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ARTICULOS DE MAIL ART POESIA VISUAL Y ARTE EXPERIMENTAL |
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2007
| Titulo | Manuel Barrado / Poesía Experimental | ||||||||
| Autor | EAD | ||||||||
| Publicacion | Extremadura al Día | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
El Museo de Cáceres ha programado una variada oferta cultural para el próximo mes de enero en la que presenta distintas exposiciones e inaugura el XI Ciclo de Conferencias. Bajo el título "Por la Carretera de Sintra. Poesía experimental de Juan Manuel Barrado" se presenta la primera exposición temporal, que será inaugurada el día 11 de enero y permanecerá hasta el 6 de febrero. El autor, Juanma Barrado, además de haber realizado diversas exposiciones individuales, está presente en la panorámica "Poesía Visual en España (1964-2006)" y ha sido incluido en la reciente antología coordinada por Alfonso López, "Poesía Visual Española", de la editorial Calambur. Barrado ofrece una muestra heterogénea con collages, poemas y libros objeto, además de poesía discursiva y ensayos, y defiende la inexistencia del antagonismo en los géneros y territorios artísticos, así como la permanente actualidad del deseo de expresarse con las palabras en libertad. Organizada por la Consejería de Cultura y Turismo y el Gabinete de Iniciativas Transfronterizas, esta exposición tiene prevista su itinerancia a varias sedes portuguesas tras la clausura en Cáceres. Por otra parte, el 24 de enero se inaugurará otra de las exposiciones temporales del Museo de Cáceres: "Las Purificás. Fotografías de Sebastián Martín Ruano", que permanecerá hasta el 1 de marzo. A través de esta muestra, el autor reconoce y reivindica las fiestas populares que enriquecen Extremadura. En ella se muestra una selección de imágenes de distintos lugares donde se celebran las Candelas en febrero, para ofrecer un relato lineal de la fiesta: la procesión con las velas en torno a la iglesia, la llegada, la entrada en el templo, la purificación, las coplas o la presentación de los niños. Con esta propuesta Martín Ruano rinde un homenaje a los pueblos y las gentes que mantienen vivo este tesoro etnográfico, verdadero patrimonio de la humanidad; unas fiestas populares que, según el autor, son el alma de los pueblos. | ||||||||
| Titulo | Los mundos de JB-JB | ||||||||
| Autor | LOURDES DURÁN | ||||||||
| Publicacion | El Diario de Mallorca | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Los mundos de JB-JB pueblan el Centre Cultural Pelaires // El espacio acoge desde hoy ´El otro´ Joseph Beuys-Joan Brossa en un "diálogo" que enfatiza su "aspecto renovador"
Una de las instalaciones de Joan Brossa que se exponen en Pelaires. Foto: Sebastià Llompart. Desde Krefeld al barcelonés barrio de Sant Gervasi pudo haberse establecido una corriente sísmica en el mundo del arte. En la ciudad alemana llegó al mundo Joseph Beuys y con él, el aceite necesario para engrasar la dinamo del arte contemporáneo. En la ciudad catalana nació Joan Brossa, un forjador de magia que puso el arte patas arriba con sus constantes ironías. No se conocieron, ni hubo intentos. ¿Qué ha propiciado que el Centre Cultural Contemporani Pelaires proponga desde hoy un ensamblaje entre dos trayectorias que nunca se encontraron? "Creo que tenían mucho en común. Ambos fueron más allá en el mundo del arte contemporáneo", justificó Frederic Pinya, que admitió haber empleado dos años en poder poner en marcha una exposición que han bautizado El otro. Si bien la obra de Brossa es más conocida del aficionado mallorquín por haber sido protagonista de alguna importante individual en la Fundació Miró, la del forjador del Movimiento Fluxus se ha visto a cuenta gotas. En Pelaires, el fondo expositivo lo constituyen piezas de coleccionistas privados, incluidas algunas de propiedad de la galería. Prácticamente todas están a la venta. Ser artista Con este lema, Beuys bajó el arte del altar y le sirvió para relativizar su supuesta trascendencia. Para el artista alemán, toda obra era efímera. Salvado de una más que probable muerte, tras su accidente en avión, al ser rescatado por unos tártaros que gracias a la aplicación de grasa animal y la cubrición con fieltro le salvaron, estás materias le serían consustanciales a algunas de sus instalaciones. En la Pelaires se puede ver una conmovedora pieza con semejante sesgo. Agitador desde sus clases en la universidad, no escapó a la tentación de mejorar el mundo a través de la política al presentarse por Los Verdes en las elecciones al Parlamento Europeo. Con una liebre entabló conversaciones sin posible traducción. Y no precisamente una liebre surgía de la chistera creativa de Joan Brossa sino objetos encontrados que él reconvertía en poesía visual. Al igual que Beuys, fue un beligerante contra el sistema establecido. Los dos hicieron poesía con distintos mimbres, aunque el espíritu dadá anidó en ambos. Uno se sirvió de la distancia corta en pequeños objetos y el otro, en golpes de efecto como encerrarse veinticuatro horas en una caja de naranjas. "En mi opinión, hay un mensaje más allá de la broma", señaló Pinya. Por su parte, Pep Pinya, incidió en que "en las obras de ambos, a diferencia de la pintura, has de poner el cerebro en marcha". La muestra se inaugura hoy a las 20.00 horas en el Centre Cultural Contemporani Pelaires y estará abierta hasta marzo. | ||||||||
| Titulo | Poesia Visual para Miguel Hernandez | ||||||||
| Autor | M.T.B. | ||||||||
| Publicacion | Informacion | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
exposición Versos en imágenes para el poeta La UMH culmina su décimo aniversario con un homenaje a Miguel Hernández Treinta y siete artistas nacionales muestran su visión sobre la obra hernandiana Las artes plásticas y la literatura se han hermanado en la exposición con la que la Universidad Miguel Hernández de Elche (UMH) ha culminado sus actos de celebración del décimo aniversario. Treinta y siete artistas procedentes de todo el país han donado a esta muestra sus obras de poesía visual realizadas sobre la obra del poeta oriolano que da nombre a la institución académica. Con esta exhibición, la universidad ilicitana ha querido rendir homenaje a Miguel Hernández. Se trata del primer acto que dedicará al poeta de una serie de eventos que se organizarán en torno a su figura y obra en los próximos dos años, para conmemorar en 2010 el centenario de su nacimiento. La muestra Miguel Hernández, poeta refleja, desde una perspectiva actual, a través de imágenes, conceptos muy presentes en la obra hernandiana, como la ausencia, el don de la palabra, el amor y la muerte. Así lo destacó ayer en el acto de inauguración el comisario de la exposición, Josep Sou. La idea inicial fue organizar una exhibición «muy plural», invitando a poetas experimentales que realizaran en esta ocasión sus obras en blanco y negro, comentó. Carácter itinerante El resultado se puede ver en la sala de exposiciones del Edificio del Rectorado y Consejo Social del campus ilicitano hasta el próximo 6 de enero. En el acto de inauguración también estuvieron el vicerrector de Estudiantes y Extensión Universitaria, Fernando Borrás, y el director de la Fundación Cultural Miguel Hernández, Juan José Sánchez Balaguer. Ambos destacaron que la muestra tendrá un carácter itinerante por centros culturales y sociales e instituciones de la provincia y el país e incluso en el extranjero. Con este fin, se pedirá la colaboración del Instituto Cervantes, con el que la Fundación mantiene un convenio firmado, y no se descarta que uno de sus destinos sea su nueva sede. Los dos responsables quisieron resaltar también su intención de estrechar la colaboración que venían manteniendo de cara a los actos de homenaje que se organicen en torno a la figura y obra del poeta. Señalaron que la exposición es la primera iniciativa que emana de la propia Universidad y en la que ha participado la Fundación. Sánchez matizó que la UMH es miembro del patronato de la Fundación, por lo que ambas instituciones estarán en continuo contacto para organizar los actos que crean oportunos. Al margen de esta colaboración, la Miguel Hernández ya está trabajando en los nuevos proyectos de homenaje al poeta de cara a los dos próximos años. Sou anunció que la intención es que se utilicen los soportes tecnológicos, incluso el cinematográfico, para ahondar en el «espíritu hernandiano». Antes de iniciar las actividades por el centenario del nacimiento del poeta, la UMH concluirá el año de su décimo aniversario con dos actos. Uno de ellos tendrá lugar el sábado, a las 19 horas, en el salón de actos del Edificio Rectorado. Será un concierto a cargo del coro de la universidad. Mientras que el otro se celebrará el día 20, en el Gran Teatro, a las 20.30 horas. En esta ocasión el concierto será interpretado por la Orquesta Sinfónica Ciutat d'Elx. | ||||||||
| Titulo | Cañas / Poesia de Vanguardia | ||||||||
| Autor | M. Garcia | ||||||||
| Publicacion | Lanza Digital | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | La Escuela de Arte y Superior de Diseño, Antonio López, celebrará el próximo día 20 de diciembre a las 12 del mediodía, su fiesta creativa de fin de año, en la que se entregarán los premios correspondientes a los certámenes convocados y se abrirá una exposición de trabajos del Centro. Pero este año, además, los responsables de la biblioteca de la Escuela han organizado un ciclo de Conferencias, que inaugura el poeta, Dionisio Cañas, quien hablará de las “Posibilidades de la –mi- Poesía: De la Poesía Visual al Videopoema” y de la necesidad de experimentar y escudriñar y en la interminable gama de este género Literario.
En esta interesante conferencia, Cañas hablará al alumnado, de lo que ha ido pasando en la Poesía más experimental a nivel general, pasando por las vanguardias de los años 20 y 30 hasta la década de los 50 y de lo más actual, como es su propia experiencia. Así resaltó que “no es nada nuevo, puesto que llevamos más de un siglo de Poesía experimental, recordando como acaba de salir una Antología de la Poesía Visual española”. Y es que, “lo Poético está en todo, solo es cuestión de querer o poder verlo, y en el citado apartado la lírica juega con el aspecto histórico de las palabras, a la vez que con su sentido o fondo”. Por tanto el videopoema y otro tipo de formatos en los que ofrecer este género, son tan válidos como escribir un poema sobre papel o en el mismo ordenador. Dentro de lo que es la Poesía experimental, hablará también de la relación entre Cine y Poesía, que se extendió sobre todo desde 1920 a 1930; aunque en su opinión tenemos ejemplos aún mas recientes y cercanos, como pueda ser la obra del cineasta, Victor Erice, destacando “El Sol del Membrillo”, en el que se intentó captar el acto de la creación o esta en si misma, de manos de uno de los más geniales artistas de nuestro siglo, como es el pintor y escultor, Antonio López García y la sencillez incansable de su devenir cotidiano, centrado en aquella ocasión, en captar un instante de luz. Todo ello hasta lo que se viene haciendo actualmente en formato de video, “ya que las cámaras lo que han hecho es democratizar la posibilidad de captar pequeños fragmentos de la realidad y experimentar con la imagen-palabra y el sonido, para poder componer miles de posibilidades muy diferentes”. Y este es el lado rompedor, que significa no acomodarse y estar perpetuamente atento a todo lo que está pasando en el mundo; todo lo que avanza o se transforma. Igualmente, para Cañas, es fundamental el aspecto social, con el que se confiesa comprometido. “Lo que he hecho siempre con mi poesía –afirma- es una mezcla de vanguardia, poesía social y, romántica”. Y de hecho, además de lo rico e interesante que resulta el recorrido artístico de Cañas –inquieto, vivo, de calle y para todos-, no deja de lado la intimidad de los versos vertidos sobre papel. Así cabe recordar que está a punto de salir a la calle –febrero 2008- un nuevo título en su bibliografía poética: “Y Empezó a No Hablar….”, en el que se mezclan todas las tendencias, “ya que no quiero estancarme nunca”. Seguro que tanto el alumnado como el profesorado de la Escuela de Arte Y Superior de Diseño, disfrutan con la sabiduría y buen hacer de Dionisio Cañas, quien nació en nuestra ciudad, vivió posteriormente unos años en Francia, al ser hijo de emigrantes, y posteriormente se estableció en Nueva York, ejerciendo como profesor universitario de Literatura y mamando de todas la culturas. Recientemente y a raíz del 11-S, que vivió muy cerca al trabajar los últimos años en la Universidad de Manhattan, decidió regresar a su ciudad natal a intentar reencontrarse con la paz. De cualquier modo es el “eterno viajero”, que va de un lugar a otro ofreciendo sus creaciones , ideas , cursos y conferencias… o | ||||||||
| Titulo | Los Artistas Sonoros | ||||||||
| Autor | ÁNGEL ANTONIO RODRÍGUEZ | ||||||||
| Publicacion | El Comercio Digital | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | JOSÉ IGES
Ingeniero Industrial, doctor en Ciencias de la Información, compositor y artista intermedia. Ha colaborado con numerosos artistas y, desde 1989, presenta obras junto a Concha Jerez . Director del programa radiofónico 'Ars Sonora', simultanea la composición, la producción, la docencia y el comisariado de exposiciones. El conocido creador José Iges fue el protagonista de la conferencia del seminario 'Nuevos medios, otros ritmos y una escena' de AlNorte'06, en el Antiguo Instituto . La ponencia nos acercó a esta compleja disciplina que viene defendiendo desde hace treinta años. Ingeniero Industrial, doctor en Ciencias de la Información, compositor y artista intermedia, Iges se inició en estas prácticas en el Laboratorio ALEA de Madrid y posteriormente en la Universidad de Pau (Francia), entre 1977 y 1978, y siguió los cursos de Luis de Pablo en el Conservatorio Superior de Música de Madrid. Como compositor e instrumentista de 'live electronic' ha intervenido con distintos grupos y, desde 1989, colabora asiduamente con Concha Jerez, realizando instalaciones de gran formato y 'performances' por todo el mundo. Ha compuesto también obras para cintas y solistas y para obras escénicas. Su actividad está fuertemente marcada por la creación radiofónica, desde la dirección del programa 'Ars Sonora' en Radio Clásica de Radio Nacional de España. Ha recibido, entre otros, el 'Prix Italia de Radio' en 1991, con 'L'Escalier des Aveugles', de Luc Ferrari, y ha sido productor y codirector de eventos y encuentros, todos ellos en Madrid, como 'Ciudades Invisibles' (1992), 'Radio Horizontal' (1995) y 'Rivers & Bridges' (1996). Su trabajo se complementa con artículos, conferencias, cursos, talleres y comisariado de exposiciones. -¿Es posible resumir el sentido del arte sonoro? -Más allá de esa formulación historicista e incluso superada que es el arte sonoro yo prefiero hablar del arte realizado por artistas visuales en particular, o 'no músicos' en general. Yo prefiero decir que hay diferentes maneras de organizar el sonido en el tiempo y en el espacio. Y algunas de ellas son musicales y otras no. O lo que es lo mismo: que la música suele tener unos criterios e intenciones diferentes de los exhibidos en la poesía sonora, la instalación o el arte radiofónico a la hora de organizar el material sonoro.Es un híbrido y por eso no puede extraña que los autores que lo hemos venido realizando hayamos pertenecido al mundo literario, al tecnológico, al musical, al arte visual o a campos situados 'entre sillas' como la poesía experimental, el arte de acción o las prácticas intermedia. -¿De dónde recibe apoyo presupuestario el artista que decide aventurarse en estos territorios? -De instancias diversas: festivales de música contemporánea, electroacústica o experimental... así como de algunas emisoras públicas de radio centradas en la difusión de ese tipo de trabajos. La producción de obra intermedia sonora y visual, con un cierto aporte tecnológico, está casi reservada a acuerdos con centros públicos, como museos o centros culturales más o menos especializados en arte electrónico, con destino a exposiciones individuales o eventos específicos. También pueden darse a veces esas posibilidades con ocasión de grandes acontecimientos mediáticos, como la Expo o los Juegos Olímpicos. Si hablamos de España, hay algunas convocatorias de ayudas y subvenciones de administraciones públicas, sean el Estado, comunidades autónomas y ayuntamientos. Aunque no son muchos los casos, de todos modos. Y es difícil recibir dinero de la venta de obra a coleccionistas, sean públicos o privados. -¿Ha mejorado la situación internacional en este ámbito? -Pienso que la sensibilidad con respecto al arte sonoro, a las instalaciones, a la poesía sonora, al radio-arte... es tanto mayor cuanto más interés muestra la gente por la música y las artes visuales de nuestros días. Lo que quiere decir que en Centroeuropa hay artistas y más oportunidades en todos los sentidos. En Estados Unidos y en Japón también han venido existiendo iniciativas y artistas de gran interés internacional, pero en Europa yo me quedaría con Alemania y Austria como lugares en los que esas posibilidades se han venido manifestando con mayor intensidad; no olvidemos que el ZKM está en Karlsruhe y el Ars Acustica Center en Linz, ni que Berlín ha venido siendo durante varias décadas la ciudad europea por excelencia para las instalaciones sonoras. España ha entrado más tarde a ese mundo por muchas razones, y nuestros artistas pagan ese retraso con una mayor dificultad para imponer su trabajo. -Y en cuanto a dotación de medios y herramientas de trabajo ¿Qué necesita el artista intermedia? -Hacen falta centros de recursos, de producción de obra que utilicen nuevas tecnologías. No se puede creer a quienes dicen que esos lugares ya no son necesarios porque la tecnología informática se queda pronto obsoleta o porque mucha gente tiene en sus estudios de trabajo herramientas y equipos mejores que los de los centros públicos. El artista que empieza necesita que le muestren lo que se ha hecho y lo que se hace por ahí, que le formen en las nuevas posibilidades tecnológicas y que le apoyen tecnológica y económicamente para producir su obra. -Supongo que también es importante la creación de nuevos centros especializados. -La creación de centros especializados, tipo ZKM o Ars Electronica, sería un paso hacia una cierta madurez. En nuestro país hay un proyecto para Córdoba. Está también Laboral en Gijón (pero no es un centro de producción, al menos hasta ahora). Y lo que queda del proyecto primigenio de MediaLab Madrid y el aún poco definido Intermediae. Hay escasos ejemplos. Creo que la sociedad española y sus artistas hemos mostrado un interés más que maduro para que la situación mejore en ese terreno. | ||||||||
| Titulo | Poesía visual desde las celdas | ||||||||
| Autor | G. BALBONA | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte de accion | ||||||||
| Sinopsis |
PRIMERA FASE 'Concepción Arenal. Miradas de El Dueso: poesía visual desde las celdas'. Dirección: Antonio Montesino. Coordinación: Ramón Maruri. Lugar: Centro Penitenciario de El Dueso. 17 octubre-12 diciembre Organizan: Aula de Letras y La Ortiga. Colaboran: Dirección de El Dueso, Subdirección de Tratamiento, Consejería de Cultura y Obra Social de Caja Cantabria. Finaliza hoy la primera fase del programa impartido por el II Taller de Poesía Visual y Experimental de la UC, organizado por el Aula de Letras de la UC, que, bajo el nombre de "Concepción Arenal. Miradas de El Dueso: poesía visual desde las celdas", y bajo la dirección de Antonio Montesino y la coordinación de Ramón Maruri, se ha estado desarrollando en el Centro Penitenciario de El Dueso, desde el pasado mes de octubre con la estrecha colaboración de la dirección del centro, encabezada por Carlos Fonfría, y la subdirección de tratamiento, encabezada por Laura Pérez del Molino. A lo largo de estos casi dos meses, en el ámbito de este ciclo inicial, los doce integrantes del Taller han realizado una intensa y fructífera labor formativa y creativa, que ha permitido abordar el conocimiento y la ejecución de diversos técnicas y procedimientos experimentales que han dado lugar a numerosos trabajos enmarcados en la variedad tipológica del 'letrismo', la 'poesía concreta', el 'poema objeto', la 'poesía semiótica' o el "collage" y el fotomontaje. Una primera presencia significativa del Taller ha sido su decisiva intervención, junto a los agentes de Salud de El Dueso, en los actos que el pasado día 1, con motivo del 'Día mundial sobre el SIDA', fueron organizados en El Dueso. A propuesta de los miembros del Taller y dentro de su programa experimentalista, se confeccionó un díptico y un cartel, en los que se recogían los actos mas significativos del día. Igualmente se intervino en la preparación de un conjunto de «acciones poéticas», ajustadas a los objetivos y significados de la jornada «convertir la conmemoración internacional en un acto poético cargado de significaciones y metaforizaciones visuales». Tres acciones poéticas Los componentes de este II Taller de Poesía Visual, con la participación de numerosos internos, efectuaron diversas 'acciones poéticas'. El primero de los happenings, denominado «lazos enlazados», consistió en la creación de un gigante lazo rojo, representativo de la campaña antisida, formado por cientos de pequeños lazos encadenados, que fue colocado en la campa del centro. La segunda radicó en la suelta de centenares de globos de colores, concebidos como metáforas visuales del lazo-preservativo. Acto seguido, tuvo lugar un recital de músicas en directo que, bajo la denominación de «músicas sin partitura», contó con la intervención del acordeonista Jesús Martín, de un dúo flamenco:hermanos Barrul, que ejecutaron algunos de los 'palos' más representativos del cante flamenco. Justin Ibe y David Castigo, de origen nigeriano, interpretaron, acompañándose de los bongós, un breve repertorio de música étnica africana. Una muestra de cantos «rapeados» puso fin a esta parte del programa, que había sido precedida de la lectura de un manifiesto internacional antisida. La tercera, y última de las acciones poéticas llevadas a cabo en el interior de la institución penitenciaria, fue el happening denominado 'poesía visual para comer', consistente en la elaboración, en el «obrador» del centro, de más de quinientos panecillos-lazo, a cargo del miembro del taller, y panadero, Pedro Pindado. Este 'poema objeto', apto para comer, fue ofrecido a todos los internos del El Dueso. La emisión radiofónica del programa 'Abre la muralla', realizado por "Radio Encadena2' de El Dueso, bajo la coordinación de Georgi Vasilev, y emitido por Radio Santoña, complementó el intenso programa socio-cultural de la jornada. Exposición y publicación Los responsables del Taller y el conjunto de sus miembros trabajan en estos momentos en la preparación de una próxima exposición, 'Miradas del panóptico', prevista para el próximo día 19, así como en la edición de un libro-carpeta que, con el título 'Encriptaciones, 1', recogerá una breve selección de 12 fotomontajes, antologados por Antonio Montesino y Ramón Maruri. Estos primeros poemas visuales forman parte de un amplío repertorio de materiales obtenidos a partir de una de las prácticas programadas, consistente en la organización de una «deriva situacionista» realizada por diversas áreas del penal, en cuyo recorrido los integrantes del Taller recogieron más de 400 imágenes de objetos desechados, fragmentos de la arquitectura, huellas indiciales, etc., que han servido para concebir una nueva y representativa publicación de la serie «metagrafías». El nuevo libro-carpeta, que corresponde al número 4 de la colección, será editado durante la segunda quincena de este mes, bajo el patrocinio de la UC y servirá de base para la muestra. | ||||||||
| Titulo | |||||||||
| Autor | |||||||||
| Publicacion | |||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | HEHGEFWRF1RFQRQFFSSFWWT1FFFFDDFQW | ||||||||
| Titulo | Premio Poesia Experimental | ||||||||
| Autor | Marta Bravo /ead | ||||||||
| Publicacion | Extremadura al Dia | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
VI Premio de Poesia experimental en la Diputación de Badajoz La Diputación acoge una muestra con las 30 obras seleccionadas. La obra 'Sentimiento de culpa', de la madrileña residente en Sevilla, Claudia Quade Frau, ha ganado la VI edición del Premio de Poesía Experimental que organiza el Departamento de Publicaciones de la Diputación Provincial. Representativa del diseño gráfico, esta creación ha sido concebida como un guiño visual, una metáfora sobre la situación mundial producida por el petróleo. La ganadora, Quade Frau ya participó en el concurso del año pasado con la obra 'Pentagrama'. Premios Acto de presentación e inauguración de la muestra VI Premio de Poesía Experimental Acto de presentación e inauguración de la muestra VI Premio de Poesía Experimental La dotación del primer premio es de 2.000 euros. Los accésit han recaído en los poemas visuales 'Nudista', perteneciente al artista natural de Ciudad Real, Julián Santos Céspedes, y 'Tres quintetos' del barcelonés Ángel Moreta Martín. Representan, respectivamente, el arte objetual y conceptual. Ambos reciben 600 euros e integran la exposición y el catálogo editado en cada convocatoria junto con la obra ganadora y las seleccionadas. | ||||||||
| Titulo | - ES +, O VICEVERSA: GUSTAVO VEGA | ||||||||
| Autor | Carlota Caulfield | ||||||||
| Publicacion | AGULHA -Rev.Cultura Sâo Paulo, | ||||||||
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| Materia | Poesia visual | ||||||||
| Sinopsis |
- ES +, O VICEVERSA: GUSTAVO VEGA, ARTISTA, FILÓSOFO Y TEÓRICO DE LA POESIA VISUAL [entrevista] Carlota Caulfield . Gustavo Vega, leonés residente en Barcelona desde 1972, es uno de los máximos exponentes de la poesía visual en España. Está dedicado a la investigación teórica, docencia y práctica creativa en tres ámbitos: filosofía, poesía y artes plásticas. Tres disciplinas que Vega conjuga y que con frecuencia sintetiza en sus obras, procurando un perfecto ensamblaje de elementos literarios-poéticos y valores plásticos. Como artista plástico y poeta visual, ha expuesto individualmente en España, Argentina, Estados Unidos y Francia, y participado en más de un centenar de exposiciones colectivas. Vega es autor de Habitando Transparencias (Barcelona: Ámbito Literario, 1982), El placer de ser (Madrid: Ed. Endymion, 1997), Prólogo para un silencio (Barcelona: Colección Poéticas Interactivas, Ed. Zendrera Zariquiey, 2001), La frontera del infinito -método minimomaximalista- (Universidad de León, Colec. Palabra & Imagen, 2005) Plaça del Bonsuccés (Plaza del BuesSuceso) -Talleres de Creación Poética en Barcelona (Madrid: Ed. Libertarias, 1994), y de numerosas carpetas de poesía visual e interdisciplinaria: Al límite del instante, Teoría-81, 3x3=3, etc. Fundó y dirige el grupo Ex.Tensión Fonética y el Laboratorio de Investigaciones Poético-Fonéticas con quienes ha dado múltiples recitales en tierras catalanas. En el marco de su actividad docente, ha realizado seminarios, cursos y talleres de creación poética tanto en España como en América Latina. Durante años ha impartido cursos de Historia del Arte en la Universidad de Barcelona, así como de poesía visual en la Universidad de León y en otras instituciones. [C.C.] CC En el Preámbulo de tu libro La frontera del infinito -método minimomaximalista- (Universidad de León, 2005) presentas como fórmula de tu creación poético-visual el "- es +, o viceversa" ¿Podrías hablarnos sobre tu método? GV En primer lugar te diré que esta fórmula no es mi único método de creación. Es uno más de los diferentes recursos y métodos que he utilizado a lo largo de casi cuarenta años que llevo realizando poesía visual. Fue sobre todo durante 1984 cuando, después de haber visto varias exposiciones dedicadas al arte minimalista norteamericano, consideré la posibilidad de aplicar sus formas de hacer al ámbito creativo en el que yo estaba comprometido desde hacía varios años. En pocas palabras, el método por el que me preguntas, que consiste en añadir suprimiendo, se basa en tomar expresiones lingüísticas o elementos visuales -grafismos, formas plásticas…- ya realizadas con fines publicitarios, propagandísticos, informativos... y, despojándolas de aditamentos -lo que suele equivaler a reducirlas, a minimizarlas...-, en ocasiones simplemente a descontextualizarlas, descubrir la poesía que se oculta tras su prosa utilitaria. Se trata de dotarlas de una nueva dimensión, significación, la poética. CC ¿Qué influencia ha tenido en tu obra el arte minimalista norteamericano de Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd, Sol LeWitt y Robert Morris, por ejemplo? GV La obra minimalista de estos autores me inspiró el método que he denominado minimomaximalista, nada más. Esto ocurrió en torno al año 1984. CC Tu método implica, como tú mismo dices, una cierta "coincidencia oppositorum", unidad dialéctica de lo uno y de lo múltiple, conciliación de los contrarios... ¿Cuáles son tus coordenadas filosóficas en la elaboración de tu método creativo? GV Efectivamente implica una cierta "coincidencia oppositorum". Es una idea que ha llegado hasta nosotros implícita o explícitamente de la mano de pensadores del pasado como, por ejemplo, Nicolás de Cusa, Giordano Bruno, Leibniz e incluso el medieval Tomás de Aquino. Es una idea que tiene que ver con intuiciones profundas del ser humano materializadas a lo largo del mundo y de la historia en diferentes explicaciones míticas, figuraciones, como, por ejemplo, la figura de Ushas la "Aurora", "La Espléndida" en la India o la figura de Neftis en Egipto. El taoísmo considera un gran principio del universo en el que confluyen una serie de opuestos -la vida y la muerte, el bien y el mal, el todo y la nada- del que emanan otros contrapuestos, a la vez complementarios: el yin y el yang -la mujer y el hombre, la tierra y el cielo-. El hecho de hacer coincidir en nosotros mismos, de vivenciar, realidades polares como, por ejemplo, el "Yo-Tú", "Yo-Ello", el "Ser" y el "No-Ser", la necesidad de poner límites a nuestra existencia y, al mismo tiempo, la necesidad de romperlos, nos constituye como humanos. CC ¿Está tu minimalismo también relacionado con alguna forma de misticismo? GV Sí. Tanto la tradición Zen, tradición que intuyo más que conozco, como la mística occidental, concretamente la de San Juan de la Cruz, laten en el subsuelo de mi búsqueda, de mi creatividad poética. Hay una cierta coincidencia entre el reduccionismo minimalista que utilizo y el procurar la nitidez secreta de las cosas, de los seres, el decir esencial... el silencio. Vivimos enmarañados entre el sentido y su deconstrucción, siendo por ello que cada poema es un nodo, un enlace, de una red en la que nos hemos perdido añorando no sé qué... Añorando las pericias de la ternura, el país en el que los sueños sueñan, añoran. CC ¿Qué te llevó a la práctica de la poesía visual? GV Siendo joven, atraído por lo místico y lo religioso y, al mismo tiempo, comprometido internamente en el cambio social, me interesé por la Filosofía como respuesta a ciertos planteamientos teóricos, lo que me llevó a su estudio y posterior dedicación profesional. Al tiempo que estudiaba Filosofía, disfrutaba pintando, iba a clases de pintura. Ocurrió en un cierto momento, allá por 1976 o 1977, que intenté la síntesis de lo conceptual, de lo filosófico, con la expresión plástica que tanto me interesaba. Había en ello como un intento de plasmar lo complejo, los largos discursos de la Filosofía, en la instantaneidad de la mirada. CC Háblanos de tu estética poético-visual ¿Cuál ha sido tu trayectoria? GV Comencé con una particular forma de tendencia caligramática en la que había una gran presencia de plasticidad. Dado que me involucré en esta aventura con un total desconocimiento de cualquier tipo de tradición o realizaciones poético-visuales anteriores, eran obras muy particulares que no tenían nada que ver ni con las creaciones más históricas -antiguos tecnopecnias, carmina figurata, Figurengedicte, poesías figuradas, etc - ni con las vanguardias y neovanguardias del siglo XX. Posteriormente, ya con más conocimiento sobre otras realizaciones y autores, y muy en contacto con muchos de ellos, he desarrollado otras formas de hacer; una de ellas es, por ejemplo, la referida tendencia minimalista o, mejor como yo la he denominado, minimomaximalista. Como lo que he pretendido siempre es buscar formas de expresión para decir lo indecible, la poesía, utilizando cualquier técnica, material o método disponible, pronto trabajé con formas y modos diferentes. Unas veces, se trata de formas puramente textuales o en las que predomina el discurso textual y, otras, en las que el texto se reduce a lo mínimo o desaparece. Actualmente el Instituto Leonés de Cultura está catalogando mi obra según secciones de poesía ideográfica, caligrámática, letrista, concretista, espacialista, videopoesía, poemas tridimensionales -poema-objeto o poema-escultura, poema-instalación-, poema-acción, etc. Tal pluralidad de formas es consecuencia del hecho de que mis creaciones surgen de la necesidad de decir sin preocuparme, en el acto creativo, de qué tipo de forma estética han de inscribirse. Cualquier tecnología que domine o material disponible me es válido para la creatividad poética. CC ¿Qué importancia ha tenido en tu obra la vanguardia histórica, en particular el Futurismo Italiano, el Cubismo literario francés, y la poesía visual catalana de Josep-Maria Junoy y Joan Salvat-Papasseit, entre otros? GV Si cuando dices importancia estás pensando en influencia te diré que directamente ninguna. Indirectamente seguro que sí. A pesar de la deshumanización y del fascismo de los padres del Futurismo, las aportaciones de este movimiento y del Cubismo, y no podemos olvidar al Dadaísmo, están ahí, fueron radicales en su momento y hoy forman parte del aire artístico que respiramos muchos; en este sentido, somos deudores de ellas. Me interesa particularmente su simultaneísmo, el intento de presentar la "realidad" como es en realidad, simultáneamente... También sus indagaciones fonetistas, ruidistas, sonidos onomatopéyicos..., así como la idea de las palabras en libertad, invención de palabras..., y el dinamismo plástico..., o la creación como una realidad autónoma. Y muy particularmente el ímpetu renovador de todos los vanguardistas, el deseo de poner el lenguaje poético en consonancia con los tiempos, y que, tras su invención, lo veremos posteriormente como una ambición de los concretistas de los años cincuenta, experimentalistas de los años sesenta y de muchos otros creadores hasta nuestros días. En cambio la obra de Josep-Maria Junoy, Joan Salvat-Papasseit y demás futuristas catalanes, autores a los que tengo un gran respeto, son un dato histórico, pero creo que, por ahora, su influencia sobre los autores posteriores -y me refiero concretamente a los catalanes- ha sido mínima. Es posible que influyan sobre las próximas generaciones, las de los niños que ahora los estudian en las escuelas de Cataluña. CC ¿Podrías incluir a Marcel Duchamp, DADA, el Arte Conceptual, el Pop Art, el Arte Povera, y Fluxus como parte de tu postura artístico-reflexiva-conceptual? GV Estos movimientos y autores que me citas los considero a todos como parientes. Con todos ellos tengo algún punto de coincidencia aunque, también, muchos de divergencia. Me cuesta dilucidar sobre hasta qué punto me han influido. La cultura son vasos comunicantes en los que cualquier elemento de la realidad nos influye, pero es muy difícil decir cómo, cuándo y hasta qué punto. Sí, en cambio, puedo hablarte de concretas influencias sobre mi obra textual de poetas como Octavio Paz, mi paisano y amigo Antonio Gamoneda, San Juan de la Cruz, el haikú japonés... O, según la época, de pensadores que reflexionaron sobre el ser o la existencia humana, su condición, su espacialidad... como M.Mounier, Teilhard de Chardin, Ortega y Gasset, el existencialismo francés... o Heidegger, O. F. Bollnow, Gaston Bachelard y muchos otros. CC En los ochenta se produce en Cataluña un renovado interés por la poesía experimental que no ha cesado. Algunos críticos consideran que 1989 es un año fundamental en la historia de la poesía visual. Ramón Salvo organizó una importante exhibición de poesía experimental en ese año. También Estrella de Diego coordinó en New York la exhibición antológica "object poé (li) tic, the Spanish experimental poetry", y si entramos en los noventa vemos como en septiembre de 1992 la revista Mirall de Glaç publica un número especial, coordinado por J.M. Calleja, dedicado a la poesía visual, y la revista Valencia Factory, bajo la coordinación de Antonio Gómez, su número 11, a la poesía experimental. Y así hasta nuestros días. ¿Crees que el interés en la poesía visual se ha mantenido más vivo en Cataluña que en otras partes de España? GV Lo siento por algunos críticos, pero desde el punto de vista creativo yo no considero a 1989 como un año de particular interés. Considero más importantes los años del entorno de 1980, años en los que nos consolidamos individualmente algunos creadores de los que ya habíamos empezado en la década anterior y que somos los que nos hemos mantenido en décadas posteriores. En cuanto a exposiciones y publicaciones, se hicieron varias, a lo largo de los ochenta de no menor interés que las que citas, tanto individuales como colectivas. Y hay que remontarse hasta mediados o finales de los noventa que es cuando, gracias a una mayor facilidad para publicar, exponer y, sobre todo, a las nuevas tecnologías, se producen nuevas incorporaciones de creadores. Ya entrados los años 2000 se multiplica la gente que se interesa y que, aunque de forma esporádica, realiza algún tipo de poética visual, las más de las veces en relación con el auge de dichas nuevas tecnologías. CC ¿Cuáles son algunas de las exposiciones de poesía visual en las que has participado y que consideras fundamentales? GV No es fácil responderte a esta pregunta después de haber participado en casi doscientas exposiciones, y menos en pocas palabras. En cuanto a colectivas te puedo citar Concretismo-80 (Sevilla, 1980), que marca el comienzo de la década de los ochenta, y otra que nos sacó de las recias fronteras que teníamos entonces, Espace poètique experimental (París: Sala Goya, 1981). En la misma década se hicieron otras muchas de interés como, por ejemplo, Música-Poesia Visual. Notacions i connotacions catalanes (Barcelona: Fundación Miró, 1982), Poesía Experimental, Ara (Valencia, 1982). En el extranjero para mí fue muy importante el 7º Encuentro Internacional de Poesía Visual. Sonora y Experimental realizado en Buenos Aires, Argentina (Centro Cultural La Recoleta, 2004), donde conté con un espacio propio para 15 obras. Y también la III Bienal Internacional de Poesía Visual, Experimental y Alternativa de México (México, D.F. 1990) en cuyo cartel incluyeron un poema visual mío... Quiero destacar una que realizamos en Barcelona, 1981, entre cinco autores y que pasó desapercibida, Paraulaplaerpassió: 5 visions, pero que fue decisiva en la trayectoria de tres de los participantes, J.M.Calleja, J.M.Pezuela y yo mismo. Ya en los años 90, personalmente organicé varias con el título de Exposición Poesía/Plástica en el marco de las actividades de la Academia Iberoamericana de Poesía de Barcelona en las que participaron algunos de los más destacados poetas visuales. Quiero citar varias colectivas que he realizado con alumnos de mis diferentes talleres: Muestra de Poesía Visual: Talleres de Gustavo Vega (Barcelona: Ateneu Popular 9 Barris, 1996), Encuentro Poetas Visuais na Fisterra (Corcubión, A Coruña, 1999), Ver.Poesía (Barcelona: Casa Golferichs, 2006), etc. Y de exposiciones individuales para mí la más importante por el momento fue una antológica e itinerante organizada por CajaEspaña entre 1994 y 1995. CC ¿Cuál ha sido tu relación creativa con otras figuras relevantes o maestras de las artes y la poesía catalanas? Pienso en Guillem Viladot y Joan Brossa. GV Con Guillem Viladot tuve una gran relación de amistad. Por iniciativa suya me concedieron el Premio Lo Pardal en reconocimiento a mi trayectoria como poeta visual. Con Joan Brossa hablé varias ocasiones sin llegar a entablar una relación de amistad. CC ¿Colaboras regularmente con otros poetas visuales catalanes? GV El mundo catalán tiende a ser cerrado. A diferencia de otros lugares, una colaboración regular, de grupo, aquí parece que no es fácil que se produzca. No obstante, sí que se producen muchas esporádicas y suelen ser efectivas. De hecho, mi primera época se desarrolló en colaboración con Jordi Vallés y el grupo Ámbit de Poesia Visual de Universitat Nova, a finales de los años 70. Y posteriormente con otros como Viladot, Calleja, Pezuela... CC ¿Qué papel juegan las nuevas tecnologías en tu obra? GV Entiendo que el poeta ha de expresarse con todos los medios. Yo utilizo los más tradicionales: la propia oralidad y la poesía discursiva, así como formas visuales realizadas con medios tradicionales como la pintura, el grabado, la serigrafía... No obstante, dado que hoy contamos con otros recursos e instrumentos, las nuevas tecnologías, personalmente -sin descartar las antiguas formas- estoy interesado en lo más nuevo. Me encanta estar al corriente del último invento. En mi entorno fui de los primeros en comprar un ordenador cuando aún era una herramienta excepcional y muy cara. Procuro mezclar diferentes recursos, gran parte de mis poemas visuales actuales primero han sido elaborados con el ordenador y posteriormente pasados a serigrafía, pintura... o viceversa. Practico, por ejemplo, la video-poesía, la poesía fonética y otras modalidades basadas en la digitalización. CC Algunos críticos consideran que tu poesía está estrechamente ligada a la poética del silencio. Tus libros El placer de ser y Prólogo para un silencio son prueba de ello. GV Efectivamente. Hay en gran parte de mi obra una cierta tendencia al vacío, a lo que han llamado poética del silencio. Vacío o silencio que, aunque no siempre, puede ser lo mismo. El todo y la nada suelen coincidir, y el silencio suele ser lo más elocuente. Además del propio carácter personal, quizás esté influido en este aspecto por nuestros místicos del pasado, la filosofía oriental, Octavio Paz y otros. Me sumo a una cierta línea de trabajo en la que coinciden Mallarmé, el hai-ku japonés o, entre otros, la música de John Cage, o el pensamiento de María Zambrano que, desde la filosofía, introduce el tema en páginas inolvidables donde la reflexión sobre el silencio se convierte en materia poética. CC Tus ensayos de investigación en el campo de la poesía visual son necesaria y valiosa referencia para los estudiosos del tema. No creo que nadie pueda escribir sobre poesía experimental, visual o sonora española sin leerte. Durante años has investigado y escrito una obra en verdad enciclopédica, a la que titulas Poéticas de Creación Visual en España, 1970-1995. ¿Podrías hablar sobre esta importante obra? ¿Cuándo se publicará? GV Poéticas de Creación Visual en España, 1970-1995 es el título de mi tesis doctoral. En ella, en primer lugar, he comenzado por clarificar los conceptos y, también, la nomenclatura, a delimitar la temática e, incluso, a presentar una breve aproximación a la historia general de la creación poético-visual; es decir, el qué, el cuándo y cómo de la poesía visual. A continuación he presentado los precedentes del periodo estudiado, 1970-1995, en ámbito geográfico estudiado, España. Después procuré recopilar todas las realizaciones del periodo estudiado –exposiciones, publicaciones, actos..- y hacer una catalogación de las diferentes formas creativas. En esa catalogación he puesto de manifiesto las diferentes formas de creación que encontré, bajo la denominación de poéticas visuales texto-discursivas, poéticas icónicas: metáforas icónicas, poéticas mixtas: metáforas texto-icónicas, poemas tridimensionales, poesía-acción, video-poesía, etc. que se ramifican a su vez en otras. En total son casi tres mil páginas que me gustaría ver publicadas en forma de unos 12 libros diferentes. CC Tu labor docente y divulgativa te ha llevado a realizar cursos, talleres de creación y recitales no sólo en España, sino en Latino América, Italia y Francia. Hace algunos meses ofreciste talleres en Argentina, y en julio de 2006 fuiste uno de los artistas invitados al Festival de Poésie Voix de la Méditerranée (Voz del Mediterráneo) que se celebra en Lodève, Francia, y en el que realizaste performances y lecturas. ¿Me cuentas sobre estas experiencias? GV Llevo en la docencia desde 1974 y realizando presentaciones, conferencias y recitales desde 1976. En relación con la poesía –también he dado cursos y conferencias sobre Filosofía e Historia del Arte- quiero destacar el Taller de Poesía de Casp-25, Barcelona, que duró más de veinte años con alumnos de enseñanza media, posteriormente convertido en la asignatura Infografía-Poesía Visual, así como la asignatura Palabra e Imagen-Poesía Visual, impartida en la Universidad de León. Otros cursos dignos de mención son uno impartido en Buenos Aires, Argentina, coincidiendo con el 7º Encuentro Internacional de Poesía Visual, Sonora y Experimental, otro en el III Encuentro de Escritura Creativa -Vitoria: organizada por Universidad del País Vasco-, otros para profesores en Barcelona, en Torrelavega –Santander-, etc. Las conferencias y recitales son innumerables; a título de ejemplo te citaré lugares como el C.C. La Recoleta –Buenos Aires-, Colegio Mayor Universitario Ramon Llull -Universidad de Barcelona-, Universidad de Tarragona, de León, etc. Y respecto al Festival de Poésie Voix de la Méditerranée que me citas, según muchos el más importante de Francia, fue una experiencia extraordinaria en la que durante diez días conviví con poetas de 28 países en un enriquecedor intercambio de ideas, afectos y proyectos. CC También tu taller de la Plaça del Buensuccés es muy conocido en el mundo de la creación visual. He visto que tienes allí dos líneas de trabajo. Una exclusivamente literaria dedicada a la textualidad, y otra línea con una clara vocación de interdisciplinaridad. GV Efectivamente. Alternamos la poesía textual y la visual. Hemos trabajado diferentes modos y tendencias tanto de una como de la otra. La última temporada la hemos dedicado sobre todo al haiku con cuyo material hemos publicado ocho cuadernos y realizado varios recitales con proyecciones y poesía-acción. En lo que concierne a la poesía visual, entre otras modalidades, últimamente estamos trabajando mucho con poemas de base fotográfica, la fotografía como herramienta para hacer poesía. Cada época del taller es diferente, como diferentes son los participantes. Así, en el último año, ha sido contagioso el ímpetu creativo de uno de mis discípulos, Edu Barbero, que es fotógrafo y que ha contribuido a tal deriva. CC ¿Regresarás a la Argentina en 2007? ¿Tienes planes de ir a Brasil? ¿Tiene acaso fronteras tu universo visual? GV Tengo previsto ir a Argentina el próximo mes de julio. Me han invitado a un encuentro en la argentina ciudad de Córdoba y tengo pendiente volver a Buenos Aires a retomar varios proyectos. En Brasil he estado aunque no he tenido ninguna actividad como poeta visual. Si se me presenta la ocasión no tendría inconveniente en ir a un país tan atractivo. Y, respecto a la última pregunta, mi universo está lleno de fronteras, de limitaciones. Precisamente de la necesidad de romper límites, transgredir fronteras -espaciales, personales...-, nace el ímpetu creativo, la creación, o re-creación, poética. ..... Carlota Caulfield (Cuba, 1953). Poeta. Autora de libros como El tiempo es una mujer que espera (1986), A las puertas del papel con amoroso fuego (1996), e Book of the XXXIX Steps, a poetry game of discovery and imagination (CD-ROM, 1999). Contato: amach3@hotmail.com. Página ilustrada com obras do artista Gustavo Vega (Espanha). | ||||||||
| Titulo | POESIA VISUAL | ||||||||
| Autor | S.F UNC | ||||||||
| Publicacion | AL FILO -Facultad Filosofia y | ||||||||
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| Materia | Poesia visual | ||||||||
| Sinopsis | Galería de imágenes
Poesía visual Gustavo Vega, creador y estudioso de la poesía visual, participó recientemente en las segundas jornadas internacionales de Poesía y Experimentación: Expoesía, organizadas por la Escuela de Letras (FFyH) y la Secretaría de Extensión de la Facultad de Derecho y Ciencias Sociales, del 13 al 17 de agosto. El artista, durante su estadía en Córdoba, además presentó su último libro “La frontera del infinito”. Alfilo reproduce a continuación algunas de sus obras y un texto del autor. Trayectoria Gustavo Vega, destacado creador y estudioso de la Poesía Visual. Doctor en Filología Hispánica y Literatura –con Premio Extraordinario de la Universidad de Barcelona- y licenciado en Filosofía, su tesis doctoral se titula Poesía Visual en España, 1970-1995. Ha sido profesor de cursos y talleres sobre poesía –textual y visual-, además de Filosofía e Historia del Arte en diversos cursos universitarios de la Universidad de Barcelona, Universidad de León, en España y en Argentina. Como poeta visual, ha expuesto individualmente y participado en muestras colectivas en diferentes países. Es autor de libros de creación – Prólogo para un silencio, Habitando transparencias, El placer de ser, La frontera del infinito y otros-, antológicos y artículos. Ha participado en numerosas conferencias, recitales y acciones poéticas en diferentes países. Poética de Gustavo Vega Entiendo por poesía visual o, mejor, poéticas de creación visual, que es el término que he utilizado en mi tesis doctoral, como toda composición poética basada en recursos de tipo visual. Estos abarcan una amplia gama de procedimientos que van desde los que operan con materiales estrictamente lingüísticos –escritura- a formas de creación plástica y creación visual con nuevas tecnologías, cuyos elementos funcionan como referentes de carácter poético; siendo, en todo caso, esencial el hecho de ser poesía y de ser captables por los ojos. La creación poética, ya sea de carácter discursivo o visual, puede ser vista como una técnica –no es naturaleza, physis-, como un artificio o artilugio mediante el cual el ser humano “en situación” se enfrenta a una situación o circunstancia, a un mundo, que en un momento dado se le ofrece como absurdo, o como amenazante para su ser, como negación del yo, de su identidad personal o colectiva, como pérdida... de ser, de placer, de plenitud..., o también -lo que es lo mismo- como aburrido, sin interés. Se trata, en definitiva, de una técnica para afirmar la vida frente a la muerte –y hay muchas maneras de morirse: de pena, de aburrimiento, nostalgia, desamor... por falta de reconocimiento, etc.-, una terapia para elevar el nivel anímico –el “estado de yecto”- y evitar el decaimiento. Y, también, como una manera de divertirse, recrearse, de auto-recrearse –la dimensión lúdica es esencial al ser humano, el homo ludens-. Y, también, como un truco para ser más –ya sea ante sí mismo o ante los otros-. Y, también, o lo que es lo mismo, como un "ponerse ahí", una autoafirmación del hombre en la "espacialidad" que dice o que crea, o en la que es dicho, creado y re-creado, su "ser-de-palabra" en el tiempo. Y, cuando la creación poética es intensiva y no sólo un hecho aislado y circunstancial, puede considerarse como una técnica –recurso, arte, astucia, oficio...-, para la creación de un espacio personal poético como símbolo de identidad. | ||||||||
| Titulo | Gustavo Vega: poeta visual de visita por Monserrat | ||||||||
| Autor | Oscar Fortuna | ||||||||
| Publicacion | Montserrat Cultural de Buenos | ||||||||
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| Materia | Poesia visual | ||||||||
| Sinopsis | Gustavo Vega: poeta visual de visita por Monserrat
Por: Oscar Fortuna Poeta visual, profesor de letras y filósofo, Gustavo Vega cuenta con una vasta carrera como creador de un lenguaje intenso y complejo. Su poesía surge del silencio germinal y creador para llegar al silencio final que abre un paisaje donde la vida, el mundo y el amor son estaciones obligadas en el viaje; elementos que el poeta crea y recrea con sus poemas visuales cuyo poder de connotación -por eso es poesía y no otra cosa- es potente y singular. Como uno de los creadores más inquietos e innovadores de la poesía visual española, Gustavo es un punto de referencia, tanto por su propia obra como por sus trabajos de investigación teórica en el campo de lo que él denomina poéticas de creación visual. De tendencia natural a lo interdisciplinar -habitualmente se desenvuelve entre la filosofía, la poesía y las artes plásticas- Vega disfruta saltándose los límites de lo verbal, explorando las dimensiones del cuerpo de la escritura, al tiempo que experimenta las posibilidades de la materialidad plástica. Además se vale de una dilatada variedad de recursos y tecnologías; así, utiliza tanto métodos tradicionales -pintura, serigrafía...- como nuevas tecnologías -video, infografía, etc.- siempre con el espíritu inquieto y curioso de los que buscan nuevos horizontes. Haciendo de la emoción pensamiento y del pensamiento verso que emociona, Gustavo transciende cualquier presupuesto filosófico o teórico para disfrutar siendo poeta. Ser siendo y ser sintiendo; ser, a fin de cuentas, para exprimir lo común cotidiano y transformarlo en poema, en escritura, en gesto que completa el impulso. Tierno, irónico, trascendente o banal, el universo de Gustavo Vega es un mosaico de universos y de agujeros negros, de astros plagados de dioses y mitos que llenan los silencios con paisajes mentales siempre bellos. Para lograr esto Gustavo libera el idioma de imperativos académicos: rompe, aísla, estira... y disloca la frase para hacerla verso. La página, la palabra, la tipografía, la imagen y el hueco, orquestados, configuran un lenguaje nuevo, mucho más allá de las lindes semánticas de lo dicho, de lo escrito o de lo dibujado. Para saber más del poeta y sus obras, podés visitar su sitio web: www.gustavovega.com | ||||||||
| Titulo | RENÉ HEYVAERT (1929-1984) | ||||||||
| Autor | ANNE HEYVAERT | ||||||||
| Publicacion | ART NOTES Nº 17 | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Arte postal,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Se realiza una muestra homenaje a este artista belga, que se conoce por su obra de mail art entre otras formas de expresión (seguidor movimiento fluxus). Poco comprendido en su tiempo, es objeto del merecido reconocimiento y homenaje.
René Heyvaer es padre de ANNE HEYVAERT -artista-gravadora-, quien publica un artículo sobre esta exposición en la revista Art Notes nº 17. René Hervaert 1929-1984 -arquitecto-mail artista- Roger Raveel Museun (Machelen-Zulte-Belgica). Octubre-nov.2007 (remite/inserta: manoel bonabal) | ||||||||
| Titulo | Entrevista a Claudia Q. Frau | ||||||||
| Autor | Post-it de Amaya | ||||||||
| Publicacion | Todas / Bitacora | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Entrevista a Claudia Q. Frau, ganadora del VI Premio de Poesía Experimental
Conozcamos un poco más el trabajo de esta poeta visual y fotógrafa ;-) Me dedico a la fotografía profesionalmente. Vaya, que voy cargando la cámara todo el día allí a donde vaya, si no la llevo parece que me falta algo y pienso que me va a surgir el momento perfecto para hacer la foto perfecta,- y yo sin mi cámara!! Hola Claudia, lo primero, felicitarte por tu poema visual ganador del Premio de Poesía Experimental de Badajoz de este año ¿Era la segunda vez que te presentabas, no? Muchas gracias. Pues sí, era la segunda vez que me presentaba. El año pasado me seleccionaron una obra llamada “Pentagrama” (Os mando la imagen para que la veais). ¿Donde vives, Claudia? ¿qué edad tienes? ¿a qué te dedicas? Me acabo de mudar a Coria del Río, un pueblecito muy bonito a 8 km de Sevilla. Tengo 30 años. Me dedico a la fotografía profesionalmente. Vaya, que voy cargando la cámara todo el día allí a donde vaya, si no la llevo parece que me falta algo y pienso que me va a surgir el momento perfecto para hacer la foto perfecta,- y yo sin mi cámara!! ¿Cuando y cómo te iniciaste en la poesía experimental? Pues no sé cuando exactamente, creo que ya hacía poesía visual sin saberlo. Pues empecé a hacer mis primeros fotomontajes con la ampliadora en blanco y negro a los 16 años. Pero sí recuerdo que hace cinco años, cuando estudiaba fotografía, tuvimos como tema la “poesía visual” y que pensé: - a esto podría dedicar todos mis trabajos. Y aunque también hago fotografía de paisaje, retratos, social, etc. Y me encanta, pero con la poesía experimental puedo o intento expresar algo más. ¿Qué poetas citarías? ¿cuales son tus referencias? Mi gran referencia es Chema Madoz, es el que más me interesa, me gusta, me conmueve. Es claro, conciso, pulcro… Scott Mutter también me encanta. Joan Brossa, por supuesto. Los surrealistas en general pintores y fotógrafos (no sé si se les tiene como poetas visuales, pero para mi son una referencia). Christopher Gilbert, aunque se dedica a la fotografía publicitaria, creo que su lenguaje es la poesía visual. Y Duane Michals son, por citar algunos, los que más me gustan. De entre las mujeres poetas experimentales, ¿que autoras nos recomendarías seguir más de cerca? Julia Otxoa y Ángela Serna son algunas de las que podría nombrar. Aunque hay muchas y ojalá cada vez haya más. ¿Cómo interviene la informática en tus poemas? ¿Cual fue tu método de trabajo para realizar por ejemplo, tu poema ganador “Sentimiento de culpa“? "Sentimiento de culpa", de Claudia Quade FrauAunque no me es indispensable, sí recurro a ella con frecuencia. Me ayuda para llevar a cabo una idea. Antes hacía muchos montajes con la ampliadora, sándwiches, dobles exposiciones… Pero la verdad que los nuevos avances en el mundo digital me lo han puesto mucho más fácil y disfruto con ellos. Mi método para “Sentimiento de culpa” fue, después de tener la idea viajando en coche, hice una fotografía a una señal de tráfico, vectoricé con freehand y modifiqué el surtidor por la pistola poniéndosela en la “sien”. Claudia eres fotógrafa, ¿como mezclas ambas facetas? ¿Las separas? ¿Para ti son estilos distintos de expresión? No las separo, para mi la fotografía es mi método de expresión. ¿qué herramientas tecnológicas usas? Tengo una cámara Canon 30D con varios objetivos (50mm, tele 70-200mm, 17-85mm). Photoshop y Freehand son los programas que más utilizo. El escáner también me sirve para digitalizar fotografía analógica. Hablanos de tu bitácora, por favor ¿cuando la iniciaste? ¿que temas reúne? Tengo un blog que acabo de inaugurar de nuevo en el que básicamente lo que hago es colgar mis poemas visuales. http://claudiaquadefrau.blogspot.com ¿Como percibes la difusión de la poesía experimental en los blogs? Pues me parece muy buena, se hace un gran esfuerzo en varias páginas, que ayuda a mantenernos informados y en comunicación directa de todo lo que se hace en este campo. Recomiendanos tus lecturas online favoritas, por favor. En “Favoritos” tengo: • www.boek861.com • La Tzara • Web oficial del canal #poesía (irc-hispano) • ayto-penarroyapueblonuevo.org en la que se puede ver la revista “Veneno” que recoge trimestralmente ejemplos de poesía visual actual. y la vuestra, claro ;-) Futuros proyectos que quieras contarnos…. Pues tengo en mente hacer una exposición junto con Arturo Comas y “Absurdo y diestro” de fotografía surrealista. Muchas gracias! Gracias a ti! PARA VER LA ENTREVISTA CON IMAGENES Y OBRAS DE CLAUDIA, IR A: http://www.faq-mac.com/bitacoras/todas/?p=1696#more-1696 | ||||||||
| Titulo | Picabia, un artista caleidoscópico | ||||||||
| Autor | LOURDES DURÁN | ||||||||
| Publicacion | Diari de Mallorca | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Picabia, un artista caleidoscópico
La vanguardia fue ilustrativa de la época que la cobijó: dinámica, heterogénea, curiosa, inquieta, inconformista y experimental. Las artes plásticas, en aquel momento se las conocía como bellas artes, contaron entre sus protagonistas con artistas como Francis Picabia que, resume a la perfección, ese aspecto calidoscópico del periodo entre el final del XIX y hasta la primera mitad del XX. Pese a haber pasado etapas en España, sobre todo en Barcelona, pocas veces se ha expuesto su obra aquí. De esta manera la exposición Pintures i dibuixos que desde hoy se puede ver en la galería Kewenig es una oportunidad en toda regla. "La última vez que se vieron obras de Picabia fue en la Fundació Tàpies y en el IVAM en el 99", indicó Susana Malhali, representante de la galería alemana. Veintiocho obras, de ellas la mayoría dibujos aunque también se muestran cinco pinturas, son expresivas del ir y venir estilístico que conformó la esencia de un artista inclasificable. Destacan sus dibujos de tema español como el retrato de una manola, con la mantilla correspondiente, y el retrato de una mujer española, aderezada con peineta. Esta exposición, que se clausurará el 26 de enero, se corresponde a la política de la Kewenig de mantener dos líneas de trabajo: una la que muestra a clásicos, y la otra que opta por los artistas más contemporáneos y experimentales. Amigo de los Duchamp, en especial del precursor del arte conceptual, Marcel, Francis Picabia cultivó no sólo las artes plásticas, sino que fue un letra herido. Su afición literaria le llevó a editar revistas y a escribir textos de impronta dadaísta, muy cercanos al nihilismo. "La poesía, la pintura, tal como yo las he vivido, son una existencia voluntaria en medio del hielo, la búsqueda de todo aquello que ha sido proscrito por el orden establecido. Yo no rechazo un ideal, me limito a ponerme en guardia frente a él. En la afirmación de la vida, en la voluntad de vivir, ahí es donde he creído reconocer el hilo conductor que lleva al arte", escribió Picabia. El desencanto frente a la I Guerra Mundial y la necesidad de hacer al hombre nuevo, de inventar una vez más, se manifestaron en las artes de manera significativa, e incluso vehemente. Picabia nació de padre diplomático cubano y madre francesa que perdió cuando él tan sólo tenía 5 años. Nunca padeció apuros económicos; fueron otros sus lamentos, quizá los de quien apuró la vida hasta el máximo. Quizá, también por ello, se rindió a todas las plásticas, desde sus inicios impresionistas -guiado por Pissarro y Sisley- al fauvismo, cubismo, orfismo, dadaísmo hasta llegar a la abstracción al final de su vida en el 53. | ||||||||
| Titulo | Chema Madoz | ||||||||
| Autor | E. del Rio | ||||||||
| Publicacion | La Rioja | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | «La imagen es el lenguaje actual por excelencia»
Madoz reivindica el «entronque de la fotografía con la reflexión y el pensamiento» frente a cierta banalización propiciada por la tecnología «Recuerdo una anécdota de mi infancia El primer día de clase llegué tarde. Todos los demás niños estaban ya sentados alrededor de una mesa grande en la cocina, y no había espacio para mí. La profesora me dijo: No te preocupes, ahora mismo te preparamos un sitio. Y abrió la puerta del horno para que me sirviera de pupitre. Me senté en mi banqueta, con el cuaderno sobre la puerta abierta, mirando al interior negro del horno». Chema Madoz (Madrid, 1958, Premio Nacional de Fotografía 2000) cuece sus ideas siempre desde un punto de vista diferente y con un talante abierto. El maestro Henri Cartier Bresson buscaba 'el instante preciso', Madoz, un 'precioso distinto'. - Sus primeras exposiciones fueron en 1985, una de ellas en Logroño, en Cámara Oscura. ¿Lo recuerda? - Claro que lo recuerdo. Yo estaba empezando y aún no vivía de la fotografía. Dedicarte a ello cambia mucho las cosas. - ¿Hasta qué punto ha cambiado también la atención que la sociedad presta a la fotografía - Ha habido un cambio muy significativo. A mediados de los ochenta el interés era muy limitado y centrado en pequeños grupos, pero a principios de los noventa eso empezó a cambiar y actualmente la proyección social de la fotografía recupera ese estatus que debería haber tenido con anterioridad y que aquí, en España, nos ha costado un poquito más. Pero ahora nadie discute si la fotografía es arte o no. Es una manifestación más, una forma de entronque con la reflexión y el pensamiento. - En su caso, decir fotógrafo no es del todo justo, porque en su trabajo hay también escultura, poesía visual ¿Cree que artista, a secas, estaría mejor? - Fotógrafo es una etiqueta, sin más. Pero me es cómoda porque en definitiva lo que hago y lo que presento son fotografías. Claro que hay un discurso más amplio detrás que recoge muchas influencias. - ¿Brossa fue la mayor? - Tuvimos una relación tardía y de amistad. Me hubiera gustado conocerle antes, pero pudimos colaborar en un proyecto común cuando él estaba cosechando el reconocimiento que le había faltado a lo largo de su vida. - A usted no le falta el éxito, tan impostor como el fracaso. ¿Cuánto afecta eso al artista? - Es algo que te cae. Hay obras anteriores que pueden estar al nivel de la mía, pero que entonces no disfrutaban de este reconocimiento. Creo que es algo de lo que no hay que preocuparse excesivamente. Evidentemente todos deseamos que nuestro trabajo tenga trascendencia y una cierta complicidad con el público. Pero, en definitiva, el trabajo surge como una necesidad para cubrir tus propias expectativas. - Estamos saturados de imágenes. ¿Eso las banaliza? - No creo que haya saturación. Estamos en un momento de la historia que toda la comunicación se hace a través de las imágenes Es el lenguaje actual por excelencia y refleja un momento muy concreto. Es cierto que hoy todo el mundo tiene una cámara y hace fotos, pero yo creo que eso sólo enriquece las posibilidades. El tiempo es el que va cribando y dejando los discursos más o menos interesantes. - No es muy categórico - No mucho. - La modernidad y la tecnología nos aportan infinidad de herramientas, pero ¿y las ideas ? - Lo que hay, sin más, es un pequeño deslumbramiento por las posibilidades que ofrece una tecnología novedosa. Sí, hay muchas imágenes banales y absurdas que se recrean en esas posibilidades técnicas echando en falta un discurso más serio y reflexivo sobre lo que se está contando. Pero bueno - No es el caso de su obra, donde lo esencial son precisamente las ideas y el modo en que las expresa mediantea analogías, metáforas, metonimias visuales, paradojas ¿Sus fotos funcionan tan bien porque somos seres paradójicos? - En cierta medida sí. Esa paradoja convive en nuestro interior. El trabajo refleja una forma de ver y entender. No soy nada categórico, no. Tengo dudas, tengo infinidad de dudas y eso se refleja en el trabajo. El trabajo lo que hace es reivindicar esa posibilidad de reinterpretar a partir de unos mínimos elementos. - Como artista de su tiempo, ¿no siente la tentación de hacer más crítica social? - Mis imágenes responden a un impulso más intimista, pero depende de cómo se interpreten. Y sí hay que algunos casos: por ejemplo, una bandera hecha con una alambrada es algo que tiene mucho que ver con lo está pasando en nuestro mundo. | ||||||||
| Titulo | Guillem Viladot | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | La Mañana | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
La Mañana - Una exposición recupera la serie ’Cartrons concrets’ que Viladot realizó en 1968 Guillem Viladot fue uno de los primeros poetas experimentales que se vinculó a la poesía concreta. De hecho, la Petite Galerie de Lleida –uno de los centros artísticos de referencia en la Lleida de los años 70– dedicó una exposición a este género en 1971. Ahora, casi 40 años después, la delegación de Cultura de la Generalitat de Catalunya acoge la exposición Paraules en llibertat, els cartrons concrets de Guillem Viladot, una muestra impulsada por la Fundació Lo Pardal. La exposición que desde ayer se puede ver en Lleida divulga la importante aportación que realizó Viladot en el ámbito de la poesía concreta, una disciplina que difiere de la poesía visual. Fue en la Europa de 1953 cuando nació la poesía concreta, un intento de sobrepasar la idea de los caligramas e instaurar una poesía sin significado, de carácter abstracto y donde las letras y la forma tenían una gran importancia. La tradición de la poesía concreta que abrazó Guillem Viladot se vinculó también desde sus inicios al arte concreto y a su trasfondo formalista y abstracto El autor de Agramunt fue uno de los primeros poetas experimentales que se vinculó al ámbito de la poesía concreta. Al adoptar esta práctica de manera pionera, Viladot se convirtió en uno de los referentes de la poesía concreta de Catalunya y, por extensión, el Estado español. Su obra dio como resultado los Cartrons concrets que ahora se exhiben en Lleida, una serie que realizó en 1968 y que el autor publicó en alguno de sus libros sobre poesía, como T/47. La exposición, que estará abierta al público hasta el próximo 29 de noviembre, coincidirá también con la muestra sobre Josep Iglesias del Marquet que se podrá ver próximamente en el Museu Morera de Lleida. De hecho, Guillem Viladot e Iglesias del Marquet fueron dos de los nombres de referencia de este ámbito. Y es que junto a Joan Brossa formaron la primera generación de poetas visuales de la época de la posguerra. | ||||||||
| Titulo | Carlos Edmundo de Ory | ||||||||
| Autor | JESÚS RUIZ MANTILLA | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | CARLOS EDMUNDO DE ORY, FUNDADOR DEL POSTISMO, POETA MALDITO, SOÑADOR DADA, UN TRAGICO FELIZ, DEPOSITA SU LEGADO SECRETO EN EL INSTITUTO CERVANTES
Ajeno a la inquina, ajeno al rencor. Ajeno a la envidia, despectivo con la tristeza. Amigo de las mañanas, amigo de la risa, hermano de todas las luces, nadie sabe qué es lo que depositará hoy Carlos Edmundo de Ory (Cádiz, 1923) en su caja del Instituto Cervantes. Uno de sus aerolitos, quizás: "No se puede decir. El espacio es reducido, el tiempo relativo -sólo puede estar allí metido 15 años- y el objeto secreto", cuenta Ory, poeta maldito, soñador dadá, autoexpulsado de un país en el que sufrió, como recuerda, "la conspiración del silencio". "La revolución hoy la tenemos que hacer cada uno, sin utopías" Puede que en la caja deje un aire de ese sentido común hijo del surrealismo que le hizo fabricar algo como el postismo en plena posguerra. El mismo que hoy se puede identificar en él cuando contempla las flores de una mesa en un hotel con un sombrero en el que lleva atada una lagartija. También es posible que Carlos Edmundo de Ory deje hoy encerrada en la caja una de sus carcajadas de niño travieso. La risa fue siempre su quimera en mitad de tanto odio, de tanta derrota. "La risa es el sexo del alma", reza uno de sus aerolitos. "Claro, claro. Yo siempre me he definido como un trágico feliz. No soy pesimista, un pesimista es un maleducado", asegura. Puede que él se fuera de España porque la gente reía poco, pero no recuerda: "Tampoco lo creo, aquí tenemos a Don Quijote o a Quevedo, una maravilla, aunque su risa a veces sea amarga, soez, escabrosa. De todas maneras, ¿qué iba a hacer yo aquí, un tío que proclamaba: 'Soy un rey desterrado en un retrete?". A lo mejor mete bajo llave una lección de lo que él cree que es la poesía, recogida recientemente en la antología Música de lobo (Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores): "La poesía no es literatura, es habla, es prosa incluso. No deberíamos partirla en versos, quiero decir que la poesía no debe ser prosodia, ni retórica", cuenta. Lo dice quien detesta los oropeles, la fama, aunque le haga ilusión que sus poesías den lugar a foros más que animados en Internet, propios de un autor de culto. "Los poetas deberíamos ocultarnos. Da lo mismo. Los escritores, de todas formas, ya han desaparecido. Hoy entras en una librería y, ¿qué ves? Libros de futbolistas y de políticos". Hay quien sospecha que Carlos Edmundo de Ory, en el depósito del Instituto Cervantes, podría colocar en una esquina algo de su arrojo combativo. ¿Se acuerda del aerolito: Escritores, debéis elegir. El estilo o la revolución? ¿Usted con qué se quedó? "Con algo de los dos", afirma hoy. Sus embates se han ido moderando. "Cuando me levantaba y abría la ventana, solía decir: ¡Hola, camarada día! Ahora sólo saludo al día. Vienen a verme soldados del comandante Marcos, muy bien, me hace ilusión. Yo antes me negaba a ser feliz hasta que todo el mundo lo fuera, pero ahora me he dado cuenta de que mucha gente es que no quiere, rechaza la felicidad. La revolución, hoy, la tenemos que hacer cada uno, individualmente, sin utopías". UNA IDEA PARA ESPIÑLA España no, Espiña Para no dejar de mofarse de todo, para que no dejen de tildarle de hereje apátrida, Carlos Edmundo de Ory, poeta tan limpio como provocador, quiere terciar en eso de la letra del himno nacional. Nadie como él para desinflar las coartadas patrioteras. Nadie como este poeta guasón, cuyos versos han servido para hacer canciones a Luis Eduardo Aute o Fernando Polavieja para inventar unas consignas que nos ayuden a reírnos de nosotros mismos: "Cuando fundamos el postismo propusimos hasta un nuevo nombre para España. ¿Por qué no llamarla Espiña? Por cambiar", recuerda. "Sería muy bonito pasar a ser espiñol, ¿no cree?". Incluso propone una letra que resultaría de fábula para las dos Españas, perdón Espiñas. "Espiña, Espiña, que la envidia no sea tiña. / Yo te canto con mis entrañas, / por no decir mis entriñas". A ver qué dicen en la SGAE. | ||||||||
| Titulo | El arte es un negocio | ||||||||
| Autor | LOURDES DURÁN. PALMA. | ||||||||
| Publicacion | Diario de Mallorca | ||||||||
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| Materia | Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis |
Fernando Megías: ´El arte es sólo negocio y tiene mucho de cachondeo´// Lo suyo puede parecer una provocación, pero es la diversión lo que atrae a este artista desmitificador; lo muestra en la Xavier Fiol Una más que elocuente comparación: "Cuando hablan de alguien acuchillado, y aseguran que a partir de la treintava cuchillada es cuando se puede decir que el asesino se ensañó", sirve a su relator, Fernando Megías, para suscribir que "el arte es sólo negocio y tiene mucho de cachondeo". Objetos con palabras y palabras sin objetos no es paradoja. Es la invitación de quien bebe de la poesía visual y del povera para acercarnos a la galería Xavier Fiol, convertida desde este fin de semana pasado en la suma de contrastes. En espacio de ambigüedad. ""A mí las emociones me las provocan las cosas reales, no la sublimación", advierte con rostro muy serio quien se asume así, sólo que con las necesarias pizcas de humor. Si es de Groucho Marx y Woody Allen, mejor que mejor. Si en su anterior exposición, Megías se presentaba enmascarado con gafas negras y una gabardina, ahora lleva a un extremo una idea que defiende a capa y espada: "La galería de arte es un espacio de superstición". La suya en base a la convivencia de piezas que juegan a la levedad y a la gravedad -"el arte es un truco", apunta-, y a que "siempre que pienso en un espacio, lo veo como un lugar vacío en el que pasan cosas porque así lo provoco". Quiere aclarar, antes de que nadie se ponga místico, que al hablar de superstición se refiere a que "el arte no es religión laica, sino artesanía con talento". Como ya ocurriera en anteriores muestras de Fernando Megías, las frases dialogan con los objetos. "Palabras para la verdad, palabras para la mentira". Así una copa de vino queda al borde de una compacta estructura de hierro, o cuatro piezas férreas se hacen volanderas gracias a un juego que las hace levitar a escasos centímetros del suelo. La novedad, en esta individual, es el vídeo Palabras de un artista privado objeto de representación, realizado con Josep Feliu. "Hace tiempo que perseguía hacer un proyecto visual con imágenes que reproduzcan fragmentos de situaciones", comenta. En ese vídeo se incorporan algunas fotografías de Megías, muy en actitud dadá. | ||||||||
| Titulo | Pepe Buitrago | ||||||||
| Autor | Julio Cesar Vidal Abad | ||||||||
| Publicacion | Art 10 | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | De Pepe Buitrago, o de lo que queda por escribir.
La obra de Pepe Buitrago, pese a la heterogeneidad de los instrumentos, medios, técnicas, disciplinas, soportes y formatos en los que se ha venido corporizando en su dilatada trayectoria, desde la pintura al libro manipulado, del mail-art o la poesía visual al desarrollo genuino de procedimientos holográficos y creaciones videográficas, se encuentra asentada en poética tan sólida en su relevancia, tan profunda en su calado, como plural y leve (y aun fría) en su apariencia, nunca invasora, tajante, grosera, unívoca y definida de una vez para siempre. Sin embargo, y pese a la pluralidad de las técnicas y los medios empleados por este creador, el nombre de Pepe Buitrago (Tomelloso, Ciudad Real, 1954) ha de relacionarse con una práctica poco explotada por los artistas españoles contemporáneos: la holografía. El término holografía procede de dos vocablos de origen griego, “holo” (todo), y “grafía” (escritura). Holografía vendría a significar, de acuerdo a esta etimología, una suerte de “escritura del todo”, o bien “donde se ha escrito o escribe todo”. En realidad, como ocurre, por lo general, con los fenómenos del lenguaje, esta definición sólo puede ser tomada en consideración en un sentido metafórico o figurado. El procedimiento holográfico es una derivación de las técnicas fotográficas, particularmente próximo al fotograma, con la salvedad fundamental de precisar para su realización de luz láser. Sobre el material emulsionado se revelarán las interferencias entre ésta y la luz y un objeto, objeto que será el elemento que la holografía muestre con el conocido efecto tridimensional. Un elemento que ha interferido la luz por varias vías, no una única, tal y como ocurre en el fotograma y el revelado fotográfico tradicional. En la poética de Pepe Buitrago se afirma su posición en el mundo que pasa por la denuncia, a través de los cauces de un arte frágil, de los mecanismos opresivos que conducen al ser humano a su alienación. Existe en su dilatada trayectoria un objeto de representación predilecto: el ser humano. El ser humano en conflicto consigo mismo y con el otro, en una estrategia discursiva que remite a la incomunicación, al aislamiento o la pérdida de la individualidad, de la subjetividad, como una condena en el imperio del consumo, narcotizante del dolor. Si la obra de Buitrago constituye una suerte de espejo en el que se apela a la reflexión del espectador a través de su sensibilidad, en los últimos años, ha desarrollado entre sus diferentes temas un asunto que conduce casi abismalmente a una consideración sobre la evitabilidad de este exilio del ser humano respecto de sí mismo. Para ello, ha empleado una asentada tradición escultórica y arquitectónica, la representación de cuerpos humanos, tanto masculinos (atlantes), como femeninos (cariátides) como pilares de edificios. Como parte de varias instalaciones, Buitrago ha introducido en sus hologramas sendos frisos de atlantes que de modo explícito sugieren que se encuentran sustentando los elementos que se hallan sobre ellos. Así, por ejemplo, ocurre en una estructura casi arquitectónica, Sostenible-Insostenible (2006, instalación, 20 hologramas, 200 x 200 cm). En este trabajo, un friso de hologramas con el tema de los atlantes parece atravesar distintos paneles de madera que se cierran formando un habitáculo no practicable, pero cuyo interior puede observarse a través de los hologramas. La estructura, de naturaleza opresiva, remite a una reflexión sobre las figuras mismas que se representan: hombres que sustentan el mismo orden que les comprime, constriñe y encarcela. Un elemento fundamental de la obra de Buitrago, y que es afín al de otros creadores contemporáneos, es la simultaneidad del empleo de estéticas diferentes, lo que conduce a una suerte de esquizofrenia que parece conducir a la afirmación de un estadio calamitoso. Si las imágenes holográficas resultan para la mayoría de los espectadores una experiencia relativamente nueva, relacionada, en su contemplación o disfrute, con ficciones científicas ambientadas en un irregularmente probable futuro, una estética tecnológica aparentemente fría, Buitrago las inserta en elementos que forman parte de nuestra escena habitual, o incluso en elementos artesanales más propios de ámbitos rurales que habituales en lo urbano. Existe así una suerte de ruptura cronológica que derrumba las expectativas y provoca un vértigo emocional o discursivo que puede despertar mecanismos reflexivos. En una de sus más inquietantes obras, Espejo de un mundo sin salida (2002, escalera de madera y ocho hologramas, 240 x 43 cm), Buitrago ha empleado una escalera de mano de madera para introducir en sus huecos sendas hologramas en las que se aprecia, precisamente, a un hombre solitario que se halla en una escalera similar a la real, pero a diferente escala, y siempre incompleta. La indefinición del escenario y el imperioso silueteado de la figura y la escalera (la holografía sólo recorta formas, siluetas, incapaz de detallar texturas, cromatismos, etc.), ocultan a su espectador el sentido del movimiento de su protagonista. En su ascensión o bajada está sólo y no sabemos qué le espera o de qué huye, acaso inútilmente, si se toma en consideración el título de la obra. La indefinición de sus escenarios (podemos considerar el holograma como un escenario en el que ocupamos esa “cuarta pared”, donde se hallan las butacas) provoca que el espectador enfatice su preguntar, lo vivifique. Parece que Buitrago persigue con una obra proteica (desde la heterogeneidad de sus procedimientos hasta el hecho de que las imágenes holográficas dancen ante el espectador si éste se mueve y evoluciona frente a ellas), que el lector de sus trabajos se ciña o desconsuele ante su soledad, moviéndole a rellenar esos huecos, siempre móviles, indefinibles como nuestro propio deseo, fidelidad o cólera. En esa búsqueda que nos mece, todavía. Y en la que todo está aún por escribir. Recién llegado de Seúl, donde ha participado en una exposición colectiva (junto a, entre otros, Chema Gil y Ramón Moral-Abad), y donde ha hecho acopio de material videográfico documental sobre el que habrá de trabajar en un futuro próximo. Buitrago ha reencontrado recientemente su pasión por la imagen dinámica, cuya investigación había aparcado hace años. Destacadas son, en este sentido, dos producciones muy cercanas a las estrategias del fotodinamismo (aunque en imágenes estáticas) de Eadweard Muybridge, Reflejo simulado (2005, animación, 16 segundos) y Desde lo que no existe (2006, animación, 12 segundos), cuya complejidad técnica parece ofrecerse mediante un primitivismo emocionante. Las acciones nos muestran, respectivamente, al creador, autorretratado en diversos fotogramas que se encadenan secuencialmente, caminando en círculo sobre una estructura móvil y, pasando de parte a parte de una escalera de mano. El de Buitrago es un caminar anhelante, que pese a la apariencia de un cierto solipsismo, muestra sinceramente un compromiso poético de encuentro carente de atisbo alguno de exhibicionismo. Una muestra de modestia para un maestro del oficio. | ||||||||
| Titulo | Eduardo Scala / El Poema Edificio | ||||||||
| Autor | Diego Sanchez | ||||||||
| Publicacion | Madrid Diario | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental | ||||||||
| Sinopsis |
El Museo de Arte Contemporáneo de Madrid ha editado una nueva obra dentro de la colección de libros de artista 'Las cajas de Uruk'. Se trata de 'Poemas Edificios Madrid', de Eduardo Scala. Con este se alcanza ya el sexto de la colección, iniciada en 2002 con 'Ciudad Espacio Interior', de Juan Alberto García de Cubas Haga clic aquíEste miércoles la directora general de Archivos, Museos y Bibliotecas, Belén Martínez, presentó esta obra en un acto que contó con las intervenciones del filósofo, ensayista y escritor Ignacio Gómez de Liaño; el catedrático de Historia del Arte Juan Antonio Ramírez, el director del Museo, Eduardo Alaminos, y el artista Eduardo Scala. Cada libro de esta colección incluye varios ensayos a cargo de distintos especialistas que analizan el proyecto específico del autor y lo contextualizan en unas coordenadas históricas de mayor alcance. La edición de este 'Poemas Edificios Madrid', de Eduardo Scala, artista que roza con sus creaciones el misterio de la palabra y de la escritura, coincide además con su exposición 'Poesíarquitectura' que todavía puede visitarse hasta el 11 de noviembre. Tres obras fundamentales del artista La exposición 'Poesíarquitectura', producida íntegramente por el Museo de Arte Contemporáneo, mostraba tres obras fundamentales del artista: 'Nada', 'Templos' y 'Poe+ Edificios'. La palabra 'Nada' adquirió su forma visual mediante cuatro planchas verticales a escala humana de acero cortén con la palabra nada perforada en su base inferior, “reproducidas” en cartón, a modo de regalo recordatorio para el público asistente a la acción de 'La noche en blanco'. En 'Templos', Eduardo Scala planteaba una constelación de retratos que componen una especie de santuario profano de creadores como Juan Ramón Jiménez, Manuel de Falla, Manolo Millares, Miguel de Unamuno o César Vallejo cuyos nombres quedan inscritos en la verticalidad de esas láminas de papel horadadas por la hábil mano del chileno Pedro Núñez. 'Poe+ Edificios' reunía cinco proyectos (no realizados todavía) sobre Madrid que, excepto el llevado a cabo en el Congreso de los Diputados con la denominación 'Una palabra para la casa de la Palabra', realizado in situ dentro del programa también de 'La noche en blanco', fueron concebidos entre 1993 y 2006 en los que el artista ha plasmado un juego de relaciones especulares entre la palabra y las funciones originales, culturales o de “consumo cultural”, a que están destinados esos edificios (MNCARS, Biblioteca Nacional, FNAC, Conde Duque y Congreso de los Diputados). Caja-archivo Esta última obra 'Poe+ Edificios', es la que ha dado lugar a su transferencia en el libro de artista concebido, en esta ocasión, como una Caja-archivo que contiene, junto con los fotomontajes de las propuestas específicas de cada edificio, poemas, documentos y textos que revelan el proceso que ha seguido Eduardo Scala a lo largo del tiempo, en un formato que singulariza la propuestas emotivoconceptuales de Scala como una work in progress. Como viene siendo habitual en la edición de esta colección de libros de artista, acompañan a las imágenes dos excelentes textos escritos para la ocasión por el filósofo, ensayista y escritor Ignacio Gómez de Liaño y el catedrático de Historia del Arte Juan Antonio Ramírez, uno de los más relevantes historiadores de arte contemporáneo de España. | ||||||||
| Titulo | León Ferrari/ Premio en Venecia | ||||||||
| Autor | Manuel Toledo | ||||||||
| Publicacion | El Mundo | ||||||||
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| Materia | Poema objeto,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | León de Oro para León Ferrari
"La civilización occidental y cristiana" fue creada durante la Guerra de Vietnam. El artista argentino León Ferrari, de 87 años, ganó este miércoles el León de Oro de la Bienal de Venecia a la mejor obra de la Exposición Internacional. En el pabellón Arsenale, uno de los dos principales espacios expositivos de la bienal, se presenta su escultura "La civilización occidental y cristiana" (1965), junto a piezas de las series "Nunca más" (1995) y "L¿Osservatore Romano" (2001), entre otras. La primera consiste en una estatua policromada de Jesucristo, crucificado sobre un avión de combate estadounidense. Aunque fue creada en 1965, durante la Guerra de Vietnam, su inclusión en una muestra en la que hay varias obras relacionadas con conflictos más recientes, como el de la antigua Yugoslavia o el de Irak, le extiende su vigencia. El jurado dijo que Ferrari, de formación autodidacta, fue merecedor del León de Oro "no sólo por su actitud ética y su compromiso político, sino también por una relevancia estética contemporánea que es inesperada en una obra que abarca seis décadas". El jurado internacional, presidido por Manuel J. Borja-Villel, director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, señaló que las obras de Ferrari en el Arsenale son "apenas algunos ejemplos de una carrera larga y sustancial". Tanto el ejército como la iglesia católica de Argentina se molestaron por esta obra. "El artista ha mantenido una práctica crítica, en el contexto de una situación política y social con frecuencia antagónica", dijeron los jueces, en un comunicado. En su propio país, las obras de Ferrari han provocado reacciones encontradas. En 2005 la justicia argentina ordenó el cierre de una retrospectiva suya en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires, luego de que algunos grupos católicos protestaran. A sus críticos les había molestado el hecho de que Ferrari yuxtapusiera fotografías donde aparecen altos miembros de la iglesia católica argentina junto a la jefatura del gobierno militar que gobernó el país de 1976 a 1983, con otras imágenes similares de la Alemania nazi. En otras piezas Ferrari incluye páginas del diario oficial del Vaticano, L'Osservatore Romano, sobre las que coloca grabados que ilustran las atrocidades cometidas en nombre del Cristianismo. La guerra de Irak también está presente en una de las piezas de Ferrari. "No importa si el infierno es real o no, lo que importa es que está en la cabeza de la gente desde hace miles de años", ha dicho el artista. Según él, esto "es lo que ha provisto, y provee, de justificación para matar gente. Desde las Cruzadas, a la dictadura en nuestro país". En los collages que se exhiben en Venecia también hay referencias a la guerra de Irak y a los abusos llevados a cabo por soldados estadounidenses en la prisión de Abu Ghraib. La importancia de la obra de Ferrari en el arte contemporáneo internacional se vio reafirmada este año por el hecho de que fuera invitado a exponer en Documenta 12, en Kassel, Alemania. | ||||||||
| Titulo | Homenaje a Juan Hidalgo / ZAJ | ||||||||
| Autor | Redaccion | ||||||||
| Publicacion | Diario de Avisos Santa Cruz | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
El artista Juan Hidalgo será homenajeadocon dos conciertos en Las Palmas y Madrid El artista Juan Hidalgo (Las Palmas de Gran Canaria, 1927) recibirá mañana, día 17 de octubre, un homenaje de manos de la formación Ensemble Madrid con motivo de su octogésimo aniversario. El programa que incluye esta celebración está formado por las siguientes piezas del polifacético creador: Milanpiano (1959), Trío en sib (1948) y Cuarteto (1958). El concierto, programado para las 20.30 horas, en la sala de cámara del Auditorio Alfredo Kraus, cuenta con la organización del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria y la colaboración del Círculo de Bellas Artes de Madrid, que lo celebrará el martes 23 de octubre. El programa que interpretará esta formación incluye así mismo una pieza del compositor Arild Suárez, director artístico de Ensemble Madrid, Cuarteto nº5 (2001) y otra de Carlos Cruz de Castro, Fantasía (2003). Componentes Ensemble Madrid, integrado en este concierto por Alfonso Maribona (piano), Ane Matxain (violín), David Quiggle (viola), Jorge Banjul (violonchelo) y Mauro Rossi (violín), programa exclusivamente música de autores vivos con los que trabaja directamente. El autor Juan Hidalgo, músico, pintor y escultor, Medalla de Oro al Mérito de la Bellas Artes (1989), Premio Canarias de Bellas Artes e Interpretación (1987) y fundador del grupo de vanguardia ZAJ, otorga a su música un valor plástico y visual mediante la creación de piezas para piano en las que se incorporan elementos no sonoros, es decir, objetos que producen efectos visuales y de movimiento. Su primera formación fue musical, pero su interpretación abierta del hecho creativo lo convierte en un artista multimedia que se mueve libremente por el mundo de la música, la poesía y la plástica, a través de sus libros, escritos, composiciones musicales, arte postal, acciones y performances, arte objetual, acciones fotográficas, etc. Trayectoria A lo largo de su dilatada carrera, Juan Hidalgo ha protagonizado numerosas exposiciones individuales y colectivas. Su obra ha sido revisada en diversas muestras, entre las que cabe destacar: la retrospectiva ZAJ del Museo Reina Sofía de Madrid en 1996, la antológica De Juan Hidalgo de 1997 en el CAAM de Las Palmas de Gran Canaria y en La Recova de Santa Cruz de Tenerife y la retrospectiva En Medio del volcán, que viaja por México y Perú a lo largo del 2004. En 2006 formó parte del programa de la I Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias. La biografía de Juan Hidalgo está llena de primicias. Es el primer compositor español invitado a los míticos festivales de Darmstad, el primero en hacer una composición electroacústica, el fundador de ZAJ y el creador de los etcétera. Encarna el espíritu de la vanguardia, su afán por borrar los límites y ampliar los bordes de la creación. Su itinerario es singular, todo lo inaugura. Su obra nunca ha tenido una aceptación clamorosa. Sólo en los últimos años empieza a ser entendida y valorada, hasta entonces permanecía al margen de los circuitos artísticos. | ||||||||
| Titulo | Nuevas formas artísticas | ||||||||
| Autor | Vicente Luis Mora | ||||||||
| Publicacion | Diario de Cordoba | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Desde el siglo pasado, asistimos a una revolución en el arte de entender a las relaciones entre la literatura y la imagen, hasta entonces tiranizadas por el adagio "ut pictura poesis", proveniente de la época romana. Desde la poesía de Mallarmé a finales del XIX, pasando --ya en el XX-- por la revolución de las vanguardias históricas que supusieron un cambio total en el modo de concebir el "espacio" literario, y hasta las innovaciones creadas por la poesía visual, ya casi puramente plástica de un Joan Brossa a un Chema Madoz , la confusión de límites entre la poesía y el arte ha llegado a una casi total indistinguibilidad.
Como decía el poeta René Char , refiriéndose a la pasada centuria, "este siglo zanjó la existencia de nuestros dos espacios inmemoriales: el primero, el espacio íntimo donde jugaban nuestra imaginación y nuestros sentimientos; el segundo, el espacio circular, el del mundo concreto. Ambos eran inseparables. Subvertir uno equivalía a perturbar el otro". El arte contemporáneo (sin distinguir aquí arte plástico y arte escrito) ha terminado por juntar esos dos espacios, el íntimo y el exterior, el público y el privado, para lograr una inmanencia soldada en la que nada de lo humano es extraño a su contenido (ni, por supuesto, a su continente). Y, en último lugar, las nuevas tecnologías han venido a ocupar definitivamente ese espacio nuevo, para quedarse. El "net-art" o arte digital, aún en sus comienzos --y todavía sin un Picasso , sin un Matisse que llevarse a la boca-- supone un espacio virtual donde el texto y la imagen, el movimiento y lo estático, la plástica y el vídeo, coalescen y se muestran juntas sin el menor recato, haciéndose indiferentes. Proyectos como los de Mark Amerika o Zush no están a medio entre lo literario y lo plástico, sino muy por encima de ambas posibilidades. Sí, es cierto que sus obras quizá no nos entusiasman o emocionan tanto como las de Beckett o Bacon (disculpen que no diga Flaubert o Monet , va pasando el tiempo, y los modelos antiguos comienzan a ser... prehistóricos), pero hay en ellas un atisbo de esperanza, el color y el olor de lo nuevo, de la apertura, de la posibilidad. No les tengamos miedo. Sólo están haciendo más grande nuestra casa. * Escritor | ||||||||
| Titulo | la vanguardia | ||||||||
| Autor | Redaccion | ||||||||
| Publicacion | Hoy | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | El Vostell muestra obras emblemáticas de la creación lúdica en la vanguardia
La muestra incluye creaciones de Dalí, Duchamp, Manzoni u Orson Welles Podrá verse hasta el próximo mes de marzo El Vostell muestra obras emblemáticas de la creación lúdica en la vanguardia La famosa 'fuente' de Marcel Duchamp se expone por primera vez en España. 'NO VA MÁS' Artistas: Alighiero Boetti, Enzo Cucchi, Giuseppe Chiari, Gino De Dominicis, Willem De Ridder, Marcel Duchamp, Diamante Faraldo, Robert Filliou, Goldiechiari, Gutai (Akira Kanayama, Saburo Murakami, Shozo Shimamoto, Kazuo Shiraga, Atsuo Tanaka y Jiro Yoshihara), Allan Kaprow, George Maciunas, Piero Manzoni, Walter Marchetti, Aldo Mondino, Narcisa Monni, Charlotte Moorman, Luigi Ontani, Nam June Paik, Luca María Patella, Ben Patterson, Alberto Pinya, Mimmo Rotella, Takako Saito, Daniel Spoerri, Ben Vautier, Wolf Vostell.René Clair, Salvador Dalí / Orson Welles, Antonio D'Agostino, Paolo Canevari, Liliana Porter, Maria Pizzi, Adrian Tranquilli. Comisario: Achille Bonito Oliva (Italia). Promotor de la llamada "Transvanguardia y una de las figuras centrales de la crítica del arte e influyente personaje en el mundo de la creación internacional. Procedencia de las obras: Archivio Opera Piero Manzoni (Milán, Italia), Archivio Aldo Mondino (Turín, Italia), Fondazione Mudima (Milán. Italia), Ashiya Municipal Museum of Art (Ashiya, Japón), Levy Gallery (Bruselas, Bélgica), Museo Vostell Malpartida (Malpartida de Cáceres. España) y colecciones privadas de Milán (Italia), Reggio Emilia (Italia), Como (Italia), etc. Lugar: Museo Vostell Malpartida. Hasta el próximo mes de marzo. Carretera De Los Barruecos. Malpartida de Cáceres. www.museovostell.com. De la famosa fuente de Marcel Duchamp -que podrá verse por primera vez en España- a la latita de excrementos del italiano Piero Manzoni. El museo Vostell-Malpartida inaugura esta noche la exposición 'No va más', 'The gameŽs on', una importante muestra internacional que tiene como referente el juego en la creación contemporánea. Tal y como señala la nota emitida por el museo, lo lúdico siempre ha tenido una importante presencia en las vanguardias históricas, la neovanguardia y la transvanguardia, movimiento impulsado por el comisario de la muestra, Achille Bonito Oliva, una de las figuras centrales de la crítica de arte e influyente personaje en el mundo de la creación internacional. Las piezas proceden de colecciones privadas y museos de Italia mayoritariamente, aunque hay algunas cedidas desde Bélgica, Japón o España. Estará expuesta hasta el próximo mes de marzo. Se trata, según el museo, de piezas históricas que, junto a las de artistas emergentes, han tenido una gran influencia en la Historia del Arte. Pueden contemplarse instalaciones Fluxus y piezas de Gutai, la desmaterialización de De Dominicis y su carcajada y las poesías epistálticas de Rotella. El carácter multidisciplinar de la muestra queda especialmente patente en la sección 'Film y Juego', en donde se exhibirán desde piezas de René Clair, realizadas en los comienzos de la cinematografía, hasta obras de videoarte de Liliana Porter o María Pizzi de los últimos años pasando por otras de Salvador Dalí y Orson Welles de comienzos de los 70. Ofrece «una panorámica general de la desacralización temática, lingüistica y técnica como constante en el arte desde el siglo XX hasta la actualidad». El juego El juego, que fue protagonista en las 'versos libres' futuristas, en los 'object trouvé' dadaistas, en los 'cadavre exquis' surrealistas, también formó parte de las propuestas de las neovanguardias representadas por el cosmopolita grupo Fluxus y el oriental Gutai. Todos ellos fueron movimientos que se sucedieron desde la primera década hasta los años sesenta del pasado siglo XX, retomando su herencia creativa e ideológica en la segunda mitad de la centuria figuras más independientes de la talla de Piero Manzoni, Alighiero Boetti, Aldo Mondino, Luigi Ontani, Gino De Dominicis, Mimmo Rotella o Enzo Cucchi, así como algunos jóvenes artistas italianos de estos primeros años del nuevo milenio. Para la exposición, que se abre esta noche, se editará un catálogo de 160 páginas a color, con textos del comisario, entre otros. Durante el acto de hoy, y dentro del marco de las actividades que se desarrollan en toda Europa con motivo del 75 aniversario del nacimiento del artista alemán Wolf Vostell, se le rendirá un homenaje al artista fundador del Museo Vostell Malpartida con la puesta en escena de su concierto fluxus 'Romancero gitano', de 1979. | ||||||||
| Titulo | 200 libros de artistas catalanes | ||||||||
| Autor | ERNEST ALÓS | ||||||||
| Publicacion | El Periódico | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis |
Fráncfort expone 200 libros de artistas catalanes La historia del arte catalán en los últimos 40 años estará también presente en la Feria del Libro de Fráncfort, con grandes nombres como Miró, Tàpies, Dalí, Ràfols-Casamada, Cuixart, Tharrats, Josep Guinovart, Joan Ponç, Hernández Pijuan, Jaume Plensa, Frederic Amat, Antoni Llena, Joan-Pere Viladecans, Perejaume, Carlos Pazos... Pero sin cuadros, esculturas o montajes. Daniel Giralt-Miracle y Vicenç Altaió, comisarios de la muestra Visualkultur.cat, que se inauguró ayer en la ciudad alemana y es la principal aportación directa de la Conselleria de Cultura al programa del Institut Ramon Llull, han elegido los libros de artista y el trabajo de diseñadores punteros para explicar a través de ellos (más de 200) el último medio siglo de cultura visual en Catalunya. Muchas de las piezas expuestas en el Museo de Artes Aplicadas --según Altaió, el "museo madre, el prototipo, del Macba"-- corresponden a ediciones con tirajes reducidos cuya difusión fue mínima y de los cuales, en algunos casos, apenas había quedado rastro. "Ha sido necesario un largo trabajo de investigación y catalogación: con estos libros veremos una parte no escrita de la historia literaria y artística de Catalunya", apunta Altaió. Por ejemplo, según su opinión, no hay ninguna pintura pop realizada en Catalunya que supere el libro De oca a oca de Daniel Argimon, de 1969. "Aunque nos guste designarlos con el nombre de libros, mentalmente y estéticamente estamos hablando de arte puro", argumenta Daniel Giralt-Miracle. El recorrido de la exposición se divide en siete secciones. Memoria y vanguardia, se abre con la pervivencia de las vanguardias en las obras de Tàpies o Miró y el trabajo de Dau al Set; Cop de poma recupera el libro del mismo título, de 1963, en el que se unen la vanguardia artística de la preguerra y la política de la posguerra; En col.laboració sigue el rastro de la resistencia cultural, el arte pop, el arte conceptual y el posmodernismo a través de los libros en que colaboraron escritores y artistas visuales; Submergits está dedicado a publicaciones periódicas como Cave canis; Òperes, a volúmenes en los que se cruzan el diseño (sobre todo el generado a partir de la imagen de marca olímpica) y otras disciplinas artísticas, como en Transnarcís de Pau Riba, Saura y Torrente; y Gràfiques, que recoge el trabajo de las generaciones más recientes. El enfoque elegido también permite rastrear las sintonías literarias de muchos artistas. Tàpies colaboró con Brossa e ilustró textos de Llull; Guinovart de los poemas de García Lorca; Miró y Joan Ponç trabajaron con J. V. Foix; Dalí, consigo mismo --"es uno de los grandes escritores de la literatura catalana", argumenta Altaió--, Hernández Pijuan con Martí i Pol, Xavier Corberó con Cela, Perico Pastor con Quim Monzó... La exposición también pretende añadir un elemento a la presencia del sector editorial catalán en Fráncfort, rindiendo un homenaje al trabajo, en algunos casos casi artesanal, de editores como Polígrafa, Gaspar, Lelong, Raíña Lupa, Edicions de l'Eixample y Actar y de talleres como Filograf --donde el padre de Daniel Giralt-Miracle fue jefe de taller--, Barberà, Murtra y Tinta Invisible. | ||||||||
| Titulo | Vittorio Baccelli / Entrevista | ||||||||
| Autor | Flavia Piccinni | ||||||||
| Publicacion | Cultura e Spettacolo | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | “I veri artisti fuggono da Lucca"
Cultura e Spettacolo: Fatti & personaggi Gli incontri letterari continuano. Questa volta è il turno di Vittorio Baccelli, autore lucchese di letteratura fantastica, instancabile presidente dell'associazione culturale "Cesare Viviani" e coraggioso mailartista. Da Luther Blissett a La rivolta degli straccioni per arrivare a Lucca e alle sue contraddizioni. Una conversazione che è anche una denuncia: "A Lucca domina un conformismo generale". E i giovani? Com'è la situazione culturale a Lucca? Non buona, come d'altronde sempre è stata. E i veri artisti da Lucca fuggono, o sono costretti ad andarsene (Boccherini, Puccini, Pea, ecc.). Domina un conformismo generale, un appiattimento su vecchi valori, la creatività difetta assai, tutto si appiattisce in una normalità soporifera, che rifugge il nuovo e il creativo. Marinetti definirebbe la situazione lucchese, passatista, in mano ai passatisti. Il tutto aggravato da una sinistra cloroformizzante, che con il sostegno delle istituzioni (anch'esse reazionarie) ha ulteriormente appiattito ogni istanza culturale. Massoni che celebrano se stessi e si citano, si ricitano, si auto-osannano, si celebrano in centenari senza fine; pace, solidarietà, accoglienza, tolleranza, multiculturalismo, parole che sono divenute vuote o addirittura hanno ribaltato il loro reale significato quasi appartenessero al lessico del Socing orwelliano. Eppure malgrado tutto questo, a Lucca è sempre esistita una pattuglia minoritaria di pensatori, creativi, artisti, che sono riusciti a lanciare nuove mode, nuovi atteggiamenti sia comportamentali che di pensiero e fortunatamente hanno lasciato un segno: trai i tanti voglio citare i "cicisbei" boccheriniani, I Quattro di Lucca che portarono il jazz bianco a vette internazionali e, recentissimo, il gruppo Beatnick C.13 che ha tenuto contatti con la Pivano e con Russell ma anche con tutti i movimenti creativi del momento: situazionisti (Cesarano), pop artisti (Baj, Baratella), fumettisti (Max Capa), attori (Carmelo Bene), editori (Marcello Baraghini di Stampa Alternativa), musicisti (Guccini e il Perigeo), politici (Pannella) e altri ancora, ma tutto questo è ben documentato nel capitolo titolato C.13 del libro di Echaurren e Salaris "Controcultura in Italia" edito da Bollati e Boringhieri. Cesarano, Tommaso (Perigeo) e Baratella hanno abitato in lucchesia. Le letture su Lucca e di lucchesi che un "cittadino doc" dovrebbe conoscere? Arrigo Benedetti, Guglielmo Petroni, Enrico Pea, Augusto Mancini, Manara Valgimigli, Giuseppe Ardinghi, Salvatore Quasimodo, Giuseppe Ungaretti, Mario Tobino, Ardengo Soffici, tutti questi erano assidui frequentatori dell'antico Caffè Di Simo e un cittadino lucchese "doc", dovrebbe imparare a conoscerli attraverso i loro scritti e le loro opere. E poi per conoscere il vernacolo, Custer De Nobili e Cesare Viviani, Isa Belli Barsali per le ville lucchesi, Guglielmo Lera per la storia, Gabrielli Rosi e Paolo Fantozzi per le storie e le leggende... e come non conoscere Pascoli e Carducci? Abbiamo poi gli autori della Viviani, alcuni ormai noti anche a livello nazionale: gli scrittori Bartolomeo Di Monaco, Stelvio Mestrovich, Marco Vignolo Gargini, e Rossana Giorgi Consorti che miete successi nel giallo e i poeti Mario Lena, Giampaolo Giampaoli e il giovanissimo Stefano Lattari che recentemente si è cimentato con la tragedia. Senza dimenticare il vernacolo con Gavorchio e Raffaello Belli. Che cosa offre la città dal punto di vista culturale? Lucca Comics con le altre varie rassegne collegate, Summer Festival, le attività della Fondazione Ragghianti e la programmazione del Teatro del Giglio in città, Opera Barga e Barga Jazz nella Valle del Serchio, il Festival Pucciniano e la Versiliana in Versilia. Vi è poi una miriade di altre manifestazioni, d'ogni tipo ma sicuramente di livello inferiore. Che legame hai lei con la città? Vivo la città, giorno per giorno, ora per ora, la apprezzo, la ammiro, non smetto mai di conoscerla: sono cresciuto nelle sue strade, ogni aspetto della mia vita è sempre stato legato ad essa. Ma la città non è staccata dalla sua Provincia. Vivo pertanto in simbiosi con tutto il territorio, dai monti al mare. In passato sono stato anche amministratore (Farmacie Comunali) e spesso presente in liste senza però risultati esaltanti: 3000 voti al Senato nel 1996 è stata la mia più elevata performance (Lista Sgarbi-Pannella). Lucca per lei è fonte di ispirazione? A Lucca Comics (allora si chiamava "Salone dei Comics"), alla fine degli anni '70 nel corso di un'intervista nella quale gli si chiedeva perché non pubblicasse mai autori italiani e perché le storie di fantascienza non erano mai ambientate in Italia, Carlo Fruttero che all'epoca assieme a Lucentini era curatore d'Urania, per esprimere efficacemente il concetto che la fantascienza italiana mai avrebbe avuto la possibilità di competere con quella americana e, per proclamare una sorta d'incapacità congenita da parte degli scrittori italiani ad essere buoni autori di fantascienza, dichiarò pubblicamente che un disco volante avrebbe plausibilmente potuto atterrare a New York, a Londra, a Pechino, a Mosca, ma a Lucca mai! Fu così che in risposta a quanto affermato da Fruttero scrissi il racconto "Il furto" ove un disco volante atterrava proprio a Lucca! Questo racconto fu subito pubblicato da Bruno Baccelli su "Re Kong" e su "La rivolta degli straccioni" che allora editavo. Successivamente vide la luce su "L'anima delle cose" (di Baccelli e Bocconi, Tipografica Pistoiese, Pistoia 1980) ed ebbe pure una traduzione in inglese apparsa non ricordo dove. Venti anni dopo rimaneggiai il testo che assunse il titolo di "Fortuna" e apparve su le mie "Storie di fine millennio" (ed. Prospettiva, 2000 Civitavecchia) ristampate anche dall'OLFA di Ferrara e dal "Progetto Siderurgiko" di Rionero sempre nello stesso anno, e poi trasformate in un e-book ancora scaricabile da diversi siti in rete. Inoltre Fortuna, sempre nel 2000 apparve nella "Antologia di Autori Lucchesi", edita dalla "Cesare Viviani"e successivamente nella raccolta "Scaglie Dorate" (Nicola Calabria Editore, Patti 2003). Infine è apparsa su "Fantastica Lucca" (Nicola Calabria Editore, Patti 2006). Da ricordare che l'editore PERSEO LIBRI ha pubblicato un'antologia di autori italiani di sf dal titolo "A Lucca mai!" Comunque anche molti altri racconti da me scritti, hanno Lucca o come sfondo o come ambiente essenziale; in Eclisse (Edizioni della Mirandola, New York 2006) molti testi sono ambientati a Lucca e dintorni. Cosa consiglia ad un giovane scrittore che vuole emergere e farsi conoscere a Lucca? Frequentare la "Viviani", seguire i consigli che vengono dall'Associazione, iniziare a leggere i propri elaborati durante i pomeriggi mensili che dedichiamo alla lettura libera, poi spedire ad alcune riviste selezionate brani del proprio lavoro e pubblicare in internet. Valutando bene i consigli, se c'è un minimo di stoffa, qualche pubblicazione è assicurata ed è possibile evitare le case editrici a pagamento. Ha diretto numerose riviste, come il giornale underground "FUCK" e successivamente "La rivolta degli straccioni". Adesso è presidente dell'Associazione Cesare Viviani. Che cosa rappresenta per lei l'Associazione? E per Lucca? L'associazione letteraria "Cesare Viviani" è stata fondata nel 1992 dallo scrittore Bartolomeo Di Monaco e dallo stesso Cesare Viviani. All'inizio era un cenacolo d'amici scrittori, senza un nome, che editava una rivista dal titolo "Racconti e Poesie" di soli autori lucchesi, diffusa gratuitamente in alcune edicole e librerie della nostra Provincia. Iniziarono in quel primo periodo le presentazioni di libri e di autori alla Lucca Libri. Dopo la morte di Cesare Viviani, noto commediografo, poeta e scrittore vernacolare, l'associazione prese il suo nome. L'associazione nei suoi quindici anni di attività ha tenuto incontri letterari settimanali, ha bandito e collaborato a concorsi, ha svolto attività nelle scuole, ha pubblicato libri dei propri soci e nove antologie, ha collaborato con Enti e Associazioni al fine di mantener vivo il ricordo del vernacolo lucchese, delle tradizioni popolari del nostro territorio e di esser presente nell'elaborazione culturale, letteraria e poetica, nel panorama italiano. Oggi la Viviani è conosciuta in tutta Italia e numerosi sono gli autori che da altre regioni desiderano presentare le loro opere da noi. Dalla Lucca Libri all'Emeroteca, ad alcune stagioni presso l'antico caffè Di Simo, siamo oggi ospiti del Circolo Sportivo del Bridge di Lucca, sopra le Mura Urbane. Abbiamo ultimamente presentato opere e autori anche a Pisa, Porcari, Capannori, Ghivizzano, Bagni di Lucca, Calci, Calcinaia, Firenze, Milano, Montecarlo, ecc. e non dimentichiamoci Aix en Provence e Bruxelles ove il nostro Gavorchio ha portato sia l'associazione che il vernacolo lucchese. Pomeriggi di approfondimento sul Gruppo Beatnik C.13, su Dario Bellezza, su Pier Paolo Pasolini, su Giovanni Marini, su Carmelo Bene (che ha visto la presenza del Maestro Giani Luporini) sono stati segnalati dalla stampa nazionale. Nel 2005 abbiamo aperto una pagina web www.cesare-viviani.135.it dalla quale è possibile scaricare gratuitamente circa settanta libri in formato e-book dei nostri autori. Prima di me si sono susseguiti alla Presidenza: Bartolomeo Di Monaco e Claudio Villani. Tutti i mercoledì alle ore 17 presso la Casermetta Santa Maria delle Mura Urbane, ci ritroviamo per un pomeriggio letterario. Lei è attivo nel mondo dell'arte fin dagli anni 70. Cosa è cambiato a Lucca in quasi quarant'anni nel mondo dell'arte e della scrittura? A Lucca molto poco, i semi fondamentali erano già stati allora lanciati: Comics e Puccini. È in generale che si é visto il cambiamento, e questo è dovuto soprattutto ad internet. Io oggi come autore, metto in rete anche le bozze, e c'è chi in tempo reale, mi consiglia, mi corregge, mi aiuta. Il rapporto scrittore-lettore, è sempre esistito, ma oggi è accelerato come non mai. Ogni settimana ricevo sempre qualche e-mail di lettori che consigliano e criticano. E sono soprattutto le critiche quelle che servono a migliorare e a crescere. Il genere fantastico continua ad essere un genere di nicchia. La situazione lucchese non si differenzia molto da quella dell'intera penisola. Crede che negli ultimi anni ci sia stata un'inversione di tendenza? Che futuro c'è a Lucca per questo genere? Riguardo alla letteratura fantastica, non è che da noi esistano grandi spazi. Ma oggi non è possibile ragionare in termini localistici, il web è aperto a tutto il mondo. Ultimamente ho ripubblicato tutti i miei lavori con le Edizioni della Mirandola, la vendita avviene con la rete, la stampa è a New York e le spese postali d'invio contenute. La letteratura fantastica è un mercato di nicchia, e la piccola nicchia la troviamo anche nella nostra Provincia. Mi accontento! Lucca Comics ha ultimamente dato spazio a sceneggiatori di fantasy e alcuni libri di lucchesi girano per il Salone: è un inizio che può portare all'allargamento di quella nicchia di cui stiamo parlando. Ho letto che, a chi le chiedeva della sua esperienza nel mondo editoriale, rispondeva citando il grande poeta Dino Campana "Vo alla latrina e/Vomito (verità)./Letteratura italiana/Industria del cadavere/Si Salvi Chi Può." E' cambiato qualcosa? Cosa ne pensa delle realtà locali, come quelle presenti a Lucca? A livello nazionale. Case editrici a pagamento, riviste letterarie che pubblicano solo chi è abbonato con loro, altre riviste che vengono editate per proporre i lavori dell'editore che nessun'altro mai pubblicherebbe, altre che sono o ammuffite o illeggibili, concorsi con quote di partecipazione o di segreteria o di lettura o di qualsiasi altra cosa, purché l'autore esordiente paghi. Altre che accatastano tutto. Altre che basta pagare, da 50 euro in su, e uno ha attestati, pubblicazioni, premi, segnalazioni, fino alla segnalazione per il Nobel. Le grandi case editrici pubblicano soprattutto traduzioni o personaggi televisivi conosciuti al grande pubblico - il "personaggio" anche se con la penna non ci sa fare, poco male, ci sono sempre i correttori, i revisori, gli editorialisti e infine i ghost-scrittori. Con le traduzioni vanno sul sicuro, con i "personaggi" pure, è tutta una questione di soldi. Abbiamo poi le piccole case editrici, alcune serie e coraggiose, ma tarpate da una cattiva distribuzione. A livello locale. Concorsi da non concorrere. C'era il Premio Viareggio con Garboli. Ma Garboli è morto e le risse le abbiamo lette sui giornali. Abbiamo tipografie con le quali stampare a prezzi ragionevoli o piccole case editrici. Oggi con la stampa digitale il libro edito è a portata di tutti. Promuovere e vendere, è un altro discorso. Comunque grande, Campana. Che programmi ha lei per il futuro? Voglio fare una grande antologia di tutti i miei racconti già editi. Saranno circa trecento, e vorrei rivederli tutti raccolti in un unico volume. Vorrei inoltre ripetere una esperienza già vissuta a Lucca alla fine degli anni settanta fino a metà degli anni ottanta: avevo uno spazio culturale autogestito in via San Giorgio, il Bureau de l'Art. in questo spazio si susseguivano mostre di avanguardia: poesie visive, poesie oggetto, istallazioni, xerox art, FLUXUS, mail art, copy art... e anche performance. Il tutto è andato avanti con qualche articolo su riviste e giornali, con una sola volta che arrivò Rai 3, nella totale indifferenza cittadina. Eppure al Bureau furono visibili lavori di: Ruggero Maggi, Emilio Morandi, Texto Poetico, Mamablanca, Demos Ronchi, Enzo Minarelli, Flavio Ermini, Teatre du Silence, Giò Ferri, Vittore Baroni, Riosuke Choen, Eugenio Miccini... artisti insomma che abbiamo rivisto in Biennale. Queste le due cose che vorrei fare nel prossimo futuro e, che conoscendomi bene, sicuramente farò. | ||||||||
| Titulo | Accidents Polipoetics | ||||||||
| Autor | BELÉN GINART | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
"Existe una gran presión social para que alcancemos la felicidad, pero nadie nos explica en qué consiste". En torno a esta idea básica gira la nueva conferencia escénica de Accidents Polipoétics. Fe, esperanza y cha-cha-chá, el sexto espectáculo conjunto de Xavier Theros y Rafael Metlikovez, se representará del 3 al 14 de octubre en el teatro Tantarantana. El humor y la ironía vuelven a ser los ingredientes principales utilizados por el dúo, que en esta ocasión lanza sus dardos contra los manuales de autoayuda. La noticia en otros webs "Muy mal debemos de estar para que este tipo de libros sean los más vendidos". El diagnóstico lo ofrece Theros, en cuyas manos cayó casualmente un volumen del género; luego leyó algunos más, lo mismo que su compañero, y a partir del aprendizaje extraído se pusieron a escribir los textos del espectáculo. Según Theros, los libros de autoayuda remiten a "un mundo medio onírico, medio utópico, donde se habla de la felicidad como algo que debemos encontrar, algo así como si se tratara de un objeto de consumo". De su experiencia lectora deduce que las soluciones ofrecidas por este tipo de manuales pueden englobarse en dos categorías. La primera pertenece al terreno de "la obviedad" y la segunda habla de "recuperar rituales que parecen tener poderes mágicos" para conectarnos con nuestro interior. Aunque, eso sí, admite que para algunas personas pueden ser realmente útiles al provocar "un efecto placebo". Con toda la información y reflexión acumuladas, Theros y Metlikovez suben al escenario para tratar de encontrar una respuesta convincente a la pregunta de qué es la felicidad. Vestidos con la bata del científico, en primer lugar intentarán localizarla en el cuerpo humano, como si de una lección de anatomía se tratara. Progresivamente, la fe en la posibilidad de hallarla se transformará en esperanza, pero, contradiciendo la tercera de las virtudes teologales, no acabará en caridad, sino en cha-cha-chá ante la sensación de haber fracasado en el empeño. Aunque, eso sí, después de haber pasado un buen rato dando vueltas a conceptos como autoestima, empatía Fe, esperanza y cha-cha-chá destila la experiencia acumulada por Accidents Polipoètics en 16 años de trayectoria. Hay una afinidad plena ente los dos integrantes de la compañía. Han escrito a cuatro manos y ahora ya no sabrían distinguir a quién se le ocurrió cada réplica. "Como la gota malaya", en este tiempo su nombre se ha ido afianzando y ahora les resulta más sencillo hacerse un hueco en la cartelera con cada nueva propuesta. Eso sí, siguen sin considerarse actores, afirman que su fuerza está en la palabra, en los textos, y no quieren aprendérselos y recitarlos, sino leerlos al público. Por eso salen al escenario con sus respectivos atriles y continúan fieles a la definición de "conferencia escénica" para referirse a su trabajo. Aunque, por descontado, la experiencia les ha dado soltura y les ha permitido entrar en contacto con nuevos públicos. Han madurado e, inevitablemente, se han hecho mayores. "De modo que", explica Theros, "ahora ya empezamos a encontrarnos con espectadores que nos vieron por primera vez cuando eran críos, junto a sus padres". | ||||||||
| Titulo | Clara Janés | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Actualidad Terra | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...Asimismo, subrayó su vinculación con Avila a través de su último libro de poemas, 'Poesía Visual'
..//... premio letras 17-09-2007 Clara Janés obtiene el X Premio Nacional de las Letras Teresa de Avila La escritora Clara Janés (1940) fue galardonada hoy con el X Premio Nacional de las Letras 'Teresa de Avila', instituido por el Ayuntamiento de la capital abulense con el objetivo de reconocer la trayectoria literaria de un autor. El fallo fue dado a conocer por el alcalde de la ciudad, Miguel Angel García Nieto, que presidió un jurado integrado por Antonio Colinas, Antonio Piedra, Gonzalo Santonja, Olegario González de Cardedal, José María Muñoz Quirós, Luis Alberto de Cuenca y el sacerdote Tomás Alvarez, galardonado en la edición de 2006. Este premio, que será entregado a la escritora barcelonesa en un acto que tendrá lugar el próximo 13 de octubre en el Auditorio Municipal de San Francisco, está dotado con 10.000 euros, una escultura de Emilio Sánchez y la edición de un libro con la obra de la premiada. El portavoz del jurado, Antonio Colinas, se refirió a la galardonada como una 'grandísima escritora española' y una 'figura de primera fila', que escribe 'en varios géneros', si bien, dijo, 'sobre todo es poeta'. Señaló que hasta el momento ha publicado veinte libros de poemas, siete novelas, varios libros de cuentos y estudios biográficos, además de haberse distinguido como traductora, particularmente en lengua checa y de la obra de Vladimir Holan y Jaroslav Seifert. Esta labor le valió en el año 2000 la Medalla al Mérito de Primera Categoría de la República Checa por su labor como traductora y difusora de la literatura de aquel país. Colinas también hizo hincapié en el hecho de que Clara Janés haya 'dialogado con otras formas del arte como la música o la pintura', al realizar una biografía sobre Federico Mompou o interpretar las obras de Chillida y Brancusi, entre otros. Asimismo, subrayó su vinculación con Avila a través de su último libro de poemas, 'Poesía Visual', que fue editado en la capital abulense, así como por el libreto de la ópera 'Luz de oscura llama', que 'remite a San Juan de la Cruz'. Según el alcalde de la ciudad, la decisión del jurado, adoptada 'por unanimidad', resultó este año 'más fácil y rápida que otros'. Clara Janés se suma así a una extensa nómina premiados, de la que forman parte Antonio Piedra, Fernando Arrabal, Olegario González de Cardedal, Leopoldo de Luis, Jaime Siles, Juan Gelman, José Ignacio Tellechea, Gonzalo Santonja, Victoriano Crémer y Tomás Alvarez. | ||||||||
| Titulo | La poesía visual en Cataluña | ||||||||
| Autor | Gangi, Ariel | ||||||||
| Publicacion | DoDó, vida de artistas | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | www.dodovidadeartistas.blogspot.com
info@dodovidadeartistas.com.ar Diagonal Roque Sáenz Peña, 1142, 9º p. C1035AAT - Bs. As. ARG Aproximación a esta manifestación de vanguardia a través de un grupo de poetas sugeridos de la correspondencia entre la profesora Gloria Bordons y JM Calleja, como indica la introducción del trabajo, en donde se dan cita obra y poética de cada autor reseñado: JM Calleja, Ferrán Fernández, Jordi Badiella, Gustavo Vega, Brossa, y Sergi Quiñonero. Poetas diversos en busca del sentido de la comunicación, que para unos, como Calleja y Vega, implica una interiorización de sí mismo, en la que Fernández se expresa sobre la base de la ironía (afirma). Para Badiella, un poema tiene significado en sí mismo formal o estéticamente y para Quiñonero y Brustenga – Etxauri es una forma crítica de enfrentarse al mundo. El artículo ofrece citas de Brossa y dos poemas inéditos cedidos por la Fundació Brossa de la que Bordons es directiva. (RF) | ||||||||
| Titulo | Entrevista a JM Calleja | ||||||||
| Autor | Gangi, Ariel | ||||||||
| Publicacion | Esperando a Godot | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental | ||||||||
| Sinopsis | www.gosot.323.com.ar
revgodot@yahoo.com.ar Ramón Freire 3563, 1429 Bs As. ARG “La transgresión sólo es posible desde la autenticidad del poeta” Entrevista vía e-mail con el conocido artista catalán JM Calleja en donde recuerda los inicios de la poesía experimental en España desde Julio Campal aunque sin olvidar las figuras del área catalana en donde la actuación vanguardista se desarrolló sin muchos saltos temporales, en relación al resto de España, como demuestran al inicio del siglo XX las obras de Junoy, Sindreu, Salvat-Papasseit, pasando por Viladot, Iglesias del Marquet, Brossa, etc. hasta llegar a la actualidad más reciente. Calleja aborda su esmerada poética “el poeta debe interpretar la realidad con una mirada distinta e implicarse en el momento histórico en el que vive con todos los instrumentos a su alcance”, siendo para Calleja “la expresión de contemporaneidad (...) los elementos propios de una época y hoy día, debido a la globalización total en la que vivimos y con las nuevas tecnologías que disponemos (...), aprovechar esa información y esos recursos”. - RF | ||||||||
| Titulo | Rafael de Cozar | ||||||||
| Autor | Redaccion | ||||||||
| Publicacion | Europa Press | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
El escritor Rafael de Cózar asegura que 'el ámbito de la poesía visual no está de moda, ha existido siempre' El autor indica que "el mejor museo de poesía visual contemporánea es la Alhambra de Granada" El escritor Rafael de Cózar, que presentará hoy su ensayo '¿Vanguardia o tradición?' (Editorial Mergablum), junto al experto en vanguardias José María Barrera, aseguró, en declaraciones a Europa Press, que "los planteamientos de la literatura vanguardista guardan cierta relación con fórmulas literarias que han existido desde siempre". De este modo, el autor señaló que la publicación, que pretende servir de "complemento" al ensayo que ya De Cózar publicó en 1991 titulado 'Poesía e Imagen', ofrece una recopilación de trabajos, conferencias y artículos, algunos ya editados y otros "inéditos", desarrollados a lo largo de 20 años y que se encontraban muy dispersos en revistas y antologías de la época. "La crítica literaria del siglo XX --según apuntó-- ha sido mucho más tradicional de lo que se piensa". Además, manifestó que la literatura vanguardista "ha sido menospreciada a menudo con calificativos como extravagancias literarias, rarezas, juegos de ingenio o artificios formales, de manera que hay muchas antologías del Siglo de Oro que no recogen estas manifestaciones artísticas". Con respecto al interés que, en el ámbito literario, han mostrado los investigadores por la vanguardia en España, De Cózar indicó que, "prácticamente, hasta la implantación de la democracia no se ha afrontado el estudio de forma más sistemática, por parte de importantes figuras de la crítica como Carlos Bousoño o Víctor García de la Concha, entre otros". En este sentido, denunció que "tampoco los estudios sobre las últimas vanguardias --la llamada poesía experimental--, de la segunda mitad del siglo XX, ha tenido suficiente atención fuera de los propios creadores y, a la vez, especialistas en el tema". "Sin embargo --añadió--, desde los años 90, parece notarse un cambio en profundidad que anuncia el abandono de aquel visible conservadurismo que ha predominado a lo largo del siglo en relación a este tema". En la misma línea, el escritor argumentó que "en torno a la literatura de vanguardias existen dos teflones". De esta manera, De Cózar explicó que "en la primera mitad del siglo XX, época en la que las vanguardias se desarrollan, existe una marcada distinción entre lo que la tradición y la poesía experimental", de ahí que "la vanguardia adquiera un talante combativo". Por el contrario, según el autor de '¿Tradición o Vanguardia?', en la segunda mitad del siglo XX, "aunque dichas corrientes literarias encuentran ya su propio sentido, siguen utilizando fragmentos de la literatura tradicional". Asimismo, afirmó que "los poemas modernos podrían confundirse con los antiguos, tal y como se demuestra en el estudio". ACEPTACIÓN Y ESTÉTICA DE LAS VANGUARDIAS En el siglo XVII, según agregó, "la poesía de vanguardia tuvo mucho tratamiento, no obstante la exaltación de la estética neoclásica del XVIII llevó a su profundo rechazo". En este sentido, el escritor, defendió que "en el siglo IV d. c ya se hacen muchos de estos poemas laberínticos" y ejemplificó con "un tratado astronómico de dicho siglo, que fue convertido a verso en el siglo XI". El mejor museo de poesía visual o experimental, según el autor, "es la Alhambra de Granada, en la que confluyen la literatura, la escultura y la pintura, manifestaciones del arte que podrían competir con el panorama actual de vanguardias". En cuanto a la actualidad, asemejó la poesía visual con el grafitti que "no es más que un texto en imágenes que, habitualmente, encierra alguna protesta política". Rafael de Cózar (Tetuán, 1951), poeta, pintor y narrador, es doctor en Filología Hispánica y ejerce como profesor titular de Literatura Española en la Universidad de Sevilla. Así, entre otros premios, ha obtenido el 'Mario Vargas Llosa' de novela (Murcia, 1996) con la obra 'El corazón de los trapos'. Por otra parte, en su faceta investigadora ganó el Premio 'Ciudad de Sevilla' con 'Fundamentos históricos de la experimentación poética española', trabajo publicado bajo el título 'Poesía e Imagen' (Sevilla, 1991). | ||||||||
| Titulo | Agustín Calvo/ Joaquin Gomez | ||||||||
| Autor | Roberto Farona | ||||||||
| Publicacion | El tiempo de la palabra | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Poesia conceptual | ||||||||
| Sinopsis | Cartas de navegación/ Roberto Farona
ESCENIFICACIÓN DE LOS SIGNOS
EN LA OBRA DE AGUSTÍN CALVO Y JOAQUÍN GÓMEZ
http://www.danielcasado.com/web/inicio.htm
Farona analiza el estímulo metatextual latente en los dos últimos poemarios de Agustín Calvo y Joaquín Gómez, reflexionando sobre los principios creativos de sendos autores. RF | ||||||||
| Titulo | En el país de Alicia | ||||||||
| Autor | Angela Molina | ||||||||
| Publicacion | EL PAIS | ||||||||
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| Materia | Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | George Brecht y la contemplación - ÁNGELA MOLINA
Originalmente en ELPAIS.es La exposición de George Brecht en el Macba es la muestra más importante en Europa de un artista conceptual en el contexto de Fluxus desde 2003, año en que se exhibió, también en el museo barcelonés, la retrospectiva de Robert Filliou. Su valorización es mayor si la relacionamos con la desaparición, el pasado mes de abril, de Allan Kaprow (1927-2006), inventor del happening (artefacto pop, collage de movimientos, materiales y sonidos), con quien Brecht (nacido George MacDiarmid, 1926) y Robert Watts firmaron un manifiesto (1957) que anticipaba la dirección que tomaría la creación plástica en la siguiente década, al trascender la gran influencia que en ese momento tenía la Escuela de Nueva York en pos de un arte avanzado, de prácticas conceptuales radicales y multimedia. El Proyecto en múltiples dimensiones, suscrito en Nueva Jersey, comenzaba así: "En las artes, nos alcanza un sentimiento general de pérdida de las formas cerradas, estrictas y objetivas en favor de otras más íntimas, azarosas y abiertas, que apuntan a formatos accidentales, eternamente cambiantes y sin límites. En el campo de la música, se ha dirigido al uso de lo que en un tiempo se consideraba ruido; en la pintura y la escultura, a materiales que proceden de la industria y el cesto de los papeles: en la danza, hacia movimientos que no son 'gráciles', aunque proceden de la acción humana. Existe una gradual apertura de las posibilidades de la imaginación, y las personas creativas están abarcando en sus trabajos algo que nunca ha sido considerado arte". El manifiesto de Kaprow, Brecht y Watts fue el golpe de gracia al expresionismo abstracto y su idea mi(s)tificadora del "autor", ya que, como escribió Jean-Jacques Lebel a propósito de aquellas nuevas acciones materiales, teatrales y de mecánica de sonidos, "ya no existe el público, ni los artistas, exhibicionistas o espectadores, todos pueden cambiar su comportamiento según su propio deseo". George Brecht. Eventos apunta a aquel momento crucial de la historia del arte y al legado de Allan Kaprow, romántico, agitador, mentor de tantos artistas y motor de algunos de los movimientos que sucedieron a aquellos años, hasta hoy, cuando todavía la segunda oleada posdadaísta no ha sido capaz de autodestruirse por exceso de "institucionalización". "Multimedia en arte", confesaba Kaprow años después de aquel manifiesto, "era el espejo, la rima de cada momento de la vida, que siempre es 'multimedial" (hoy, la palabra sería relacional). Parte del espíritu antiautorial, pero sobre todo "antiautoritario", de la época dorada de los happenings y "eventos insólitos", entre 1955 y 1965, se muestra en esta, así dicha, "heterospectiva", si bien es posible que el visitante del Macba encuentre debilitado (por un exceso de vitrinaje) ese tipo de "acción directa" y azarosa que hizo del tiempo y el cambio la base de la obra brechtiana. Así, la escala del trabajo de George Brecht, que cobraba su auténtica dimensión en el modelo de la partitura musical -una crítica a la representación artística convencional y un gesto de profunda resistencia contra la alienación individual-, ha quedado finalmente constreñida a las dimensiones de una retrospectiva de museo. George Brecht fue un auténtico provocador de la contemplación, el artista que mejor supo llevar el ready-made al terreno de la acción. Se formó como químico investigador en Nueva Jersey, a finales de los cincuenta, lo que le permitió servirse de modelos científicos -al igual que Duchamp con Raymond Roussel- para reflexionar sobre cómo el arte podía ser el medio ideal para representar la experiencia. En 1957 escribió un ensayo de referencia, Chance-Imaginery (imágenes aleatorias), donde investigaba el papel del azar en los ámbitos de la ciencia y el arte de vanguardia y ponía de manifiesto su consideración por los proyectos dadaístas y surrealistas. Su correlato plástico fueron las Chance Paintings; dos de ellas están colgadas en la primera sala de la exposición. Brecht se refería a aquellas sábanas teñidas al azar como un tipo de "expresionismo abstracto corregido". Determinantes en su desarrollo como creador fueron las clases de "composición experimental" de John Cage. De él, Brecht aprendió el sentido de generar partituras musicales mediante procedimientos aleatorios y a apreciar el sonido del entorno como ready-made auditivo. En la muestra se pueden ver algunos testimonios de sus primeras "partituras evento" que estructuran el espacio y el tiempo de la obra para invitar al espectador a participar en ella. Pero no fue hasta 1959, con su primera exposición en la Reuben Gallery de Nueva York (Towards Events: An Arrangement) cuando Brecht comenzó a diseñar toda la imaginería que caracteriza hoy su trabajo, mediante un vocabulario basado en el ensamblaje y la combinación. En un primer impacto visual, estas primeras obras podrían ser una deriva de las de Joseph Cornell y Robert Rauschenberg; mas, a diferencia de ellos, Brecht no sublima la memoria, ni poetiza los objetos de uso diario como partes de una concepción general abstracta. Para él, la obra no era un objeto, sino un instrumento. En sus trabajos posteriores, insistió en el aspecto temporal y de participación (evento, arreglo): la partitura sugería la realización de un objeto; en otros casos, el objeto era descubierto y el artista escribía posteriormente una partitura para el mismo, poniendo de relieve la relación entre lenguaje y percepción (Chairs events, Contingent Publications). En palabras del artista, "para que los detalles de la vida cotidiana, las constelaciones aleatorias de objetos que nos rodean, dejasen de pasar inadvertidos". Esta base conceptual fue importante en el contexto alemán de Fluxus, donde las partituras radicales de Brecht y otros artistas de su círculo, como Dick Higgins, Alison Knowles, Ben Vautier o Emmett Williams, formaron parte de los conciertos de nueva música organizados por George Maciunas en Wiesbaden. La "heterospectiva" abarca también su época europea, a partir de 1965, cuando Brecht se traslada a Roma y después a Villefranche-sur-mer, para encontrarse con su compañero de Fluxus Robert Filliou y fundar su "taller de creación permanente", bautizado como "La Cédille qui sourit" (la cedilla que sonríe), un conjunto de objetos, cajas, libros, envíos postales y proyecciones que funcionan como imágenes "afectivas", llenas de humor y, a la vez, expresión de resistencia al sistema de galerías y museización de la obra de arte. La esencia última de la provocación brechtiana era que el visitante se preguntara qué está haciendo ese objeto ahí. | ||||||||
| Titulo | En el país de Alicia | ||||||||
| Autor | Javier Montes | ||||||||
| Publicacion | ABC | ||||||||
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| Materia | Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | No mucha gente sabe que el Atomium es un trabajo de Marcel Broodthaers. Por lo menos, una pequeña parte, y de la forma más literal posible. En 1957 el artista, como buen belga, se alistó voluntario en las obras de construcción del edificio-emblema de la Exposición Universal de Bruselas de 1958. «Habría que haber llamado Moleculium al Atomium -escribió luego al contar su experimento-, porque representa, monstruosamente agrandada, la imagen de una estructura molecular. Creo que la intención de sus promotores fue la de construir un símbolo. Es el reflejo de un gusto de nuestra época. Este objeto inmenso habla más a nuestra imaginación que nuestra razón. Forma parte de nuestra imaginería moderna, genialmente intuida por Julio Verne. El romanticismo del XIX contenía ya ese elemento fantástico que hoy se confunde con la realidad científica. ¡Qué singular asociación de palabras: ciencia-ficción! Sobre este maravilloso juego de malabarismo uno cree estar a bordo de un barco o de un globo».
Casi medio siglo después, Alicia Framis recordaba una impresión idéntica después de pasar una noche a solas en la esfera del Atomium que debía remodelar antes de la reinauguración del «edificio» -usemos la palabra a falta de otra mejor- a bombo y platillo en febrero de este año: «Lo que no me esperaba es que el Atomium se mueve igual que un barco, una sensación realmente extraña, estar tan alto, en el aire, y sentirte como en un barco». Por caminos distintos, Broodthaers y Framis han acabado percibiendo de forma similar el carácter desaforadamente romántico -digno de un Piranesi del siglo XXI- del Atomium y su potencia como símbolo de la modernidad. O como broma irónicamente desmesurada a su costa. Por algo Alicia Framis pensó también en las películas de Jacques Tati al pasear por su interior. Al fin y al cabo, tal vez sea el Monsieur Hulot de Mi tío el último de los románticos a la antigua usanza, perplejo ante la parafernalia de la era atómica. La noche a solas en la casa encantada es, de toda la vida, el rito iniciático imprescindible para aprender sus secretos y perder el miedo a sus fantasmas. Sólo así ha podido Framis «perderle el respeto» al monumental Atomium y construir en su corazón un pequeño hotel para niños en forma de coloridas moléculas de lluvia gigantes. Lo grande se encoge, lo diminuto se agiganta: estamos, como se ve, no muy lejos del país de otra Alicia: la de Lewis Carroll. A sus anchas. Dentro de las esferas, los niños pueden pasar una noche a sus anchas: esa noche precisamente en que se pierde el miedo al mundo incomprensible de los adultos. El monumento se vuelve así acontecimiento: de icono estático pasa a convertirse en marco para una aventura infantil ?pero no pueril? que al propio Broodthaers, con más razón aún, hubiera vuelto a recordarle a Julio Verne. No es la primera vez que Alicia Framis idea edificios para niños. En el EACC, de Castellón, pudo verse hace un par de años, como parte de la colectiva Micropolíticas, parte de su proyecto KIDEA (lo de micro era literal, en su caso): un anti-Ikea donde los niños se apoderaban del espacio principal de intercambio y de juegos, que quedaba acotado mediante una puerta tan pequeña que cerraba el paso a los adultos. Parecida, seguramente, a la que cruzaba la otra Alicia al principio. Padres y madrastras se quedaban aparcados en un corralito donde podían fumar, beber copas y hojear revistas porno mientras esperaban a que sus retoños volviesen a recogerlos. Dar (a la botella) y tomar. En realidad, KIDEA y estas moléculas de lluvia encajan en la línea de investigación de nuevos espacios que Framis ha llamado Remix Buildings. En el MUSAC pudo verse, por ejemplo, su Blood Bank-Sushi Bar, que unía en un mismo espacio la unidad de donación de sangre y el restaurante de diseño. Y su Minibar/ Rent a Body proponía un espacio exclusivamente femenino dedicado al placer y la relajación inter pares. Se trata de inventar nuevos espacios que fuercen a imaginar nuevas formas de habitarlos. Framis recordaba que «el modo de comportarse en comunidad ha sido prescrito durante muchísimos años, pero me encantaría encontrar edificios en los que no sepa cómo actuar, cómo sentarme o comportarme con los demás». Seguro que a los habitantes de sus moléculas se les ocurren sobre la marcha nuevas ideas. Habrá que estar atentos para copiárselas | ||||||||
| Titulo | La Fundación Antonio Pérez | ||||||||
| Autor | MERRY MACMASTERS | ||||||||
| Publicacion | La Jornada | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Homenaje a Vasarely II, de Amadeo Gabino
Cuenca, España, 2 de septiembre. La Fundación Antonio Pérez es otro de los recintos conquenses que se suma a los sitios dedicados al arte contemporáneo. Alojada en un convento de Carmelitas Descalzas del siglo XVII, en el casco viejo de la ciudad, la fundación fue creada por la Diputación Provincial de Cuenca para gestionar y proteger la donación hecha por Antonio Pérez (Sigüenza, Guadalajara, 1934), editor, escritor y artista, afincado en esa ciudad a partir de 1975, después de radicar 20 años en París. Este espacio laberíntico se ha dado en llamar “la gran instalación” de Antonio Pérez, porque su relevancia reside no tanto en las obras de arte, sino en cómo están ubicadas y el juego que el creador emprende con la mezcla de objetos encontrados, de arte africano y trabajos originales de sus innumerables amigos artistas. Este museo atípico también realiza exposiciones temporales. A los 20 años, Pérez emprendió estudios de filosofía y letras en la Universidad de Madrid. En ese año publicó su primer poema en la revista postista El pájaro de paja. En 1956 visitó a Ernest Hemingway en El Escorial. Un año después recorrió el río Tajo, en Cuenca conoció a los pintores Manolo Millares y Antonio Saura, luego, viajó a París, donde se instaló definitivamente. En 1959 publicó Verso sin pan, verso perdido; en 1961 fue uno de los fundadores de Edición Ruedo Ibérico –título tomado de Ramón del Valle Inclán–, donde se publicaban los libros prohibidos en España durante la dictadura de Franco. Por ejemplo, los antologías poéticas Versos para Antonio Machado, España canta a Cuba y Episodios nacionales, de Gabriel Celaya. Pérez dirigió los premios de poesía y novela de la editorial. Pérez lo cuenta así: “Comencé la colección al conocer a Manolo Millares y Antonio Saura, en 1957, durante mi primer viaje a Cuenca. Más tarde, en París, tuve la ocasión de vivir la amistad y el trabajo con diversos pintores. Cuatro décadas más tarde la colección volvió a su lugar de origen”. El entrevistado describe su guión museográfico como “un guiño a la historia del arte contemporáneo”, en donde “se van encontrando Sauras, Tápies y Chillidas. Lo que nunca se encuentra son Velázquez. Rembrandt tampoco”. Millares (1926-1972) tiene un cuarto dedicado a su obra de la época negra, poco antes de morir. Otro que fue muy amigo de Pérez, “equivalente a Millares, pero en holandés”, fue Lucebert, seudónimo de Lubertus Jacobus Swaanswijk (1924-1994), pintor y poeta perteneciente al grupo COBRA. Su viuda, mediante la Fundación Lucebert, en Amsterdam, le cedió a Pérez 150 gouaches y 15 cuadros. Aunque Antonio Pérez se fue “más por el campo de la edición”, siempre coleccionaba objetos encontrados. Al conocerlo, en 1957, Antonio Saura hizo un inventario de los primeros objetos que vio en su casa de Sigüenza. Los exhibió con mucho éxito por vez primera en El Círculo de Bellas Artes de Madrid. Desde hace más de 10 años los ha expuesto en muchos lugares. –¿Cuántos objetos tiene? –Miles, porque todos los días recojo cosas por la calle. Y, cuando viajo, mucho más: pequeñas piedras, papeles, envoltura de caramelos, todo lo que me recuerda una obra de arte. Un poco la huella de mi gran maestro Marcel Duchamp, quien inventó lo del ready made, el objeto encontrado, l’object trouvé. | ||||||||
| Titulo | Fatima Miranda | ||||||||
| Autor | Redaccion | ||||||||
| Publicacion | Iberarte | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Arte de accion,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Fátima Miranda Concierto `Quince años deCantados´ por la voz de Fátima Miranda en Madrid el sábado 22 de septiembre
La Noche en Blanco celebra en Madrid su segunda edición ofreciendo todo tipo de eventos poéticos. Entre los proyectos pensados para un espacio particular madrileño destaca el concierto-espectáculo deCantar (1992-1997) de Fátima Miranda, título-poema sincrético como es frecuente en toda su obra (Concierto en Canto, ArteSonado, Diapasión, etc) cargados de significados múltiples, que alude entre otras cosas a la depuración de la obra para voz sola de esta artista salmantina internacional a lo largo de sus quince años de carrera, ofreciéndonos una compilación de obras desde sus inicios como solista hasta hoy. Este concierto-performance tendrá lugar el 22 de septiembre a las 22 horas, en el Templo de Debod, uno de los lugares más singulares y bellos de Madrid. Punto de encuentro de culturas, como lo es el canto de Fátima Miranda, tan ancestral como indiscutiblemente nuevo y diferente. Se trata de un concierto-performance en el que una sola voz en simbiosis con un importantísimo y refinado componente poético, gestual, visual, dramático y humorístico, es capaz de conmover hasta lo más hondo, haciendo de este un espectáculo único que atrae la atención de un público de procedencia muy diversa. Fátima Miranda Fátima Miranda en concierto Sobre Fátima Miranda Fátima Miranda nace en Salamanca. Licenciada en Historia del Arte, desde 1983 realiza un trabajo de investigación en torno a la voz creando un lenguaje musical propio, empleando la voz como instrumento de viento y de percusión. Estudia en París con la cantante japonesa Yumi Nara técnicas vocales tradicionales de Japón, canto difónico mongol con Tran Quang Haï y canto clásico Dhrupad del Norte de la India con varios miembros de la eminente familia Dagar. Asi mismo estudia bel canto con varios profesores en España y Francia con el fin de poder asociar unas y otras técnicas vocales, habitualmente consideradas incompatibles. Fundadora con Llorenç Barber en los ochenta del Taller de Música Mundana y de Flatus Vocis Trío, graba dos LPs. Desde los años noventa hasta hoy crea Las Voces de La Voz, Concierto en Canto, ArteSonado, editados en CD, y Cantos Robados, conciertos-performance para voz sola. Su trabajo para voz sola ha circulado por escenarios y festivales de todo el mundo, en circuitos de música contemporánea, performance, teatro, videoarte y poesía fonética. Ha colaborado entre otros con Llorenç Barber, Robert Ashley, Wolf Vostell, Jean-Claude Eloy, Julio Estrada, Bartolomé Ferrando, Pedro Elías, Stefano Scodanibbio, Bertl Mutter, Rachid Koraichi, John Rose, Hans Peter Kuhn, Stéphane Abboud, Werner Durand, Mirella Weingarten y Sacha Waltz. Todas y cada una de las cosas conducen hacia una sola y misma esencia… Ida y Vuelta. Dicen quienes la escuchan que su imaginación les hace viajar a África, a Japón, a India, al mar, a la selva, a un templo, a un mercado o a un estudio de música electroacústica, ¿por qué no? Huyendo de cómodos estereotipos, Fátima, combinando técnicas vocales orientales, occidentales o de su propia invención, emplea la voz como instrumento de viento y de percusión y nos regala con insólitas acrobacias con difonías y con fascinantes moldeos del aliento que sobrepasan los límites de lo posible, yendo del más transparente y angelical hilo de voz al alarido más salvaje, difuminando las fronteras entre el canto, la poesía, el teatro, la composición, la improvisación y la interpretación. En sus obras, la voz es tratada bajo todas sus posibilidades de expresión cantada y hablada, empleando técnicas vocales occidentales, orientales, o bien de su propia invención, algunas de ellas multifónicas, con las que cubre un registro de más de cuatro octavas, sin valerse para ello de manipulación electrónica alguna. La obra de Fátima Miranda, más allá y además de un cultivado virtuosismo, procede de una lenta y consciente digestión de la vida misma: de sus viajes, de sus plurales estudios, de la equivocación, la contradicción, el juego, el hallazgo, la provocación, el sentido del humor y, por supuesto, de una exigente disciplina, pero superada y por tanto desprovista de rigidez, intención y exhibicionismo. La música y la voz de esta creadora, transgrede y trasciende por ser, sin querer ni poder evitarlo, lo que ella misma es. deCantar Sábado 22 de septiembre de 2007, a las 22 horas Templo de Debod, Madrid Paseo del Pintor Rosales s/n | ||||||||
| Titulo | Edita 2007 | ||||||||
| Autor | Joan Casellas | ||||||||
| Publicacion | La Vanguardia | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte postal | ||||||||
| Sinopsis | En el arte moderno son muy frecuentes las ediciones de artista de tiraje limitado y elaboración cuidada a través de las cuales grupos o individuos difunden sus ideas. El surrealismo de los años 30 se debatió y desarrolló en las revistas La Revolution Surrealiste y Minotaure, y treinta años después Yves Klein lanzaba su periódico de un solo día –Dimanche– con el que inmortalizo algunas de sus mejores ideas.Enla Catalunya de posguerra la vanguardia resurgía a través de las revista Dau al Set (1948-58) de la mano de Antoni Tàpies, Modest Cuixart, Joan Ponç, Joan-Josep Tharrats, Arnau Puig y Joan Brossa, y aún mucho antes Barcelona sería una de las ciudades dadá gracias a la revista 491, que Francis Picabia, exiliado en al ciudad condal, editó en 1917.
Como muestra del interés y persistencia de las ediciones de artista en sucesivas generaciones vale la pena rememorarla importante muestra organizada por el KRTU en 1991, Literatures sumergides, que recogía las publicaciones catalanas de creación desde 1968. Dieciséis años después con la multiplicación y accesibilidad de las nuevas tecnologías, desde la fotocopia digital alCD-DVDe internet la edición de artista o edición independiente sigue siendo uno de los recursos más notables y ágiles del arte contemporáneo. Aglutinadas en Edita estas publicaciones, diseminadas en multitud de presentaciones artísticas y algunas librerías especializadas, puntualmente se agrupan en encuentros de editores independientes, el más importante de los cuales es Edita, que tiene lugar en uno de los lugares más remotos de la península Ibérica, entre las marismas del río Odiel y el océano Atlántico, en la provincia de Huelva, donde emerge una larga lengua de dunas sobre la que se asienta el pueblo de Punta Umbría. Uberto Stabile, poeta valenciano afincado en Huelva, creó en 1994 con la Asociación Cultural 1900 el Encuentro Nacional de Editores Independientes y Ediciones Alternativas. Las dos primeras ediciones se celebraron en la ciudad de Huelva y la tercera en la Universidad Internacional de la Rábida, pero fue en Punta Umbría donde consiguió las condiciones económicas y estructurales mínimas para garantizar su continuidad. Como los antiguos ganaderos que dieron lugar a la Feria de Abril, en Edita, que se celebra por las mismas fechas, se vende el producto: hay intercambios de publicaciones, se buscan cómplices para nuevos proyectos, se lanzan convocatorias, se discuten ideas y por la noche se celebra. De hecho, Edita son dos encuentros paralelos con los mismos actores-público: en la parte diurna encontramos al artista- editor con su proyecto individual o colectivo de tiraje corto pero por lo general cuidado, y por la noche al artista rapsoda o performer poniendo en práctica aquello que con su publicación defiende y difunde. Consecuencia directa del encuentro es la magnífica colección de ediciones de artista que Uberto Stabile ha atesorado para Punta Umbría, que ya supera los quince mil ejemplares, y que ha sido fuente documental de exposiciones, como la polémica Desacuerdos en el Macba de Barcelona el año 2005. En esta edición se han inscrito 114 editores-artistas de toda la península Ibérica y Latinoamérica distribuidos en un apretado programa de cuatro jornadas de mañana, tarde y noche. Resulta difícil seguir todas las ponencias, recitales, acciones... imposible. Edita no para de crecer. Todas sus deserciones son superadas por nuevas afiliaciones y sobre todo por un amplio grupo de incondicionales que son exponente de la mejor edición de artista que se produce actualmente en la península. La distribución es el problema insoluble de este tipo de ediciones, que pueden estar contenidas en latas metálicas, presentar formas voluminosas e irregulares, o ofrecerse en cuatro tristes fotocopias grapadas en tirajes de 20 a 100 ejemplares. Muchas veces la distribución se limita exclusivamente a los colaboradores, que posteriormente las muestran como trofeos en sus exposiciones de artista, o, por el contrario, son de fácil y necesaria reproducción personal vía fotocopia o CD. Evidentemente no son un negocio en términos monetarios, sino estrategias de comunicación artística. Entre los editores-artistas más veteranos de Edita podemos encontrar a Antonio Gómez, destacado poeta visual murciano afincado en Extremadura que, junto a J. M. Calleja, representa la mejor continuidad del legado artístico de Joan Brossa. Sus cuidadas ediciones Píntalo de Verde son verdaderas exposiciones de poesía visual. Gómez y el malagueño Paco Cumpian son el ejemplo más persistente de Edita ya que han participado en todas sus ediciones. Paco Cumpian, poeta rapsoda que retoma la poesía como un acto vivo en bares y plazas, edita con cuidada tipografía y papel selecto El Árbol de Poe, todo un referente en su campo. Pere Sousa, poeta fonético de Barcelona especializado en la poesía dadá y el arte correo, rescata con sus artesanales 598 noticias inéditas de Kurt Swhitters y poemas visuales olvidados. También es asiduo a Edita Francisco Eliseda, poeta que dirige el Centro de Poesía Visual de Peñarroya-Pueblonuevo (Córdoba) y la revista Veneno. La madrileña Yolanda Pérez Herrera, poeta de acción, autora de la impecable Experimenta editada en formato probeta (un DIN A4 doblado verticalmente), donde publica poemas y partituras de acción. Rodolfo Franco, brasileño residente en Mérida, especialista en acrósticos y palíndromos que publica en su Almanak en papel y en formato digital, o Koke Vega, de Badajoz, con su vídeo-revista de acción y poesía La Bolsa. Biblia, de Tiago Gomes, en formato más convencional, es un interesante referente de la actividad artística de Lisboa; La Lata, revista de poemas objeto y otras actividades artísticas, es efectivamente una lata de conservas editada por Manuela Martínez y Carmen Palacios en Albacete. La Más Bella, editada en Madrid por Pepe Murciego y Diego Ortiz –que se presenta acompañada deunmanual de instrucciones–, es sin duda la revista má elaborada y compleja, con catorce años de existencia y cientos de colaboradores. Cada número, de periodicidad anual, contiene en su interior, desplegables, objetos, casetes, vídeos, etcétera. Es lo más cercano a las ediciones Fluxus y ya figura en colecciones publicas, como La Panera de Lleida. Edita, surgido el año 1994 en la mesa de un bar de Huelva, es hoy un encuentro de referencia. Su extenso archivo de ediciones de artista ha encontrado al fin un edificio adecuado para su consulta. A Uberto Stabile le espera la ardua tarea de mantener el espíritu abierto del Encuentro, afrontar sus límites y obtener recursos a la altura del nuevo centro cultural que lo acoge, comenzando por una página web propia de Edita, para que el Encuentro Internacional de Editores Independientes, además deuna fiesta artística, sea una fuente de información permanente. | ||||||||
| Titulo | Edgardo Antonio Vigo | ||||||||
| Autor | Santiago del Estero | ||||||||
| Publicacion | Nuevo Diario | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Edgardo Antonio Vigo: un arte polémico y contradictorio
Con un pie en el cajón y el otro aproximándose…, 1995. Un arte tocable que se aleja de la posibilidad de abastecer a una "elite" que el artista ha ido formando a su pesar, un arte tocable que pueda ser ubicado en cualquier "habitat" y no encerrado en museos y galerías. Por Clemente Padin Edgardo Antonio Vigo nace en 1928 en la ciudad de La Plata, Buenos Aires y falleció el 4 de noviembre de 1997, en la misma ciudad. A principios de los 50 egresa de la Escuela Superior de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. En 1953, a través de una beca, viaja a Francia, donde conoce al artista venezolano Jesús Soto y entra, por primera vez, en contacto con la escena del arte internacional. En 1954, ya de regreso en la Argentina, Vigo realiza una exposición de objetos de madera encerrados en cajas que ofrecían variadas posibilidades para ser manejados por el público. La muestra provoca un pequeño escándalo, el público destruye gran parte de las obras, escándalo que lo seguirá acompañando durante gran parte de su trayectoria. Tres años más tarde, Vigo comenzará a trabajar en sus "Máquinas Inútiles". En 1961 funda la publicación "Diagonal Cero", con la que empieza su permanente intercambio con el movimiento internacional de arte por correo a través de la cual tuve oportunidad de entrar en contacto con él, intercambiando Diagonal Cero con mi propia publicación Los Huevos del Plata y, más tarde, OVUM 10. También edita "WC", "Hexágono 70" y otras, difusoras de la "novísima Poesía" junto a "Nuestro Libro Internacional de Estampillas y Matasellos" con sellos y matasellos originales de artistas de todo el mundo considerada, hoy día, uno de los primeros Libros de Artistas. Su compromiso con el arte correo fue total habiendo creado la expresión “comunicación a distancia” para este género no ovacionado. A nivel teórico se destaca su propuesta "Hacia una Poesía para y/o a Realizar”, a través de la cual intenta llevar, al espectador, de su rol pasivo a la categoría de constructor-creador del poema. Su obra clásica en este sentido es "De la Poesía Proceso a la Poesía para y/o a Realizar" (Diagonal Cero, La Plata, 1970). Y continuó con la “I Expo de Proposiciones a Realizar” de 1971, que realizó en el Cayc de Buenos Aires donde, con el marco de las propuestas recibidas de casi todo el mundo, se reunieron los artistas Wlademir Dias-Pino (creador del Poema/Proceso brasileño), Guillermo Deisler, poeta visual chileno, hoy extinto, y los uruguayos Francisco Accame, músico y poeta fónico y Clemente Padín. En 1965, el público de La Plata volverá a recibir con indignación otro de sus trabajos, el "Palanganómetro Mecedor para Críticos de Arte", presentado junto a la "Bi-Tri-Cicleta Ingenua" en el Museo de Artes Plásticas de La Plata, en el contexto de la exposición de artistas reunidos en torno al Movimiento de Arte Nuevo. Vigo será despectivamente motejado de "vanguardista". Tal vez empujado por esa incomprensión violenta de la que su propia ciudad lo hacía objeto, Vigo sólo volverá a exponer en muy contadas ocasiones y en espacios alejados del circuito institucional, desarrollando sin embargo una actividad continua en el área alternativa. En 1966 realiza las primeras versiones de "El Ciclista Oprimido" -entonces denominado "El Ciclista Comprimido"- y "Nido de Amor". En 1967 son editados en París sus "Poemas Matemáticos Barrocos" -verdadero ejemplo de poesía experimental interactiva en el que el espectador compone sus propios poemas al manipular una serie de planos de colores. En 1968 construye su "Manojo de Semáforos" en una de las esquinas de La Plata -obra que inaugurará la serie de los "Señalamientos" que se continúa hasta finales de la década de los ochenta. En sus palabras: “Consistió en analizar desde el punto de vista estético y creativo el semáforo ubicado en las intersecciones de las avenidas 1 y 60, de La Plata. Tratándose de un elemento anónimo e inútil para su función específica (causante esto último de irónicos comentarios ciudadanos) ese manojo de semáforos, motivó el intento de implementar un diálogo de base concreta y contenido abstracto. El público invitado a concurrir, debió desarrollar sus ideas utilizando las claves mínimas dadas por el convocante, que no concurrió a la cita. El propósito era restar todo contacto prejuicioso para generar una acción en libertad”. En 1969 realiza su film "Blanco sobre Blanco: Homenaje a Kasimir Malevich" -que debía proyectarse de manera tal que la imagen quedara a espaldas del público. En ese mismo año, organiza la "Exposición Internacional de Novísima Poesía" en el Instituto Di Tella de Buenos Aires. El 30 de setiembre de 1990 realiza durante la “Exposición de Ediciones de Vanguardia” en el Hall de la Universidad el señalamiento que me había enviado, el “Poema Demagógico”, una parodia del acto eleccionario. Mediante la emisión del voto en una urna de embocadura redonda y cuyos votos no eran formularios que repartí entre el público en donde se solicitaba que se expresara lo que se sintiera en ese momento y que, luego, lo introdujera en una urna especial con el orificio redondo. Las hojas debían arrollarse quedando en claro la simbología sexual del acto. La fecha tiene especial significación para mí ya que, a sus instancias, realicé mi primer acción, llamada “La Poesía debe Ser Escrita por Todos” (Isidoro Duchase), de carácter netamente poético. A partir de los años setenta se enfatiza el contenido político de su trabajo y, en 1976, cuando llega la dictadura militar a la Argentina, será afectado de una manera íntima y brutal cuando desaparece su hijo Palomo Vigo. Su poema visual "Sembrar la memoria" se convirtió en un emblema de la resistencia a la dictadura. En 1991 se realiza en el espacio de la Fundación San Telmo, en Buenos Aires, una muestra con carácter retrospectivo que abarcará más de treinta años de la labor del artista. Vigo festejará la ocasión paseando por el patio de la Fundación montado en una versión remozada de su "Bi-Tri-Cicleta Ingenua". En 1994, es seleccionado para integrar el envío argentino a la vigésimasegunda Bienal de San Pablo, Brasil, logrando el reconocimiento mundial a ese nivel. A mediados de 1997, lo invitan a exponer obras en La Plata, y en Buenos Aires, en el Instituto de Cooperación Iberoamericana, donde presenta una importante exhibición de estampillas, postales, sellos y un variado material que Vigo realiza para su intensa actividad en el arte por correo. En su trayectoria artística, Vigo desarrolla obras en el campo del grabado siendo un xilógrafo autodidacta. Funda y co-dirige el Museo de la Xilografía de La Plata, participando en muestras, presentaciones y charlas para difundir la técnica y cultores del grabado en madera. Hoy día, una Fundación lleva su nombre y preserva sus obras en La Plata, dirigida por la arquitecta Ana María Gualtieri. *Clemente Padin. Poeta uruguayo. Nació en 1939. Artista gráfico, performer, videista, networker, multimedia. Licenciado en Letras Hispánicas. En cuadro: Legado Fruto de sus concepciones es este texto que reúne sus ideas con respecto al arte participativo publicado en el catálogo de la exposición "Poeta de la distancia" de Edgardo Antonio Vigo realizada en agosto de 1997, en Buenos Aires: “Un arte tocable que se aleja de la posibilidad de abastecer a una "elite" que el artista ha ido formando a su pesar, un arte tocable que pueda ser ubicado en cualquier "hábitat" y no encerrado en Museos y Galerías. Un arte con errores que produzca el alejamiento del exquisito. Un aprovechamiento al máximo de la estética del "asombro", vía "ocurrencia" -acto primigenio de la creación- para convertirse -ya en forma masiva, en -movimientos envolventes- o por la individualidad -congruencia de intencionalidad-, en actitud. Un arte de expansión, de atrape por vía lúdica, que facilite la participación -activa- del espectador, vía absurdo. Un arte de señalamiento para que lo cotidiano escape a la única posibilidad de lo funcional. No más contemplación sino actividad. No más exposición, sino presentación. Donde la materia inerte, estable y fija, tome el movimiento y el cambio necesario para que constantemente se modifique la imagen. En definitiva: un arte contradictorio”. | ||||||||
| Titulo | Chema Madoz | ||||||||
| Autor | GUILLERMO BALBONA | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
Aniversario / El mundo de las diez mil cosas Robayera acogerá desde mañana cerca de treinta imágenes que recorren una década de creación de Chema Madoz, Ironía y doble lenguaje, la mirada de Madoz crea un universo singular de metáforas. El universo iconográfico de Chema Madoz, poeta visual, uno de los fotógrafos más reconocidos, consagrados y personales del presente del arte español, protagoniza desde mañana una selecta muestra en Robayera, a modo de exquisita retrospectiva. La galería municipal de Miengo, en la celebración de su veinte aniversario, suma a su temporada esta propuesta que permite el reencuentro y el redescubrimiento de algunas de las piezas más significativas en la prolífica y densa trayectoria de Chema Madoz, Premio Nacional de Fotografía. Bajo el epígrafe de 'El mundo de las diez mil cosas' la exposición, que será inaugurada mañana en la sala Robayera y se prolongará hasta el 15 de septiembre, reúne una treintena de imágenes que simbolizan la identidad y personalidad del lenguaje de Chema Madoz desde 1990 a 1999. Una sucesión de objetos y cosas, de elementos cotidianos a los que el artista incorpora su mirada personal, un imaginario de humor, ironía y poesía, habitado por metáforas, «donde los objetos se transforman y proponen otra forma de mirar nuestros alrededores», tal como subraya Marta Mantecón en las reflexiones que acompañan al catálogo elaborado con destino a la cita de Miengo. La muestra pretende reflejar la diversidad de universos de Madoz y, a su vez, su imaginación pura, liberada y su voluntad de catalogar las cosas del mundo, siempre desde su fidelidad al blanco y negro; en definitiva, «un álbum de objetos que desvían su apariencia, que se desplazan sobre la relatividad de las cosas». A juicio de Mantecón, «acercarse a la fotografía de Chema Madoz implica reflexionar sobre ese vasto arsenal de imágenes y de signos que es el mundo». En la exposición de Miengo se darán cita así unas puertas que se convierten en una montaña de naipes; una cuchilla de afeitar en el 'ponticello' de un violín y su estuche en un ataúd; o un libro en el asiento de un columpio; entre otras asociaciones de ideas que Madoz descontextualiza para crear una nueva. Como señala el poeta Carlos Alcorta, «quien aprende a mirar, aprende a ser». Y la propuesta de Chema Madoz en Robayera es una invitación a ese aprendizaje. | ||||||||
| Titulo | Noticias brossiana | ||||||||
| Autor | Varios autores | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | La estela brossiana / Victoria Combalia
El pasado mes de diciembre se cumplieron ocho años del fallecimiento del poeta Joan Brossa. Pero Barcelona sigue conservando numerosas huellas de su fecundidad creativa, que pueden rastrearse en vivo o con la ayuda del libro Itineraris brossians, editado por la fundación que lleva su nombre en ... conocer al gran público, la fundación Joan Brossa reanuda los itinerarios urbanos por los enclaves más representativos de la obra del poeta, al tiempo que trabaja por dar visibilidad a su obra escrita, en especial a sus poemas inéditos, algunos de los cuales han sido publicados por Edicions 62 en el ... Folch un manuscrito del mismo poemario: si estaba pasado a máquina quería decir que Brossa lo había dado por bueno, y por tanto fue el trabajo que prevaleció. "Son poemas pertenecientes a la última etapa de Brossa, la más intimista y reflexiva", explica Bordons, autora del prólogo. "Mantiene su vena ... Cataluña | EL PAIS - 16-12-2006 El Espai Brossa presenta un melodrama de cine mudo con títeres BELÉN GINART ... espectáculo de títeres para adultos dirigido por Jordi Prats i Coll e interpretado por Martí Doy y Eugenio Navarro que se representa en el Espai Brossa hasta el próximo 23 de diciembre. El montaje forma parte del ciclo La Revolta Poètica dels Titelles, que se estrenó con La sonrisa de Federico ... al repertorio de La Puntual, el teatro consagrado a las marionetas y el teatro visual que regenta en Barcelona, en un local vecino del Espai Brossa. La Revolta Poètica dels Titelles tendrá su última etapa con El cap als núvols, de la compañía Playground, que se representará del 28 de diciembre al 7 ... Cataluña | EL PAIS - 06-04-2007 Vodevil de mentiras ISRAEL PUNZANO ... que componen El Mentider, variacions sobre l'engany, espectáculo dirigido por Damià Barbany que se estrenará el próximo jueves en el Espai Brossa de Barcelona, donde permanecerá hasta el 25 de mayo. "Clasificar a Cocteau es difícil. No sabía si era un esnob divertido, un intelectual que vivía en las ... ayudante de dirección del montaje. Vanguardia, academicismo, alta comedia y vodevil se dan la mano en el arte de Cocteau, recordó el director artístico del Espai Brossa, Hermann Bonnín. "Representa el París que amamos la gente del teatro, el que fue luz para muchos artistas barceloneses", remachó ... Cataluña | EL PAIS - 12-01-2007 LA CRÓNICA Oasis Brossa SERGI PÀMIES ... las fiestas es releer el libro Passats festes, de Joan Brossa. Lleva un título oportuno y contiene los poemas idóneos para recuperarse de los interminables fastos del cambio de año y estimular nuestros más insensatos propósitos. Brossa era, además de poeta, un peatón casi profesional, tenaz y ... Con el ejemplar a cuestas, conseguí salir del laberinto y, a los pocos metros, me tropecé con un lugar cuya existencia desconocía: la placeta Brossa, situada justo detrás del hotel Cotursa Rosselló (cuatro estrellas), entre Enric Granados y Aribau. La denominación de placeta me hizo sospechar: los ... lo elegante y lo sombrío, en el que a uno le dan ganas, más que de comer, de conspirar. En el rincón menos anónimo de este paisaje hay una obra de Brossa: un fauno tocando la flauta entre las letras A y Z, los dos extremos de una obsesión alfabética que le acompañó toda su vida. Antes de poder ... Cataluña | EL PAIS - 03-04-2007 Las estrellas del cine mudo titilan en el Museo del Cine de Girona NATALIA IGLESIAS ... de la donación que realizaron los hermanos Brossa Gutés el pasado mes de noviembre, cuando cedieron al museo 91 fotografías, 10 cartas y 3 programas de mano que su padre había ido atesorando. Jordi Pons, director del centro, explicó: "El señor Brossa escribía a los estudios de Hollywood pidiendo ... Cataluña | EL PAIS - 13-08-2007 La Fundación Joan Brossa negocia trasladar su sede al Palau Desvalls ISRAEL PUNZANO El distrito barcelonés de Horta-Guinardó ha ofrecido a la Fundació Joan Brossa el Palau Desvalls, ubicado en la entrada del parque del Laberinto, para que instale allí su sede. Se cumpliría así una vieja aspiración de esta entidad, que desde su constitución en 1999 ha pedido a las administraciones ... locales es muy caro. Tenemos muchas dificultades para tirar adelante. Sólo recibimos subvenciones para las actividades. Los derechos de autor de Brossa dan poco dinero", lamenta. Para solventar estos aprietos financieros, la fundación ha empezado a buscar el patrocinio de empresas privadas, pero ... y Jardines. Lo demás está tan maltrecho que una cerca impide el paso de los curiosos para evitar accidentes. No obstante, la vinculación de Brossa con Horta -tanto biográfica como artística- convierte el Palau Desvalls en un destino ideal para la fundación que lleva su nombre. El lugar rezuma ... | ||||||||
| Titulo | Poemarios de Angela Serna | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | La Rioja | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Primera cita III Agosto Clandestino
Jueves 9 de agosto Todos los encuentros se llevarán a cabo en el salón de actos de La Gota de Leche, a las 20.00 h. Presentación de dos poemarios de la colección de cuadernosartesanales Planeta Clandestino, cada uno de ellos original de cada unode los autores invitados: Ángela Serna: nace en Salamanca. Reside enVitoria-Gasteiz. Allí inicia los estudios de Filología Francesa quefinalizará más tarde en la Universidad de Valladolid. Actualmente esprofesora en la Universidad del País Vasco, directora de la revista Texturas. Es traductora, rapsoda y poeta. Tiene publicados los libros de poesía visual:Vocaníbales/Voyelles cannibales, Poétrica visualizable, Alfahar, y los poemarios Del otro lado del espejo (Primer accésit Ciudad de Benicarló 1999), Fases de Tumiluna, Luego será mañana (en otra habitación), Vecindades del aire y De eternidad en eternidad.Ha participado en dos CD de rapsodia en gallego ("bicos para Rosalía" y"Pensando nelas") y en numerosos recitales. En 2005 fue invitada aparticipar en el prestigioso Festival de poesía "Voix de laMéditerranée", de Lodève (Francia); y en 2006, a los encuentrospoéticos: "Rencontres poétiques" de Frontignan (Francia) y en el VFestival de poesía del Moncayo. | ||||||||
| Titulo | TERTULIAS DE ARTE EN CUNIT | ||||||||
| Autor | Paco Muñoz Anglada | ||||||||
| Publicacion | Baix Penedes | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte postal,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | TERTULIAS DE ARTE EN CUNIT
Las tertulias de arte en Cunit es una experiencia que trata de poner en marcha un proyecto cultural basado en el dialogo y a partir del mismo, promover proyectos acordes con los tiempos actuales, de tremendo dinamismo y una constante apertura hacia la interculturalidad por un lado y la aglutinación multidisciplinar por otro. Es por ello que el planteamiento de estas tertulias que se celebran en “Cal Cego” el ultimo sábado de cada mes, están abordando las diferentes problemáticas del arte actual en un ambiente participativo y de aportación personal. El 28 Abril del 2007 se invito a Cesar Reglero como ponente co-autor del libro de reciente aparición Arte Creatividad y Grafología. César Reglero es Psicólogo y Grafólogo se le propuso un debate sobre “Grafología en el arte y su aplicación práctica en la vida cotidiana”. Siendo de tan buena acogida entre los tertulianos de Cunit , que la asociación de artistas del Baix Penedes nos propusieron realizarla en Vendrell. Tanto el ponente como el coordinador aceptamos encantados. La gran inquietud de nuestro ponente, hizo que aportara nuevas ideas, proponiendo un debate a partir del trabajo de investigación que ha dado lugar a este libro, basándose éste en las escrituras manuscritas de mil artistas creativos. Se proyectaron diversas muestras de estos artistas creando un ambiente propicio. Durante el debate se profundizó en cuestiones relacionadas con el factor humano del artista, su equilibrio anímico en relación con el ejercicio de la creatividad; el arte como terapia y el peligro de desequilibrio antes la introducción de otros elementos perturbadores como son la comercialización de la obra o el estrecho limite que separa a muchos creativos del trastorno mental. En definitiva fueron abordados temas siempre candentes que se debatieron con mucho brío por unos tertulianos muy activos. De manera paralela y relacionado con el tema tratado tuvo lugar una exposición de los trabajos artísticos de investigación enviado por sus autores para la ejecución del libro editado (13 países representados ). También se realizo un taller de Grafología en el que se trato la línea como expresión de emociones y sentimientos. Coordinador : Paco Muñoz Anglada 28.07.07 | ||||||||
| Titulo | La imagen y el texto | ||||||||
| Autor | Nuria Sureda | ||||||||
| Publicacion | El Mundo | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis |
La imagen y el texto se hacen uno El taller 'Libros de artista' y otro de pintura arrancaron ayer en la Fundació Pilar i Joan Miró El verano invita a curiosos e interesados a profundizar en el mundo del arte: el taller de 'Libros de artista' para profesionales y el de pintura, con motivo de la celebración de las Fiestas de Santa Brígida, para entretener y formar a los más pequeños. SUSANA BEGARA El taller La imagen y el texto. Libros de artista comenzó ayer en la Fundació Pilar i Joan Miró en el marco de los talleres de obra gráfica de la institución. El curso, que se prolongará hasta el 2 de agosto, está dirigido por la profesora Caroline Isgar, de la University College of London y cuenta con la colaboración del artista Jonathan Houlding, responsable de escenografía de la película El fantasma de la ópera. «Los doce participantes son en su mayoría artistas con formación en Bellas Artes que trabajan en obra gráfica. Provienen principalmente de España, Inglaterra y América», dice Joan Oliver, responsable de los talleres de la Fundació. A lo largo del curso los estudiantes trabajarán con técnicas tradicionales de grabado y con distintos textos que pueden escoger. La formación culminará con un ejercicio práctico: la elaboración entre los participantes de un libro de artista, que consiste en la combinación de texto e imagen con o sin relación directa. En este caso el texto incorporado será del artista y escritor Sean Borodale y cada uno de los alumnos aportará su imagen para el desarrollo del libro. El taller se aleja de la concepción de imagen como simple ilustración del texto. «El formato de presentación puede ser muy variado, es parte de la idea y del concepto del libro y de lo que se quiere enseñar», señala Oliver. La profesora Caroline Isgar, con gran experiencia en este campo, utiliza en su trabajo el grabado y los procesos gráficos como medio artístico. Por otra parte, la Fundació Pilar i Joan Miró, junto con la Asociación de vecinos de Marivent, Son Matet y Cala Major, colaboró ayer en un taller de pintura con una técnica de estampación llena de imaginación y azar. «El resultado ha sido una mezcla de formas y colores que ha sorprendido a los jóvenes artistas participantes», indica Nuria Sureda | ||||||||
| Titulo | Poesia Visual/ Calambur / Gradolí | ||||||||
| Autor | TULIO DEMICHELI | ||||||||
| Publicacion | ABC | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Poesía visual Modernísimo arte entre la plástica y la lírica
SOBRE LOPEZ GRADOLI EL poeta Alfonso López Gradolí, autor de poemarios como El sabor del sol (1968), Los instantes (1969), El aire sombrío (1975), Una muchacha rodeada de espigas (1977), Las señales de fuego (1985) y, entre otros, Los signos de la soledad (2000), ha reunido obras de 57 artistas vivos en Poesía visual española (Antología incompleta), que la editorial Calambur ha publicado recientemente. El antólogo, arte y parte, asimismo ha creado una obra de referencia vinculada a la poesía visual: Quizá Brigitte Bardot venga a tomar una copa esta noche (1971), compuesta por 31 collages dedicados a la escultural actriz francesa. LA ESTRUCTURA DE LA ANTOLOGIA «El libro incluye cuatro obras elegidas por sus autores -señala López Gradolí a ABC-, que se acompañan con una nota bibliográfica y una breve «poética» en la que expresan sus planteamientos teóricos». Sólo se ha tenido en cuenta a los artistas vivos, «porque quería abordar lo que se está haciendo ahora, aunque ello me ha hecho dejar fuera a autores tan importantes como Joan Brossa o Francisco Pino». Bien es verdad que se le murieron dos de sus antologados: José María Iglesias y José Carlos Beltrán, fallecidos en 2005 y 2006, cuando la elaboración de este libro ya estaba en marcha. Bombardeo publicitario LA PUBLICIDAD Y LA POESIA VISUAL Aunque estamos acostumbrados al inclemente bombardeo icónico de la publicidad moderna, tan vicaria y parasitaria de la poesía visual, los orígenes de este «género», que tiene, en palabras de Gradolí, una «frontera de humo» entre las artes plásticas y la lírica, se remontan a la Edad Media: «Allí pueden señalarse un laberinto compuesto en el siglo VII por el obispo Teodulfo y una colección de poemas figurados del monje Vigilán, hecha en el siglo X y cuya intención era decorativa o laudatoria. En siglos posteriores -añade-, cabe citar los «acrósticos esféricos», cuyos versos van desgranando las letras del nombre del rey o la reina, de forma que todos finalizan en el centro de la misma letra o sílaba y cuya disposición imitaba al sol». HISTORIA DE LA POESIA VISUAL Más cercanos en el tiempo, «ya se cuentan los «laberintos» de letras o de versos. El poeta escribía en un papel ancho todas las letras que deseaba resaltar y dejaba unos espacios que luego iba rellenando con tercetos, octavas o redondillas». Sin embargo, es a finales del siglo XIX y en los albores del XX cuando el género se va configurando: «Sus precursores fueron los Caligramas del gran poeta francés Apollinaire (1912-17) y antes, la experimentación tipográfica de su compatriota Mallarmé en el poema Un coup de dés (Un golpe de dados)» (1897). POESIA VISUAL EN CATALUÑA Por entonces puede fecharse en Cataluña, allá en 1916, su adopción en la Península, cuando Junoy publica sus primeros poemas visuales que aparecen en la revista Troços. «Aquella vanguardia catalana barajaba ideas futuristas (como el rechazo al pasado y las palabras en libertad), con otras cubistas (como el caligrama y el poema-conversación), aunque el movimiento llegó pronto a su fin con la muerte de Joan Salvat-Papasseit, en 1924», precisa Gradolí a ABC. El creacionismo, el futurismo y el ultraísmo también dieron «experimentos de naturaleza tipográfica, ahí están los poemas del chileno Vicente Huidobro». DADAISMO Y SURREALISMO Pero quizá sea con el dadaísmo y con el surrealismo, «aunque algunos teóricos, como Díez Borque, y artistas de la poesía visual lo rechazan», cuando la moderna poesía visual se configura definitivamente. «Si a los dadaístas se debe el collage (técnica que se basa en la apropiación de objetos y fragmentos de papel, cartones, telas o maderas troceadas que se incorporan a superficies muy variadas), el surrealismo dio paso a la ruptura de las leyes de la asociación significativa. Uno de sus hallazgos, la «escritura automática», supuso la liberación del poema respecto a las normas básicas de la comunicación humana». Sin embargo, la pregunta del millón sigue siendo «¿Qué es «poesía visual»?», pregunta a la que dos grandes de sus artistas españoles han aproximado -como nos recuerda Gradolí- una tentativa de respuesta: «Para Joan Brossa, la poesía visual es «un cambio de código» y la considera «la poesía experimental de nuestro tiempo, porque en nuestra sociedad la imagen es muy importante. Me interesa la rapidez y síntesis que comporta -dice Joan Brossa-... Es una herramienta y no veo por qué el poeta ha de ser siempre prisionero del libro... La poesía se encuentra en todos los sitios». Para Bartolomé Ferrando, «integra el espacio que rodea al signo, y articula y da forma a conjuntos de éstos»», concluye el antólogo. LAS DIFICULTADES DE UNA ANTOLOGIA En fin, confiesa Alfonso López Gradolí que llevar a buen puerto esta antología no ha sido camino de rosas. «Alguno de los artistas contactados se descolgó porque se había incluido a otro con el que no se hablaba. Uno exigía que el libro se publicara... ¡en papel reciclado y sin usar colas! Hubo quien rechazó la idea de compartir espacio con otro medio centenar de artistas y sólo aceptaban la compañía de cinco o seis. Creo que los artistas visuales suman, sumamos, la susceptibilidad y la pequeña soberbia de los artistas plásticos y de los literatos», concluye Gradolí con divertida ironía. | ||||||||
| Titulo | Poesía experimental: catálogo virtual | ||||||||
| Autor | Marta Bravo | ||||||||
| Publicacion | Extremadura al día | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Poesía experimental: catálogo virtual de la Diputación de Badajoz
a responsable de publicaciones, Antonieta Benítez, acompañada del director cultural de la Diputación de Badajoz, Javier Bodas y la diputada delegada del Área, Inmaculada Bonilla la responsable de publicaciones, Antonieta Benítez, acompañada del director cultural de la Diputación de Badajoz, Javier Bodas y la diputada delegada del Área, Inmaculada Bonilla Coincidiendo con la convocatoria de la secta edición de poesía experimental, la responsable de publicaciones, Antonieta Benítez, acompañada del director cultural de la Diputación de Badajoz, Javier Bodas y la diputada delegada del Área, Inmaculada Bonilla presentaron esta mañana el catálogo virtual, un portal que recoge, con posibilidad de descarga, las manifestaciones artísticas premiadas en las anteriores ediciones del concurso de poesía experimental, convocatoria promovida por el departamento de publicaciones de la Diputación de Badajoz. El catálogo virtual incluye una galería de imágenes y una exposición permanente de las diferentes obras premiadas. La diputada delegada de Badajoz, Inmaculada Bonilla, anunció que además de un catálogo, han confeccionado una exposición o galería de arte virtual referida en este caso, a la manifestación artística o visual. El cual incluye cinco catálogos, lo que supone un total de 198 obras. En este sentido, apuntó que este fondo se encuentra a disposición de cualquier institución o entidad que lo solicite. Por este motivo, -añadió- ya hemos viajado por localidades, de dentro y fuera de la región, con el objeto de que puedan mostrar las obras en sus administraciones". De ahí que enumerase la celebración de exposiciones en ciudades como Álava y Lisboa. Bonilla señaló que este catálogo virtual permite "a los autores disponer de un lugar para expresarse a través de la poesía experimental, así como su difusión". "Prueba de la demanda que existe, -añadió- son las dos reediciones que hemos elaborado sobre poesía experimental". De este modo, "pretendemos también acercar al público este tipo de poesía, cuyo lenguaje es universal". Asimismo, la responsable de publicaciones, Antonieta Benítez, apuntó que han creado esta galería de imágenes y la exposición permanente de las obras con el objeto de divulgar el conocimiento y fomentar nuevas vocaciones | ||||||||
| Titulo | Poesía y Arte en el Medio Rural | ||||||||
| Autor | José A. Andrés | ||||||||
| Publicacion | La Voz de Salamanca | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental | ||||||||
| Sinopsis | Poesía y Arte en el Medio Rural
El V Encuentro y Festival de Poesía y de las Artes en el Medio Rural (PAN) se celebra el próximo fin de semana en la localidad de Morilla (Salamanca) Viernes 13, sábado 14 y domingo 15 de julio de 2007 son ls fechas elegidas para este evento, que se celebrará en la localidad de Morille y contará con la participación de distintas asociaciones e instituciones como la Asociación Cultural El Zurguén, el Ayuntamiento de Morille, la Universidad de Salamanca y la Diputación de Salamanca, entre otros. El festival cuenta con las siguientes exposiciones , que serán inauguradas a las 6 de la tarde del viernes 13 de julio Enrique Marty: Casa-Museo de Morille. Calle Salas Pombo. Pablo Herrero: Hectárea de interior. Escuela Municipal. Fernando Fonticova: SiYam. Nave en Calle Iglesia II. Antonio Gómez: La erótica del libro. Selección de Ex-Libris. Salón de plenos. Revista Lalata: 11 ediciones de Lalata. Biblioteca Muncipal. David de la Mano: Un buen día. Nave en Calle Mayor Iñaki Mata. Calles de Morille | ||||||||
| Titulo | Antologia de Poesia Visual de la U.C. | ||||||||
| Autor | G.B. | ||||||||
| Publicacion | Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | La UC edita una nueva obra de las antologías colectivas de poetas visuales de Cantabria
El volumen '32 arqueografías', de Antonio Montesino y Ramón Maruri, es el cuarto del proyecto que se extenderá hasta final de año con dos antologías más hasta superar los 200 poemas Edita: Taller de Poesía Visual y Experimental del Aula de Letras de la UC. Lugar: Santander. Año: 2007. El Rectorado de la Universidad de Cantabria y el Vicerrectorado de Extensión Universitaria han promovido la publicación de las primeras antologías colectivas de obras de poetas visuales de Cantabria.Son piezas editadas en nuestra región e integradas en el Taller Estable de Poesía Visual y Experimental del Aula de Letras de la Universidad de Cantabria, que inició sus actividades en abril del pasado año. La primera de dichas antologías fue '7 arqueografías', un encargo hecho por el Rectorado de la UC al Taller de Poesía con motivo de celebrarse en Santander, el pasado mes de mayo, la Junta de Accionistas de 'Universia', una red de casi un millar de universidades pertenecientes a once países de América Latina, España y Portugal. Posteriormente apareció '30 quartetas' y ahora la última entrega, '32 arqueografías', edición ampliada de '7 arqueografías'. Integrando los poemas visuales y experimentales contenidos en las tres antologías citadas y los realizados con motivo del homenaje 'Tzarabanda', que el año pasado dedicó el Taller al poeta dadaísta Tristan Tzara, se supera ya el centenar. Creadores Las cuatro publicaciones son obra de los poetas visuales de Cantabria Ramón Maruri, Antonio Montesino, Carlos Rodríguez, Florentino Puente, Vicente Gutiérrez, Noé Ortega y Ramón F. Maruri Sánchez. Los responsables de las antologías de los poemas visuales, poemas objeto, poemas letristas y collages, tratados en cuatricomías, son Antonio Montesino, director del Taller de Poesía, y Ramón Maruri, director del Aula de Letras. Hasta final de año se ha previsto editar dos antologías más que recogerán una selección de 66 poemas realizados por algunos de esos poetas del I Taller Estable de Poesía Visual y Experimental correspondiente a 2006 y dedicado al poeta vallisoletano Francisco Pino. Entre los objetivos del Taller Estable de Poesía Visual y Experimental del Aula de Letras de la UC, una experiencia única en Cantabria y abierta a la sociedad, cabría destacar «el conocimiento y desarrollo de diferentes métodos y técnicas expresivas visuales con el fin de proporcionar al ciudadano una necesaria educación estético-visual cívica, crítica, glocalizada y socialmente activa y comprometida que, sin duda alguna, será decisiva en la conformación de nuestra manera de entender la realidad social, en nuestra forma de ver las imágenes y, también, de percibirnos a nosotros mismos». | ||||||||
| Titulo | EL AMOR SIN FIN | ||||||||
| Autor | WILBER CISNEROS | ||||||||
| Publicacion | EL AMOR SIN FIN | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | HOLA A TODOS ESTO ES EL BUENO PARA LOS TEMPLADOS PARA SIEMPRE BUENO CUENDENSI CHAU | ||||||||
| Titulo | Arte con matasello | ||||||||
| Autor | Maria Jose Pastor | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte postal,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | CON MOTIVO DE LA II MOSTRA INTERNACIONAL DE ARTE POSTAL DE ELCHE (L´HOME)
Es un arte sin galerías, sin marchantes ni críticos. En el mail art las obras no pasan procesos de selección ni están influenciadas por las modas. Nadie paga un duro por estas creaciones porque el autor deja de ser su propietario cuando las remite por servicio postal. Para algunos, es el arte más democrático. El único requisito para formar parte de esta corriente artística es conseguir que Correos envíe, convenientemente matasellada, tu obra, por extraña que sea e independientemente del material utilizado, ya sea papel, plástico, metal o material orgánico. Todo lo enviable, con el único requisito de disponer de espacio suficiente para colocar los sellos. El artista ilicitano Juan Llorens ha conseguido movilizar a más de 1.000 artistas postales de todo el mundo en la primera convocatoria internacional realizada desde Elche. La idea se canalizó a través del Ateneo Pablo Iglesias, y en unos meses llegaron cientos de propuestas plásticas que, desde mañana y hasta el 8 de noviembre, se exponen en la sala del Parque Municipal. Este arte no tiene edad, ni una estética definida. Así, en la exposición hay trabajos de escolares ilicitanos o de asociados del Hogar del Pensionista. El arte postal, muy extendido desde hace décadas en todo el mundo, consiguió los primeros adeptos en Elche a partir de 1992. El pintor Juan Llorens quedó impresionado cuando correos le entregó un bote de refresco aplastado con su correspondiente sello. Se lo remitía desde Dinamarca una pareja de artistas que había participado en la ciudad en un proyecto internacional para decorar el cauce del río Vinalopó. "Un año antes habían recogido el bote aquí, y para celebrar el aniversario del trabajo me lo enviaron como una fórmula para suplir la comunicación normal ya que yo no hablo danés ni ellos español", dice Llorens. El artista ilicitano quiso contestar a sus amigos en su mismo lenguaje. "Me fui a Correos con una brocha de las que habíamos utilizado cuando pintábamos el río, pero en un principio se negaron a aceptar el envío", añade. Llorens se entrevistó con el entonces jefe de Correos local, Felipe Millanes, quien finalmente autorizó este tipo de envíos tras encontrar precedentes en la historia del servicio. Millanes, que en esos momentos era presidente de la agrupación de poetas locales, y por lo tanto receptivo a la llamada del arte, descubrió que en otro tiempo era común que las llaves se enviaban por este procedimiento. La convocatoria ha despertado la imaginación y los artistas han enviado todo tipo de objetos. Muchas latas de refrescos, tabalas de palmera, poemas visuales y escritos, conchas de mar e incluso hasta preservativos se han convertido en expresiones artísticas convenientemente mataselladas. "En las bases de la convocatoria fijamos que todas las obras deberían estar cosidas a una cartulina de tamaño din A-4 para facilitar su exposición", comenta Llorens. Para el organizador, la muestra quiere reivindicar un nuevo idioma, "tan elemental y tan simple como el de dotar a un objeto común de un significado sentimental para después dejarlo viajar por correos". | ||||||||
| Titulo | Paraules en Llibertat | ||||||||
| Autor | Josep Bertran | ||||||||
| Publicacion | La Mañana | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | La Fundació Guillem Viladot Lo Pardal de Agramunt es la organizadora de la mayor exposición que, a nivel internacional, se ha presentado sobre la poesía visual catalana. La muestra se inaugurará el día 27 de junio en el Instituto Cervantes de Berlín en el marco de las celebración del festival de poesía que se organiza en la capital alemana.
Patronat de Turisme La Fundació Lo Pardal , con el patrocinio del Institut Ramon Llull y el Instituto Cervantes y la colaboración de la Fundació Brossa presentará una exposición-homenaje a los artistas Guillem Viladot, Joan Brossa e Iglesias del Marquet considerados como los padres de la poesía visual catalana, según el gerente de la fundación agramuntina, Josep Miquel García. Además de la muestra de estos otros, la exposición también comprenderá el homenaje que los actuales poetas visuales catalanes hacen a sus predecesores. Participarán Xavier Canals, Josep Maria Calleja, Josep Vallribera, David Ymbernon, Bartomeu Ferrando y Eduard Escofet. También se editará un libro, en catalán, castellano y alemán con las obras de los tres poetas pioneros y con la de los actuales. Esta exposición forma parte del proyecto de difusión de la cultura catalana previa a la cita del la Feria del Libro de Frankfurt, en la que será la cultura invitada. Este fue uno de los temas más importantes en el transcurso de la reunión del Patronat de la Fundació Lo Pardal celebrada ayer en la capital del Sió. Otros temas de la programación de actividades para los próximos meses tratados durante la reunión fueron la edición de un libro que recogerá la poesía visual que Viladot publicó a lo largo de los años. Este libro se presentará con motivo de la celebración en Lleida de los 35 años de la inauguración de la Petit Galerie. Para el mes de diciembre está prevista una muestra, organizada por la Fundació, sobre los grabados de Lluís Trepat. La muestra se celebrará conjuntamente en Lo Pardal, el Espai Guinovart y los museos comarcales de la Segarra, l’Urgell y la Noguera. | ||||||||
| Titulo | Julian Alonso /Antologia Calambur | ||||||||
| Autor | Fernan Caballero | ||||||||
| Publicacion | El Norte de Castilla | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
Nacido en Palencia en 1955, Julián Alonso es licenciado en Geografía e Historia, pero mantiene una actividad creativa dispersa en diversos medios. En el cedé 'Golpe de viento' recogió toda su poesía visual, excepto la fotográfica. Entre sus libros, destaca el de relatos radiofónicos 'República de los sueños', además de numerosas obras de poesía visual. -¿Qué significa para su obra su inclusión en esta antología? -Aunque no es la primera antología en la que se me incluye, sí es una de las más importantes por la nómina de autores con los que comparto páginas y la editorial que la publica, Calambur, que es una de las editoriales de poesía más importantes del país. Esto supondrá seguro una mayor difusión a nivel nacional, por lo que faltaría a la verdad si no dijera que estoy orgulloso y agradecido de aparecer en ella. Respecto a mi obra, aunque ya es bastante conocida en los círculos poético-visuales, espero que con este libro se difunda un poco más en otros ámbitos literarios, y eso sería bueno de cara al reconocimiento de lo que uno hace. Intercambio de obras -¿Quiénes son sus mentores? -Una de las peculiaridades de la poesía visual y también uno de sus mejores activos es el intercambio de obras entre quienes la practicamos, de modo que, deliberadamente o no, existe un continuo trasvase de ideas y líneas de trabajo entre creadores muy enriquecedor y al que pienso que ninguno es ajeno. Quiero decir con esto que de alguna manera todos aprendemos de todos, aunque cada cual tenga sus propios referentes y sus admiraciones. Por mi parte soy bastante autodidacta, pero no por ello dejo de admirar a muchos autores tanto clásicos como contemporáneos. La lista sería larga, pero por decir alguno podría mencionar desde los ya fallecidos Brossa, Felipe Boso o Francisco Pino a creadores actuales como Antonio Gómez, Adolfo Vargas, Chema Madoz, Aute, Joaquín Gómez, Juan Rosco, Rafa Marín, Eduardo Fraile, Pablo del Barco, J. M. Calleja, Gustavo Vega, Quiñonero, López de Ael y un largo etcétera. -¿Con esta obra, la poesía visual tendrá el reconocimiento que merece? -Sobre eso soy muy escéptico. Pienso que el reconocimiento de la poesía visual es una labor perseverante del día a día, y este libro es un paso más en un camino que últimamente parece que va ampliando horizontes, pues de pocos años a esta parte no sé lo que sucede pero parece que los poetas visuales nos estamos poniendo de moda. Ojalá no sea una moda pasajera. -¿La antología es una simple recopilación de poemas y autores o supone también una revisión de la poesía visual? -Aunque Alfonso López Gradolí, que además de ser el antólogo es también un importante poeta tanto discursivo como visual, inicia la obra con un pequeño estudio a modo de resumen de lo que ha sido la poesía visual española de los últimos años, se trata fundamentalmente de una recopilación de los autores que considera más importantes, o al menos de los que él ha podido contactar. Incluye más de cincuenta con una nota biobibliográfica y cuatro obras en blanco y negro. Un ensayo riguroso del fenómeno es la eterna asignatura pendiente que aún no se ha acometido, aunque me consta que ya hay estudiosos trabajando en esa línea. Fenómeno nuevo -¿Qué lugar ocupa la poesía visual en la literatura? -Francamente no sabría contestar a esa pregunta. Es algo tan subjetivo Para quienes nos dedicamos a ello ocupa sin duda un lugar importante, por lo que supone de ruptura y de abrir nuevas vías creativas, pero hay todavía muchas personas que desconocen su existencia a pesar de que no se trata de un fenómeno nuevo. No olvidemos que los primeros poemas visuales conocidos se remontan a la cultura clásica griega, con autores como Teócrito y Simias de Rodas, o que en la cultura árabe existe una larguísima tradición caligramática, y también que se ha venido cultivando a lo largo de toda la Historia, especialmente en el Barroco y, a partir de Apollinaire y las vanguardias, a lo largo de todo el siglo XX, en cuyo último tercio se produce su mayor eclosión. -¿La poesía visual entronca con la creación artística? -Sin duda alguna. En una época en que las fronteras entre las diferentes disciplinas artísticas son cada vez más difusas, la Poesía Visual es la más fronteriza de todas, porque toma elementos de todas ellas. Eso es lo que particularmente he tratado de transmitir en las conferencias audiovisuales que últimamente doy por la provincia. -¿Un libro como éste puede ayudar a que esta poesía sea menos minoritaria? -Con esa intención se ha publicado y esperemos que lo consiga porque, a pesar del hándicap que supone que no se haya podido editar en color por lo prohibitivo que hubiera resultado, su contenido es realmente interesante. -¿Están todos en la antología o falta alguien? -Están casi todos. Ya sabemos que toda antología es un hecho subjetivo, porque parte siempre de la opinión personal del antólogo, que además estaba preocupado porque por razones de espacio en algún punto tenía que parar y porque no había conseguido contactar con algún autor, pero pienso que contiene una buena nómina, aunque por mi parte eche en falta a algunos para mi muy apreciados. | ||||||||
| Titulo | Talleres Literarios /Poesia Visual | ||||||||
| Autor | Redación | ||||||||
| Publicacion | Europa Press | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//...El mismo fin de semana, tendrá lugar el taller literario Poesía visual, poesía en movimiento a cargo del...//...
CIUDAD REAL, 30 Jun. (EUROPA PRESS) - Hoy comenzarán en Alcázar de San Juan (Ciudad Real) los talleres literarios que la Escuela de Escritores Alonso Quijano ha programado dentro de los cursos de la Universidad de Verano Alonso Quijano 2007 organizada por el Ayuntamiento de la localidad con la colaboración de la Universidad Autónoma de Madrid, la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM) y la UNED. Así, los dos primeros tendrán lugar hoy y mañana, domingo, y correrán a cargo de la escritora y Premio Vargas Llosa 2005, Mercedes Abad, y del poeta y profesor Álvaro Ardévol, según informó la Escuela de Escritores en nota de prensa. En concreto, el taller de Mercedes Abad lleva por título "El Arte de ser breve" y el objetivo "es conseguir que los alumnos trabajen sobre sus propios cuentos y aprendan a sugerir, a cortar a tiempo y a dotar al cuento de densidad, intensidad y emoción". La escritora barcelonesa, que acaba de publicar su segunda novela titulada "El vecino de abajo", estudió Ciencias de la Información en la Universidad Autónoma de Barcelona y se dio a conocer en 1986 con Ligeros libertinajes sabáticos, ganadora del VIII Premio La Sonrisa Vertical y ha publicado desde entonces los libros de cuentos "Felicidades conyugales", "Soplando al viento" y "Amigos y fantasmas", que obtuvo el premio Mario Vargas Llosa al mejor libro de cuentos publicado en 2004. En el año 2000 apareció su primera novela, Sangre, que mereció el aplauso de la crítica y del público. Es también autora de varios guiones de radio y de textos y montajes teatrales como "Pretèrit perfecte" (1992), "Se non è vero" (1995) o "Bunyols de Quaresma" (1998). Además, ha adaptado para la escena "Las amistades peligrosas" (2001) o "La filosofía en el tocador", del Marqués de Sade, para el espectáculo XXX (2002) de la Fura dels Baus. Colaboradora habitual en la edición catalana de El País, ha reunido sus artículos en el volumen "Titúlate tú" (2002). POESÍA VISUAL, POESÍA EN MOVIMIENTO El mismo fin de semana, tendrá lugar el taller literario Poesía visual, poesía en movimiento a cargo del artista y poeta Álvaro Ardévol cuyo objetivo es "a través de ejercicios prácticos, reflexionar sobre el hecho poético que no necesariamente está vinculado a la palabra: la poesía puede ser también imagen o movimiento. La vida es movimiento y el movimiento es la relación del espacio con el tiempo". Las melodías ilustradas o las poesías animadas así como parte de su obra están recogidas en www.alvaroardevol.org Ambos talleres se desarrollarán durante la mañana y la tarde del sábado, en horario de 10.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 21.00 horas para finalizar la mañana del domingo en horario de 10.00 a 13.00 horas. Los siguientes talleres serán el 14 y 15 de julio a cargo de Ana Alonso y Javier Pelegrín, "Claves de la ciencia ficción", un enfoque práctico que aportará las claves necesarias para el diseño de personajes, escenarios y tramas en este género. El 21 y 22 de julio, tendrá lugar el taller "Corrección tipográfica y de estilo" que dirigirá Luis Lagos, responsable de edición y realización de la editorial Seix Barral, y en el que se hará un repaso a los conocimientos básicos para la corrección tipográfica y se verá el oficio de corrector de estilo. Y, por último, el 28 y 29 de julio, el taller de narración oral "Cuento contigo" a cargo de Ana Nery López y Milagro María Vicente cuyo objetivo es un acercamiento al mundo de la narración oral por medio de distintas técnicas creativas y expresivas y descubrir y potenciar el narrador que todos llevamos dentro. Por último, todos los talleres literarios tendrán lugar en la sede de la Escuela de Escritores Alonso Quijano, en el municipio de Alcázar de San Juan, en el Hotel Husa Convento de Santa Clara. | ||||||||
| Titulo | |||||||||
| Autor | Rafael de Cozar | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | En los últimos años, tal vez de forma un tanto sorprendente, está dejando de ser novedad y campo adscrito a la vanguardia minoritaria la llamada poesía visual, el poema en imágenes, aquel que se escribe robándole la visualidad a las artes plásticas, la síntesis entre literatura y artes gráficas. Lo sorprendente es que este tipo de poesía empezó a desarrollarse en España hacia mediados de los sesenta, gracias a un reducido grupo de pioneros, repartidos por toda España, dentro de círculos muy especializados, con los antecedentes de la primera vanguardia y a través de exposiciones, ciclos y congresos, saliendo raras veces de esos círculos, algo que ahora está evidentemente cambiando. Tal vez el ancho mundo de Internet, sin duda idóneo para este tipo de expresión, ha colaborado a la expansión de estas fórmulas, pero lo curioso es que ahora empieza a asomar cada vez más en los circuitos normales, las instituciones, o las editoriales convencionales y comerciales.
Sorprendente es, por ejemplo, que esté en Peñarroya-Pueblonuevo (Córdoba) el Centro Español de Poesía Visual, dirigido por Francisco Aliseda, quien organizó en 2006 el Primer Encuentro Nacional, o que un año antes Zafra organizara un ciclo importante en esta línea, o que la Consejería de Extremadura convoque desde hace unos años un premio literario de este tipo de poesía, publicando los catálogos, y que revistas muy diversas empiecen a incluir ejemplos en sus páginas. La última Feria Internacional de Guadalajara (México), dedicada a Andalucía, expuso un taller de poesía visual que coordinamos Pablo del Barco y yo mismo. El antiguo editor Víctor Pozanco, que ha vuelto a las andadas impresoras, lo ha hecho con varias antologías a nivel nacional. También está a punto de salir en Madrid una amplia antología con autores de todo el país, obra coordinada por un histórico de estos temas, Alfonso López Gradolí. En 2006 la editorial cordobesa Anfora Nova, que ya había dedicado un monográfico de su revista a este tipo de poesía, editó el libro Poesía Visual Andaluza, interesante antología en cuatricomía de poetas de la región, como Francisco Peralto, Antonio Orihuela, Juan Orozco, Juan José Espinosa, Belén Juárez, Teresa Lafita, Manuel Calvarro, Féliz Morales, así como el citado Aliseda y Pablo del Barco, entre otros. Ya en 2004 el palentino Julián Alonso elaboró un CD no venal con la más amplia selección de autores españoles que ha salido hasta ahora, la cual puede verse en Internet. De hecho un somero recorrido a través de lo que nos aparece en google al introducir la búsqueda del tema nos da una impresión suficiente de la amplitud que está teniendo el género. Y lo cierto es que no deja de ser lógico, en un mundo dominado por la imagen, donde lo visual nos llega por la calle desde todos los frentes, que este tipo de poesía tuviera su implantación, aunque no muchos saben que si lo visual en la literatura tuvo un empuje especial desde Apollinaire y la primera vanguardia, sus raíces, sin embargo, arrancan del siglo IV (aC), en el antiguo caligrama. Desde los griegos y romanos, así como en las literaturas árabe, hebrea o china, esta tradición del poema con dibujo nunca se ha detenido, del mismo modo que tampoco ha dejado de potenciarse la dirección de la palabra poética hacia la música, forzando incluso al idioma. Pero también es sorprendente que, si los andaluces tuvieron un papel esencial en el surrealismo de los años veinte-treinta del siglo XX, de nuevo pueda evidenciarse una tendencia hacia la esteticidad plástica en los actuales poetas visuales de esta zona y que la poesía visual esté extendida por todo el país, y no concentrada en los grandes centro urbanos, más proclives a la modernidad. Rafael de Cózar es autor de Con-cierto visual sentido. Poemas (1968-2004). | ||||||||
| Titulo | Muntadas en Buenos Aires | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Actualidad Terra | ||||||||
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| Materia | Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | El español Muntadas recorre con fotografías los momentos históricos de Buenos Aires
A través del contraste entre el blanco y negro, y el color de las fotografías del artista español Antoni Muntadas, la exposición 'Media Sites/ Media Monuments, Buenos Aires' recorre los momentos históricos que marcaron la ciudad y que en su momento fueron recogidos por los medios de comunicación. A través del contraste entre el blanco y negro, y el color de las fotografías del artista español Antoni Muntadas (en la imagen), la exposición Media El español muntadas recorre con fotografías los 'Hay lugares que asumen una relevancia especial porque allí ocurrió un evento y fue cubierto por los medios, pero conforme transcurre el tiempo, esos espacios recuperan la cotidianeidad del día a día y caen en el olvido', destacó hoy el artista en una rueda de prensa. 'Por ello, este trabajo habla de la memoria, el silencio, el vacío y el olvido', añadió. El proyecto, que se expondrá ante el público a partir del próximo viernes en el espacio Fundación Telefónica, viene a sumarse a los que Muntadas ya hiciera en Washington DC (1981) y Budapest (1998), ciudades elegidas por el autor por contar con una 'memoria colectiva muy importante'. 'Alemania y Argentina son los dos países con más memoria colectiva', afirmó a Efe el artista. A parte de esta obra, desde el viernes y hasta el 5 de agosto se expondrán en diferentes puntos de la capital argentina diversas iniciativas de este artista catalán, entre las que destaca una sala de juntas en la que se encuentran 12 retratos de diferentes líderes religiosos que en lugar de boca tienen un monitor en el que se reproducen documentales televisivos. Una mesa redonda cubierta con mapas y equilibrada con libros, que alude a la globalización de las artes; una pared llena de mirillas a través de las que los visitantes pueden observar diferentes escenas urbanas o fotografías de colas en museos, edificios institucionales o recintos religiosos, son otras de las propuestas que se presentarán ante el público porteño. 'La idea es componer un mosaico a través de diferentes proyectos que se complementan. Crear un tejido en distintos espacios de la ciudad con el que llegar a diferentes tipos de audiencia', explicó Muntadas. | ||||||||
| Titulo | Antonio Gomez y la poesia visual | ||||||||
| Autor | JOSÉ MARÍA GUTIÉRREZ | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Antonio Gómez, uno de los creadores más reputados y de mayor proyección dentro del experimentalismo poético español, ofrece hoy, a las 20,00 horas, una sesión teórico-práctica de poesía visual en el Paraninfo de la UC, titulada 'Mirar y ver como forma de leer'. El acto, con entrada libre, está organizado por el Aula de Letras de la UC, que dirige Ramón Maruri, a través de su Taller Estable de Poesía Visual y Experimental, dirigido por Antonio Montesino.
Antonio Gómez (Cuenca, 1951) es monitor ocupacional en una Comunidad Terapéutica para la rehabilitación de toxicómanos en Mérida, en donde reside desde 1977. En 1971, en su ciudad natal, realizó su primera exposición de poesía visual, y hasta hoy su obra ha estado presente en más de trescientas muestras colectivas realizadas en más de veinte países. Aunque es autor de varios poemarios formalmente discursivos, su obra entra de lleno en el campo de la poesía experimental y de los libros objeto. Su necesidad de comunicación ha hecho que sus criterios estéticos se hayan ido modificando de una manera progresiva sin rupturas bruscas ni excluyentes, lo cual, según manifiesta, «no significa haber conseguido un método de trabajo. El orden, la integración y la expresión tienen su valor, pero también lo tienen el desorden, la desintegración y la inexpresividad». Las continuas contradicciones que el día a día propicia son las referencias más comunes de trabajo, al aplicar en ellas el proceso causa-efecto, de tal modo que «las respuestas o soluciones que me sugieren casi siempre las resuelvo mediante planteamientos espaciales o visuales. Mi educación como espectador ha evolucionado hasta el extremo de intentar comprender e interpretar de una manera visual todo lo que me rodea. Al asociar, enfrentar o manipular imágenes u objetos se les adjudica nuevos significados, se está codificando un nuevo lenguaje directo y efectivo». Activo y polifacético Gómez es poseedor de una muy dilatada obra: se halla presente en una treintena de antologías y en otra treintena de poemarios visuales y libros objeto. Mientras, su obra gráfica se encuentra en diversos museos, colecciones y se ha exhibido en ferias de arte internacionales; ha grabado un poema fónico y realizado diversas performances, a la vez que ha dirigido y participado en diversos talleres creativos de poesía visual y animación a la lectura y en cursos, jornadas y encuentros. | ||||||||
| Titulo | LA ERA DEL 'COPYLEFT' | ||||||||
| Autor | PATRICIA F. DE LIS | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Las leyes que han protegido la creación cultural en los últimos cien años no sirven en la sociedad digital. Es lo que defiende Lawrence Lessig, catedrático de Derecho en Stanford y fundador de Creative Commons, la alternativa más extendida al copyright. En la era YouTube, en que las herramientas creativas están en manos de millones de personas, Lessig defiende las licencias copyleft, en las que el autor decide qué derechos ejerce y qué libertades otorga a sus usuarios.
León Tolstói estaba avergonzado. Su mujer le presionaba para que aceptara el dinero que procedía de sus derechos de autor, pero él creía que no debían ponerse límites, ni precio, a la extensión de sus ideas. "Para mí es un sufrimiento, una vergüenza", reflexiona en sus Diarios. "¿Por qué debilitar el efecto que podría tener la prédica de la verdad?". "Los autores sólo pueden crear con el permiso de los poderosos o de los creadores del pasado" "Hay que pensar en si el modelo de protección de las obras de Madonna tiene sentido para todos" Más de cien años después, Lawrence Lessig se declara dispuesto a devolver al autor la capacidad de decidir cómo quiere que se difundan sus ideas. El catedrático de Derecho Constitucional en la Universidad de Stanford (EE UU) es uno de los mayores especialistas del mundo en derechos de autor. Aunque Lessig ha sido calificado de "radical" por las entidades gestoras de derechos, él defiende el copyright. Sólo que no cree que sea para todo el mundo. Con un juego de palabras, Lessig explica que la cultura en el siglo XIX era "regrabable", ya que los autores creaban apoyándose en las ideas de otros. El siglo XX es de "sólo lectura", porque la extensión del copyright -en la Constitución estadounidense de 1787 duraba 17 años; ahora, se acerca a los 200- y el hecho de que las herramientas creativas estén en manos de unos pocos convierte a los creadores en consumidores pasivos o en delincuentes que violan la propiedad intelectual. "Los autores sólo pueden crear con el permiso de los poderosos o de los creadores del pasado", dice Lessig. El siglo XXI ha cambiado radicalmente las reglas. En la era YouTube, los consumidores se convierten en "recreadores": el 57% de los adolescentes estadounidenses ha colgado vídeos en Internet y ya hay, por ejemplo, 300 o 400 horas de obras realizadas con pedazos de anime japoneses. "No podemos matar esa creatividad, la ley sólo puede criminalizarla. No podemos hacer que nuestros hijos se conviertan en seres pasivos, llamarles simplemente piratas. Hemos convertido a los creadores en revendedores en el mercado negro". La respuesta de Lessig es Creative Commons, un conjunto de licencias flexibles que otorgan al autor la capacidad de decidir qué derechos y libertades acompañan su obra. Lessig (Rapid City, 1961) pasó la semana pasada por Sevilla, invitado por la Fundación Telefónica, para participar en el seminario Creatividad e innovación en la cultura digital. Pregunta. ¿Por qué creó Creative Commons? Respuesta. Para entender lo que es Creative Commons [CC], hay que entender el problema que trata de resolver. Las leyes del copyright regulan las copias de las obras pero, en el mundo digital, cada uso individual de cualquier obra crea una copia. Eso significa que, en principio, tienes que tener una licencia para cada uso, aunque seas un niño que utiliza imágenes de Disney para un proyecto del colegio. Sin embargo, muchos creadores no quieren que el control de su obra esté tan restringido; prefieren que la gente haga cosas con su trabajo, que lo copie, que lo comparta, que realice proyectos. Las restricciones del copyright no tienen sentido en este contexto. Es una tragedia que hayamos creado un régimen que concibe la creatividad de millones como ilegal. Y es importante tener este debate. P. ¿Por qué? R. Porque la tecnología está cambiando la relación de la gente con la cultura. Hacer un disco o una película estaba reservado a un pequeño grupo de gente, y muchas formas de expresión cultural han acabado siendo desechadas. Lo que las tecnologías digitales han conseguido es que, de nuevo, un montón de gente pueda participar en esta creación cultural. Y en lugar de impulsarlo, la ley está en contra de esta nueva creatividad. P. ¿Puede haber creación sin industria? R. No. Y ésta es una de las razones por las que pienso que el copyright es esencial, incluso en la era digital. Nada de lo que hacemos intenta negar la importancia de la industria, pero el modelo de industria tradicional que fue desarrollado en el siglo XX no tiene sentido en el XXI. No es un debate a favor o en contra de la propiedad, es un debate sobre cuál es el régimen que permite a la mayor cantidad de gente posible ser creativa, mientras se protegen los necesarios incentivos comerciales de la industria. Lo que hay que pensar es si el modelo de protección de las obras de Madonna es el que tiene sentido para todas las formas de creatividad del mundo. Es un modelo muy particular desarrollado en un momento muy particular, con un determinado tipo de tecnología. La idea de que debe haber un solo modelo para todos los tipos de creatividad es ridícula. Y CC no es una manera de impedir que la gente explote sus obras; es una manera de ayudar a los autores a decidir cómo hacerlo. P. Usted menciona en su libro Cultura libre que el problema es que hemos dejado que los más amenazados por este cambio sean los que han desarrollado las leyes. R. Así es. Uno de los mayores problemas de este tema es la corrupción del sistema, no en el sentido político, sino por el hecho de que la industria cultural ha tenido mucho éxito en crear lobbies. P. ¿Qué piensa del intercambio de obras creativas por Internet? R. Espero que la gente no use las redes P2P [de intercambio] para violar el copyright de otros. Lo digo porque no creo que se deban violar los derechos de nadie pero, además, porque esa actividad es la gran excusa que tiene el otro lado para decir "debemos controlar Internet", haciendo que sea más difícil para nosotros centrar la atención en la actividad creativa, que no debería estar limitada por el copyright. Pero no importa lo que haga la industria. Puede poner barreras técnicas o denuncias, pero no va a detener el intercambio de archivos. ¿Y ha servido para algo esta guerra? Los niños son criminales y los artistas no ganan dinero. P. En España hay una polémica, la imposición de un canon en cada dispositivo digital susceptible de contener obras creativas, incluidas cámaras fotográficas. ¿Qué opina? R. No conozco las particularidades de la propuesta española, pero lo que no entiendo del sistema europeo es que aúna lo peor de dos mundos: el sistema americano no impone tasas sobre ningún dispositivo, pero sí intenta controlar las copias, y el europeo puro impone tasas a la tecnología, pero te deja libertad para copiar. Eso significa que si compras un reproductor eres libre de llenarlo con la música que quieras, porque ya pagas. Europa no se decanta por ninguno de estos sistemas: tiene los dos. Tiene el impuesto, pero también las restricciones. Deberías pagar por el copyright una vez, y si pagas un impuesto por los dispositivos, entonces deberías ser libre de hacer copias. P. ¿Qué le diría a los autores españoles que creen que no hay nada más que el copyright frente a la copia desenfrenada de Internet? R. Deberían saber que el modo en que están protegidos depende de tecnologías y modelos de negocio del pasado. Por ejemplo, el editor de mi libro Cultura libre pensó que debía estar gratis en la Red. ¿Por qué tiene sentido? Bueno, no es un libro corto, así que el coste de imprimirlo es mayor que el de comprarlo, y el editor pensó que, si lo ponía en la Red, mucha más gente lo conocería y lo compraría. Y el editor no quiere perder dinero. Intenta hacer más. P. ¿Y funcionó en su caso? ¿Hizo dinero con su libro? R. Bueno, hice tanto dinero como me prometieron. Y el libro ha sido descargado más de medio millón de veces. Eso es extraordinario para un académico [se ríe]. LA ERA DEL 'COPYLEFT' - Creative Commons (CC) permite la copia de una obra en las condiciones que decida el autor. Hay quien, por ejemplo, admite la libre copia, pero no su modificación o uso comercial.- Hay 42 millones de obras protegidas por CC.- Las canciones de Gilberto Gil o David Byrne, las fotos del portal Flickr, los ensayos del MIT y los artículos del periódico 20 Minutos están bajo licencias CC. | ||||||||
| Titulo | Angela Serna y Texturas (letra N) | ||||||||
| Autor | TXEMA G. CRESPO | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
ÁNGELA SERNA, directora de la revista Texturas, vive en estos últimos años el reconocimiento a su carrera poética con la participación en distintos festivales y la publicación en 2006 de tres poemarios. Profesora de Filología Francesa en la Universidad del País Vasco, su pasión por la escritura y la edición se remonta a su infancia en el pueblo salmantino de Fuentes de Béjar, donde descubrió la poesía visual antes de conocer las vanguardias literarias que tanto le han marcado. Desde Texturas, que ahora cumple 20 años, difunde la creación alternativa, con la colaboración en el consejo editorial de escritores de la talla de Juan Goytisolo, Carlos Fuentes o Julián Ríos. El próximo número de Texturas, el correspondiente a la letra N, estará dedicado a Nazario, el dibujante de cómic underground, que triunfó en la revista El Víbora en los años ochenta, ahora convertido en novelista. En los últimos ejemplares, la publicación que dirige Ángela Serna (Salamanca, 1957) ha prestado su apartado monográfico a Pilar Miró, Juan López de Ael o Frida Kahlo, al mismo tiempo que incluía distintas colaboraciones marcadas por un interés por la vanguardia. Así desde 1987, cuando salió el primer número. "Por mi propio trabajo en Filología Francesa, yo mantenía una relación muy cercana con las vanguardias históricas, con Apollinaire, Dadá o los surrealistas. Y me di cuenta de que en España no había ninguna publicación que tratase estos asuntos con profundidad. Salvo la revista Poesía que sacaba el Ministerio de Cultura, España era un erial en el tratamiento de la poesía experimental", comenta Ángela Serna. "Escritura:/ unos instantes de libertad/ ante el precipicio del mundo" escribe en uno de sus últimos libros, De eternidad en eternidad. La poeta salmantina se recuerda desde niña escribiendo y recortando palabras para luego pegarlas en cuadernos que repartía entre sus familiares. "Desde siempre he ido haciendo cosas, sin mirar lo que se hace al lado. De este modo, hacia 1985 me comienza a intrigar la idea de publicar una revista que abordara la creación alternativa. Lo comenté con el novelista Julián Ríos y me ofreció su apoyo, pero también me aconsejó que la propuesta debería contar con el apoyo de firmas reconocidas. Fue él quien habló con Carlos Fuentes, Juan Goytisolo o Severo Sarduy para que respaldaran el proyecto". Lo cierto es que la apuesta de la escritora se sale de los cánones establecidos. Su propia dedicación a la poesía visual, un género que bebe del surrealismo, que camina al margen de la poesía oficial y hasta de la oficiosa, se convierte en uno de los acicates para lanzar Texturas, que ahora cumple 20 años. "Nunca me he sentido un bicho raro; simplemente tienes la necesidad de hacer algo y lo haces, sin plantearte si es algo que encaja en los cánones o no", aclara la autora de libros como Vecindades del aire o Luego será mañana. "Eso sí, soy consciente de que Texturas es una cosa extraña. Hace unos años salió un artículo en un periódico local sobre revistas literarias, bastante exhaustivo, y no nos citaba. Es cierto que no ha llevado las vías normales de distribución [sólo se puede adquirir contrarrembolso], pero en cambio ha llegado a Estados Unidos, Europa y parte de África. Ha crecido sola", añade. Serna se maneja con seguridad en su apuesta poética y eso se nota en la línea editorial de Texturas. Los monográficos han abarcado a creadores como Apollinaire, Marcel Duchamp, Vicente Huidobro o Jorge Oteiza, que reflejan la orientación de la revista. La poeta afincada en Vitoria reflexiona sobre la creación artística y su presencia en los medios: "Hay unas manifestaciones artísticas que infunden cierta seguridad, y eso luego se refleja en la prensa. Por el contrario, todo aquello que, por desconocimiento o por otras causas, crea incertidumbre no aparece en los medios de comunicación. Es un por si acaso meto la pata. Todo lo que es más experimental o alternativo no aparece, y si lo hace es como mero folclore", comenta. La obra literaria y editorial de Ángela Serna, sin pretenderlo en ningún momento, cuenta con un reconocimiento más allá de su ciudad de residencia. Sabe que forma parte de una corriente subterránea sin voluntad de salir a la superficie. "No hay un afán de que se te vea; simplemente, interés por hacer tu trabajo. Es un terreno más generoso, pero por otra parte más pacato, no hay intención de hacer ruido ni promoción, y eso nos lleva a un anonimato que tampoco es deseado". "La Municipalidad notifica: 'Hemos embargado sus pensamientos", se lee en un poema de Vecindades del aire. Ese temor a la pérdida de la independencia, a la esclavitud del orden aparece en el trabajo de Ángela Serna. "Yo no he buscado nada en mi caminar poético. Hay muchos caminos en la vida; unos quieren llegar al premio Planeta, otros al Nobel y yo simplemente quiero escribir. La escritura, además, tiene un punto de soledad inevitable. Lo que venga luego será por añadidura". Y el reconocimiento va llegando. Si Texturas cuenta con una distribución internacional a base del boca a oreja, algo parecido ha ocurrido con su obra poética En 2005, por mediación de Bartolomé Ferrando, uno de los referentes de la performance en España, fue invitada a participar en el prestigioso Festival de poesía Voix de la Méditerranée, de Lodève (Francia); y en 2006, a los encuentros poéticos (Rencontres poétiques) de Frontignan (Francia). Paralelamente, mantiene una intensa actividad como rapsoda (ha colaborado en un par de CDs de poesía gallega) y continúad trabajando en la difusión de la escritura creativa. | ||||||||
| Titulo | Dionisio Cañas:40 videopoemas | ||||||||
| Autor | Margarita Garcia | ||||||||
| Publicacion | Lanzas Digital | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | La consejera de Cultura de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, Blanca Calvo, presidirá el acto de presentación de una nueva y original obra del poeta Dionisio Cañas, editada en formato DVD: “Videopoemas 2002-2006”. En los mismos la escritura y el habla, las imágenes y los sonidos, los símbolos y los conceptos interactúan entre ellos y el espectador-lector. Esta manera de editar poemas es pionera en nuestra región.
La presentación oficial será el próximo martes, día 5 de junio, a las 8 de la tarde en el salón de actos de la Biblioteca “García Pavón” y contará también con la presencia de Rocío Torres, directora del espacio de lectura; Antonio Lázaro, Jefe de Servicio de Publicaciones de la JCCM, y el alcalde, Carlos Cotillas. Este acto cultural se enmarca dentro de los “Encuentros con las Letras” que se vienen desarrollando desde hace meses con la presentación de las últimas obras de conocidos escritores, periodistas o poetas. Organizados por la Biblioteca en colaboración con el área de Cultura y la Red de Lectura Pública de Castilla-La Mancha, los encuentros pretenden acercar a los autores y sus obras a los lectores; de forma que den respuesta a sus curiosidades e inquietudes y atraigan su interés hacia el mundo de la Literatura. Los “Videopoemas 2002-2006” del poeta, Dionisio Cañas (Tomelloso- 1949) son el resultado de una doble exploración, teórica y creativa, de este género que está relacionado con la poesía y el videoarte. En la introducción de esta obra se estudia la evolución del cine-poema y el cine-experimental hasta llegar a la emergencia del videopoema en los años 60 del pasado siglo. El autor expone igualmente cual ha sido su trayectoria personal respecto a la videopoesía desde sus primeras creaciones realizadas en Nueva York hasta las más recientes creadas en la Mancha. El DVD incluye 40 videopoemas de y dos documentales sobre su obra. Tanto el texto como los videos se publican por primera vez en forma de libro-DVD. o | ||||||||
| Titulo | Un libro sugerente | ||||||||
| Autor | Carmelo Arribas | ||||||||
| Publicacion | Extremadura al día | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis |
Siempre es interesante la presentación de un libro, pero si es un libro que se sale de los cauces habituales de lo que denominamos letra impresa, todavía lo es más. Ayer se presentaba en ese local que se autodenomina: "Espacio multiuso", situado en la calle Sagasta 21, y que aunque no aparece nombre en parte alguna, lleva el título de "Las tres ranas", que parodiando a los famosos monos, oyen, ven y callan, el libro de Antonio Gómez, editado por la Universidad de León,: "De acá para allá", una selección de su producción de poemas visuales de los 10 últimos años. "Todo el mundo me pide poemas visuales, aunque me siento más a gusto con la poesía convencional", explicaba el poeta en su presentación. Es su tercer trabajo "antológico", tras: Made in Mérida y Peccata minuta. Comenzó la introducción Rodolfo Franco, que había preparado la puesta a punto de la presentación. Posteriormente, Antonio Gómez fue comentando el significado de los poemas, si bien, cada uno "sugiere" diversas lecturas según quien los contemple, pero sobre todo, el origen de su creación, minuciosa y elaborada, como es habitual en el trabajo de Antonio, que ha convertido su obra en una extraña mezcla, en la que la labor artesana, la creatividad, el impacto visual y la lectura poética, forman una amalgama que da como resultado un producto final complejo, cuyo lugar han decidido los editores que se encuentra mejor en las Galerías de Arte, en el Museo Reina Sofía y en general en los ámbitos artísticos, mas que en las librerías convencionales. Las imágenes trasplantadas al ordenador por Rodolfo Franco, fueron seguidas por un público que dejó insuficiente la pequeña sala. Destacaba Antonio el amplio estudio del prólogo de Miguel Angel Lama, sin duda el mejor y mayor estudioso de su obra y continuaba con el comentario de cada una de ellas, incluso aportando algunas apreciaciones que no pueden verse adecuadamente en las fotografías del libro y que le dan mayor contenido a las imágenes como : "Muestrario", en el que explicó, que donde están descansando las cruces, es en una "manta" de las que utilizan los viajantes de joyería, o la de: "Estrellato", que al realizar la figura, cayó en la cuenta que las letras de Coca-cola, que estamos acostumbrado a ver, si se colocan en posición vertical dibujan la silueta de la conocida botella. Mas premonitoria constituye, la "Palmatoria", en la que dos velas negras, chorrean cera sobre el signo del dólar, y que algunos han querido ver una referencia al 11 S, con las dos torres "quemadas", sobre el dólar, y cuyo título "palmatoria" resultaría sarcástico, pero esta obra estaba ya publicada años antes que se produjera el atentado del 11 de Septiembre en las Torres Gemelas. Poema a poema, Antonio Gómez nos "sugiere", temas tan de siempre como: "Tránsfugas", en la que un lápiz de color azul exteriormente, tiene una "mina", roja y viceversa, o nos propone "acciones", como Acirema (América al revés) en la que en el mapa el Norte está en el Sur y el Sur en el Norte realizado con las huellas digitales que él pretendía que fuera de inmigrantes sin papeles, aunque no ha podido todavía conseguirlo, o el "rey melón". Y siguió con "Camada de vívoras" como homenaje a los escritores, en donde los mangos de las plumas se retuercen como serpientes. Y así, con referencias a la religión, la política, la monarquía, a la que dedica varios poemas en los que retoma el "finis gloria mundi", de nuestros clásicos, con una calavera coronada con la corona del roscón de reyes, va pasando por todos los temas vitales, con un lenguaje universal, el de la imagen, porque en todo el mundo los sentimientos y comportamientos humanos son siempre los mismos, sólo se necesita de alguien que sepa plasmarlos. | ||||||||
| Titulo | ENTREVISTA: CLEMENTE PADÍN | ||||||||
| Autor | EVA LARRAURI | ||||||||
| Publicacion | EL PAIS | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Clemente Padín (Lascano, Uruguay, 1939) dice que merece la pena dedicar toda una vida a la poesía experimental. Autor de 20 libros sobre el tema, trata de transmitir su entusiasmo a lo participantes en un seminario sobre poesía experiemental que se celebra esta semana en BilbaoArte, antes de viajar a París para participar en la apertura del E-poetry Festival, dedicado a la poesía electrónica.
Pregunta. ¿No debe ser experimental toda la poesía? Respuesta. Sí, se supone que los verdaderos creadores para hacer una obra genuina deben cuestionar su propio lenguaje, y al hacerlo deben experimentar con él. Sí, la poesía es experimental en sí misma. El término se usó de una manera estratégica para diferenciarla de la poesía verbal, tradicional. Pero realamente es un disparate. P. ¿Cuál es el papel que juega lo visual y lo sonoro en la poesía experimental? R. Fue estudiado por James Joyce, cuando habló de "verbivocovisualidad" tratando de unir las tres vertientes más importantes del lenguaje: la verbalidad, la visualidad y la sonoridad. La poesía concreta, hace ya 50 años, hizo de esa palabra compuesta de Joyce su finalidad primordial: poemas que sonaran, se vieran y que, además, verbalmente tuviera una significación acorde con lo que se oía y se veía. P. ¿Qué momento atraviesa este tipo de poesía? R. Una etapa muy rica e interesante, fruto del gran desarrollo tecnológico de la comunicación. Ha provocado un nuevo soporte multimedia, que no sólo permite utilizar la página sino también la animación, el movimiento. Y esto significa que hablamos del tiempo. La poesía visual, de por sí, es espacio; y ahora también puede ser tiempo. P. ¿Conecta con el vídeoarte? R. El vídeoarte es un soporte, no una corriente artística. El vídeo y todas las formas de reproducción digital pueden ser utilizadas por la poesía. Siempre ocurre que un gran movimiento trae como contrapartida una reacción de ciertos poetas que están trabajando en el campo de la poesía-acción. Se sienten muy separados de la gente, por la manera en la que nos comunicamos con la máquina, y buscan el contacto directo a través de la performance poética.Y eso, a su vez, provoca otras reacciones: hay poetas que hacen acciones con gente, pero utilizando medios digitales. P. La electrónica y la poesía parecen muy distantes. R. Eso ocurre porque no tenemos claro el concepto de soporte. Una forma expresiva puede asumir múltiples soportes. Un poema se puede escribir sobre un papel, en el piso, proyectarse en una patalla de televisión. Cambia el soporte; lo que no cambia es el medio expresivo, la palabra. Inclusive los contenidos propios de la poesía, como el amor, la muerte, la soledad, están ahí; lo importante es como los expresamos. Y entonces entran los soportes, los nuevos medios que dan nueva luz a la palabra. Por eso yo insisto tanto en que tenemos que aprender a leer no los contenidos, sino las formas. P. Fijarse más en lo formal no está muy valorado en otras disciplinas. R. Sí, es un poco hipócrita. Puedo decir, "me importa el contenido, los asuntos importantes", pero el tema es como yo lo expreso. La ventura es ser tan talentoso que puede aunar ambas cosas: lo novedoso en la construcción formal con los temas prestigiosos. P. ¿La forma puede ser revolucionaria? R. Exacto. Y puede provocar emoción. | ||||||||
| Titulo | Julián Alonso, publicidad y poesía visual | ||||||||
| Autor | Ines Quijano | ||||||||
| Publicacion | El Norte de Castilla | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | El palentino Julián Alonso Alonso es uno de los pocos poetas visuales que existen a lo largo y ancho de la geografía nacional. Aunque trabaja como funcionario en la Junta de Castilla y León, Julián Alonso dedica sus ratos libres a la literatura y a la poesía visual, una afición que le viene desde hace más de veinte años. Durante este mes y de la mano de la Diputación Provincial de Palencia, está recorriendo diez pueblos palentinos para dar a conocer este género de creación artística a todos los vecinos que se acercan a escucharle.
-¿Qué es la poesía visual? -En principio, es una forma de creación artística que comparte dos disciplinas, que son la literatura convencional y el arte en su conjunto, es decir, la pintura, dibujo, la escultura, las instalaciones... De esa combinación surge una manera de interpretar literariamente lo que se está viendo. -¿Cómo lo explica? -La poesía visual no es un fenómeno nuevo. El primer ejemplo que muestro es del siglo IV antes de Cristo, de los griegos y, a partir de ahí, un poco la trayectoria que ha seguido en las diferentes formas de poesías visuales, lo que en el barroco se llamaba la poesía figural, también de épocas medievales, de épocas más modernas, de Guillaume Apollinaire (que pasa por ser el creador del moderno caligrama). Después, hago un repaso rápido a lo que se hace ahora mismo en poesía visual y en ciberpoesía. -¿Es bien entendida por el público? -Hay imágenes que ves y muchas veces te preguntas qué es. A lo mejor piensas que es un dibujo gracioso o unas letras en diferente disposición y, sin embargo, lo que hay ahí es un mensaje poético que plasma el creador y lo tiene que interpretar el que lo está viendo. -Aunque la poesía visual sea muy antigua, las nuevas tecnologías habrán contribuido en gran medida a su desarrollo... -Eso muchísimo, y sobre todo es donde se utiliza mucho la poesía visual, porque es donde se quiere crear un mensaje. En la publicidad hay cantidad de anuncios que son pura poesía visual. La publicidad utiliza todos los recursos posibles para tratar de vender y lo hace llegando a las emociones de la gente, y a las emociones se llega a través de la poesía. -¿Tiene muchos seguidores la poesía visual? -En los últimos años ha habido un movimiento muy fuerte sobre la poesía visual, se está poniendo de moda, pero eso no significa que tenga más adeptos. En todo caso, yo preferiría que tuviese más adeptos la poesía discursiva. La ventaja de la poesía visual sobre la poesía normal es que como es un arte muy fronterizo y toca otros aspectos artísticos, te inicia en muchas más disciplinas artísticas y, además, te hace meterte dentro de la pieza. -¿Por qué dirige más estas conferencias al público juvenil? -Pienso que es el público más idóneo porque viene de una cultura audiovisual. Las personas más mayores se han quedado en la poesía normal. | ||||||||
| Titulo | ANTONIO GOMEZ Y RODOLFO FRANCO | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Extremadura al día | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | ANTONIO GOMEZ Y RODOLFO FRANCO EN LAS TRES RANAS
Esta semana en el Espacio Multiuso Las Tres Ranas (c/ Sagasta, 21A, sobre Los Tres Caracoles, Mérida) tendremos una inédita Sesión Doble: el próximo jueves 24 de mayo a las 21hs el poeta, artista y agitador cultural Antonio Gómez presentará su nuevo libro De acá para allá, publicado por la Universidad de León en su colección Plástica & Palabra dedicada a la poesía experimental. Autor polivalente y reconocido en todo el mundo que vive entre nosotros, Antonio Gómez nos ofrecerá un visionado de sus trabajos más recientes recogidos en este particular libro. El día siguiente, viernes 25 de mayo, a las 21hs en el mismo local, el poeta brasileño afincado en Mérida, Rodolfo Franco, protagonizará la velada poética y performática Almanak Turbo. Rodolfo utiliza música, proyecciones, videos y otros elementos para entretener y hacer reír con su poesía juguetona y vacilona. Este evento cierrauna pequeña gira del autor por el Estado con esta nueva obra, estrenada el pasado 30 de abril en el XIV Encuentro de Editores Independientes de Punta Umbría, que después pasó por el ciclo de poesía latinoamericana Transatlánticos en la Universidad Pablo de Olavide de Sevilla, por el ciclo de poesía visual La palabra y la imagen en la Universidad de Sevilla, por el festival poético 2007 poetas por Km2 en Madrid y por el homenaje al poeta experimental uruguayo Clemente Padín en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao. Además aún se podrá apreciar la exposición fotográfica Impresiones de Estela de Castro que pronto se clausurará. Desde Madrid, Estela nos trae sus premeditadas fotos de estudio, un paseo por su particular mundo en blanco & negro donde encontramos personajes inquietantes, sexualmente ambiguos, elegantes, cargados de morbo, ternura y violencia. | ||||||||
| Titulo | “LA SUERTE DEL NOVILLO” | ||||||||
| Autor | Txus Garcia | ||||||||
| Publicacion | Nota de prensa | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Tauromàquia cultural o “LA SUERTE DEL NOVILLO”
Tenim una ciutat amb Patrimoni, promeses electorals, vaixells de guerra, Char3 paralitzada i 2016. I plaça de braus, la qual cosa em permetrà desvetllar-los certes analogies amb les polítiques culturals que gaudim des de fa anys a la nostra ciutat. En primer lloc, ens trobem que la nostra plaça està únicament i exclusiva pensada reservada a professionals del món del toro, és a dir, a esdeveniments d’alta tauromàquia. Tarragona no està pensada per fer-hi “novillades” o “becerrades” -algun bombero torero de tant en tant per a distreure la plebs, això si-, sinó que es mesura la possibilitat de tocar l’arena de la plaça segons les “herbes” o primaveres que ha pastat el brau (grau d’experiència). Així doncs, la cultura se’ns organitza per gust i oferiment de la Presidència, que disposa d’un personal de plaça que executa les seves delícies i preferències. Aquest personal de plaça, entre el que trobem els “alguacilillos” (encarregats de transmetre les ordres del President), el “Chulo de chiqueros” i els polivalents “monosabios”, són els qui s’ocupen de que la corrida vagi com Déu, els polítics i el temps ho manen. El toreros professionals fan el “paseíllo” amb la seva quadrilla, han de brindar el toro a la “manola” que més quartos tingui, dependre de la professionalitat del personal de plaça per no sortir amb la femoral oberta després de la corrida i confiar en els picadors perquè li preparin l’animal que han de sacrificar en honor de la Presidència. Tot seguit, s’esforcen en fer tots els molinetes, naturals i veròniques que poden (virtuosisme cultural), abans d’entrar a matar. Estoque final, aplaudiments del respectable i somriure sardònic del President, orgullós d’una “faena” que ell només ha contemplat des de la seva estupenda tribuna a l’ombra. I aleshores, amb el toro a mig morir, entra qui el remata (des del “burladero” estant ha contemplat la faena del mestre) i qui l’arrossega, el “cabestro” de torn, diguem-li creador novell. Amb unes polítiques culturals fetes des de la voluntat de programar únicament un tipus de cultura enllaunada i de consum ens quedem sense alternatives emergents sòlides i s’articula una estratègia que no permet l’ús dels equipaments (els pocs que tenim a la ciutat) per a activitats que no reportin beneficis econòmics o de públic. Les arts escèniques fa temps que ens pateixen d’aquest mal: espectacles prêt-à-porter, llestos per a consumir, rentables i agradosos als “compraabonaments”, “llepapalcos” i altres elits nostrades de tecletes i maginets. Caldria afegir a aquestes maneres, suades i de gran “contentisme popular”, una sèrie de polítiques culturals veritables i amb certa assumpció de risc, tal i com proposava Ferran Mascarell en una xerrada que va oferir a la nostra ciutat, i basades en quatre punts essencials i aplicables a totes les arts: - Foment de la creació: O de la cultura com a centre de la construcció del territori ciutadà. A Tarragona ens cal mantenir una cantera de creadors que puguin ser els propis protagonistes de l’acció cultural. Entenem, doncs, la creació artística com a espai de les idees, barreja de les arts i aposta de futur. Una ciutat sòlida ha de donar veu i sortida a les creacions dels artistes joves o inèdits, tot fent una aposta de risc per la cultura de base o “dels ciutadans cap els ciutadans”. - Exhibició i Producció: O de donar oportunitats de promoció i difusió real als artistes emergents. En aquest cas es tracta de donar a conèixer i fer escampall mediàtic i públic de tot allò que bull a la cantera de creadors. Es tracta de fer una aposta clara, compromesa i estable per donar sortida a les creacions locals facilitant una xarxa supracomarcal àgil i de qualitat. De la mateixa manera, cal fer enllaços de mobilitat cap a les altres províncies, facilitant l’intercanvi de projectes creatius entre les diferents administracions. - Participació, cohesió i identitat: O de la dimensió simbòlica de la cultura com a reforç d’identitat territorial. L’activitat dels creadors emergents és un revulsiu social, un catalitzador de la vida ciutadana i una manera de trobar el sentiment de pertinença a una ciutat o territori. Els artistes són un vehicle de valors, llengua, tradicions, cultura i novetats que cal aprofitar i revertir en el creixement comunitari. El reforç i la coordinació d’un treball associatiu potent, així com la creació progressiva d’una xarxa de creadors, agents culturals i equipaments de les comarques de Tarragona, fa que la ciutat esdevingui un referent identitari de qualitat, fet des del territori i per al territori. - Globalització de la cultura: O de l’ambició per una cultura veritablement democràtica. Per als creadors emergents, la globalització és una proposta d’intercanvi entre els artistes de Tarragona i el conjunt de les persones que configuren la societat. Els ciutadans, com a productors culturals primers i principals (enlloc de l’administració), són ambaixadors de les arts al carrer i democratitzen l’espai cultural (museus, teatres i altres equipaments), aixecant-ne les restriccions socials i elitistes. Txus Garcia IN-gestora cultural www.katalitza.com | ||||||||
| Titulo | Taller de Poesia Visual | ||||||||
| Autor | G.B. | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Las actividades del Aula de Letras de la UC, que conduce Ramón
Maruri, a través de su Taller Estable de Poesía Visual y Experimental, dirigido por Antonio Montesino, prosiguen hoy, a las 13,00 horas, en la explanada del Edificio Interfacultativo, dentro del 'Programa cultural de primavera 2007', y a las 20,00 horas, en el Paraninfo de la Universidad de Cantabria. Jon Andoni Goikoetxea, 'Goiko' ofrecerá sendos recitales de poesía reversista. La iniciativa está organizada conjunta- mente con La Ortiga y cuenta con la colaboración de Caja Cantabria y la Consejería de Cultura . Goikoetxea es profesor de Matemáticas y Literatura -«aunque parezca contradictorio», según sus propias palabras- en el Colegio Mukusuluba de Baracaldo (Vizcaya), localidad de la que es natural. Dice de sí mismo ser un «idealista angustiado», un «grillado de las ideas» y un «minitrozo del universo con todas las evoluciones de éste, al igual que cualquier humano». Entre otras cosas, fue «volcán, sardina y fresa antes de llegar a su fase actual de homo sapiens, que dirían los pedantes, y continúa evolucionando hacia la nada». Escribe poesía cósmica, concreta y reversista, esta última la más rupturista de las tres y a la que denomina «el Idioma de la Especie, humana se entiende». Vanguardia 'Goiko', exponente de la poesía de vanguardia española en su faceta experimental, es reconocido como un maestro en el uso de los aspectos «semánticos y discursivos de los textos», enlazando por esta vía con los poetas sonoros franceses, de los que le interesa, prioritariamente, la dimensión fonética del lenguaje. Entre sus diversas publicaciones caben destacar 'El subconsciente a flote. Palabras automáticas', 'Colección de perlas' -libro éste al que acompaña un casette con los poemas recitados por él-, 'Sistema de seis ecuaciones con seis incógnitas' y 'Congruente e incongruente'. Ha intervenido en numerosos recitales de poesía experimental en España, como, por ejemplo, en el 'XI Festival de Polipoesía' de Barcelona, en 'La farinera del Clot', en 'El ala o per.for Art Espai' (Barcelona), en la sala 'Triángulo' y el 'Ateneo', ambos de Madrid, en 'La Fundición' (Bilbao), en el 'I Encuentro de Poesía Visual' del Centro de Poesía Visual de Peñarroya-Pueblonuevo (Córdoba). Recientemente tomó parte en el 'XIV Encuentro Internacional de Editores Independientes', celebrado en la localidad onubense de Punta Umbría, al que acudieron como ponentes, con el fin de presentar el Taller del Aula de Letras de la Universidad de Cantabria, los propios Maruri y Antonio Montesino. El Aula de Letras convoca hoy en la Universidad una doble cita de su Taller Estable de Poesía Visual. El Aula de Letras convoca hoy en la Universidad una doble cita de su Taller Estable de Poesía Visual Recitales de Andoni Goikoetxea, exponente de la vanguardia poética, en el Campus y el Paraninfo Nombre del Taller 2007: Haroldo de Campos. Director: Antonio Montesino. Ponente: Jon Andoni Goikoetxea, 'Goiko'. Recital: El último poeta dadaísta (Poesía reversista). Lugar y hora: Explanada del Interfacultativo (Avda. de los Castros, s/n Santander) a las 13,00 horas y Paraninfo de la Universidad de Cantabria (C/ Sevilla, 6. Santander), a las 20,00 horas. Organiza: Aula de Letras de la UC y La Ortiga. | ||||||||
| Titulo | Lo experimental en lo poético | ||||||||
| Autor | JOSÉ JAIME VEGA GONZÁLEZ | ||||||||
| Publicacion | Diario Hoy | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | ...//... El jefe del departamento de Lengua y Literatura castellana,
Francisco J. Martínez Moreno, presentó a Antonio Gómez, poeta visual. Gómez nació en Cuenca en 1951 y desde hace 30 años reside en Mérida. Con más de 300 exposiciones, organizadas en más de 30 países, la obra de este poeta supera el formato tradicional del libro. Martínez Moreno destacó que, a partir de objetos cotidianos, Antonio Gómez es capaz de crear poesía y arte. Desde ese momento, esos objetos, que forman parte de nuestra vida diaria, son reinventados en su esencia y en su significado, transmitiendo al lector-observador un mensaje totalmente nuevo. A continuación, el poeta Antonio Gómez impartió una conferencia bajo el título 'Lo experimental en lo poético'. La poesía visual es una forma de poesía experimental en la que el elemento plástico, la imagen, se aborda desde diferentes facetas, soportes, materiales y técnicas. Esta forma de poesía no verbal, se mueve en la frontera entre géneros artísticos diversos (la pintura, la escultura, la música y la creación poética), convirtiéndose así en un arte de síntesis. De esta manera, la poesía se materializa en un objeto o en una acción. Realidad con nuevos ojos La obra de Gómez nos hace ver la realidad con nuevos ojos; las imágenes creadas a partir de los objetos cotidianos, se vuelven evocadoras, provocadoras y críticas. Así, unos tallos de rosales, convertidos en lápices de colores, nos evocan el dicho «la letra con sangre entra». Dos hojas de un árbol, cosidas por un imperdible, forman un corazón en 'un poema de amor'. Dos lápices, uno azul que escribe rojo y otro rojo que escribe azul, nos critican el transfuguismo político. | ||||||||
| Titulo | Organics | ||||||||
| Autor | Francesc Guillaumet | ||||||||
| Publicacion | Diari del Segre | ||||||||
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| Sinopsis | SIEMPRE SE HA DICHO QUE LA POESIA VISUAL TIENE UNA TENDENCIA NATURAL A LO MULTIDISCIPLINAR, ES POR ELLO QUE NO ES DE ESTRAÑAR QUE LOS MAS AFAMADO POETAS PLANEEN SOBRE LAS DIFERENTES ARTES CON LA MISMA NATURALIDAD. ESTE ES EL CASO DE GUILLEM VILADOT
Viladot habla de relaciones de amor poco convencionales en ‘Orgànics’ Una bailarina de circo de Artesa de Segre que descubre el amor por su cuerpo en la vejez y lo demuestra bailando en su balcón, o un pastor que decide quitarse la vida cuando pierde su potencia física son algunos de los relatos que se pueden encontrar en Orgànics, el libro inédito de Viladot que ayer se presentó en el Institut d’Estudis Ilerdencs, en el marco de las quintas jornadas dedicadas al creador de Agramunt. Los comentarios del libro, publicado por la editorial El Fonoll de Juneda, corrieron a cargo de la escritora Marta Alòs y de la viuda del poeta, Montserrat Felip. En esta obra el autor de Agramunt relata diversas relaciones de amor poco convencionales en los que predomina una fuerte pulsión sexual, muchas veces reprimida, y otras irrefrenable e incestuosa. La muerte y la ausencia física, además de los efectos del paso del tiempo y la sexualidad explícita o surrealista, son algunos de los aspectos que definen este libro de Viladot, en el que también se puede ver una fuerte introspección sicológica. Además de la presentación de Orgànics, la Biblioteca Pública también acogió ayer la primera sesión de la nueva temporada de las Ponentades que, en esta ocasión, está dedicada a Viladot. Pau Echauz y Josep Miquel Garcia fueron los encargados de hablar de la obra del autor de Agramunt, mientras que la sesión culminó por la noche con la presentación de la plaquette dedicada a Viladot en el Cafè de l’Escorxador. Esta obra incluye un artículo de André Bretton, traducido al catalán por Josep Miquel Garcia, en el que habla del ejercicio surrealista de sacar las piedras de contexto y convertirlas en poemas visuales. Curiosamente, mientras André Bretton escribía sobre este tema en 1957, Guillem Viladot creaba una serie de poemas minerales (esculturas en piedra), que ahora se pueden ver en esta plaquette y en una exposición que acoge la delegación de Cultura. En el artículo que se publica en la plaquette de Quaderns de Mahalta, Bretton decía que al sacar la piedra de su propio contexto provocaba al creador y al público un mecanismo similar al de la poesía escrita. Durante el acto también se realizó una proyección comentada de los poemas de Viladot. | ||||||||
| Titulo | Luis Pita | ||||||||
| Autor | D.A. | ||||||||
| Publicacion | Diario del Alto Aragón | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
El artista chileno Luis Pita exhibe en Huesca su colección “Trazos de realidad” HUESCA.- El Centro Cultural del Matadero acoge desde hoy hasta el 27 de mayo la exposición “Trazos de realidad”, del artista chileno Luis Pita. Nacido en Valparaíso en 1958, reside en Madrid desde 1972. Artista visual autodidacta, ha desarrollado su creatividad en varias disciplinas: el dibujo, los montajes, las instalaciones, la poesía visual, los collages, la pintura y la fotografía, todas ellas transversalmente imbricadas por su pasión por la literatura y la búsqueda incansable de la belleza, intentando encontrar nuevos ángulos para observar la realidad que nos rodea y transfigurarla en visiones plásticas no necesariamente figurativas. El tema de “Trazos de realidad” lo constituyen sus fotografías del cielo captado en sus infinitos cambios de humor, colores y formas por una cámara siempre atenta a la incesante evolución de ese gran pintor abstracto que es la atmósfera. | ||||||||
| Titulo | Trapezi | ||||||||
| Autor | Redaccion | ||||||||
| Publicacion | El Diari de Tarragona | ||||||||
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| Materia | Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Más de dos mil personas acudieron a la llamada del Trapezi. Era el
espectáculo inaugural y el que señala en el mapa Reus como capital nacional del circo. Esta vez abría el festival una producción del Trapezi: Tot és cosa de dos, dirigida por Cèsar Compte y Jordi Aspa. La historia era sencilla: dos protagonistas que intentan comunicarse con diferentes objetos y un grupo de artistas que interfieren en el contacto. Poético y muy visual, lo mejor de Tot és cosa de dos fue la iluminación. Deliciosa. Las sombras de los equilibrios y trapecistas se reflejaba en los diferentes edificios de la plaza al igual que la sombra de Campanilla lo hacía en la historia de Peter Pan. Pero aquí todo era real: los saltos, piruetas y acrobacias significaban una rotura, como poco, de tibia y peroné si no salían bien... Este sencillo espectáculo aprovechó también la infraestructura del Ayuntamiento, en cuyo tejado se realizaron diferentes equilibrios. Otra gran protagonista fue la música. Claramente diferenciada en dos composiciones, marcaba el ritmo del espectáculo aunque, en ocasiones, éste quedaba demasiado discontinuo y le hacía perder la intensidad. El comienzo es espectacular: la voz, la música, la poesía del balanceo... Sin embargo, a medida que avanza el escenario se echa de menos más variedad de géneros y algo que consiga hacer que la gente hable de ello de camino a casa (¿tal vez el año pasado se puso el listón demasiado alto con el funambulista que cruzó toda la plaza Mercadal?). Sea lo que sea, el público se fue con una sensación de vacío en una obra que tenía excelentes intenciones. Como mal menor -aunque mayor para los más bajitos-, se encontraba una estructura demasiado alta, que no permitía observar con claridad algunos movimientos de los artistas. Hoy, otra oportunidad. Tot és cosa de dos vuelve a representarse esta noche a las 22 horas en el mismo escenario. ¡Se abre el | ||||||||
| Titulo | LOS HOMENAJES DE J.M. CALLEJA | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Norte de Castilla | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Hay poetas a los que la palabra y el discurso que con ella se
construye no les basta. La tradición española tiene algunos destacados ejemplos. (Joan Brossa, Francisco Pino vienen inmediatamente a la página). Son esos poetas visuales, a menudo incomprendidos, casi siempre creadores solitarios, cuya capacidad lírica se jugaba en las fronteras del alfabeto. Tienen continuadores. Uno de ellos J. M. Calleja (Mataró, 1952) acaba de publicar un libro en el que les rinde homenaje.Y este es precisamente el título que hace el número 3 de la colección Gilberta Swan, que Ediciones Tansonville dedica a los poetas visuales. Los 'Homenajes' de la obra se desarrollan en tres partes y en cada parte en tres bloques de tres poemas cada uno, por aquello de la simbología de los números que es otra de las pasiones del autor. En este caso, el 3 y sus múltiplos, en un juego que tiene su correlato en la sucesión de los poemas en las páginas y sus blancos. En total 27 poemas primorosamente impresos -la calidad y el gusto por el detalle distingue la editorial que dirige Eduardo Fraile- componen un libro en el que se esconden 'entre líneas' múltiples complicidades. En primer lugar las de J. M. Calleja con sus mayores. Con los maestros que le precedieron en el camino. Están, claro, Pino (con una referencia a su revista Ddooss) y Brossa. Pero también Felipe Bosso, Clemente Padín o Fernando Millán. En la segunda parte los homenajes se amplían por el lado de la prosa. Están los grandes nombres que también influyeron en su trabajo y se apellidan Pessoa, Mallarmé, Kafka, pero también Spatola o De Ory. En la tercera, por fin, sus compañeros de viaje. Aquí están Francisco Aliseda -un poeta que había publicado a Calleja en su colección de la revista 'Veneno', cuyo proyecto se inició en Valladolid- Julia Otxoa, César Reglero o Gustavo Vega. 'G' de Guillén Cuenta Eduardo Fraile que fue el propio poeta quien se puso en contacto con él para realizar el proyecto. «Conocía la editorial y esta colección y tenía muy claro que este libro tenía que publicarse aquí, aunque tuviese que esperar inevitablemente, dado nuestro ritmo de edición». La referencia a Jorge Guillén en el título del libro está también en su final: la 'g' que aparece siempre en el pie de imprenta de esta colección es la misma 'g' con la que firmaba Guillén, uno de esos detalles del editor que pueden pasar desapercibidos pero que hablan de la vocación que alienta esta tarea. «Era fácil seguirle el juego -afirma Fraile- porque entiendo bien su poesía. Tengo querencia al lenguaje puro, a los poemas visuales clásicos, por decirlo así. Me gusta ese lenguaje sencillo, en el mejor sentido de la palabra». Resulta curioso que Guillén, que no practicó la poesía visual, sea el primer motor del libro. «No era un poeta visual en sentido estricto, es cierto. Pero es un poeta que tiene muy en cuenta los conceptos de Mallarmé en cuanto al espacio en blanco y la disposición de las palabras en la página. Y en ese sentido sí era un poeta visual», afirma Calleja. En cuanto a Francisco Pino, «siempre ha estado ahí como un referente. Desde que me inicié en la poesía visual. Pino, como Brossa, son fundamentales porque tienen una labor de puente con la tradición de la vanguardia española, si se puede decir así. Una corriente que había roto la Guerra Civil. Yo tuve desde que comencé los libros de Pino que eran muy difíciles de conseguir por las tiradas tan reducidas que hacía. Pero siempre había un amigo que te los proporcionaba, o unas fotocopias circulando... Así pudimos conectar con la vanguardia española». 'Performer' Más de la mitad de los poemas que componen 'Homenajes' estaban inéditos y el resto habían aparecido en revistas y publicaciones, de forma aislada. Ahora se reúnen por primera vez. Mientras tanto J. M. Calleja planea ya la recopilación de sus trabajos diseminados en las publicaciones de los años ochenta, que saldrán agrupados bajo el título 'Poemas de los ochenta'. Todo ello sin abandonar su otra faceta: la de la performance o la acción poética, que desarrolla, ligada a su interés por los espacios arquitectónicos, sobre todo en su Cataluña natal. | ||||||||
| Titulo | Vespella, fuego y pooesia visual | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
- Vespella: aires artísticos. Las grandes ciudades acometen proyectos millonarios; los municipios más pequeños no tienen más remedio que limitarse a la provisión de infraestructuras culturales básicas (bibliotecas) y a la organización de eventos de alcance local. Pero hay grandes excepciones a esta regla. El 5 de agosto de 1993, un devastador incendio arrasó una pequeña localidad de Tarragona, Vespella de Gaià. En sólo tres horas quemó 1.000 hectáreas y se cobró seis vidas. Rafael Bartolozzi era el alcalde del pueblo. Un alcalde peculiar que inició una reconstrucción original: 15 años después del fuego, Vespella es un municipio tocado con un aire artístico inconfundible. A la entrada, un grupo de casas pintadas de vivos colores como antesala de una plaza en la que destacan una fuente surrealista y una gran pintada en el suelo: 2+2=5. Con 400 habitantes, en el pueblo hay también un museo de esculturas al aire libre y una fundación con sede en una casa solariega con vocación de convertirse en museo de arte contemporáneo, además de una cantera con un proyecto para construir, a medida que se va sacando piedra, un anfiteatro. Bartolozzi había llegado a Vespella en la década de los 70. Entonces ya era un artista rompedor, conocido por sus coqueteos con la gauche divine barcelonesa y por pintar edificios como una gran fábrica a las afueras de Barcelona o la casa de Camilo José Cela en Mallorca. Se presentó a la alcaldía "absolutamente engañado por el anterior edil, como un divertimento más de aquellos años locos", recuerda. El fuego cambió de arriba abajo aquella percepción. "Nos planteamos llamar la atención con ideas novedosas para la reconstrucción, intuición artística y planteamientos atípicos. Y la colaboración de artistas como Joan Brossa", describe. El pintor, independiente aunque cercano a CiU, perdió la alcaldía en 2003 a manos de Daniel Cid, del PSC. La gestión del nuevo edil pone el acento en los servicios públicos, las infraestructuras, el urbanismo; las preocupaciones clásicas de la gestión municipal, en suma. "No renegamos de la etiqueta cultural, pero tenemos otras prioridades", afirma Cid sin ambages.Bartolozzi se queja con amargura. "Se ha perdido el premio de poesía visual que colocó a Vespella en el mapa. La fundación languidece, no se ha incorporado ni una nueva escultura al museo y no hay nada del proyecto del anfiteatro", critica. Para los vecinos no hay un ganador claro. Tal vez Bartolozzi, a los puntos. "Los payeses no entendían lo de la poesía visual. ¿Qué significa un zapato dentro de una jaula con el título de Libertad? Pero es cierto que la cultura ha atraído a mucha gente, incluso para quedarse: en 1991 había aquí sólo 70 personas", concluye un vecino. | ||||||||
| Titulo | POESIA VISUAL Y EXPERIMENTAL | ||||||||
| Autor | Pablo E. Chacón | ||||||||
| Publicacion | Noticias Urbanas | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | La Barraca Vorticista es un grupo de artistas plásticas y poetas que desde hace años trabaja casi en secreto y que ahora decidió romper los sellos e invitar a participar de sus seminarios
POESIA VISUAL Y EXPERIMENTAL Curso / Taller de Roberto Cignoni y Lilian Escobar CONTENIDOS DEL CURSO · La poesía visual: Antecedentes. · Evolución e impacto en la actualidad. · Escuelas y Tendencias: Acercamiento a través de la práctica de sus técnicas. · Consideraciones fundamentales: La materialidad del signo. · Las correlaciones entre imagen verbal, sonora y visual. · Posibilidades y límites de la distribución espacial del signo. · El aspecto lúdico del poema visual. · Interpretación y diálogo en torno a los poemas presentados por los asistentes. · La experimentación en el arte. · La polémica en torno al término "Experimental". · Disolución de los límites entre la poesía y las restantes disciplinas artísticas. · Multiplicidad y desplazamiento de los soportes y de las técnicas interpretativas. El curso tendrá una parte teórica y otra práctica. Se entregarán certificados de asistencia. | ||||||||
| Titulo | Cunit, Tertulia de Grafología y Arte | ||||||||
| Autor | Paco Muñoz | ||||||||
| Publicacion | Nota de prensa | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Arte postal,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | NOTA DE PRENSA
TERTULIAS DE ARTE EN CUNIT Las tertulias de arte en Cunit es una experiencia que trata de poner en marcha un proyecto cultural basado en el dialogo y a partir del mismo, promover proyectos acordes con los tiempos actuales, de tremendo dinamismo y una constante apertura hacia la interculturalidad por un lado y la aglutinación multidisciplinar por otro. Es por ello que el planteamiento de estas tertulias que se celebran en “Cal Cego” el ultimo sábado de cada mes, están abordando las diferentes problemáticas del arte actual en un ambiente participativo y de aportación personal. La ultima tertulia tuvo lugar el 28 de Abril del 2007 se invito a Cesar Reglero como ponente co-autor del libro de reciente aparición Arte Creatividad y Grafología. César Reglero es Psicólogo y Grafólogo se le propuso un debate sobre “Grafología en el arte y su aplicación práctica en la vida cotidiana”. La gran inquietud de nuestro ponente, hizo que aportara nuevas ideas, proponiendo un debate a partir del trabajo de investigación que ha dado lugar a este libro, basándose éste en las escrituras manuscritas de mil artistas creativos. Durante el debate se profundizó en cuestiones relacionadas con el factor humano del artista, su equilibrio anímico en relación con el ejercicio de la creatividad; el arte como terapia y el peligro de desequilibrio antes la introducción de otros elementos perturbadores como son la comercialización de la obra o el estrecho limite que separa a muchos creativos del trastorno mental. En definitiva fueron abordados temas siempre candentes que se debatieron con mucho brío por unos tertulianos muy activos. De manera paralela y relacionado con el tema tratado tuvo lugar una exposición de los trabajos artísticos de investigación enviado por sus autores para la ejecución del libro editado (13 países representados ). También se realizo un taller de Grafología en el que se trato la línea como expresión de emociones y sentimientos. Coordinador : Paco Muñoz Anglada | ||||||||
| Titulo | Antonio Orihuela/ Taller de P.V. | ||||||||
| Autor | G. Balbona | ||||||||
| Publicacion | El Diario Montañes | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia sonora,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | El Taller de Poesía Visual inicia sus jornadas de puertas abiertas / Antonio Orihuela traza hoy una radiografía de la edición de revistas El foro que dirige Antonio Montesino se desarrollará cada miércoles
El Taller Estable de Poesía Visual y Experimental del Aula de Letras de la UC, que dirige Antonio Montesino, una experiencia singular en el panorama cultural local, inicia hoy, a las 20,00 horas, sus sesiones de 'puertas abiertas'. Se trata de una nueva modalidad de «participación ciudadana» en el desarrollo teórico-práctico del taller, ideada con el objeto de posibilitar la presencia de aquellas personas que, a partir de una mera curiosidad inicial, deseen efectuar «una primera aproximación al conocimiento y práctica de la poesía visual y experimental»; o bien quienes como oyentes esporádicos aborden «un aprendizaje a distancia en el que se simultanee la presencialidad con la elaboración de trabajos personales en casa, que, periódicamente, serían supervisados por los responsables del taller». La primera sesión, abierta al público, correrá a cargo del profesor Antonio Orihuela (Moguer, 1965). Licenciado en Filosofía y Letras y Doctor en Historia por la Universidad de Sevilla, es un destacado poeta visual y discursivo, con una rica y fructífera trayectoria creativa, como revela su participación en más de 100 exposiciones de poesía experimental, organizadas en 32 países diferentes. Ha sido traducido al inglés, alemán, francés, portugués, catalán y al esperanto. Sus poemas experimentales se encuentran recogidos en revistas de 20 países, tales como 'Texturas', 'Mephisto', 'AMAE', 'Sign'zine', 'P.O. Box', 'Nonsite', 'Blackbird' o 'Papers del Llavi', entre otras muchas. Ha recibido varias becas, entre otras, la 'Daniel Vázquez Díaz' de Creación Artística, de la Diputación de Huelva, la de Arteleku,o la beca de creación de la Junta de Extremadura. Tiene publicados numerosos libros, caso de 'Perros muertos en la carretera' (1995), 'Si Roky viera este gato' (1995), 'Piedras' (2000), 'Narración de la llovizna' (2003), 'Respirar y arder' (2006) y 'Tú quién eres tú' (2006). Suyas son también la novela experimental 'X Antonio Orihuela' (2005) y el ensayo 'La voz común' (2004). Tiene obra recogida en las antologías 'Feroces: radicales, marginales y heterodoxos en la última poesía española' (1998), 'Poesía visual española ante el nuevo milenio' (1999), 'Tod@s o casi tod@s' (2004), 'Poesía experimental española: 1963-2004' (2004)... Desde 1999, coordina los Encuentros de Poetas 'Voces del extremo', de la Fundación Juan Ramón Jiménez, y es el comisario de la exposición 'Poesía visual española (1964-2006)', en la que se recoge la obra de los poetas visuales y experimentales en activo más importante de la España del último medio siglo. Complejo y variopinto En la charla de hoy, bajo el epígrafe 'Editar poesía visual: de las revistas ensambladas al libro objeto', Orihuela abordará el complejo y variopinto mundo de la edición de poesía visual y experimental, caracterizado, entre otras cosas, «por la pluralidad de sus diferentes propuestas; la riqueza de su imaginación creadora y discursiva; la diversidad de formas, soportes y modelos que conforman el campo patrimonial del experimentalismo; y el carácter descentralizador, autónomo y autogestionario de la mayoría de los proyectos vigentes, en cuanto se refiere a sus procesos de ideación, producción y distribución». Proyecto de revista En posteriores jornadas del Taller, que tendrán lugar todos los miércoles, desde las 18,30 a las 20,30 horas, en el Paraninfo de la UC, se desarrollará un programa teórico-práctico, que, como en su anterior edición, abarcará desde la poesía letrista hasta el poema objeto, pasando por el concretismo, la poesía fonética y semiótica, el happening, etc., y que contará en sus sesiones de 'puertas abiertas' con la presencia de algunos de los poetas visuales más importantes del actual panorama español, caso de Antonio Gó-mez, Jon Andoni Goikoetxea, Ro- dolfo Franco y Pere Sousa. Ramón Maruri y Montesino, responsables, respectivamente, del Aula de Letras y del taller, trabajan actualmente en «una revista interdisciplinar, especializada en la recepción y edición de la poesía visual y experimental, cuya aparición pública esta prevista para el último trimestre de este año». El Taller de Poesía Visual inicia sus jornadas de puertas abiertas El poeta y escritor Antonio Orihuela es hoy el protagonista. / DM EN DATOS Taller Estable de Poesía Visual y Experimental. En 2007: 'Haroldo de Campos'. Director: Antonio Montesino. Ponente: Antonio Orihuela. Conferencia: 'Editar poesía visual: de las revistas ensambladas al libro objeto'. Lugar: Paraninfo de la Universidad de Cantabria (Calle Sevilla, 6). Santander. Día y hora: hoy, a las 20,00 h. Organiza: Aula de Letras de la UC y La Ortiga. Información: Pabellón de Gobierno, Avda. de los Castros, s/n. | ||||||||
| Titulo | Chema Madoz, Maté, Goyeneche, ...//... | ||||||||
| Autor | J. C. GEA | ||||||||
| Publicacion | La Nueva España | ||||||||
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| Sinopsis | Madoz, Maté, Goyeneche, PSJM y Gomila expondrán en el Barjola en 2008
El Museo Juan Barjola definió ayer los contenidos de su programación para el año próximo y una parte de 2009 en la reunión anual de su comisión asesora, que presidió por el director regional de Política Cultural, Carlos Madera, en representación de la consejera del área, Ana Rosa Migoya. Entre los artistas seleccionados destacan nombres como los del fotógrafo Chema Madoz, Ángeles Sagrela, Mateo Maté, Concha García, el equipo formado por Leopoldo Ferrán y Agustina Otero, Concha García, Arancha Goyeneche, Mar Solís, Eduardo Valiña o el colectivo artístico PSJM, integrado por el mierense Pablo San José y la canaria Cynthia Viera. Además, se prepara una antológica dedicada al pintor asturiano Juan Gomila. Además de Carlos Madera y de la directora del Museo Barjola, Lydia Santamarina, participaron en la comisión la concejala gijonesa de Cultura, Mercedes Álvarez, el arquitecto Vicente Díez-Faixat y los artistas Javier Herrero y Fernando Alba. La comisión cuenta además con representación de CajAstur. Para Lydia Santamarina, la agenda del Museo Barjola para el próximo año y los primeros meses del siguiente confirma la línea de «interés creciente en un lenguaje muy contemporáneo» que, según su directora, viene mostrando el centro dedicado al pintor extremeño. Sin olvidar, justamente, su compromiso con la pintura y la exhibición de la obra de quien fuera su impulsor, la política de programación ha ido potenciando como oferta distintiva el uso de la capilla de la Trinidad como espacio para intervenciones con medios muy distintos, así como la presencia de la escultura contemporánea y, más recientemente, de otros lenguajes en auge, como la fotografía. Así, las citas para 2008 y 2009 en el Museo Barjola abarcan desde la fusión de fotografía, objetos y poesía visual de Chema Madoz hasta las innovadoras técnicas pictóricas empleadas por Arancha Goyeneche, pasando por la pintura o la escultura en formatos tradicionales o las instalaciones multimedia de Mateo Maté, llenas de ironía y causticidad política, como políticas son las reflexiones a las que invitan en sus instalaciones PSJM, mediante la perversión del lenguaje publicitario. | ||||||||
| Titulo | Jovenes editores independientes | ||||||||
| Autor | Susana Reinoso | ||||||||
| Publicacion | La Nacion | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental | ||||||||
| Sinopsis |
Surge una nueva generación de editores que apuestan al libro Son jóvenes que publican, con creatividad y esfuerzo, obras de diversas temáticas Tienen entre 20 y 35 años. Vienen del mundo de la música, el modelaje, el periodismo, las lenguas extranjeras y el diseño, y un día decidieron concretar el sueño de los que aman las páginas que cuentan buenas historias y anhelan descubrir un best seller: ser editores. Jerónimo González Montalvo y Melisa González Bouilly, de Tol Ediciones; Alejandro Guyot, Alvaro Caldelas e Ignacio Iraola, de Artylatino; Santiago Llach y Marina Mariasch, de Editorial Siesta; Sonia Budassi, de Editorial Tamarisco; Leandro Donozo, de Gourmet Musical Ediciones, y Ezequiel Badjer y Mercedes Pérez, de Editorial Vestales, que hablaron en la librería Cúspide con LA NACION, son algunos de los nuevos nombres en un mercado atiborrado de novedades editoriales, cuyo control está en pocas y muy poderosas manos. Se los reconoce porque experimentan; son creativos; no le temen al desafío; mantienen dos trabajos; dicen que en las librerías no están los libros que quieren leer y se sumergen en blogs en busca de novedades, con la familiaridad con que los viejos editores se sumergían en manuscritos reescritos hasta el hartazgo. Y, sobre todo, se divierten con lo que hacen. Experimentar lo nuevo Tol Ediciones se completa con Manuel González Montalvo, el verdadero lector del sello. Su primer título fue Los guachos, un libro sobre chamanismo de Roberto Torres. "Nos gustó correr el riesgo", justifica Jerónimo González Montalvo. Su novia, longilínea y muy alta, trabaja como modelo y también en la editorial. "Desde el primer momento pensamos que el libro podía funcionar. De una tirada de 5000 ejemplares, vendimos 300", cuenta. Además se lanzaron al mercado con la revista cultural Veo, con el apoyo de marcas de primera línea. "No somos muy lectores. Pero creemos que es interesante acercarse al lector, aun desde el lugar de no lector", dicen estos editores noveles que no se avergüenzan al admitir que les interesa "el libro como objeto y por quien lo escribe". Su plan editorial es publicar dos libros este semestre, uno de ellos sobre la ruta 40. Alejandro Guyot y Alvaro Caldelas se decidieron por libros populares. Recrearon un viejo formato conocido como flip. Es un pequeño libro que, con el rápido recorrido de sus páginas, pone en movimiento una sucesión de imágenes que componen un cuadro vivo. "Estos libros son objetos que circulan por galerías de arte, museos, locales turísticas y quioscos. Y hasta están en el barrio de La Boca", dicen los editores. Ya editaron 10 flips para todos los gustos: desde el gol de la "mano de Dios", que Maradona hizo en el Mundial de México, hasta un show del sempiterno Sandro, pasando por Gardel y el espectáculo de Fuerza Bruta. "Los flips nacieron con el cine y reconocen a los grandes íconos de la pantalla grande. El libro puede ser algo popular y nuestra intención fue darle irreverencia", dice Guyot. Los flips de Artylatino tratan a los ídolos desde esa óptica. "Nuestro público son los jóvenes, los turistas." Las tiradas de los flips son de 3000 ejemplares y su venta alcanza a los 1500. En breve aparecerá otro libro sobre la ruta 40, con prólogo de Martín Caparrós. Sonia Budassi, Hernán Vanoli, Félix Bruzzone y Violeta Gorodischer emprendieron el camino editorial con su sello Tamarisco. Así se presentan: "Mientras en la última década la poesía extendió su producción a través de carriles disímiles y pequeños, la narrativa se replegó sobre los vehículos de siempre. Con la intención de dar lugar a nuevas voces e historias, surgió nuestra editorial independiente y artesanal". Estos editores subrayan que su misión "es expandir la joven narrativa contemporánea". Dos de esas ediciones iniciales son la antología Hojas de Tamarisco y Toronto no, de Leonel Livchits. Con la mira puesta en hacer circular la producción literaria actual, este sello se nutre de los blogs como fuente de obras inéditas de autores jóvenes. Sus tiradas alcanzan a los 500 ejemplares. El sueño de editar Para Leandro Donozo, de Gourmet Musical Ediciones, su decisión surgió por no hallar en el mercado libros de musicología bibliográfica. Demoró ocho años para editar el Diccionario bibliográfico de la música argentina, un catálogo completo para especialistas y curiosos. "No sabía nada cuando me puse a editar mi libro. Pero fui conociendo de a poco. Hoy tengo mucho material de archivo para emprender otros títulos", dice Donozo. De los 500 ejemplares editados se vendieron ya 100. Y ya tiene dos nuevos títulos por publicar en su plan editorial de este año. Para Ezequiel Badjes y Mercedes Pérez, de Editorial Vestales, la edición los encontró cuando se prodigaban en otras profesiones en las que no se sentían completos. "Yo venía de desarrollar habilidades en traducciones, idiomas, etcétera, durante 10 años", dice Ezequiel. Y Mercedes había estudiado artes y entró en el campo del libro por la puerta del diseño gráfico. "Este es un oficio abarcativo que te permite aplicar conocimientos de distintas disciplinas. En nuestro sello publicamos libros de dos tipos: los que son como el de la bossa nova, destinados a un público más específico, y una colección de literatura romántica. Es reflejo de lo que nos gusta a nosotros", coinciden. Y agregan que el trabajo editorial permite revalorizar todos los conocimientos: "Uno siente que lo que aprendió en la vida, en esta profesión, sirve". Marcos González Cezer y Julio Boccalatte, de Ediciones Al Arco, publican -como su nombre lo anticipa- libros de cuentos sobre fútbol. En 2001 comenzaron con una revista homónima y luego editaron libros con autores rutilantes, como Eduardo Galeano, Roberto Fontanarrosa, Juan Sasturain, Daniel Arcucci, Ariel Scher y Vicente Verdú. Entre sus títulos están De puntín, Del diario íntimo de un chico rubio y Disquisiciones sobre la habilidad. Para Santiago Llach y Marina Mariasch, de Editorial Siesta, sello dedicado a la poesía argentina, latinoamericana y a las traducciones de poesía alemana, brasileña, francesa y en lengua inglesa, el desafío fue llegar a un nicho inexplotado. El joven Llach dice: "Editar es un modo de conocimiento y una manera de conectar dos mundos a veces enfrentados, como la literatura y el comercio". Augura: "Las nuevas tecnologías fomentan la aparición de pequeños emprendimientos, llevados adelante por intelectuales y artistas. El desafío es complementar las viejas y las nuevas tecnologías del libro." Por Susana Reinoso De la Redacción de LA NACION | ||||||||
| Titulo | Fluxus en Sevilla 2007 | ||||||||
| Autor | Margot Molina | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Fluxus o el depurativo del arte
Sevilla reúne tres décadas del movimiento internacional contra el convencionalismo GEORGE MACIUNAS, SU FUNDADOR Y NOMBRES COMO JOHN CAGE, BEUYS, FILLIOU, VOSTEL, ZAJ, JUAN HIDALGO, MARCHETTI, YOKO ONO O ESTHER FERRER, CONFORMAN UN MOVIMIENTO QUE SE PROLONGO DESDE 1962-1994 Y QUE PRETENDIA ESTAR FUERA DE TODOS LOS CIRCUITOS CONVENCIONALES. SUS PADRES PUTATIVOS FUERON LOS SURREALISTAS Y LOS DADAISTAS. "Un movimiento del que se habla mucho en España, pero se conoce poco", dice José Lebrero, director del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), para referirse a Fluxus. Acabar con el desconocimiento que rodea al movimiento que creó George Maciunas en 1962 y que reunió a más de medio centenar de artistas plásticos, músicos, poetas y performers bajo consignas cercanas al dadaísmo, es lo que pretende la exposición Fluxus, una larga historia con muchos nudos. Alemania 1962-1994. La muestra, organizada por el Instituto de Relaciones Culturales con el Exterior de Stuttgart (Alemania), lleva una década itinerando por el mundo y en España sólo podrá verse en Sevilla. El CAAC, ubicado en el monasterio de La Cartuja, acoge desde ayer más de 200 obras de 28 artistas como Joseph Beuys, John Cage, Robert Filliou, Nan June Paik, Geoffrey Hendricks y Wolf Vostell. "En España sólo se conoce el trabajo de Fluxus por una exposición que realizó la Fundación Tàpies de Barcelona en los noventa, a través del Museo Vostell en Malpartida (Cáceres) y gracias a la presencia de algunas piezas en anteriores muestras en el CAAC", explica José Lebrero, para quien este movimiento "alternativo y radical es heredero del dadaísmo y el surrealismo". "Está formado por grandes intelectuales que se afanan en buscar la parte irracional, no convencional, de la creación artística. No existió como un equipo fijo, sino más bien como una banda de amigos que se reunían para proyectos concretos en Estados Unidos, Alemania, Japón, Francia, Holanda, Suecia o Dinamarca. Como indica su nombre, Fluxus -flujo en latín- era un continuo dejar correr en libertad ideas y obras", aclara Lebrero. El director del CAAC está interesado en mostrar las influencias de Fluxus en España, su equivalente aquí es el Grupo Zaj, creado por Ramón Barce, Juan Hidalgo, Walter Marchetti y Esther Ferrer en Madrid en 1964. "Fluxus purga el mundo de la locura burguesa, de la cultura intelectual, profesional y comercializada. Purga el mundo del arte muerto, de imitación, del arte artificial...", escribió George Maciunas para explicar el objetivo de Fluxus, lo que en principio ideó como una revista de arte y que nació en la ciudad alemana de Wiesbaden con el festival Festum Fluxorum y con una serie de conciertos en Nueva York bajo el título Fluxus Festival Internacional de Música Novísima; en estos happenings, los intérpretes, como Maciunas, Benjamin Patterson o Vostell, acababan rompiendo los instrumentos ante un asombrado público, costumbre que heredaron algunos músicos como The Who. La ironía y el humor planean sobre todas las creaciones que los comisarios René Block y Gabriele Knapstein han seleccionado entre las piezas que se conservan en museos y colecciones alemanas. Buena muestra de ello es la obra del alemán Dieter Roth Liebre de excremento de conejo, que es, efectivamente, lo que su título describe, una escultura de un conejo de Pascua realizada con heces del animal. O el Museo de Ben, una maleta en la que Ben Vautier crea un museo portátil y además de los objetos incluye su descripción en francés: "Una pelota de pimpón que contiene a Dios que está por todas partes / Un espejo o su retrato perfecto / Mi orina...". La exposición, con grabaciones de sus primeras performances que recogen lo que ocurría en escena y los gestos incrédulos del público, incluye ocho horas de grabaciones musicales, además de documentos y carteles del grupo. Una de las piezas más curiosas de la muestra, que podrá verse en el CAAC hasta el 1 de julio y después viajará a varias ciudades de India, es del artista coreano Nam June Paik, el precursor del videoarte, quien actualmente muestra una antológica en la Fundación Telefónica de Madrid. Paik firma Cartel Fluxus island para la revista 'Docollage 4', una obra de 1963 que es el mapa de una supuesta isla en la que iban a vivir los artistas y en la que se localizan sitios como: "El templo de las religiones unidas, el río sin retorno, el centro de los homosexuales que luchan por la igualdad, o el sitio de los prostitutos para señoras". Lebrero explica que este mapa es significativo porque Yoko Ono -quien también trabajó en Fluxus pero no tiene obra en esta muestra- y John Lennon estaban buscando una isla para comprarla y hacer realidad el sueño, algo que lamentablemente se frustró. | ||||||||
| Titulo | Encuentro Editores Independiente | ||||||||
| Autor | Redaccion | ||||||||
| Publicacion | Andalucia 24 horas | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte de accion,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Enviar noticia
Punta Umbría Más de 180 personas de ocho países participarán en el Encuentro de Editores Independientes A24H.- El Ayuntamiento de Punta Umbría (Huelva) informó de que espera la visita de más de 180 personas de unos ocho países, sobre todo iberoamericanos, en el XIV Encuentro Internacional de Editores Independientes, Edita"07, que tendrá lugar en la localidad costera entre los días 27 y 30 de abril. Se trata de "una cita ineludible dentro del panorama cultural nacional, que se ha ganado a pulso el ser un escaparate de nuevas tendencias editoriales", según manifestó en un comunicado remitido a Europa Press el alcalde de la localidad onubense, José Carlos Hernández Cansino, que indicó que el Ayuntamiento aporta unos 12.000 euros de los 18.000 del presupuesto de Edita"07. Así, se prevé la asistencia de 115 editoriales de naciones como México, Cuba, Brasil, Chile o Portugal. Junto a estos grupos extranjeros, las comunidades autónomas de España más representadas serán Andalucía, Madrid, Asturias y Cataluña. La principal novedad de este año reside en la sede, el Teatro del Mar junto al nuevo complejo cultural del municipio, en el que se ha habilitado un archivo de Edita. Este centro documental, con más de 10.000 publicaciones, se abrirá en el seno del encuentro. Respecto a este archivo, el director de Edita, Uberto Stabile, afirmó que "hemos recibido múltiples donaciones y estamos recibiendo más, relacionadas ahora con el "mail art". Se puede decir que es único en su especie. De hecho, ya se han interesado varias universidades". Edita"07 coincide además en el tiempo con la XI Feria Nacional del Marisco y la Gamba de la Costa, "por lo que el cartel del Encuentro de Editores Independientes le rinde un especial homenaje", explicó el regidor municipal, que añadió que las diseñadoras Manuela Martínez y Carmen Palacios, de la revista "Lalata" de Albacete, han sido las autoras del mismo. El programa de actividades incluye concretamente 48 ponencias, tres exposiciones, cuatro microconciertos, 20 recitales poéticos y 12 performances. Asimismo, se van a iniciar una serie de muestras retrospectivas en reconocimiento a grandes labores editoriales, que empieza con Antonio Gómez, de Mérida (Badajoz). Otra acción importante de Edita"07 será la firma de convenios de colaboración con encuentros similares de otros puntos, como el Salón del Libro Iberoamericano de Gijón, la Feria de la Edición de Canarias, el Encuentro de Editores Independientes de Guadalajara, México, y la Red de Editores Independientes de Argentina. Por otra parte, Edita ya ha estado presente este año en las citadas ferias de Guadalajara, Canarias y Gijón, así como lo hará en los próximos días en la muestra "Sur Express a" (Arte Andaluz de Vanguardia) en Madrid. También se presentará la XIV edición en Portugal, Madrid, Valencia y Sevilla, "para aumentar su difusión", apuntó Stabile. | ||||||||
| Titulo | IV Cavalcada de Poesia de Girona | ||||||||
| Autor | DDEG | ||||||||
| Publicacion | El Diari de Girona | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Performance | ||||||||
| Sinopsis | IV Cavalcada de Poesia de Girona
Evento Joana Ramos i Josep Torrent obriran la IV Cavalcada de Poesia de Girona DDEG, GIRONA. De nou, i per quart any, Girona serà escenari de la Cavalcada de Poesia organitzada pel Casal d´Amistat i Cultura Argentí-Català de Girona, Argencat (Girona) i el Projecte Yacaré-Irupé de Cooperació Internacional amb Argentina. La primera jornada tindrà lloc el dia 20 a les 9 del vespre en el bar El Sol, a la plaça del Vi de Girona. El director de la revista d´art i poesia El llop ferotge, Jorge Morales, presentarà l´acte, que comptarà amb la recitació de Joana Ramos, Josep Torrent, Maria José García i Miquel Pascal, a la primera part, i María Rosa Cullell, Meritxell Serrano, Ariadna Gómez i Ramón Soldevila, a la segona. Els músics convidats seran Héctor de Prado i Mario Farías. L´endemà la Cavalcada es traslladarà a la mateixa hora a La Llibreria, al carrer Ciutadans, on el periodista Quim Torra introduïrà Josep María Uyà, Isabel Oliva, Juanka Santa Varo i Rosa Font, entre d´altres. El diumenge l´escenari de la Cavalcada de Poesia serà el bar Campus, a la plaça Sant Domènec. Aquesta nit, la Nit de Poesia Visual, els poetes convidats seran, entre altres, Agustín Calvo Galán, Gustavo Fernández Alonso, Eddie J. Bermúdez, Isabel Jover o César Reglero Campos. | ||||||||
| Titulo | Apologia del Absurdo | ||||||||
| Autor | Tania Pardo | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | ESPACIO PUBLICO-ESPACIO PRIVADO-EL PROPIO CUERPO
La exposición presentada en el Laboratorio 987 recoge, a través de vídeos y otras piezas, los trabajos más destacados de estos jóvenes artistas. Bajo el epígrafe de Acciones, esta exposición muestra en cada una de sus obras, diferentes modos de actuación a la hora de enfrentarse a su realidad cotidiana. El espacio público (Acciones en Mataró), el espacio privado (Acciones en casa) y el cuerpo (Acciones en el cuerpo) se convierten en los ámbitos en los que establecer diversos diálogos y metáforas sobre la cotidianeidad, con alusiones al mundo del cine, el diseño, la arquitectura para, en definitiva, cuestionarse, su (nuestra) realidad circundante. 100 ACCIONEDS DOMESTICAS DE RITMO LINEAL Estas acciones comenzaron en 2001, recogidas mediante imágenes en la publicación titulada Acciones en Mataró. Como explican los propios David Bestué y Marc Vives: "llevamos a cabo una serie de intervenciones de pequeño calibre en el espacio público de la ciudad catalana: haciendo un añadido a una escultura pública, dejando entre los matorrales de un parque un pit-bull hecho de cartón, realizando un Richard Long dando vueltas en coche por una rotonda o tomando una pintada de banco ('José ama a Ana') para colocarle una plaquita que formalizaba el evento. En aquel caso hacíamos una relectura del espacio público -como tema bien nutrido de referentes y precedentes- planteando nuestro imaginario particular”. Tras esta pieza realizaron el vídeo titulado Acciones en casa, sobre el que añaden, “El caso de Acciones en casa no es muy diferente, el punto de partida es el resabido contraste privado / público y el escenario no es una urbe, sino los límites de un piso del barrio de l' Eixample de Barcelona. Aquí nos jugamos la vida sobre pastillas de jabón, leemos a la lumbre de un microondas, construimos una fuente en el fregadero, camuflamos comida, montamos una fiesta pseudo-dadaísta, así hasta más de cien acciones presentadas en un vídeo de manera lineal, bajo una narrativa de baja intensidad, donde nosotros mismos somos los destinatarios y vehículos de las mismas. Se trata de un inventario de objetos y fantasías evocadas en un lugar común como es el de la casa". LO ANBSURDO E INTRASCENDENTE DE NUESTRAS ACCIONES COTIDIANAS Continuando en esta línea de trabajo han llevado a cabo en el último año Acciones en el cuerpo una performance recogida en vídeo donde vuelven a cuestionar mediante guiños y alusiones a la Historia del Arte muchas de las situaciones a las que nos enfrentamos, concibiendo el cuerpo como receptor de todas ellas. Estos dos artistas, quienes además, desarrollan carreras artísticas por separado, basan su trabajo fundamentalmente en reflexiones sobre su propia cotidianeidad incidiendo, mediante un inteligente sentido del humor, en lo absurdo e intrascendental de nuestras propias acciones vitales. David Bestué y Marc Vives, nota biográfica David Bestué (Barcelona, España, 1980) y Marc Vives (Barcelona, España, 1978) son ambos licenciados en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Se conocieron en 2002 y en 2003 empezaron a colaborar en el proyecto Acciones en Mataró (Mataró – ciudad costera de la provincia de Barcelona). Continuaron trabajando juntos en diversos proyectos y especialmente en la segunda parte de su primer trabajo titulada Acciones en casa. Tras este han desarrollado otros trabajos en colaboración, como su participación conjunta en la exposición Feeling Strangely Fine en la galería Estrany de la Mota (Barcelona) en el 2005. Individualmente cabe destacar la exposición de David Bestué en Sala Montcada de Barcelona sobre el arquitecto Enric Miralles y el proyecto de Marc Vives sobre una serie de porno titulado Porno acrobático”. Han recibido diversos premios conjuntamente entre los que cabe destacar el Primer Premio Miquel Casablancas en 2003 y el Primer Premio Generaciones’05 Caja Madrid. Laboratorio 987, sala de proyectos del MUSAC El Laboratorio 987, sala de proyectos artísticos específicos del MUSAC se presenta como un espacio anexo que funciona independientemente a la programación general del Museo. La primera artista en intervenir en este espacio ha sido Silvia Prada (Ponferrada, 1969), con el proyecto específico Hot or Not, de abril a mayo de 2005. Tras ella se realizó el proyecto de vídeo de Fikret Atay (Batman, Turquía, 1976) con el nombre de Sonidos Lejanos /Distant Sounds. Posteriormente Abigail Lazkoz (Bilbao, 1972) realizó el proyecto Esconde la mano de septiembre a octubre de 2005; también el artista Ryan McGinley (New Jersey, EE.UU, 1978), realizó la exposición de fotografía Beetween us / Entre nosotros, de noviembre a diciembre de 2005 y Wilfredo Prieto (Santi Spíritus, Cuba, 1977) realizó la instalación Mucho ruido y pocas nueces II desde diciembre de 2005 a marzo de 2006, así como Monika Sosnoswka (Ryki, Polonia, 1972) llevó a cabo la muestra titulada Untitled de marzo a mayo de 2006. Philipp Fröhlich (Schweinfurt, Alemania, 1975) mostró la exposición de pintura Exvoto. Where is Nikki Black? De septiembre a noviembre de 2006; Pauline Fondevila (Le Havre, Francia, 1972) presentó la instalación Novembe Song de noviembre de 2006 a enero de 2007 y Clare E. Rojas llevó también a cabo una compleja instalación de enero a marzo de 2007. Tania Pardo es la comisaria y responsable de la programación del Laboratorio 987. Más información en www.musac.org.es Artistas: David Bestué (Barcelona, 1980)+ Marc Vives (Barcelona, 1978) Título de la exposición: Imágenes del fin del mundo Comisaria: Tania Pardo Lugar: Laboratorio 987, MUSAC Fechas: Del 17 de marzo al 2 de mayo de 2007 Inauguración | ||||||||
| Titulo | Laboratorio di Cromografia / Vernazza | ||||||||
| Autor | Claudio Jaccarino | ||||||||
| Publicacion | Stampa (Comunicato) | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte de accion,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | ...//...I pittori partecipanti al seminario internazionale di pittura “Di qua il mare, di qua il cielo” s’incontreranno alla Pensione Sorriso di Vernazza nel cui atrio è stata allestita una esposizione di disegni. Acquarelli e acrilici degli artisti spagnoli Cesar REGLERO e Isabel JOVER insieme a quelli di Teresa RICCO e Claudio JACCARINO. In mostra anche taccuini di schizzi e libri d’artista in esemplare unico con le poesie della scrittrice Ada Renata RUATA proveniente da Parigi e le poesie in dialetto di Vernazza del poeta TOFA illustrate da Claudio Jaccarino.
Pittura all’aria aperta, grafologia (a cura di Cesar Reglero Campos), conversazioni sulla pittura e sull’arte si mescoleranno nei prossimi giorni a Vernazza. L’attrice Marta VELANDER giunta da Stoccolma partecipa con un lavoro sulla voce e il ritmo dal suggestivo titolo di “Chiamare il mare”mentre l’artista giapponese Shuhei MATSUYAMA mostrerà venerdì 29 e sabato 30 una pittura materica in cui Occidente ed Oriente raggiungono una felice sintesi poetica. Nel pomeriggio di sabato 31 è prevista una dimostrazione pubblica di colorazione e cottura di ceramica raku....//... ...//... LABORATORIO DI CROMOGRAFIA OFFICINA DELLE IMPRONTE IL BORGO DI VERNAZZA INVASO DAI PITTORI Martedì 27 marzo 2007 , alle ore 18 inaugurazione dell’esposizione IL MARE SOPRA I TETTI acquarelli di Claudio Jaccarino “dodici oblò” di ceramica raku di Jaccarino-Ricco L’esposizione sarà visitabile dal 27 aprile fino all’ 8 aprile nella ex Chiesa dei Frati – Spazio Polivalente del Comune di Vernazza., dalle ore 17 alle 20. Ingresso gratuito. Nel catalogo dell’esposizione patrocinata dal Comune di Vernazza il Sindaco Gerolamo Leonardini invita a visitare la mostra degli acquarelli di mare di Jaccarino “apprezzato per la sua bravura e per la personalità carica di sentimenti capaci di stimolare l’interesse e la partecipazione.” Andrea Marmori del Museo Lia di La Spezia ha scritto: “Claudio Jaccarino è un curioso viaggiatore d’altri tempi, che segue itinerari della memoria. Nel Gran Tour dell’anima si squarciano paesaggi che avrebbero fatto la gioia dei colti viaggiatori dei secoli trascorsi, quando occhi stupefatti si posavan sul Golfo e sulle rive spezzine a leggere l’incanto del mare, dell’aria, del cielo. Ed ecco allora che allo sguardo solerte e arguto di Jaccarino sembra offrirsi quello stesso paesaggio, quasi modella infaticabile che mai si stanca di posare solo per la nostra gioia”. Il poeta locale Cristofaro Basso (detto Tofa) ha dedicato una poesia all’amico pittore riprendendo il tema dell’esposizione “Ar ma surve i tecci” Così scrive “…Se ti a guardi dai Fratti , su da gexa / ghè sempre barche a vea in mezzu ar ma / quandu ghè de bunasse in se l’estae / e ghè na vista ca te fa incantà ….” (…Se tu la guardi dai Frati, su dalla Chiesa,/ ci sono sempre barche a vela in mezzo al mare /quando ci sono bonacce nell’estate/ e c’è una vista che t’incanta /…) I recenti lavori di Claudio Jaccarino hanno forma rotonda (un formato antico nella storia dell’arte ma inusuale) e per tema il mare e le coste rocciose e aspre della Liguria. L’artista propone 12 acquarelli tondi (diametro di 27,5 cm) e 12 tondi realizzati in ceramica insieme a Teresa Ricco. I “ dodici oblò” di ceramica sono realizzati e colorati con la tecnica raku. (Gli oggetti al momento della fusione degli smalti sono rimossi dal forno con le pinze e lasciati raffreddare all’aria, tuffati nell’acqua o sottoposti a riduzione all’interno di contenitori riempiti di materiale combustibile come segatura, erba e foglie. Sono stati realizzati uno alla volta unendo la modellazione di Teresa Ricco la colorazione di Claudio Jaccarino per ottenere ogni volta un pezzo assolutamente unico e originale… il significato della parola raku in giapponese significa soddisfazione, gioia profonda) LIBRI D’ARTISTA in esposizione alla Pensione Sorriso di Vernazza Acquarelli e disegni, cahier de voyage e libri d’artista in esposizione permanente presso la Pensione Sorriso, Via Gavino 4 di Vernazza (SP) I pittori partecipanti al seminario internazionale di pittura “Di qua il mare, di qua il cielo” s’incontreranno alla Pensione Sorriso di Vernazza nel cui atrio è stata allestita una esposizione di disegni. Acquarelli e acrilici degli artisti spagnoli Cesar REGLERO e Isabel JOVER insieme a quelli di Teresa RICCO e Claudio JACCARINO. In mostra anche taccuini di schizzi e libri d’artista in esemplare unico con le poesie della scrittrice Ada Renata RUATA proveniente da Parigi e le poesie in dialetto di Vernazza del poeta TOFA illustrate da Claudio Jaccarino. Pittura all’aria aperta, grafologia (a cura di Cesar Reglero Campos), conversazioni sulla pittura e sull’arte si mescoleranno nei prossimi giorni a Vernazza. L’attrice Marta VELANDER giunta da Stoccolma partecipa con un lavoro sulla voce e il ritmo dal suggestivo titolo di “Chiamare il mare”mentre l’artista giapponese Shuhei MATSUYAMA mostrerà venerdì 29 e sabato 30 una pittura materica in cui Occidente ed Oriente raggiungono una felice sintesi poetica. Nel pomeriggio di sabato 31 è prevista una dimostrazione pubblica di colorazione e cottura di ceramica raku. Claudio Jaccarino, pittore. Associa alla sua totale passione per la pittura il gusto per le passeggiate all’aria aperta e per una piacevole conversazione nell’incantevole scenario di Vernazza. A lui si deve la trama che unisce pratiche artistiche molto diverse, accomunate da un analogo sentire, per intrecciarle insieme durante i cinque giorni conviviali del Seminario Internazionale di pittura che si svolge per il secondo anno consecutivo , dal 27 al 31 marzo alle Cinque Terre. Teresa Ricco, scultrice. Dal 1975 è attrice della comunità teatrale di origine argentina “Comuna Baires”. Negli anni ‘80 è tra i fondatori dell’”Istituto di cultura teatrale e antropologia della comunicazione”. Partecipa alla fondazione di Willaldea, villaggio sperimentale del teatro e delle arti, in Argentina dove si trasferisce nel 1984. Dal 1995 dirige l’Officina delle Impronte, tiene corsi di scultura utilizzando l’argilla come materia prima per un percorso di espressione personale e di ricerca antropologica. All’Università Statale di Milano ha tenuto due lezioni sul rapporto tra Antropologia e Scultura: “Il volto e la Maschera (2000) e L’arte e il Sacro (2001). Espone in Italia e all’estero. Ha esposto con successo una nuova serie di “Maschere” di terracotta a Stoccolma a settembre 2006. Shuhei Matsuyama, pittore. (Tokyo,1955) (www.shin-on.com): “Qui (in italia) ho appreso molte cose nuove che hanno giovato al mio spirito, come dicono gli amici, ma devo al Giappone l’esperienza e lo stimolo che mi consentono di esprimermi con gioia nella vita, che altro non è se non arte. Marta Velander (Sundvall, Svezia, 1952) Attrice, regista, insegnante di teatro, ha approfondito una sua ricerca sul ritmo e la voce. Lavora con il Globe Theatre di Stoccolma ad eventi che hanno come scopo la Cooperazione internazionale, gli incontri fra giovani di tutto il mondo e la sensibilizzazione sul tema dell'acqua. Isabel Jover vive a Tarragona, Spagna. Diplomata in Pittura e Disegno all’accademia Reale di Belle Arti a Bruxelles, Belgio e in Archeologia Spagnola all’Università di Barcelona, ha seguito studi d’incisione a Bruxelles e Barcellona e studi di Pittura Cinese a Taiwan. Ha partecipato ai Simposi internazionali di Verbania (Italia) su “Arte, grafia, scritture”nel 2002 e 03 e al Seminario internaz. di Vernazza del 2006. Cesar Reglero Campos è nato a Barcelona nel 1948 e attualmente vive e lavora a Tarragona. Specializzato in Grafologia e Creatività, ha insegnato per vent’anni in Scuole d’arte e Università. Direttore del Museo di Mail Art e Poesia Visuale di Tarragona. Dirige anche la più importante pubblicazione elettronica di rete Mail Art e Poesia Visuale: Boek 861 Ada Renata Ruata, scrittrice di origine italiana ha pubblicato in francese romanzi e poesie tra i quali: “Elle voulait voir la mer”, “Les étoiles a nouveau”, “La voie de Tina”. Scrive per il teatro e collabora con pittori e incisori in edizioni numerate di libri d’artista.. RASSEGNA STAMPA UN RACCONTO DELLO SCRITTORE MAGGIANI A presentare gli acquerelli di Jaccarino ci ha pensato una pagina ironica e affettuosa dello scrittore Maurizio Maggiani …(Il Secolo XIX, 22 novembre 1997) CENTO BAMBINI IN STRADA PER COLORARE IL MARE E IL CIELO. Lusinghiero successo di Vernazz-Arte. I bambini partecipanti dalla estemporanea di pittura che si è svolta lungo il molo di Vernazza e coordinata dai pittori Antonio Barrani e Claudio Jaccarino… (La Nazione, 18 luglio 1999) PER FAR SOGNARE ANCHE NOI. La forma dove meglio si esprime è l’acquarello - scrive il poeta spezzino Maurizio Scalzo - interpretando sia il paesaggio sia i ritratti. Rimescola diverse esperienze riproponendole a suo modo, uscendone incontaminato, con un linguaggio tutto suo, fiabesco, filtrato dalla sua infinita fantasia e offrendoceli per fare sognare anche noi. (La Nazione, agosto 1999) EN PLEIN AIR. Questi acquarelli evocano i luoghi del ritorno dell’artista che, attualmente vive a Milano dopo aver vissuto molto tempo in Argentina: sono stati catturati e fissati “en plein air” con colori diluiti in acqua affinché memoria e percezione coincidano. (Giovanna Riu, Il Secolo XIX, marzo 2000) SUCCESSO DELLA MOSTRA DI MARZULLI, BARRANI, JACCARINO ALLA CHIESA DEI FRATI DI VERNAZZA. Siete gli ambasciatori della nostra riviera, afferma Lucia Solaro presidente dell’APT di La Spezia… (Il Secolo XIX, 29 aprile 2000) POESIE DIPINTE IN 144 LIBRI Presentate alla Camera di Commercio di La Spezia 144 libri d’arte di poeti del Golfo… (Il Lavoro, aprile 2002) CENTO RITRATTI PER CENTO RACCONTI L’idea è quella di affiancare al disegno di un volto una storia, una favola che a quel volto si ispira. Protagonisti di questa divertente esposizione sono due artisti della Comuna Baires, il pittore Claudio Jaccarino e la scrittrice Sandra Valente (City Milano, Laura Taccani, 14 settembre 2002) A VERNAZZA LA MOSTRA DI JACCARINO E CHEN LI La mostra “di segni e parole” presenta qualcosa di veramente nuovo nel pur vasto e sfaccetta panorama dell’arte contemporanea…(Il Secolo XIX, Pierangelo Caiti, 13 giugno 2006) CLAUDIO JACCARINO, UN MAESTRO DELL’ACQUERELLO ALLE CINQUE TERRE Intervista di Enzo Millepiedi, la Nazione, 8 agosto 2006 Laboratorio di Cromografia – Officina delle Impronte Comuna Baires - Via Parenzo 7 - 20143 Milano Tel: 0289121317 – 3384576147 - 3475489137 combair@tiscalinet.it - www.comunabaires.it www.comunabaires.altervista.org | ||||||||
| Titulo | Salvem la Platja Llarga | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | El Punt | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis |
COMUNICADO DE PRENSA Yo Andrea Eidenhammer, como casual portavoz de un acto fugaz y efímero de despedida a una de las playas vírgenes, que a lo largo de todas las costas españolas agonizan por la cercana presencia de enormes masas de hormigón, os comunico y os invito a ser participes de lo siguiente: Que reunidos de un lado una veintena de artistas plásticos y visuales, y aderezados por el hondo sentimiento del llanto de un violín flamenco, el sensato grito libertario de las percusiones africanas, la lánguida constancia de la luz de las velas y el fuego , nos despedimos hablando en lengua de signos del marino y profundo horizonte que se nos marcha. Con el lamento agónico y simple de pedir perdón al mar y a la tierra por todo el dolor provocado. En un acto de arte, música y silencio hemos decidido: Entregarle lo único que somos, nuestras obras de arte; obras artísticas, entre las que se podrán observar piezas realizadas por Roselló o César Reghero. El acto que tendrá lugar en la punta de la Platja Llarga, entrando por el túnel del parking del Club Tenis de la Cala Romana. Se realizara sobre los antiguos refugios antiaéreos de la guerra civil española, como recuerdo a las personas que en ambos bandos de la contienda pierden la vida cada día, en alguna de las estúpidas guerras que siembran su semilla de odio a lo largo de todo el planeta. El acto que comenzará a las 17:00 horas del Sábado día 10 de los presentes, constara de dos partes. En la primera de ellas se depositaran en la playa una veintena de piezas artísticas, mientras el lamento de la música flamenca se mezcla con la melancolía del canto de las olas. Durante esta primera parte transmitiremos un comunicado en lenguaje de signos. Una vez llegado el atardecer, dará comienzo la segunda parte del acto en la que se encenderá un círculo de velas alrededor de las piezas de arte, mientras danzas de fuego y fusiones musicales de ritmos africanos nos trasladan al sentir mas profundo de la mediterránea. | ||||||||
| Titulo | |||||||||
| Autor | |||||||||
| Publicacion | |||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | IN HâBITAT
“Habitar significa dejar huellas” Walter Benjamín ¿Puede leerse una casa?, ¿puede habitarse un libro? Dentro de la filosofía de la literatura y de la poesía de Bachelard, tiene sentido decir que “se escribe un cuarto” o “se lee una casa” 1. La casa, el edificio donde se desarrolla la trama deja de ser un escenario para ser protagonista, metáfora que da cuerpo al espíritu de la narración. Cada uno, casa y libro, posee y crea su espacio, su hábitat. Tanto los edificios como los libros están pensados para que alguien los habite, de una manera física en un caso y mental en el otro. Pero ¿quién habita el libro? ¿los personajes que nacen, crecen, viven en la trama o el lector que mientras lee se proyecta en su interior?. El lector, ¿habita en los libros o es habitado por ellos mientras lee?. ¿Quién lee las casas? ¿El arquitecto que las proyecta o el usuario que las utiliza? Esta instalación “habitable” crea un espacio desdoblado: el espacio físico por un lado, y el espacio interno que los textos despliegan por otro, a lo que habría que sumar la interacción de ambos cuando adoptamos la actitud de lectores-espectadores- habitantes. La relación entre la arquitectura y el libro viene de lejos, coincide con la independencia del libro impreso del manuscrito, el auge del humanismo y la admiración por los clásicos, sobre todo a través del descubrimiento y estudio de su arquitectura. Son libros de arquitectura, especialmente los tratados de Vitruvio y Alberti y clásicos griegos como Aristóteles y Platón, los que gracias al libro impreso alcanzan una difusión considerable, influyendo decisivamente en el rumbo de la cultura y la sociedad de la época, y permitiendo a la arquitectura reclamar el estatus de arte. La nomenclatura del libro está inspirada directamente en ella, términos arquitectónicos como portada, frontispicio, columna, cubierta, … pasaron a nombrar las partes que componen un libro. El libro tiene en común con la arquitectura su carácter secuencial, la imposibilidad de abarcar de un solo vistazo el objeto, su necesidad de desarrollarse en un espacio y de requerir un tiempo para recorrerlo o leerlo. Arquitectura que funciona como refugio donde encontrar protección e intimidad, contenedor de nuestras vidas resguardadas del exterior indeterminado y el libro, caja de Pandora, con su contenido de maravillas y horrores, de sueños y pesadillas, de mundos que se despliegan ante nuestros ojos absortos en la lectura. Paul Ricoeur señala que “entre el tiempo “narrado” y el espacio “construido”, abundan las analogías y las interferencias” y que “el habitante, como el lector, acoge el construir con sus expectativas y también con sus resistencias y oposiciones” 2, ya que leer y habitar no son actividades inocentes, aunque a menudo no seamos conscientes de ello, por lo asumido y familiar de ambas. “In hâbitat” conecta estas dos facultades que nos definen como especie: leer y habitar, con todo lo que ello implica, el lenguaje, la escritura como manera privilegiada de comunicación y archivo, y nuestra relación física y mental con el espacio construido. Heidegger, dando la réplica al Cogito ergo sum del racionalismo, toma el habitar como la actividad fundamental que da sentido al hombre: “Ser hombre significa: estar en la tierra como mortal, significa: habitar. La antigua palabra bauen (abrigar, cuidar) significa que el hombre es en la medida en que habita.”3 1 Gaston Bachelard “La poética del espacio” 2 Paul Ricoeur, “La memoria, la historia, el olvido” 3 Martin Heidegger “Construir, pensar, habitar” Isabel Cuadrado, 2007 | ||||||||
| Titulo | Cosmopoética | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Cordoba Cultura | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | La poesía visual estará presente con Goval en la Sala Capitulares, así como con una exposición de Joan Brossa en la sede del Colegio de Arquitectos, que también colabora este año en Cosmopoética. Otra actividad plástica destacable será la denominada Arte Público.
IV EDICION Cosmopoética mezclará poesía con cine y artes plásticas La cuarta edición del Encuentro Internacional de Poetas del Mundo en Córdoba, Cosmopoética, contará con una fase previa donde se abordará la poesía desde el punto de vista cinematográfico, de las artes plásticas y audiovisuales, así como la inmigración y el arte callejero. Esta fase previa, según informó la organización del encuentro, llevará la poesía a los ámbitos penitenciarios y educativos con el objetivo de "sacarla de los ámbitos más académicos", y se desarrollará la semana del 9 al 18 de abril. Para ello, en esas fechas tendrá lugar el ciclo de conferencias y películas La huella del verso: La Generación del 27 y el cine , que analizará la relación de este grupo de poetas con el séptimo arte, incluyendo la proyección de cinco películas o documentales relacionados. La apertura al cine se completará con la fusión de la poesía y las artes plásticas, generada a raíz de varias exposiciones en las galerías Arte 21, Maravía y Tula Prints. | ||||||||
| Titulo | La Frontera del Infinito | ||||||||
| Autor | Eduardo Barbero | ||||||||
| Publicacion | Boletin de la Associó Amics de | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | BARBERO, Edu. “La Frontera del Infinito –método minimomaximalista-. Gustavo Vega”. Barcelona: AMIC@RT –Boletin de la Associó Amics de l’Art-, febrero, 2006
En nuestros días el término “minimal” es un término meramente comercial, ya se hable de una exprimidora, música o de un edificio. Pero si nos remontamos a su origen este significado hoy tan banal muestra una entraña preñada de mesura y conceptualizaciones. Recordemos el cuadro suprematista de Malévich de 1919: “Blanco sobre blanco” o la obra de algunos de los minimalistas más influyentes en el arte del pasado siglo: Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd, Sol LeWitt, Robert Morris… Es a través de estos artistas donde Gustavo Vega encuentra inspiración para crear, ya en 1984, La Frontera del Infinito -método minimomaximalista-. Sin olvidar otros modos de hacer, aplica el método minimalista a su propia creación poético-visual. Este libro nunca vio la luz como tal -el mundo editorial considera que los poemas visuales no son susceptibles de convertirse en objeto de comercio- aunque sí retazos de él en revistas, catálogos, antologías y exposiciones. La Frontera del Infinito es ante todo un libro de poesía. Cuarenta poemas visuales completan el recorrido de este poemario más un extenso preámbulo o cuerpo teórico donde la finalidad básica del libro queda prontamente desvelada por las concreciones, aclaraciones y comentarios que realiza el autor. Este cuerpo teórico enseguida se adhiere a la máxima del artista de la Bauhaus Mies Van Der Rohe: “Menos es más”. “- es +, o viceversa”, añade Gustavo Vega. Continúa con una explicación del “método minimomaximalista” como fórmula de creación poética. Es aquí donde el autor nos propone añadir significados suprimiendo. Wey-wu-wuey (hacer-no-haciendo, eje principal del Tao). Al suprimir des-vela, al desvelar despoja y la poesía se nos muestra pura, totalmente desnuda. El preámbulo finaliza con un poema-homenaje al Minimalismo histórico de los años 60. Este homenaje abre a su vez el poemario donde Vega nos recibe con un irónico y contundente “The End” para dar paso a través del nacimiento -Ya sangrando/ el sol se levanta/ en la mañana- a tres Nocturnos donde nos arranca la sonrisa y nos lleva a la reflexión mediante los llantos de un niño -primeros ensayos del poeta-. Dice León Felipe, citado por el autor: …Creo que la filosofía arranca del primer juicio/La poesía, del primer lamento… A partir de aquí Gustavo Vega va desgranando experiencias con su método “minimomaximalista” hasta cerrar con una poética página en negro. Al igual que en sus libros anteriores, Habitando Transparencias (1982), Prólogo para un Silencio (1996) y El Placer de Ser (1997), La Frontera del Infinito lo componen poemas visuales nacidos de lo cotidiano, de observaciones de la realidad social, de la existencia, de la no-existencia, de ausencias. Son poemas-zarpazo, poemas-lágrima, poemas-caricia, poemas-burla, poemas-duda…Territorios-frontera que nos sugieren lo máximo con lo mínimo, donde lo más elemental suele ser lo más complejo, donde el microcosmos se transforma en macrocosmos o viceversa. Territorios-frontera llenos de reflexiones convertidas en metáforas visuales: austeros paisajes tipográficos, signos que esclarecen, huellas que rechazan el vacío, voces que ahuyentan el silencio, gotas que salpican la ventana, energías que desvelan la forma, “la nada liberada” (Malévich). De los innumerables viajes que podemos emprender a través de la poesía, el viaje que nos propone Gustavo Vega es un viaje diferente, sin apenas equipaje, en donde “lo que se ve es lo que se ve” (Frank Stella, 1966). La complejidad del autor estriba en el hecho de que dentro de los poemas visuales aparentemente sencillos, hechos a veces con vulgares recortes de prensa, existen múltiples niveles de experiencia. Estos “códigos secretos” culminan cuando el lector visual establece cierta complicidad con el autor. Así que cada poema encierra en sí mismo una explicación: “la poesía se explica por sí misma, o si no carece de explicación” dice Pedro Salinas. La Frontera del Infinito es poesía filosófico-visual. Una poética que conecta de pleno con el decir de Octavio Paz cuando escribe dentro de su libro El Arco y la Lira: “Vida y Muerte, ser o nada, no constituyen substancias o cosas separadas. Negación y afirmación, falta y plenitud, coexisten en nosotros. Son nosotros. El ser implica el no ser; y a la inversa”. Siendo, por tanto, una poética que asume en su ser tanto la reflexión filosófica como la emoción poética, tanto la máxima complejidad como la sencillez, la contradicción. Cabe agradecer desde estas líneas a la colección Plástica & Palabra de la Universidad de León el regalo que nos acaba de hacer a los amantes de la poesía visual con la publicación, después de más de 20 años de haberse concebido, del último libro de este poeta-filósofo-pintor-profesor que es el infatigable explorador Gustavo Vega. | ||||||||
| Titulo | Las Catedrales Transparentes | ||||||||
| Autor | Angel Padilla | ||||||||
| Publicacion | CNT 330 | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Ahora que tenemos en nuestras manos el artículo de Angel Padilla (Ediciones Toro de Hierro) sobre las Catedrales Transparentes de Antonio Orihuela, y que se puede sintetizar en la siguiente frase: " quien o se conmueva cogiendo entre los dedos una hojitsa del campo no será capaz de hacerlo ante un poema de Orihuela"...//... o en el trocito de poema de A.O. que dice asi: "y pienso...// en lo lejos que estará siempre/ el pueblo sencillo y trabajador/ de eso que llaman literatura" // ,- creo que será bueno rescatar de la memoria una crítica del eterno José-Carlos Beltrán sobre una antología del mismo autor (1995-2000/Piedra, corazón del mundo), por cuanto nos muestra el hilo conductor que a guiado a Orihuela a lo largo de los años. -CRC-
"Piedra, corazón del mundo – Antología personal 1995-2000" Col Hoja por Ojo .Edit Germanía Alzira Valencia 2001. "Los pobres están demasiado ocupados trabajando para que los burgueses puedan escribir poesía .................................................. Sí, puede que mi poesía ya no sea poesía Porque llega un momento en el que ya no se puede seguir siendo Por más tiempo un cómplice silencioso, De lo que realmente pasa. Antonio Orihuela. Hay poesía que está llamada para no ser olvidada como testigo del tiempo que nos testimonia, lejos de modas y modos, sin pretender originalidad con un estilo propio, haciendo resaltar la verdad desde la mirada del observador que vive intensamente el momento que le ha tocado vivir. Por fin un libro valiente que nos abre un ventana de aire fresco, lejos de tanta sentimentalidad y clónocismo, minimalismo, y demás corrientes de la actual pluralidad que ofrece la poesía española de entre siglos, Quiza no gozará del favor de los que intentan dominar el parnaso, pero que llegará a quien lo lea, con una poesía util para quien la quiera usar, Antonio Orihuela, Moguer (Huelva) 1965, se nos entrega verso a verso, sin rodeos, con la espada de la palabra que labra la realidad cotidiana, con versos hirientes a quienes no les conviene el reconocimiento marginal en la que estamos sumergidos la inmensa mayoría, versos que nos reflejan la conciencia social que rodea, esa que poco a poco nos ha ido forjando "Piedra, corazón del mundo" y que el poeta con su el testigo de su voz nos va mostrando a lo largo de este libro antológico (1995-2000) que reúne gran parte de la obra orihuelana. Podemos decir que nos encontramos ante un nuevo poeta social que nos recuerda los mejores momentos de Gabriel Celaya o Blas de Otero actualizados. Esta España sigue siendo la misma, pero con mucha más patraña, la voz del poeta sigue sin poder callar lo que le duele en su corazón, que no es de piedra, sino crisol de sentimientos y sueños, que ama a quien comparte su momento de historia. Una voz joven con horizontes abiertos hacía la paz y el deseo de alcanzar el derecho de igualdad que nos otorga el haber nacido. Antonio Orihuela practica una poesía reinvidicativa y testimonial, dentro de la línea de la generación de "Feroces" que Isla Correyero nos presentó en su tan discutida antología, siendo Orihuela uno de los poetas más destacados de la misma, con una trayectoria creciente desde la independencia en calidad de obra, a demás de su vocación de promotor cultural allí donde se encuentra, tanto en la divulgación poética como antólogo "Voces del extremo" como comisario de exposiciones de mail-art y poesía visual "Homenaje a Joan Brossa" Huelva 1999, en su otra faceta creativa. Es un creador nato entregado y riguroso en su quehacer creativo y de activista cultural. Muestra de ello es su inclusión en antologías como "Poesía visual española ante el nuevo milenio" Vitoria 1999 y "Phayum, poéticas visuales" Benicarló 2000, o exposiciones ´como la itinerante "Poesía para ver" 1999-2002 como poeta visual o "Feroces" Barcelona 1998, "Carne Picada" Huelva 1999 o "Poesía española anos 90" Lisboa 2000, por su obra discursiva o la muestra antológica de la página web www.hahah.com, que aprovecho para recomendar su visita a quines estén interesados por una poesía testimonial y valiente. "Piedra, corazón del mundo- Antología personal 1995-2000" nos reúne los dos libros más representativos del autor y ya agotados "Perros muertos en la carretera"Huelva 1995 y "Edad de hierro" Gijón 1997 así como inéditos en libro. Su obra ha sido distinguida con premios como "Ciudad de Lepe" 1999. y se ha ganado un merecido reconocimiento en el panorama poético actual con toda justicia, prueba de ello es la publicación de este libro en una de las más destacadas en calidad de autores y exquisita edición de las colecciones de poesía en España. Poesía que nos presenta la agonía del autor ante lo que ve en su entorno, llegando en ocasiones a la desesperación como nos dice en el poema "El traje nuevo del emperador" "No encuentro sentido a lo que hago / ni a las cosas que dejo por hacer"pag 74 o en otro poema "Muchas veces me gustaría abrirme la tapa de los sesos/ ver, comprender / que es lo que hay ahí, / comiéndome lentamente " pag 46. El libro está dedicado a Jorge Riechmann "desandando piedras/ buscando corazón" dedicatoria, que muestra la línea poética que Orihuela emplea , así como la fuente de sus citas de autores como Kiko Veneno, El Cabrero, José Menese, M.W.Apple, etc... nos dice la línea de alto contenido social que hay a lo largo del libro, hablando del paro, de las enfermedades, de las injusticias, de todo aquello que ayuda a convertir el corazón en piedra de los ciudadanos de a pie, y él con claro verso intenta que eso no sea así sufriendo en el intento. En resumen nos encontramos ante un libro de buena poesía a tener encuenta, que se recomienda a quienes buscan en el verso algo más que el simple placer de la lectura, esto es el testimonio de un feroz testigo de su tiempo que es el nuestro, en sus versos el lector verá reflejada la encrucijada de sus días, los sinsabores y también alguna alegría, que de todo hay, aunque en desproporcional medida. Antonio Orihuela espero nos siga sorprendiendo en sus próximas entregas, porque quien ha sido capaz de escribir una obra como esta, difícilmente podrá defraudar, la sorpresa esta servida , que aproveche. José-Carlos Beltrán | ||||||||
| Titulo | |||||||||
| Autor | Pepe Mpnreal | ||||||||
| Publicacion | La tribuna de Cuenca | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis |
J. MONREAL JOSÉ MONREAL /CUENCA Vuelve a Cuenca cuando puede, sólo cuando puede. El corazón le pide hoces, empedrados, olores, silencios y ausencias. El cerebro y las obligaciones le llevan por otros caminos menos apacibles: búsqueda, lucha, contradicciones, renovación. Vida, en definitiva. Antonio recala en la ciudad que conoce y desconoce; en la urbe recoleta que fue, y en la que se desparrama desde las colinas -plagadas de casas bajas de fachadas multicolores- hasta llegar al bloque impersonal, al espacio abierto de parques sin estrenar, de árboles sin corazones esculpidos, a la fuente donde no beben los niños, al banco en el que no reposan los viejos. Sí, los viejos, porque ‘tercera edad’ es un eufemismo barato, de prestado que no sirve para resumir la sabiduría que atesoran los mayores, los viejos... Antonio Gómez añora la ciudad que le vio nacer; que vivió y le dejó marchar. La que siempre le reclama, con un suspiro o con una lágrima. «¡Antonio!», clama la ciudad. Y Antonio responde con un libro: ‘Me acuerdo de Cuenca’ ¿Lejos de Cuenca desde hace cuántos años? Muchos. A veces parece que desde siempre he estado fuera, aunque cuando uno mira en su interior se da cuenta de que el tiempo ha dejado un poso imborrable en el alma que, de vez en cuando, hay que recoger, no para limpiarlo, sino para dejarlo resbalar entre las manos y reconocer en cada partícula algo de nuestro pasado. Me fui de Cuenca en busca de otros horizontes, y ahora puedo decir que los he encontrado, lejos de esta tierra, a la que vuelvo cuando puedo, o cuando me llama... ¿Cuesta encontrar un lugar donde asentarse? Sin duda alguna que cuesta. De hecho, en mi trayectoria literaria, poco conocida quizás, siempre estoy en medio de algo. Mis libros reflejan un continuo caminar, una constante búsqueda que me lleva a explorar paisajes desconocidos. ‘Del camino’; ‘Caminar por caminar cansa’; ‘Cruce de caminos’, resumen un poco mi trayectoria literaria a la que va unida la personal. Nací en mitad de un siglo, viví en una ciudad que se debatía entre crecer y desarrollarse o conservar el ‘espíritu de micro ciudad’. Soy el producto de un tiempo, de un espacio, y por eso me he movido, en busca de un lugar propio en el que echar raíces. Al volver la vista atrás, ¿que borrarías del pasado? Todo y nada. Como todo el mundo borraría los errores que cometemos; tal vez las infidelidades con uno mismo, y procuraría no caer en lo que me hizo daño, aunque posiblemente no lo consiguiera. De todas formas es imposible volver atrás, con lo cual de nada sirve plantearse esa cuestión. Si pudiera, lo que me gustaría realmente, es no haber dejado de estudiar tan joven como lo hice, ya que después tuve que esforzarme el doble para llegar donde quería; poco más cambiaría. ¿Sientes que no has aprovechado el tiempo? Eso es muy relativo. Para algunos lo he perdido; para mí, en absoluto. He dejado pasar oportunidades, como todos, y al final soy como quiero ser. Lo que sí hago con quienes me rodean, mis hijas, es transmitirles mis sensaciones, para que no repitan situaciones vividas por mi. Pintas, escribes, ¿no te sientes satisfecho? Por supuesto que me siento satisfecho con lo que hago,no sólo a nivel creativo, sino con mi labor profesional en un centro terapéutico en el que trabajo con jóvenes que quieren dejar la droga. Esa es mi gran motivación,mi lucha diaria. Ahí sí que cada pequeño logro es un triunfo; donde tienes la sensación de que tu tiempo está bien invertido, aunque no sea en ti mismo, o quizás por eso, porque lo inviertes en ayudar a lo demás. ¿Tu vida profesional se refleja en la artística? Todo influye, aunque procuro abstraerme y dejar al margen una de la otra. Mi vida profesional, al lado de quien pueda necesitarme, cubre una serie de necesidades y me aporta numerosas satisfacciones. Es un trabajo ‘ingrato’, en el que sabes que un alto porcentaje de personas con las que trabajas y a las que atiendes, jamás saldrán de la situación en que se encuentran. Sin embargo te mueves cada día, y luchas con todas tus fuerzas, tratando de hacerles ver que hay salida de la droga; que es posible reemprender el camino. Otra vez sale a relucir el camino, como constante en mi vida, personal y profesional... También he de decir que no todo es negativo, sino que hay ciertas ‘recompensas’ que recibes de parte de quienes han estado contigo, en situación casi límite, y al cabo del tiempo los ves con su familia, con una vida nueva y con lo más importante: ilusión. Ese es el motivo que me empuja cada día a retomar la tarea. Al margen de tu labor profesional, ¿ en qué momento te hallas en el plano artístico? Creando, siempre creando y sin parar ni un momento. Todos los días escribo algo, sirva o no, en lo inmediato. Es cierto que no he publicado en Cuenca desde 1972 en ‘El Toro de Barro’ de la mano de Carlos de la Rica. Ha pasado mucho tiempo entre aquel primer título y el último ‘Me acuerdo de Cuenca’, aunque no he dejado de publicar nunca. Me he movido siempre mucho, y prueba de ello son los títulos aparecidos en Sevilla, Málaga, Valladolid, Badajoz, Salamanca, Mérida y en otros lugares. No estaría mal recopilar todos y verlos agrupados en un solo volumen. ¿Te sientes, como te califican algunos, ‘poeta visual? La poesía visual es algo a lo que llegué por evolución, sin buscarlo. Empecé a escribir poemas de forma ‘tradicional’, y un día empecé a utilizar la imagen para simplificar al espectador, a lector lo que le ofrezco.Si con una imagen no hace falta explicar nada más, ¿para qué enmascararla con conceptos?, ¿para qué utilizar un par de folios cuando se puede resumir en una imagen?. Además, la poesía visual es el futuro; vivimos en la era de la imagen y al final voy a tener razón al haber empezado en este camino, sin forzarlo, sin premeditación. ¿Se lee poesía en España? Más bien poca. Lo cierto es que se publica mucho, se vende poco y se lee menos. Hace años era complicado publicar, por muchos motivos, pero desde hace veinticinco años publicar es algo ‘cotidiano’, y aparecen títulos cada día. Otra cosa es que la gente los lea. Lo que si es cierto es que nadie, o casi nadie, vive de la poesía, siempre encuentras a los poetas dedicados a otros menesteres, y no solo a los libros. Se sobrevive con la poesía y se vive de otros trabajos. ¿Qué te sugiere ‘El cuervo’? Pues no precisamente un paraje... Me sugiere una etapa de mi vida, en Cuenca, en la que comenzaba a brotar en mi la ilusión por la poesía, la necesidad de comunicar. Fue un proyecto hermoso que, como tantos otros, no vio la luz. Me sirvió para conocer a gente magnífica, que no es poco... ¿Fue ese, entre otros, el motivo que te llevó a buscar otros horizontes fuera de Cuenca? Fueron un cúmulo de situaciones y de anhelos. Pertenezco a una generación que no tuvo demasiada suerte con sus propuestas ni con sus proyectos. Cuenca era un lugar al que acudían los artistas, los más grandes artistas del momento, y sin embargo se vivía a espaldas al arte. Quienes intentábamos hacer algo diferente, fuimos incomprendidos, cuando no ignorados. Ahora, treinta años después, vuelves la mirada hacia tu ciudad, ¿con cariño, nostalgia, decepción? Con decepción nunca, porque los recuerdos nunca son decepcionantes, son parte de ti mismo. Sí con cierta nostalgia, pero no amarga; un volver atrás con una perspectiva suave, bajo la pátina del tiempo que todo lo amortigua. ‘Me acuerdo de Cuenca’ es una reflexión,inacabada, sobre todo aquello que nunca volverá y que sin embargo vive dentro de ti. Empiezo recordando el lugar donde nací, en la calle de la Moneda, y voy avanzando en los recuerdos hasta el mismo momento de salir de Cuenca. El libro está inacabado, y no porque no tenga más recuerdos, sino porque todo el mundo puede añadirle algo. Me gustaría que cada uno de los conquenses que, tal vez lea el libro, o esta charla, se atreva a poner en un folio sus ‘recuerdos’ y los envíe a la redacción del periódico. Sería fabuloso recopilar vivencias y recuerdos de centenares de personas, distintas y a la vez unidas por un nexo común: Cuenca. Tengo la sensación de que a la gente de mi generación le va a ‘remover’ muchas cosas que permanecen dormidas y que al verlas plasmadas en un libro se atrevan a ponerlas por escrito. ¿Tratas de recuperar, ahora que está tan de actualidad,la memoria histórica? No soy tan pretencioso. Pretendo recuperar la pequeña memoria cotidiana; esa que va inseparablemente unida a nuestra piel, y sin la cual no hay ‘Memoria Histórica’, con mayúsculas, posible. Prefiero quedarme con lo cotidiano, con lo que me hizo feliz, e infeliz, y contribuyó a hacerme tal como soy, sin más. ¿Porqué en la colección ‘Cuadernos del Hocinoco’? Creo que es el lugar preciso, y precioso para este libro de ‘no olvidos’ o de recuerdos de lo cotidiano. Es un libro poco ortodoxo, como lo es la propia colección que ‘inventó’ Antonio Pérez. Pienso que es el ámbito idóneo para el libro y agradezco a la Fundación el que haya visto la luz bajo su patrocinio. Y tras dar a conocer tus ‘recuerdos’, volverás a tu ‘exilio’? Nunca me he exiliado, y menos de Cuenca. Es más, volveré próximamente, y esta vez con obras ‘visibles’. Veo pues que no te ‘olvidas’ de tu ciudad, ¿verdad? Nunca olvidas las primeras sensaciones; los aromas, la puesta de sol, el primer beso. Nunca dejas atrás lo que amas; ni lo que te duele... | ||||||||
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| Sinopsis | Actualidad Titulares de hoy Extremadura al día Extremadura
Alcandoria, veinticinco años, ya Carmelo Arribas Exposicion de los 25 años de existencia del Colectivo Alcandoria, en Don BenitoEl día 2 de marzo, se inauguraba en la Casa de Cultura de D. Benito, tras la introducción del poeta Manolo Calderón, y la intervención del Concejal de Cultura de dicha localidad, Manuel Núñez, una exposición que conmemoraba los Veinticinco Años de existencia del Colectivo Alcandoria. En aquel exiguo espacio, de la casa de la Cultura, se concentraba lo mas puntero de la poética y creatividad de Mérida y D. Benito. Catálogo de la exposiciónEl resumen que sobre la actividad del Colectivo, realiza en la introducción al Catálogo de la exposición, Daniel Molina Vallas, es un auténtico milagro de concisión y claridad, porque resulta sumamente difícil resumir en tres hojas y media, toda la actividad cultural que ha pivotado sobre este Colectivo en veinticinco años. La transición política de finales de los setenta, dejaba múltiples huecos sociales sin cubrir, y uno de ellos era sin duda el de la Cultura. Uno de los personajes imprescindibles en esta "movida", fue y sigue siendo, Antonio Gómez. Algunas asociaciones Culturales como Entre Tajo y Guadiana, estaban haciendo una meritoria labor, concitando en su entorno actividades como: Fiestas de Poesía o la edición de libros. El Pub Alcandoria, se convirtió en la casa común de todos los creadores del momento. Hoja parroquial letra X. Exposición 25 año existencia Colectivo AlcandoriaEl impacto de "La Hoja Parroquial del Alcandoria", cada una con una letra del abecedario, compuesta de objetos, poesía, relatos, poemas visuales, dibujos originales y todo cuanto la libre creatividad podía producir, constituyó un revulsivo cultural, difícilmente repetible, pese a que existe un proyecto de hacer facsímiles de la misma. En ella participaron casi todos los que tenían algo que decir en esa Extremadura, que vivía, como toda España, una transición política. Presentación de la exposciónDesde aquel núcleo inicial formado por Antonio Gómez, Aurelio Velasco, Carmelo Arribas, Manuel Calderón, Juan Miguel García Refoyo, Rosa María Lencero, Daniel Molina, Corpá y Vidal Ángel Garrido, el círculo se fue ampliando cada vez más, con personajes de tanto peso creativo como: Elías Moro, Joaquín Gómez, Pilar Fernández, Salvador Gómez, Julio Moríñigo, Isidro Ortiz, Alejandra Fernández, Daniel Casado, Juan Rangel, Ana Oliveras, Ángel Cervera, Franziska, José María Aranda, Paqui Galán, José María del Álamo, Martín Romero, Javier Fernández Molina... y un largo etc, y entre ellos un personaje que es la plasmación de que este círculo creativo sigue llegando fuera de Mérida, y que ha sido factor importante de que la exposición se realizara en D. Benito, como es Juan Ricardo Montaña. Pagina de la hoja parroquial. 25 años colectivo AlcandoriaDesde aquella inicial "Hoja Parroquial", aunque un lugar se cambió al Pub la Rivolta, las publicaciones y presencia en diversos acontecimientos nacionales, en la que la Poesía Visual es la protagonista, es constante. Desde "El píntalo de Verde", "Ala de Mosca", "Carpeta", " Estréllate con" " Pirámide", " La Nevera Portátil", "Caja de Truenos"... año tras año, han ido apareciendo nuevas publicaciones, siempre con una originalidad y creatividad que la hacen distintas a todas. Premios de importancia y la presencia de miembros del Colectivo, en diversas Antologías poéticas Nacionales, demuestran la calidad de los mismos y que la creatividad, sin cortapisas ni autocensuras, todavía es posible. Algunos de los que compusieron, el núcleo inicial, han ido constatando cómo las abundantes melenas han ido siendo sustituidas por espacios yermos de cabello, pero todavía mantienen intacta la rebeldía e iniciativa que les impulsó a unirse y crear un espacio alternativo, en el que primara la libertad de pensamiento. Los años han pasado, pero como afirmaba Antonio Gómez, en uno de sus poemas : Todo lo que se hace, queda hecho. Y ante esta afirmación sólo queda decir: Amén, y larga vida. | ||||||||
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| Sinopsis | Actualidad Titulares de hoy Extremadura al día Extremadura
Alcandoria, veinticinco años, ya Carmelo Arribas Exposicion de los 25 años de existencia del Colectivo Alcandoria, en Don BenitoEl día 2 de marzo, se inauguraba en la Casa de Cultura de D. Benito, tras la introducción del poeta Manolo Calderón, y la intervención del Concejal de Cultura de dicha localidad, Manuel Núñez, una exposición que conmemoraba los Veinticinco Años de existencia del Colectivo Alcandoria. En aquel exiguo espacio, de la casa de la Cultura, se concentraba lo mas puntero de la poética y creatividad de Mérida y D. Benito. Catálogo de la exposiciónEl resumen que sobre la actividad del Colectivo, realiza en la introducción al Catálogo de la exposición, Daniel Molina Vallas, es un auténtico milagro de concisión y claridad, porque resulta sumamente difícil resumir en tres hojas y media, toda la actividad cultural que ha pivotado sobre este Colectivo en veinticinco años. La transición política de finales de los setenta, dejaba múltiples huecos sociales sin cubrir, y uno de ellos era sin duda el de la Cultura. Uno de los personajes imprescindibles en esta "movida", fue y sigue siendo, Antonio Gómez. Algunas asociaciones Culturales como Entre Tajo y Guadiana, estaban haciendo una meritoria labor, concitando en su entorno actividades como: Fiestas de Poesía o la edición de libros. El Pub Alcandoria, se convirtió en la casa común de todos los creadores del momento. Hoja parroquial letra X. Exposición 25 año existencia Colectivo AlcandoriaEl impacto de "La Hoja Parroquial del Alcandoria", cada una con una letra del abecedario, compuesta de objetos, poesía, relatos, poemas visuales, dibujos originales y todo cuanto la libre creatividad podía producir, constituyó un revulsivo cultural, difícilmente repetible, pese a que existe un proyecto de hacer facsímiles de la misma. En ella participaron casi todos los que tenían algo que decir en esa Extremadura, que vivía, como toda España, una transición política. Presentación de la exposciónDesde aquel núcleo inicial formado por Antonio Gómez, Aurelio Velasco, Carmelo Arribas, Manuel Calderón, Juan Miguel García Refoyo, Rosa María Lencero, Daniel Molina, Corpá y Vidal Ángel Garrido, el círculo se fue ampliando cada vez más, con personajes de tanto peso creativo como: Elías Moro, Joaquín Gómez, Pilar Fernández, Salvador Gómez, Julio Moríñigo, Isidro Ortiz, Alejandra Fernández, Daniel Casado, Juan Rangel, Ana Oliveras, Ángel Cervera, Franziska, José María Aranda, Paqui Galán, José María del Álamo, Martín Romero, Javier Fernández Molina... y un largo etc, y entre ellos un personaje que es la plasmación de que este círculo creativo sigue llegando fuera de Mérida, y que ha sido factor importante de que la exposición se realizara en D. Benito, como es Juan Ricardo Montaña. Pagina de la hoja parroquial. 25 años colectivo AlcandoriaDesde aquella inicial "Hoja Parroquial", aunque un lugar se cambió al Pub la Rivolta, las publicaciones y presencia en diversos acontecimientos nacionales, en la que la Poesía Visual es la protagonista, es constante. Desde "El píntalo de Verde", "Ala de Mosca", "Carpeta", " Estréllate con" " Pirámide", " La Nevera Portátil", "Caja de Truenos"... año tras año, han ido apareciendo nuevas publicaciones, siempre con una originalidad y creatividad que la hacen distintas a todas. Premios de importancia y la presencia de miembros del Colectivo, en diversas Antologías poéticas Nacionales, demuestran la calidad de los mismos y que la creatividad, sin cortapisas ni autocensuras, todavía es posible. Algunos de los que compusieron, el núcleo inicial, han ido constatando cómo las abundantes melenas han ido siendo sustituidas por espacios yermos de cabello, pero todavía mantienen intacta la rebeldía e iniciativa que les impulsó a unirse y crear un espacio alternativo, en el que primara la libertad de pensamiento. Los años han pasado, pero como afirmaba Antonio Gómez, en uno de sus poemas : Todo lo que se hace, queda hecho. Y ante esta afirmación sólo queda decir: Amén, y larga vida. | ||||||||
| Titulo | José Luis Coll / el humor absurdo | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | El mundo del espectáculo despide a Coll, uno de los grandes del humor inteligente
Amigos y compañeros de profesión de José Luis Coll, fallecido ayer a los 75 años y que será incinerado hoy en el crematorio de la Almudena de Madrid, coinciden en señalar el gran talento del humorista y lamentan "la gran pérdida" que supone por ser "uno de los mejores representantes del humor inteligente". El humorista José Luis Coll fallece a los 75 años Muere Tip, humorista "grouchiano" y delirante El actor Una de las actuaciones más populares del dúo humorístico de Tip y Coll fue la de sus instrucciones sobre Cómo llenar un vaso de agua. Josema Yuste, ha destacado que Coll era "la esencia pura del humor". Para otro compañero de profesión, Moncho Borrajo, a Coll "le sobraba inteligencia a borbotones" y ha añadido que con su muerte se han acabado "los grandes del absurdo del abstracto". "Con su muerte se pierde una gran tradición en nuestro país". En la misma línea, el periodista Pepe Oneto ha asegurado que Coll ha formado parte de una generación de humoristas "muy importante". El actor Antonio Ozores ha destacado que no se va a volver a repetir "un humor inteligente como el del dúo Tip y Coll". En su opinión José Luis era un humorista "muy especial" que siempre estaba de buen humor "sobre todo cuando se enfadaba". El ex mánager del dúo cómico 'Tip y Coll', Tole Sánchez, ha señalado que Coll era "un ser estupendo" y una "magnífica y maravillosa persona". El alcalde de Madrid, Alberto Ruiz Gallardón, ha adelantado que en el próximo pleno se aprobará la concesión de una calle al humorista. "Es el mejor homenaje que se le puede hacer, es un sentimiento compartido por todos los madrileños", según el alcalde, para quien José Luis Coll era un hombre "bueno" que nos ha regalado "muchas sonrisas". La ministra de Cultura, Carmen Calvo, ha afirmado que con la muerte del humorista José Luis Coll la sociedad pierde "una mente absolutamente brillante". Para Calvo uno de los rasgos más destacos de Coll era "su manejo del lenguaje verdaderamente inconmensurable | ||||||||
| Titulo | Palabra e imagen en situación de igualdad | ||||||||
| Autor | AURELIO MARTÍN | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | Palabra e imagen en situación de igualdad
El Museo de Arte Contemporáneo de Segovia, dedicado al pintor Esteban Vicente, pone en valor la llamada poesía visual, un género que evidencia la simbiosis entre el mundo de la plástica y la palabra. Y lo hace con la exposición La palabra imaginada. Diálogos entre plástica y literatura en el arte español, que mostrará hasta el 17 de junio 41 obras realizadas por poetas e intelectuales como Rafael Alberti y Federico García Lorca y nombres destacados del arte como Miquel Barceló, Joan Fontcuberta, Pep Llambías y Antoni Tàpies. El proyecto "trata de aportar por primera vez en España una mirada de igualdad entre palabra e imagen, que vaya más allá de la representación pictórica, para recoger también otros procesos visuales como la escultura, la fotografía o las instalaciones audiovisuales y de objetos", dijo el comisario de la muestra Francisco Carpio. En este diálogo equilibrado e igualitario se recogen todos los lenguajes expresivos posibles, desde el vidrio al collage, pasando por la escultura, los neones y los hologramas. En la muestra, que exhibe dibujos de Ernesto Giménez Caballero y García Lorca, también están representados los artistas visuales Pablo del Barco, Julio Campal y Antonio Gómez, entre otros. | ||||||||
| Titulo | La ironia critica del Pop Art | ||||||||
| Autor | TXEMA G. CRESPO | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | La muestra presenta obras de Andy Warhol, Jaspers Johms, Arroyo o el Equipo Crónica
El título de la exposición, Los colores del pop art, resume el aspecto formal de la selección de más de 60 obras que presenta la sala de la Fundación Caja Vital de Vitoria, porque la corriente pop en las artes plásticas no se explica sin su mensaje irónico y crítico sobre la cultura de masas que domina EEUU y Europa desde mediados del siglo pasado. DESDE LA FIGURACION Siempre desde la figuración, y con unas intenciones que suelen cuestionar también el propio acto de pintar. La muestra presenta obras de Warhol, Richard Hamilton, Jasper Johns, el Equipo Crónica o Eduardo Arroyo. La exposición, abierta en la sala vitoriana (Postas 13-15) hasta el 29 de marzo, no puede desplegar toda la riqueza de un movimiento que la comisaria Marisa Oropesa sitúa entre 1930 y la actualidad, pero sí permite recuperar algunas de las líneas principales en que trabajaron autores de todo el mundo que se adscribieron al pop art. Los referentes primeros son norteamericanos, como Warhol o Wesselmann, pero pronto la pasión por superar el expresionismo abstracto y el informalismo, principales corrientes pictóricas tras la II Guerra Mundial, llevó al triunfo de esta tendencia en otros lugares. Tan referente de esta nueva corriente como los citados es el pintor inglés Richard Hamilton, famoso por su empleo irónico del logotipo de la bebida espirituosa francesa Ricard. Hamilton crea carteles, botellas y ceniceros Richard que son excelente ejemplo de esa ironía que domina el pop. Aunque no está presente en la sala, la serie de Warhol sobre las latas de sopas Campbell's es quizá la referencia más conocida de este uso de las marcas comerciales como recurso pictórico. CUESTIONAR EL PROPIO PRECESO PICTORICO Sin embargo, la reflexión de los artistas pop iba más allá. Como explica la profesora Teresa Camps en el prólogo del catálogo de la muestra, los pintores pop no sólo ironizaban sobre la cultura de masas; también cuestionaban el propio proceso pictórico. "El 'cómo pintar' fue entre muchos artistas tan importante como el comunicado o la selección de los motivos", arguye. Entre los recursos a los que acudieron estos autores se encuentran el collage, la concepción plana del color, el grafismo, la modificación de la escala y las texturas, sin olvidar los logros de la abstracción. CONCEPCION PLANA DEL COLOR Alguna de estas prácticas se adivinan, por ejemplo, en dos cuadros de Luis Gordillo que por primera vez se presentan en público. Se trata de dos acrílicos sobre cartulina, de 1963, que el artista cedió a la comisaria de la muestra cuando le pidió su colaboración. Gordillo, con Andrés Cillero (considerado el introductor del pop art en España), Alfredo Alcain y Eduardo Arroyo son los principales representantes de una corriente que en cada uno de ellos tuvo su desarrollo particular. Si Alcain apostaba por una investigación más pictórica, Arroyo se inclinó hacia la denuncia política sin olvidar la exigencia artística. Esa fue una de las razones que le llevaron a exiliarse en París, para poder pintar con mayor libertad. En general, los artistas pop españoles se caracterizan por esa apuesta decidida por la crítica al franquismo y los valores que impulsaba. EL EQUIPO CRONICA El Equipo Crónica se muestra, en este sentido, como el mejor representante, con obras que ya apuntan desde sus títulos: Oficina siniestra, Conde Duque o el Morrosko de Olivares o Éste no se escapa. EQUIPO REALIDAD En paralelo, también trabajó el Equipo Realidad, con una mirada más abierta a una cultura de masas que comenzaba a ser global, al menos en Occidente. De ahí que en sus obras, de finales de los 60, figuren la Reina Isabel o una clara referencia a los problemas del petróleo y el papel en ellos de EEUU. En su El ladrón de Bagdad (1967), figura un marine, junto a un camello cargado con dos bidones en los que se lee oil, una imagen que sigue de actualidad 40 años después. | ||||||||
| Titulo | Un Madrid coreano | ||||||||
| Autor | E. SILIÓ | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Sinopsis | Un año más, La Casa Encendida (Ronda de Valencia, 2) participa en Arco y lo hace prestando atención al país invitado. Un laberinto de puertas que no llevan a ninguna parte provocan en el visitante un sentimiento de aislamiento y tensión. Es la sencilla instalación 49 habitaciones, de Kyuchul Ahn (Seúl, 1959), autor también de un vídeo que ofrece una panorámica de su obra desde el próximo martes y hasta el 18 de marzo.
La generación post- new age La cultura del país invitado a Arco no es sólo arte. Por eso actividades de música, danza, cine y literatura se celebran estos días en la capital, tomada por los paisajes sonoros, las instalaciones y las performances de Madrid abierto. Las actividades relacionadas con Corea del Sur no se reducen ni al recinto ferial de Ifema ni al arte. Distintas instituciones por todo Madrid acogen espectáculos musicales y de danza, exposiciones, proyecciones y debates sobre su literatura. Un acercamiento múltiple a un país enigmático y desconocido para el gran público. Y de forma paralela Madrid abierto, que partió de la base de los Open Spaces de la Fundación Altadis en Arco, celebra su cuarta edición. Un arte público con el que se pretende hacer reflexionar al viandante. coreana está representada en el Canal de Isabel II (Santa Engracia, 125) por doce artistas, aún no incorporados al circuito de galerías, que combinan la pintura con imágenes en movimiento provenientes de vídeos e instalaciones multimedia. En un país a la cabeza mundial en industria tecnológica es lógico que también la exposición Intermediae-Minbak se consagre a ésta. Está organizada por el centro de arte Nabi en colaboración con Intemediae en España, lo que sienta las bases de un intercambio continuado. Trayectoria internacional con solidada tienen en cambio el pintor y grabador Duck Sung Kang y el escultor Suk Ho Choi, a quienes la galería Barbarin (avenida de Manoteras, 10) dedica dos muestras en las que dialogan las tradiciones milenarias y la modernidad, y el arte con la naturaleza. Y otra sala privada, My Name's Lolita Art, expone hasta el 8 de abril 16 óleos de SungHa Ahn, con su particular mirada post-pop de los objetos cotidianos. Las exóticas costumbres populares de antaño se conocen a través de la exposición Retrato de la memoria, de Joo Myung Duck, que hasta el 14 de abril puede verse en el Círculo de Bellas Artes (Alcalá, 42), y en el Matadero Madrid (paseo de la Chopera, 10), donde el chamán Kim Geum Hwa -considerado patrimonio nacional viviente- va a realizar un rito esta tarde. Más contemporánea es la muestra Trace Roots-Unfolding Korean Stories, en Alcalá 31, que analiza las raíces del espíritu coreano, a través de la influencia de la modernización y la globalización en la filosofía nacional; y Nueva ola del diseño coreano, en el Museo de Arquería (paseo de la Castellana, 67) hasta el 25 de marzo, en las que los artistas se esfuerzan en recuperar lo artesanal dentro de un contexto arquitectónico. Este martes, el patio de La Casa Encendida alberga el concierto de Uhuhboo Proyect Band, que mezcla el rock, la música electrónica e instrumentos tradicionales coreanos. Los sonidos clásicos del país y los contemporáneos se entremezclan también en los recitales de Ensemble TIMF, que actuará el 26 de febrero en el Museo Reina Sofía (Santa Isabel, 52), que además alberga una instalación del artista Kiwon Park. La danza contemporánea tiene su espacio en el Círculo de Bellas Artes el próximo miércoles. La artífice es la excéntrica Eun Me Ahn, y el espectáculo Let me change your name (2005). Convertida en su país en un icono cultural, la bailarina ha incluido en su lenguaje experimental, simple y vigoroso, la danza expresionista alemana (tanztheater). Con la pretensión de escenificar los contrastes entre el Este y el Oeste, cuatro bailarines coreanos y tres europeos enfrentarán sus movimientos. El afamado cine coreano, reconocido desde finales de la década de los noventa, también ha merecido la atención de La Casa Encendida y la Filmoteca Española (Santa Isabel, 3). En la primera se dedica una retrospectiva al cine del realizador Hong Sang-soo (Seúl, 1960) que el día 14 acudirá a la proyección. En total se verán siete títulos como Tale of cinema o Turning gate -cada miércoles proyecciones hasta el 28 de marzo- de un realizador premiado en los festivales de Vancouver, Rotterdam o Cannes, por su sofisticada obra de narración simple sobre las incómodas verdades en las relaciones humanas. Y en la segunda se exhibirá toda la filmografía de Kim Ki-Duk (Hierro 3, La isla, El arco), el cineasta más conocido del país fuera de sus fronteras, además de programar los últimos largos más destacados y los directores más prometedores. La literatura coreana, a diferencia del cine, es una auténtica desconocida y para solventar esta desinformación visitan Madrid tres de sus escritores más importantes. El día 15, en el Círculo de Bellas Artes, Hyun Ki-Young y Choi Seung participarán en un encuentro junto a su compatriota y literato Lee Hye-Kyung, el autor cubano Waldo Pérez Cino, el experto en Asia Fernando Delage y el poeta Pío E. Serrano. Y al día siguiente, el poeta coreano Ko Un debatirá con sus colegas españoles Antonio Colinas y Clara Janés, y Kim Un-Kyung, doctora en Lingüística Hispánica. Y paralelamente a estos ac tos, la capital está engalanada desde el principio de mes por el concurso de arte público Madrid abierto al que se presentaron 658 proyectos. Los seleccionados, que conforman un paseo sonoro, se desarrollan principalmente en el paseo de Recoletos y en la confluencia de Alcalá y Gran Vía. Dentro de la sección oficial el colectivo _nexus* envía mensajes a los transeúntes de las estaciones de metro de Banco de España y Serrano; el australiano Ben Froast ha montado seis colmenas con sonidos diferentes junto a la plaza de Colón; la alemana Mandla Reuter ofrece películas comerciales en un piso privado; Alonso Gil y Francis Gomila reflexionan sobre la música como instrumento de tortura en los respiraderos de la confluencia de Gran Vía y Alcalá, y el alemán Dirk Vollenbroich ilumina la fachada y el interior del Palacio de Comunicaciones. Además, el canal Metro proyecta audiovisuales y pueden verse seis proyectos fuera de competición, como la performance sonora sueca que lleva cuatro años recorriendo el mundo You don't love me yet, en la que cada músico interpreta a su manera la canción de Roky Ericcson el lunes en el Círculo de Bellas Artes. | ||||||||
| Titulo | Poemas para el Entreacto | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Nota de prensa editorial | ||||||||
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| Materia | |||||||||
| Sinopsis | NOTA DE PRENSA
La colección Caleidoscopio de la editorial Jirones de Azul continúa ampliando su oferta literaria con la publicación del libro “Poemas para el entreacto” del poeta Agustín Calvo Galán. En este libro, su autor juega con las palabras y las imágenes y nos envuelve en una especie de jeroglífico extraño que, cuando somos capaces de comprenderlo, sentimos que se ha hecho la luz. Es uno de esos pocos privilegiados al que los oyentes le piden que repita sus poemas para digerirlos con tranquilidad. Es necesario que Agustín nos lea sus poemas un par de veces o, al menos, que nos deje unos segundos para que penetren bien. Agustín Calvo Galán, Barcelona (1968), licenciado en Geografía e Historia, especialidad de Prehistoria, Historia Antigua y Arqueología. Es escritor, redactor, pintor, performer y diseñador gráfico, pero ante todo es poeta multidisciplinar. Su obra como poeta ha sido recogida en diferentes ediciones especializadas, tanto en su versión literaria como visual. Ha publicado los libros de poemas: “Vendimia de versos” (2003), “Letras transformistas” (2005), y el libro-objeto “Otra ciudad” (2006). Colabora habitualmente con el Taller del Sol (Tarragona) en convocatorias de mail-art y es coordinador de la web: www.boek861.com especializada en poesía visual y mail-art. Dentro del colectivo de poetas visuales “Labcrom di Sol” ha promovido la edición de obras relacionadas con la poesía experimental. De entre sus últimas colaboraciones destaca una obra despedazada para la revista-objeto “Lalata 9”, www.lalata.info, así como la concesión de una mención en el premio “Jirones de Azul” de poesía (Sevilla, abril 2006). Si deseáis más información, no tenéis más que poneros en contacto con Rosa García Perea, Edith Checa o Charo Martín. www.jironesdeazul.com Teléfono de Rosa: 954 28 40 39 Teléfono de Edith: 630 65 75 42 Teléfono de Charo: 954 28 40 39 Email: jirones@jironesdeazul.com | ||||||||
| Titulo | Joan Brossa y el Espejo | ||||||||
| Autor | Francesc Parcerisas | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis | En la última edición de Joan Brossa (EL DIA A DIA 1988-1992 / Ediciones 62)el espejo es, para él, un elemento de una doble magia: representa lo que no es y lo que es al mismo tiempo. En el juego de abstracciones del autor este elemento simbólico que recoge el más alla y el más acá de manera simultánea. Simbólicamente es utilizado para crear un mundo poético visual donde las dos dimensiones son vistas holográficamente y lo tridimensional se transforma en bidimensional. Una vez más Brossa, con sus escritos, con sus obras y con su manera de estar, nos dice que los elementos cotidianos tienen magia para el que saber ver, para el que sabe admirarse, para todo aquel que piensa que otro mundo mejor es posible. | ||||||||
| Titulo | El Agitador Ibérico Angel Crespo | ||||||||
| Autor | Miguel Mora | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | un postista de pro
Lisboa festeja la obra de Ángel Crespo, el más portugués de los poetas españoles y traductor del 'Libro del desasosiego' LOS AFORISMOS DEL POETA ANGEL CRESPO "La poesía es un camino de ida, pero sin vuelta. Los que vuelven regresan de otra parte". "El más trabajador de los críticos literarios es el olvido". "Prefiero el atardecer, soy occidental". "Hay una letra más con la que sólo se escribe poesía". Todos estos versos-aforismos del poeta y traductor Ángel Crespo, que parecen resumir en tres palabras su maestría, su inteligencia y su talante, están colgados estos días en las paredes del Instituto Cervantes de Lisboa, la ciudad que tanto amó. Forman parte de la exposición Con el tiempo, contra el tiempo, que se vio en Madrid en 2005 y ahora ha sido rescatada en Portugal para glosar el lado portugués de Crespo, aquel gran agitador ibérico que tradujo el Libro del desasosiego de Pessoa, fue el antólogo atento y plural que dio a conocer en España la poesía portuguesa y acabó siendo el más luso de los poetas españoles, o quizá el más español de los poetas portugueses. Crespo salió de España cansado de sectarismos literarios y olvidos Regresa a Lisboa con sus libros, sus fotos de familia y su cara de buena persona Crespo (Ciudad Real, 1926-Barcelona, 1995) ha vuelto a su Lisboa de manera metafórica, pero con todas sus circunstancias a cuestas: sus libros, sus fotos de familia, su cara de buena persona, su pipa en la boca y su pasión febril y científica a la vez por Fernando Pessoa, Eugénio de Andrade o Guimaraes Rosa, tres de las cumbres del idioma de Camões que él tradujo al español durante su apasionada relación con la cultura y la gente de Portugal. Un grupo de amigos, poetas y discípulos de los dos lados de la raya le esperaban en la calle de Santa Marta, sede del Cervantes: su viuda, Pilar Gómez Bedate; los poetas José Bento, António Osorio, Ángel Campos Pámpano, Eduardo Lourenço y Andrés Sánchez-Robayna; Antonio Piedra (comisario de la muestra), y el director del Instituto, y también poeta, Ramiro Fonte. Apenas se pusieron melancólicos o saudosos al recordar a Crespo. Todos tenían en la memoria a un tipo vitalista, hiperactivo, generoso, contento de vivir. Pilar Gómez, que lo conoció en 1961 y estuvo con él de forma constante hasta su muerte ("casi nunca nos separábamos"), habló de su vida errante: "Salimos en 1967 de España y nos fuimos a Oporto y luego a Lisboa. Fuimos también a Italia, a Puerto Rico, pero éste fue siempre nuestro puerto seguro y ahora es mi patria amada, sin los sinsabores de la patria propia". COMO POSTISTA RECHAZABA LOS SECTARISMOS LITERARIOS Crespo salió de España harto de franquismo y aislamiento, cansado de sectarismos literarios y olvidos interesados. Crespo militó en el postismo -vertiente surrealista con crítica social- y reivindicó la generación del 51 frente a la del 50, lo que pagó, como Cirlot, Ory, Gamoneda y algunos más, recordó Campos Pámpano, con el desprecio y el ostracismo. Si otros claudicaron, él decidió luchar para vencer la cerrazón y devolver a España su conexión exterior; para tratar de tender, dijo Pilar Gómez, "los lazos con otras culturas que había atado la España de la República". Quería escribir y leer, encontrar y divulgar. Fundó y dirigió revistas (al menos cuatro, una sobre cultura brasileña), estudió lenguas, viajó sin freno, dio clases en varios países, leyó muchísimo, lo hizo todo a un ritmo de vértigo, y tradujo, tradujo sin parar. Primero a clásicos italianos como Dante y Petrarca. Después se hizo lusitanista. Para siempre, explicó su viuda: "En la literatura portuguesa se sintió en casa: defendió a Pessoa y a Verde, se hermanó con las nuevas generaciones y acabó siendo un poeta ibérico". En 1957 descubrió a Alberto Caeiro, uno de los heterónimos de Pessoa. En 1961, publicó la primera Antología de poesía portuguesa. La policía política de Salazar (la PIDE) sospechó de aquella atención desmesurada, dado lo que el propio Crespo llamó, como recordó su amigo António Osorio, "el divorcio cultural entre España y Portugal". Todo había empezado por los poetas brasileños y había continuado por su pasión lisboeta, dijo Osorio, que resumió con una frase de Lourenço su tarea incansable y sutil: "Desde Unamuno no nos sentíamos tan profunda e íntimamente comprendidos". Sánchez-Robayna, que prefirió leer algunos poemas de Crespo, y José Bento, que recordó su rara originalidad, forjaron con Campos Pámpano un retrato plural del autor de Ocupación del fuego como poeta "moderno, raro, exquisito, musical, exigente, heterogéneo, metafísico, riguroso y ambicioso". Fue esa gran capacidad poética la que le permitió traducir con tanta calidad ("magistral, certero, sabio", dijo Campos Pámpano) libros tan endemoniados como Grande sertão, veredas, elaborar "antologías generosas y plurales" que dieron a conocer a poetas como Sophia de Mello, Herberto Helder, Ramos Rosa o el propio Osorio... Pero también traducir en apenas dos años el Libro del desasosiego. "Salió en 1982 en Oporto y en 1984 ya estaba en Seix Barral". Para Eduardo Lourenço, Crespo estaba "lleno de una humanidad que se veía", tenía "una inteligencia y un corazón ibéricos", y fue el culpable de que los autores portugueses de ahora mismo "se paseen por España con toda tranquilidad". Sobre el Desasosiego, Lourenço cree que Crespo hizo bastante más que traducir el libro: "En portugués era un laberinto de fragmentos. Crespo lo convirtió en un libro-libro y abrió una nueva recepción internacional, la segunda vida de Fernando Pessoa, su conversión en un autor mítico y mágico que es leído en todo el mundo por una especie de masonería semisecreta". | ||||||||
| Titulo | Perder 200 artistas | ||||||||
| Autor | ROBERTA BOSCO | ||||||||
| Publicacion | El Pais | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance | ||||||||
| Sinopsis | Se expulsará a 188 artistas y desaparecerán 9.670 metros dedicados a la creación
El informe elaborado por Hangar indica que en 2006, en Poblenou, había...//... Poblenou perderá unos 200 artistas en 2007 El Ayuntamiento proyecta una futura red de fábricas de creación mientras cierran las que funcionan Cerca de 200 artistas dejarán de trabajar en Poblenou durante 2007 debido a la transformación urbana del barrio que ha acarreado el cierre de numerosos espacios dedicados a la creación, según datos facilitados por Hangar, el centro de producción artística fundado y gestionado por la Asociación de Artistas Visuales de Cataluña (AAVC). Entre 1994 y 2006 en la zona de Poblenou el informe ha verificado la progresiva desaparición de 18 espacios, por un total de 6.783 metros cuadrados y 133 artistas perdidos. El Ayuntamiento de Barcelona promueve, en el marco del Plan Estratégico de Cultura, la creación de una red de espacios para creadores, pero el proyecto está aún en la fase preliminar de localizar locales. Mientras, los que funcionaban van cerrando. Se expulsará a 188 artistas y desaparecerán 9.670 metros dedicados a la creación El informe elaborado por Hangar indica que en 2006, en Poblenou, había 12.845 metros dedicados a la producción artística y 142 creadores trabajando de forma regular. Sin embargo, con el desalojo de La Makabra, el 20 de noviembre, se perdieron 5.000 metros y 90 artistas. Sólo en Can Ricart, donde se encuentra la sede de Hangar (pasaje del Marqués de Santa Isabel, 40), trabajaban unos 45 artistas repartidos en tres colectivos: Can Font, Flea y Nau 7, que fueron obligados a marcharse en 2005. En el Plan Estratégico de Cultura de Barcelona, en el marco del programa Barcelona Laboratori, se afirma que se impulsará "una red de espacios orientados al ensayo y la creación en los diferentes ámbitos artísticos de la ciudad que se ubicarán en recintos industriales en desuso, como la Fabra i Coats (Sant Andreu) y la Escocesa (Poblenou)". Sin embargo, el documento no menciona que algunos de estos espacios ya están en marcha y están seriamente amenazados. Es el caso de la Escocesa (Pere IV, 345) con 75 artistas y 3.950 metros, y los Tallers Caminal (Pallars, 172) con 23 artistas y 720 metros. Según el concejal de Cultura, Carles Martí, "queremos llegar a convenios de colaboración con los artistas que gestionan espacios ya en marcha, como la Escocesa. Nuestra intención es reforzar y apoyar las estructuras ya existentes, siempre y cuando cumplan con los dos objetivos prioritarios del programa: investigación e innovación interdisciplinarias y propósito de cohesión social". Sin embargo, el informe de Hangar señala que, "durante 2007 se expulsarán del barrio otros 188 artistas y desaparecerán 9.670 metros dedicados a la creación. La ampliación de 876 metros de Hangar, propuesta por el Ayuntamiento, mejora la situación del centro, pero no resuelve la necesidad de los artistas de encontrar talleres a precios accesibles en espacios industriales de propiedad pública". "Estamos realizando una cartografía de la ciudad para identificar los espacios y locales que puedan ser convertidos en talleres para artistas; mientras tanto, hemos destinado una partida de 300.000 euros para la ampliación de Hangar, que se podrá incrementar según las necesidades", indica Jordi Martí, director del Instituto de Cultura de Barcelona (Icub). Hangar espera poder empezar las reformas del nuevo espacio en unos tres meses, cuando el Ayuntamiento y Frederic Ricart, marqués de Santa Isabel y dueño mayoritario de Can Ricart, hayan dirimido los últimos contenciosos relativos a la propiedad del recinto, que fue salvado del derrumbe casi total y está en proceso de ser declarado bien de interés nacional gracias a las movilizaciones ciudadanas. Según una publicación de la plataforma Salvem Can Ricart, "una parte importante del recinto queda en manos privadas y corre el riesgo de ser derribada, desvirtuando la unidad arquitectónica de Can Ricart y reduciendo su valor histórico". En el plan estratégico se anuncia la rehabilitación de la antigua fábrica de Can Saladrigas, de la que fueron desalojados varios colectivos artísticos, y su conversión en el centro de interpretación del patrimonio industrial de Can Saladrigas, que acogerá también la biblioteca del barrio y un centro recreativo para personas mayores. También se comunica la construcción y puesta en marcha de la Ciudad del Audiovisual en la antigua fábrica de Ca l'Aranyó, en el marco del proyecto 22@, y la creación de un centro de formación, investigación y producción de media art del que no se indica ni su emplazamiento ni sus recursos. Según Carles Martí, "la desconfianza de ciertos sectores no tiene razón de ser, ya que la gran mayoría de actuaciones previstas por el anterior plan estratégico, por ejemplo las bibliotecas, se llevaron a cabo. Las acciones concretas y las partidas presupuestarias del programa Barcelona Laboratori se fijarán durante el próximo mandato". | ||||||||
| Titulo | Fernando Sánchez Castillo | ||||||||
| Autor | FIETTA JARQUE | ||||||||
| Publicacion | El País | ||||||||
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| Materia | Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones | ||||||||
| Sinopsis |
ENTREVISTA Fernando Sánchez Castillo "Mi arte es un ejercicio de catarsis histórica" Titula su muestra antológica en el Musac Abajo la inteligencia, en alusión al tristemente célebre episodio entre Unamuno y Millán Astray. Vídeos, esculturas, fotos y pinturas que dan fe de una trayectoria preocupada por la historia de España, sobre la que hace una reflexión estética y moral. * La mano y dos pelos de Franco "Yo me planteo preguntas a situaciones que todavía no han sido resueltas por la generación anterior, que es la que debería haberlas hecho" Fernando Sánchez Castillo (Madrid, 1970) hace muchas preguntas. Para algunos, demasiadas. Y además se mete en terrenos espinosos, los derivados de las dictaduras, en particular la de Franco, a través de las estatuas, monumentos oficiales y otros objetos cargados de significado con los que viene trabajando desde hace casi una década. Es uno de los artistas españoles más valorados internacionalmente y hoy se abre en el Musac la exposición titulada Abajo la inteligencia, frase que pronunció el general Millán Astray contra Miguel de Unamuno en 1936, seguido de: "¡Viva la muerte! Intelectuales, habéis perdido a España". Según Sánchez Castillo, Abajo la inteligencia se refiere a "esa censura impuesta por el poder pero que luego, lamentablemente, los artistas y los intelectuales asimilamos en la forma de la autocensura. Es la tradición de los españoles de no viajar, de no hablar otro idioma. Y así nos va. El eco de Abajo la inteligencia llega hasta nuestros días". PREGUNTA. En la muestra del Musac incluye usted el mástil y otras partes del Azor, la embarcación de recreo de Francisco Franco, en una de las obras. ¿Cómo obtiene esas piezas? RESPUESTA. La Administración decidió deshacerse del Azor en 1985 y pasó a manos de un empresario de la hostelería, con la condición de que no volviera a navegar. Él tenía la idea de convertirlo en una discoteca o un restaurante flotante, pero le negaron sistemáticamente los permisos. Este señor decidió entonces desguazarlo, vendió piezas sueltas a coleccionistas, con su certificado, y el resto lo llevó desde Santander a la localidad de Cogollos, en Burgos. Ahí lo colocó entre su restaurante y un motel también suyo. Pero al final tuvo que venderlo todo, el Azor y el restaurante. Va pasando por distintos dueños y está totalmente abandonado, arrumbado. Ya no es ni siquiera un barco, es un escenario en mitad del aparcamiento, con base de hormigón sobre lo que han colocado los paneles de los espacios. Ahora lo tiene un empresario joven que no ha tenido ningún problema en prestárnoslo para la exposición. P. Lo de las trabas de la Administración para realizar sus proyectos ha sucedido en otras ocasiones. R. Me ha ocurrido con muchas instituciones que no tienen la valentía de afrontar estos temas. Cuando al Museo del Ejército se le pide algo para arte contemporáneo, muestra una gran desconfianza y ha sometido todas mis peticiones al Alto Estado Mayor del Ejército y de ahí al ministerio. Ponen tales trabas burocráticas, tal cantidad de papeles y excusas para no utilizar estos objetos que el tiempo pasa y pasa. Mi trabajo es totalmente artístico, eso quiero recalcarlo, no tiene que ver con ningún tipo de propaganda. Mi trayectoria es de artista, no de agitador político. Un cuadro o una acuarela pueden ser provocadores, no necesitan apoyarse en objetos para provocar. P. Usted trabaja con objetos cargados de simbolismo, y supongo que se teme que puedan ser manipulados o malinterpretados. R. Curiosamente, el uso que yo quería hacer de las piezas que solicité al Museo del Ejército es de absoluta normalidad. Cuando solicité la máscara funeraria de Franco y su mano, de la que también se sacó molde, fue después de haber estado expuestas durante años al público en el museo. Les pedí que un ciego pudiera tocar la máscara de Franco para que pudiera palpar su rostro y me lo negaron. Además, nunca nos dan una respuesta escrita, nos ha sucedido con otro proyecto, con la estatua ecuestre en Santander. La Administración no tiene obligación de contestar de forma escrita y parece que ya no tiene ni la gentileza. P. Sin embargo, usted continúa trabajando en torno a estas líneas, las de la estatuaria histórica. R. Por desgracia son unas líneas frustradas. Por ejemplo, cuando hicimos una maqueta del coche de Carrero Blanco yo tenía la intención de copiar cada abolladura, hacer una maqueta lo más precisa posible a escala 1:4, ni siquiera a escala real, y en un metal que fuera bronce y plata, lo más clásico en escultura. Solicitamos acceso a hacer fotos de ello pero nos dijeron que era un problema sacarlo porque estaba embalado por el traslado del museo. Claro, hay meses de papeleo detrás de esa petición. P. ¿Por qué cree que en España existe ese temor al uso de los objetos del pasado? R. Quizá es un temor ancestral hacia el inmovilismo el que tenemos en este país. Es un deseo de ocultar, de proteger, de guardar y a no discutir. Nosotros discutimos los problemas de generaciones anteriores, no los de nuestra generación. Parece que estamos viviendo una sociedad en diferido. Todo lo que concierne a la situación de una sociedad multicultural y global la vamos a discutir cuando sea muy tarde, no ahora cuando todavía podemos arreglar ...//... Abajo la inteligencia. Fernando Sánchez Castillo. Musac. Avenida de los Reyes Leoneses, 24. León. Comisaria: Tania Pardo. Hasta el 2 de mayo. | ||||||||
| Titulo | Viladot y los utensilios agrícolas | ||||||||
| Autor | Francesc Guillaumet | ||||||||
| Publicacion | La Mañana | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | El Museu de la Vida Rural aúna las obras de Viladot con los utensilios agrícolas
El Museu de la Vida Rural aúna las obras de Viladot con los utensilios agrícolas Los Objectes de companyia de Guillem Viladot, unos elementos que el autor de Agramunt sacó de su contexto habitual para convertirlos en material artístico, son los protagonistas de una exposición que inaugura el sábado 27 de enero el museu de la Vida Rural de l’Espluga de Francolí, una muestra que exhibirá estas obras con los utensilios agrícolas que forman parte de esta muestra. La exposición, que inaugurará Josep Vallverdú, presenta una selección de los Objectes de companyia que Guillem Viladot elaboró sacándoles de su contexto habitual para darles significado poético. Se trata de una colección de objetos que se pueden contemplar en su gran mayoría en la Fundació Privada Guillem Viladot de Agramunt, una institución que reúne toda la creación de poesía visual que el creador de l’Urgell elaboró en combinación con su obra literaria y poética. Guillem Viladot (Agramunt, 1922 - Barcelona, 1999) participó en 1971 en la primera exposición de Poesía Concreta de Catalunya en la Petite Galerie de Lleida junto a Joan Brossa y Josep Iglésias del Marquet. A partir de entonces el autor de Agramunt se convirtió en uno de los máximos referentes de la poesía visual del país. En los años 90 Guillem Viladot abrió Lo Pardal, un edificio que acoge la mayor parte de su creación y que actualmente es la sede de la Fundació Privada Guillem Viladot. Durante la presentación de la muestra de los Objectes de companyia de Guillem Viladot, el Museu de la Vila Rural de l’Espluga de Francolí también anunció las próximas exposiciones que acogerá durante esta temporada. Después de la exposición de Viladot, que se podrá visitar hasta el 25 de febrero, el Museu de la Vida Rural acogerá La pell de la pell, una exposición que exhibirá aguafuertes de Joan Ponç con textos de J.V. Foix. Posteriormente la entidad dedicará una muestra a los carteles elaborados por Joan Brossa. La fotografía de viajes de Josep Arasa y el dibujo de Josep Ribot completarán la oferta de exposiciones de esta entidad de l’Espluga de Francolí. Paralelamente, el próximo mes de marzo está prevista la publicación de Orgànics (Edicions El Fonoll), un libro de relatos inéditos de Guillem Viladot que narran una serie de relaciones de amor no convencionales y con una fuerte introspección sicológica. Entre los relatos de este libro de Viladot destaca la historia de una bailarina de circo que descubre el amor por su propio cuerpo o el de un pastor que decide suicidarse al descubrir que ha perdido la potencia física que lo había caracterizado. | ||||||||
| Titulo | Poemas inéditos de Joan Brossa | ||||||||
| Autor | Redacción | ||||||||
| Publicacion | Agencia Efe | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis | Edicions 62 rescata poemas inéditos de Joan Brossa en el volumen "El día a día".
Cultura Lunes 22 de enero (1988-1992), que publica Edicions 62 a finales de este mes bajo la dirección de la especialista Glòria Bordons, amiga personal del poeta visual. Joan Brossa publicó en vida unos 130 libros, de los cuales casi la mitad corresponden a la llamada "poesía literaria", un género que empezó a publicar de manera regular en 1970 con "Poesia rasa", si bien eran libros líricos escritos originalmente entre 1943 y 1959. Tras la publicación de "Poemes de seny i cabell" (1977), "Rua de llibres" (1980) y "Ball de sang" (1982), Brossa saca a la luz libros sueltos escritos poco tiempo atrás; y entre 1983 y 1998, año de su muerte, el autor publicó quince libros, algunos de ellos bastante anteriores al año de publicación. Otros libros, anota Bordons en el prólogo, fueron publicados casi inmediatamente después de ser escritos, como "Qui diu foc, diu flama", "Furgó de cua", "Suite tràmpol o el compte enrera", "Passat festes", "La clau a la boca" o "Sumari astral". A pesar de esta producción en sus últimos años de vida, quedaron algunos libros acabados inéditos en el cajón, que fueron descubiertos cuando la recién creada Fundación Brossa comenzó a poner orden en los papeles del artista a partir de enero de 2000. Entre esos papeles aparecieron cuatro volúmenes inéditos: "Fora de l"umbracle" (1968), "Gual permanent" (1977), "Mapa de lluites" (1979-1984) y "El dia a dia" (1988-1992). Bordons y la compañera de Brossa, Pepa Llopis, comenzaron a trabajar con los manuscritos en verano de 2003 y decidieron entonces comenzar su edición con "El dia a dia", que, en palabras de Bordons, era "el más interesante y actual". Al ponerse en contacto con Edicions 62 para su publicación, descubrieron de manera casual en el despacho de Xavier Folch, editor y amigo personal de Brossa, el mismo manuscrito, pero pasado a máquina. "La sorpresa fue mayúscula, pero nos alegró comprobar que habíamos coincidido con el poeta en la elección del libro, aunque finalmente -argumenta Bordons- se optó por la edición encontrada en Edicions 62 por ser la definitiva". Según Bordons, "por el tipo de poemas incluidos en "El dia a dia" se trata del libro que inicia la última etapa del ciclo poético de Joan Brossa, una etapa marcada por el escepticismo, la introspección y la profundización, sin abandonar los toques de humor habituales en la producción brossiana". De los 135 poemas que integran el libro, Bordons destaca "algunos que giran en torno a la sociedad, la vida y el oficio de escribir", como el que abre el libro, el soneto, "Fugitius d"una cafrada", escrito a raíz de la guerra del Golfo, que el poeta incorporó en la versión definitiva, pues en el primer manuscrito no figuraba. En este poema, Brossa expresa la necesidad de salir del gregarismo, un pensamiento en el que, comenta Bordons, insiste en otros poemas, como cuando dice que "la gente acaba reducida a guarismo estadístico" en el poema "Fet inútil", o cuando acaba en el último poema, "Fi", exhortando al lector de forma metafórica a la necesidad de decisión y de firmeza. El propósito de Brossa de economía de palabras se encuentra de manera especial en algunos poemas breves, como el iniciado por un gran punto ("Al principi / la matèria i l"energia / de l"Univers estaven concentrades en un punt"). Una desnudez expresiva que se puede hallar en el libro en poemas visuales como el icono para el cartel de la exposición que le dedicó el Palacio de la Virreina en 1994, una gran "A" cruzada por un ojo, como "símbolo de la mirada poética sobre las cosas", comenta Bordons. | ||||||||
| Titulo | ALFONSO LÓPEZ GRADOLÍ POETA | ||||||||
| Autor | V.M. Niño | ||||||||
| Publicacion | El Norte de Castilla | ||||||||
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| Materia | Poesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental | ||||||||
| Sinopsis |
El poeta afincado en Madrid Alfonso López Gradolí. / EL NORTE Fue un 'best-seller' a comienzos de los setenta cuando convirtió la posibilidad de tomar una copa con Brigitte Bardot en poema. Aleixandre, Umbral y TVE se fijaron en él, algo que cuenta con gracia en el prólogo de 'Quizá conmigo y otros poemas', publicado ahora por la editorial vallisoletana Tansonville. Alfonso López Gradolí (Valencia, 1943) no ha perdido el acento de su tierra pese a vivir en Madrid desde aquel triunfo en plena movida. El libro de gloria dejó paso a muchos otros en los que este poeta visual vierte las palabras de sus 'collages'. El rostro de BB era la base de aquel poema de 1971 ahora reeditado. Envió un ejemplar a la actriz francesa y recibió una tarjeta firmada. Emprendió viaje a París para conocerla y finalmente la copa, que luego fue plural, tuvo que tomársela solo ya que la diva no abandonó sus aposentos. «Me fastidió porque me había ilusionado al recibir su tarjeta que naturalmente no firmaría ella. Pero no me entró animadversión. Comprendí que era un crío insignificante», sonríe Gradolí al recordar aquello. El crío siguió empeñado en las palabras y los 'collages'. Licenciado en Derecho por imposición paternal, siempre estuvo interesado por la pintura, frecuentó sus amistades en este arte y se define como «un pintor de domingo». En un «territorio fronterizo entre la pintura y la literatura» sitúo su creación. «La poesía visual bebe de ambas actividades. Quizá por eso generalmente no se nos ha considerado integrados en la poesía. Nos llaman «los de los dibujitos, los experimentales o también otra palabra que se usa mucho los 'operadores', frente a la poesía más narrativa y clásica». El autor de 'Los bosques de la memoria' prepara un ensayo sobre esta poesía que publicará Calambur. El blanco habla Entre los maestros sitúa a «Pino, Brossa y Cirlot», y del vallisoletano guarda un recuerdo más cercano que de la Bardot. «Francisco Pino era atentísimo. Con cualquier pretexto se podía llegar a él y te atendía, no estaba endiosado. En general los poetas experimentales que seguían diferentes caminos de las carreras hechas a base de publicar libros y acercarse a la cátedra, academia, atendía a los jóvenes que nos iniciábamos». La puntuación y su omisión es uno de los elementos atendidos especialmente por los experimentales. El 'Quizá conmigo' del libro de Tansonville es un poema que carece de signos de puntuación, quizá porque como dice en el texto, López Gradolí coincide con Joyce en que el pensamiento no se puntúa, es seguido. «Hay poemas que no requieren de puntuación para conseguir el efecto que busca, ya sea emocional, provocar una descarga en el lector o lo que sea». Lo que sí hay es una peculiar administración del blanco. «Mallarmé comenzó a utilizar los espacios en blanco, pero ya en los acrósticos esféricos de la Edad Media, muchos monjes que hacían poemas colocaban los espacios en blanco como un elemento integrante del poema». Sabedor de que la carrera poética comienza por ganar el Adonais, se presentó en su día. El premio encontrado sin embargo fue otro, que sus versos se toparan con Vicente Aleixandre. «Ese fue mi premio. Luego me he presentado a aquellos concursos en los que se publica el libro», dice Gradolí, quien considera que el público lector de poesía ronda las 1.000 o 1.500 personas. «Fuera quedan los grandes que ya tienen un publico más amplio de varios miles como Neruda o Bonald. Por ejemplo, Gamoneda ha sido siempre un autor de culto y con el premio y los años ha llegado a las grande editoriales». | ||||||||
| Titulo | State Britain | ||||||||