//... "siempre tuvo un gran interés en la química, biología y medicina" y, pese a su propia enfermedad, le gustaba ayudar a las personas que se encontraban mal. Beuys proclamaba que "cada persona es un artista", y el hecho de que él mismo experimentara aquella curación durante la guerra, con la ayuda de personas que no eran médicos, le confirmaba su teoría de que cualquiera puede ser médico y todo eso junto liberaría al ser humano de sus heridas individuales y colectivas. Beuys no proponía otro mundo, según Von Wiese. Se limitaba a cuidar hasta el más mínimo detalle de sus obras y se dirigía directamente a la sociedad para activar su pensamiento....//... | ||||||||
| Titulo | Reglero entrevista a Roselló / Art Efimero | ||||||||
| Autor | César Reglero | ||||||||
| Publicacion | El Punt | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | FRAGMENTOS DE LA ENTREVISTA REALIZADA POR CESAR REGLERO A A J.M. ROSELLÓ REALIZADA EN EL LABORATORIO DE IDEAS DEL ESPACIO A.R.T. CON MOTIVO DE LA INAUGURACIÓN DE “LE CHIEN MÉCANIQUE DE ALEXANDRE AYXENDRI
El Espacio A.R.T. es, más que espacio expositivo, un cent | ||||||||