La educación artística en la enseñanza secundaria

Presentamos las actas del programa sobre educación artística en la Enseñanza Secundaria llevado a cabo durante el reciente curso académico 2003-2004 por el Taller del Sol   bajo el auspicio del Ministerio español de Cultura Educación y Deportes. Las actas aquí ofrecidas hacen referencia al desarrollo de dicho programa.

 

Objetivos

El objetivo de este programa ha sido promocionar y sensibilizar a la comunidad escolar sobre las manifestaciones artísticas actuales, como una expresión de la conciencia del ser humano, haciendo predominio en las facetas experimentales del arte disciplina en la que se encuentra especialmente afín el Taller del Sol.

Metodología

Se ha estructurado el programa en dos bloques. La primera parte, desarrollada por medio de charlas a los alumnos para ponerles en conocimiento de planteamientos   teóricos y desarrollo histórico del arte de nuestro siglo, reforzadas didácticamente mediante diapositivas y documentos variados. Y en una segunda parte, los alumnos han sido invitados a reflexionar críticamente sobre lo expuesto en clase, abriendo un coloquio entre todos a fin de razonar lo aprendido, abriendo un turno de preguntas y consultas igualmente hacia el profesor.

Temporización

El programa ha sido desarrollado en la semana del 10 al 14 de Mayo en el colegio Sacrat Cor de El Vendrell (Tarragona).

Recursos

El Taller del Sol para la puesta en práctica de este programa delegó en el reconocido especialista brasileño Doctor Roberto Dossantos, quien llevó a cabo la ejecución íntegra del proyecto. Asimismo  agradecemos al colegio Sagrat Cor de El Vendrell (Tarragona) el apoyo recibido por parte de su Seminario de historia del Arte, suministrándonos el material necesario (software, proyectores, vídeos, fotocopias, …)   así como al resto del profesorado por facilitarnos la labor de coordinación y ponernos a nuestra disposición el salón de actos del citado centro para nuestra labor.


La educación artística en la enseñanza secundaria

Dr. Roberto Dossantos
Proyecto experimental para la Educación Artística
Bajo el patrocinio del Taller del Sol
Ministerio de Educación, Ciencia y Deportes

1) ¿Por qué es tan importante el grupo NO dentro de la Poesía Visual?

El grupo N.O. significa la instalación sólida de la PV en España, como el tiempo se ha encargado de demostrar. Este grupo va a formarse prácticamente por todos los que hasta hacía unos años antes estaban en el colectivo llamado Problemática 63, bajo la coordinación de Julio Campal, un artista que se había venido a vivir a Madrid considerado el introductor de la poesía visual en España. Al morir (año 1968), el grupo que dirigía decide cambiar de nombre y, bajo el recuerdo del maestro, continuarán su labor difundiendo sus enseñanzas, promoviendo proyectos de arte experimental (exposiciones, antologías, seminarios, etc. y siguiendo cada uno con su propia actividad artística, todo esto hará que florezca en España la   poesía visual durante toda la década del los 70. Esto demuestra que las ideas que trajo de Europa y América Julio Campal no fueron producto pasajero, y fructificaron en España a través de la labor de aquellos artistas-discípulos que habían recogido todo el saber de su maestro, ampliando, corrigiendo e interpretando todo aquel trabajo que es la prehistoria de la Poesía Visual en España. Dicho de otro modo, el barco levaba anclas para una larga travesía.

Tenemos que tener en cuenta que todo ese trabajo “sucio” que se tuvo que hacer de formación, información y proyección (aparte del trabajo creativo) fue más producto de personas concretas que de trabajos de grupo, pero eso no importa, porque el grupo N.O. fue la semilla de todo.

2) ¿Por qué Textos y antitextos marca un hito en la literatura experimental española?

“Textos y antitextos” marca época de la misma manera que cualquier otro libro dentro del grupo N.O.,   no encuentro que se le tenga que dar un relieve especial. Eso sí, es un libro bastante importante en la historia de su autor, Fernando Millán, porque en él se encuentran las bases de lo que luego seguiría haciendo. De todas maneras, todos esas publicaciones del grupo N.O. cuando aparecieron   (de 1970 a 1972 más o menos) apenas tuvieron repercusión más que en un pequeño círculo de personas. Es ahora cuando podemos valorar su significado y le damos el mérito de ser pioneros, por eso, a veces, decimos que marcaron época.

3) ¿Cómo se desarrolló la poesía visual durante el franquismo?

Nos puede parecer que durante la dictadura del general Franco estas manifestaciones artísticas estarían prohibidas, pero en realidad lo estaban tanto como cualquier otra cosa si la autoridad pensaba que podían hacer daño a sus ideas. En aquel tiempo, el único tipo de asociaciones que permitía la ley (exceptuando las del Estado) eran las relacionadas con las parroquias de barrio o las universitarias, éstas eran independientes al estar en la universidad, recinto blindado a las autoridades   ( por eso habréis visto en los documentales a manifestantes refugiados en su recinto, porque allí le era prohibida la entrada a la policía); la PV nació en una de éstas. Problemática63, el grupo fundado por Campal en 1964, era una rama de Juventudes Musicales, asociación cultural perteneciente a la Universidad Complutense de Madrid, de esta manera quedaba legalizada su existencia   y se podía garantizar la puesta en marcha de las actividades que todos conocemos, mostrando exposiciones en Madrid que supusieron un grandísimo impacto en el público, con unas preferencias mucho más tradicionales que el de ahora, sin embargo, el poder desde el primer momento consideró inofensivo este arte (nadie se dió cuenta de su crítica oculta ni de su rebeldía) y les dejaba hacer sin ningún problema. Tanto es así que en 1968, un grupo separado del N.O. organiza una muestra de poesía visual en Madrid, ROTOR, a cuya inauguración   asistión la mujer de Franco (suprema autoridad en aquella época), hecho muy debatido ya que algunos pensaban que la PV debía combatir al régimen y no andar engatusando al poder con invitaciones.

En general la autoridad permitió la presencia de la PV. Las discusiones y los problemas procedían de los propios autores, problemas internos como en el caso anterior de la exposición y más tarde, con la creación de la editorial oficial (digámoslo así) del grupo N.O., integrada en la Asociación cultural universitaria Parnaso 70, editora de la colección El anillo del cocodrilo, en donde van a aparecer algunos libros de N.O., ya que el director de esta asociación, José Luis Montell, era un militante de ultraderecha, favorecido por el franquismo. Mientras que unos se negaban a publicar allí porque significaría estar del lado del franquismo, otros pensaban que este detalle no importaba porque en aquellos años, cualquier institución española, de todas maneras, tenía relación con el sistema (todas tenían una ideología conservadora) y tenían que aprovechar el poco espacio que se les dejaba libre para comunicar sus ideas. Esto provocó un debate muy duro entre los miembros del grupo N.O. que terminó con su separación en 1971.

4) ¿Qué relación tiene la poesía visual con la escritura?

La poesía visual está relacionada con la escritura del mismo modo que, por ejemplo, los tebeos están relacionados con la pintura de caballete.   No, no es una broma, sólo quiero decir que la poesía visual es una evolución de la escritura tradicional,   formada por textos con significado   creados a partir de una sucesión de palabras, cada una funcionando de una manera para que el conjunto tenga en primer lugar, sentido gramatical (concordancia entre las partes) y, en segundo lugar,   un sentido más o menos lógico. Leemos y escribimos a través de textos siguiendo el reglamento de uso que es la gramática (española en nuestro caso). Pues bien, la poesía visual también supone un texto solo que su forma de construcción, el reglamento del texto o la gramática de la que hemos hablado, es algo diferente, porque si en el texto escrito tradicional usamos como herramienta la palabra   para expresarnos, en el texto de la poesía visual vamos a poder usar no sólo palabras, sino letras e imágenes que por sí solas transmiten ideas y emociones y son fundamentales para comprender el sentido de los textos. De este modo la poesía visual es un texto en donde palabras e imágenes se dan fuerza mutuamente.

En realidad la PV nace de un pensamiento crítico   acerca del lenguaje empleado por el ser humano y su forma de comunicación, la escritura. Hay lenguajes y escrituras de muchos tipos, no sólo el literario, que es el que aparece en los libros y en los periódicos. Todos los ámbitos del conocimiento humano se valen de su propio lenguaje, más o menos complicado, por ejemplo, la música se puede interpretar gracias a partituras y el lenguaje del software en los ordenadores son lenguajes escritos. Hay muchos otros lenguajes visuales como el de los semáforos, las banderas, los códigos de barras, etc.   Un autor de PV combina distintos lenguajes para expresarse, siendo la imagen   el cemento que le da unidad al conjunto, a través de ella se pueden alterar los significados a través de muchos recursos: agrandando letras, colocando fotografías, pegando objetos. La PV crea un nuevo tipo de escritura mezclando varios lenguajes que potencian el literario a través del visual , y como la escritura se transmite a través de textos, en vez de poemas visuales podéis encontraros también que los llaman textos visuales.

5) ¿Cómo podemos distinguir la PV de la Poesía conceptual y de la poesía experimental?

Creo que ha habido un malentendido porque antes hemos estado hablando de arte conceptual o de arte de concepto, no de poemas conceptuales, que es muy distinto, ya que, como sabéis, son un tipo de poemas que reflexionan sobre nuestro conocimiento, siendo una interpretación cercana a la filosofía, dentro de la lírica tradicional (igual que el amor), que viene ya de muy antiguo y que se desarrolla en España con la generación del 27. Es harina de otro costal, siento haberos confundido entre tanto poema.

Bien, aclarado estro podemos seguir.

La verdad es que no existe una gran diferencia entre los dos tipos de obras por las que preguntas. La poesía experimental es un nombre que le hemos dado a un gran conjunto de obras que se salen de la literatura tradicional, y en este gran conjunto o categoría se encuentran la poesía visual y el arte conceptual, que pueden ser en algunos casos similares, pero se distinguen fundamentalmente porque en la poesía visual la imagen está muy acentuada, de tal modo que hay detrás una idea compositiva de la obra (la organización de los elementos) como si fuese un cuadro, junto al elemento lingüístico, pudiendo estar mezclado con toda clase de otros elementos incluidos los que no son literarios (por ejemplo, fotografías o dibujos). El autor de arte conceptual o arte de concepto, por el contrario, no tiene la mentalidad plástica como si fuera a hacer un cuadro, aunque pueda contener imágenes o se realice a través de imágenes. Importa el concepto transmitido visualmente, puede no tener incluso ningún elemento literario, pero lo hemos clasificado junto a la Poesía Visual por su carácter narrativo, es decir, hay una idea de contar algo en una sucesión más o menos ordenada de ideas. Pero no todo el Arte conceptual se puede asociar con la poesía visual y responde a veces a la intención del autor incluirlo en la categoría de Poesía Experimental, un gran saco en donde, además de la PV se encuentran otras manifestaciones como la Poesía Sonora o determinadas artes escénicas.

6) ¿Puede un Poema Objeto ser Poema Visual?

Sí, siempre y cuando una composición se ajuste a un soporte plano podrá ser un poema visual o ser considerado como tal, ya que los lenguajes que utiliza, la literatura y la pintura, se desarrollan y transmiten a través de una superficie en dos dimensiones, página o cuadro, ese es su marco de referencia. De este modo, si hacemos una reproducción de un poema objeto en una hoja se acercará más al Poema Visual pero el objeto en sí mismo no lo es; si a esta fotografía le añadimos dibujos, palabras u otras imágenes, entonces sí podremos empezar a considerarlo Poesía Visual porque ya están funcionando varios lenguajes ahí sobre dos dimensiones, y también será un poema visual unos objetos pegados a una lámina, porque el relieve de estos objetos no alterará el formato general de la superficie plana. El poema objeto o ready-made (en expresión norteamericana), por sí mismo, no puede ser Poesía Visual, se va al terreno más ancho de la Poesía Experimental.

7) ¿Puede existir la Poesía Visual sin que intervenga el aspecto literario o la escritura?

Siempre que exista una relación entre distintos lenguajes, claro que sí. Sólo ha de haber, como hemos dicho antes, un sentido narrativo, el de contar cosas, al menos, una especie de sucesión causa-efecto que produzca esa impresión.

8) ¿En qué se diferencia un poeta conceptual de uno pre-conceptual y de otro post-conceptual?

Ya hemos deshecho el malentendido del poeta conceptual, por lo que creo tú estás hablando del hecho de considerar el lenguaje como material poético, el hecho de reflexionar críticamente sobre él apartándose del modo tradicional de literatura …De acuerdo, estamos en el buen camino.

El conceptualismo como pensamiento va a derivar en una nueva expresión llamada Poesía Concreta en torno a 1957, así que hay que diferenciar entre un poeta pre-concreto, concreto y, por decirlo así, post-concreto. Bien , ya sabéis que para establecer diferencias entre dos cosas, hay que definir primero una de ellas, así que vamos a explicar qué cosa es la poesía concreta.

Reflexionar sobre el lenguaje desde el mismo lenguaje valorando su aspecto físico para potenciar su significado sería, básicamente, el cometido de la poesía concreta, en que aparecen poemas que expresan gráficamente una idea, es decir, el tema del poema es él mismo y su clave de lectura. Hemos visto el poema sobre la coca-cola de Decio Pignatari, por ejemplo.   Son poemas que, aunque no son tradicionales. Sigue predominando la palabra en su construcción, con una fuerte visualidad pero se basa en la palabra y sus relaciones lógicas. Es una poesía científica, por decirlo así, del lenguaje.

Antes de llegar a esta situación, en el pre-concretismo, hay elementos visuales en la poesía que son tomados como figuras retóricas para resaltar una idea en un poema, convive el verso tradicional y el verso despiezado (esto, por ejemplo, es un recurso visual) pero no se ha roto todavía, determinadas palabras se escriben sugiriendo el objeto que representan, pero todo ello integrado en un sistema tradicional de lenguaje, exceptuando casos como los caligramas de Apollinaire, que tampoco se despegan mucho del lenguaje escrito, aunque con gran visualidad, y la obra poética de los futuristas, en donde comienza a desarrollarse propiamente lo que hoy conocemos como poesía visual, pero quedan aislados para la realidad española por la guerra civil.

Por último, la Poesía Visual, como género del Arte y de la Poesía Experimental es el desarrollo de la Poesía Concreta. Es plenamente visual, ya no se va a basar únicamente en la palabra, como ocurre en la Poesía Concreta, sino también en las letras (incluso éstas pueden ser suprimidas) y las relaciones entre los elementos se hacen más complejas al existir más tipos de lenguajes, incluso no literarios.

Básicamente esta es la diferencia entre los tres grupos, según el criterio de visualidad y el tipo de lenguaje utilizado.

9) ¿Qué tiene que ver Duchamp con el conceptualismo?

Muchísismo porque él planteó con su obra una dirección que originó el nacimiento de esta corriente, el conceptualismo. Duchamp creó el poema-objeto en 1917, un objeto al que se le cambia su función de uso en relación con nuestra costumbre, es decir, se le redefine o transforma su significado. Duchamp escandalizó en una muestra en París con su poema-objeto, titulado “Fuente”, su obra consistía en un urinario apoyado directamente sobre la plataforma de exposición. El objeto se había sacado de su función y de su lugar habitual y se le ofrecía al público bajo un título que parecía tener relación con el uso que nosotros damos a un urinario, pero mostrado así, el objeto toma un nuevo significado, porque ya no es un urinario, es otra cosa. El sentido de esta obra de Duchamp   es hacernos interrogar sobre la naturaleza del arte (aparte de muchísimas cosas más). Esta es la idea principal que captaron y desarrollaron algunos artistas (con aportaciones decisivas como la del alemán Joseph Beuys) y que haría nacer el conceptualismo.

10) ¿Qué tiene que ver el futurismo y el dadaísmo con la Poesía Visual?

El futurismo plantea ya, en la primera década del siglo XX los orígenes de la Poesía Visual, tal y como nosotros la entendemos hoy (y hemos tratado aquí de explicarla), con su método o poética de “las palabras en libertad”, palabras y letras desplegadas en la página al azar, liberando así a la palabra del verso, siguiendo las leyes de la comunicación pictórica. El dadaísmo no es propiamente un grupo, sino una línea de pensamiento o una corriente que se origina algo después, tras la I Guerra Mundial y que se va a servir de las palabras en libertad de los futuristas en la creación de sus obras, encontrando además en el poema-objeto una forma de expresión ideal para transmitir su espíritu irreverente y desencantado (producido por la devastación de la I Guerra Mundial); a fin de cuentas, reivindicaban un cambio de rumbo radical de pensar sobre la naturaleza del arte y la naturaleza del hombre, para la que necesitaban una expresión alejada de los usos habituales que detestaban, próspera y anárquica, como solo podía ofrecerlo las palabras en libertad. Ese espíritu se mantiene hoy vivo, después de tantos años, en la poesía visual.

11) No entendí lo que quiso decir con eso de UNIDADES DE COMUNICACIÓN EXPRESIVA como estructuras elementales intercambiables. Ni tampoco su relación de identificación FORMA FONDO”.

Esa frase, lo entiendo, impresiona, a veces, la voluntad de expresarse científicamente oscurece el sentido pero es muy fácil. Se refiere a un método de experimentación basado en la serie de elementos, quedando en varias composiciones un mismo elemento o matriz que sirva de base al poema e introducirle cuantas variables queramos, así, debido a que la base es la misma para todas las obras,   queda identificada la serie. No es más que eso.

12) Qué relación existe entre la POESÍA FONÉTICA y la POESÍA CONCRETA

Algo así como la existente entre la música y su partitura, de esta manera, diríamos, la poesía concreta es la partitura de la que se realiza la poesía fonética. La poesía concreta tiene mucho más que ver, desde sus principios teóricos con el sonido, que con la poesía visual. Veréis.

Los fundadores de la poesía concreta, en Brasil, tuvieron muy en cuenta que la escritura era manifestada a través del sonido o el fonema, que, como sabéis bien, constituyen las palabras, esta escritura, tradicionalmente, es lineal y ordenada, cada palabra se encuentra encadenada a otra en un orden gramatical, así es como se nos ha transmitido cualquier texto. Pues bien, la nueva escritura la plantearon con la idea de no sucesión lineal ni tener orden gramatical, lo que equivalía a una nueva expresión gráfica, es decir, a reinventarse los signos para expresarse, esto era la poesía concreta, cuyos sonidos especiales (entonación, ritmo, cadencia, todo distinto de la palabra escrita) dieron lugar a la creación de la poesía sonora.

13) ¿Se podría decir que  Xavier Sabater,  Fátima Miranda y Bertomeu Ferrando son pioneros en la introducción del sonido dentro de la poesía experimental?

Los pioneros de la poesía sonora o poesía fonética   son los futuristas italianos, alrededor del primer cuarto de siglo, uno de ellos, Luigi Russolo, llegó a inventar, incluso, una máquina de sonidos. Así que los artistas de los que hablas están bastante lejos. En España debemos la introducción de esta disciplina a Julio Campal, cultivándola también Fernando Millán. Sabater, Miranda y Ferrando empiezan a practicarla a partir de la segunda mitad de los 70. No son entonces pioneros pero sí unos magníficos poetas sonoros con gran obra y con una gran labor crítica y divulgativa.

14) Ha dicho que existía el denominado colectivo TEXTO POETICO por los años 70, pero no me ha quedado claro sin son precursores de la poesía visual, poesía sonora o la performance,…o bien de todo a la vez.

Texto poético, nombre del colectivo y de su propia revista, dirigido por Ferrando, es un grupo valenciano que pretende ser multidisciplinar, dada la procedencia de sus componentes: pintores, poetas, etc. Sobre todo, desarrollan en España el poema sonoro y el arte de acción, que en esas fechas (mediados los 70) se iba difundiendo en la península, pero sin olvidar el poema visual, por supuesto, ni el arte experimental. Gracias a su revista se conoce la obra de muchos otros artistas de toda España que se inician en el arte y la poesía experimental, admitiendo gran cantidad de propuestas artísticas, lo que le hacía un grupo muy abierto y con una gran capacidad de aglutinar las distintas tendencias del momento, bajo un sello personal muy sólido, sin embargo.

15) Qué lugar ocupa Julio Campal  y Schwitters dentro de la poesía sonora

Toda comparación es odiosa, si es esa la intención de tu pregunta; nosotros sólo podemos establecer las aportaciones de cada autor dentro de su entorno o de su momento histórico.   Kurt Scwitters, alemán vinculado al dadaísmo es uno de los pioneros de la poesía sonora, quien investiga y fija sus principios teóricos, declarando la relación entre pintura y música, su principal contribución en este terreno es una obra experimental titulada “Ursonate” (que quiere decir en español   “Sonata de voz”), que es modelo de poesía fonética o sonora.

Julio Campal surge mucho después, como hemos hablado, aparece en escena en 1962 en Madrid (14 años después de la muerte de Schwitter), la poesía sonora para entonces había evolucionado mucho debido a las nuevas técnicas de generación y reproducción del sonido, de modo que Campal se encuentra con otro panorama muy diferente. Va a recoger las teorías de la vanguardia artística desde París principalmente, conoce perfectamente la obra de Schwitters, como también las ideas de otros autores más próximos al autor uruguayo, las del grupo brasileño   Noigandres o la obra del francés Henri Chopin. Campal, una vez en España, difunde y cultiva él mismo la poesía sonora, obra que influiría sobre Fernando Millán quien también compuso un poema sonoro. Pero la labor de Campal fue principalmente la de estimular la creatividad artística, y con ello, el inicio de la poesía sonora   en España.

16 ¿Existen diferencias sustanciales entre  la polipoesía y la poesía sonora, o simplemente se trata de un subgénero?. También quería saber si la polipoesía tiene una trascendencia en el panorama del arte contemporáneo y cuáles son sus figuras más relevantes

La diferencia entre polipoesía y poesía sonora es la misma que la de ir a ver una ópera al teatro o escuchar   la misma ópera pero en un disco. La poesía sonora puede ser grabada y escucharse de un disco, es una producción para ser oída, mientras que   la polipoesía es una actuación en donde la poesía sonora es, digamos, lo que el libreto a la ópera, pero sobre el escenario también forman parte muy importante los gestos del poeta, la luz, los decorados y también la danza, entre otros muchos elementos (al igual que en la ópera); es decir, esa poesía sonora se integra en una acción teatral que completa su significado.

Hoy por hoy la polipoesía se encuentra en una situación bastante saludable. Muchos poetas se han dado cuenta de su fuerte poder expresivo, llegando al público con un lenguaje más directo (la polipoesía está muy aceptada) y también ha ayudado mucho a la polipoesía el avance tecnológico en la reproducción y generación del sonido y el avance de la informática ha desarrollado la   investigación de nuevos recursos expresivos. Todo ello ha hecho que la polipoesía tome bastante empuje durante estos últimos años,   habiéndose celebrado festivales de polipoesía en Alcalá de Henares. Barcelona o Valencia, siendo alguno de sus principales representantes en España Bartolomé Ferrando, Calleja, Canals, Xavier Sabater o Llorenç Barber entre otros muchos.

17) Me parece que es un verdadero jaleo diferenciar entre performance, acción plástica y happenning. Además, dice usted que esto es un fenómeno moderno y a mí me parece que su tradición tiene varios siglos de antigüedad.

Tienes mucha razón,   podemos encontrar antecedentes de estas disciplinas durante toda la historia del arte, pero son eso mismo, antecedentes. Cuando algo se usa con un sentido diferente, entonces surge algo nuevo, diferente de lo anterior,   en este caso, de las artes escénicas surge la acción plástica, conjunto en donde se encuentra la performance y el happenning entre otros. La acción plástica se llama así porque nace de una técnica de pintura especial, la pintura de acción (que da lugar a todo un movimiento pictórico) que genera una serie de fases y movimientos en su elaboración, todo ello, de esta manera, queda transformado en un hecho teatral. De aquí se empieza a reflexionar sobre la participación activa del espectador en la propia obra, quedando convertido asimismo en autor. De esta reflexión nace la performance y el happenning, dos tipos de acciones plásticas, diferenciadas en que mientras que en la performance se realiza un acto teatral siguiendo un guión previo, el happenning se hace participar al público, que se convierte además en autor modificando y creando la obra original con su acción, introduciendo más dosis de azar e   improvisación   que en la performance.

18) A qué se debe que Joan Brossa se haya convertido en un mito dentro de la poesía visual,…cuando él trabajaba en multitud de disciplinas artísticas simultáneamente.

Ocurre con frecuencia que un autor que cultiva varios terrenos artísticos se destaque en uno o   dos, ello es debido a que consigue mayor dominio en determinada disciplina frente a otra. No es ya cómo ve el autor su obra sino cómo este autor es visto por la crítica y por el público, por lo que en gran medida depende del público y de la crítica el decidirlo. Así, por ejemplo, está en boca de todos “El Quijote” de Cervantes, pero apenas nadie habla de sus entremeses o de su poesía, porque la maestría conseguida en su novela ensombrece la demás obra para el gran público. No es habitual encontrar autores consagrados en todos los terrenos, muchas veces no depende de la calidad de la obra en sí misma sino del lugar que ocupa en el conjunto de su obra y también de las aportaciones hechas para su época. Son criterios académicos muchas veces que no tienen gran cosa que ver con las preferencias del público y los creamos los profesores para ordenar el material con un cierto método.

Si estos criterios son de por sí siempre discutibles con los acontecimientos del pasado, que son fijos, imagináos cómo deben de serlo entonces para los hechos recientes, poco estudiados todavía. (1)

La obra de Brossa ha sufrido esa criba y el gran público le conoce por sus poemas objetos y su poesía visual (se suele confundir además el género pero vosotros ahora que lo sabéis no podéis caer en el error).   Él era artista de cabaret y escribió piezas de teatro experimental que llamaba poemas escénicos, tiene varios tomos publicados. Mayor número de volúmenes recoge su poesía experimental “gramatical” o discursiva, bastante buena, que os invito a leerla desde ya mismo, a la altura (si no de mayor envergadura si cabe) a su poesía objeto y visual. Por no hablar de su afición a la magia y otras disciplinas Tu pregunta es muy razonable, por qué entonces se le distingue sólo por su poesía objeto, habiendo además una fundación encargada de divulgar su figura. La razón tiene poco que ver con la literatura. Las galerías de arte vieron      en las obras de Brossa un producto de valor incalculable, tenían ahí un inmejorable mercado que podía competir en el panorama europeo, una vez se restaura la democracia en España, de modo que se dedicaron a promocionar esta faceta de su obra y a realizar exposiciones aquí y allá desde las propias instituciones públicas, para proyectar su obra haciendo que ésta subiera su valor. Brossa, sin embargo, no se benefició nunca de esto porque había cedido todos los derechos de sus obras a las autoridades catalanas a cambio de una pensioncita con la que iba viviendo. Nunca tuvo gran cosa y murió pobre, a pesar de que había   enriquecido a muchos. No quería contaros esta historia pero, en fin, es un buen ejemplo de que no siempre se le hace justicia a las personas. Tampoco en el arte.

19) El poema-objeto es también poesía visual, o es otra cosa

Voy a recordar lo que ya dijimos antes. La poesía visual se representa en una página, tiene dos dimensiones, si hay algún objeto pegado en esta página seguirá siendo un poema visual porque no pierde la referencia de las dos dimensiones. Un poema-objeto es tridimensional, forma parte de la escultura, por pequeña que sea. Si lo vemos fotografiado en una página sigue siendo poema-objeto porque la fotografía es testimonio o reproducción de la obra, pero no la obra en sí misma. Concluyendo: el poema-objeto participa de la poesía por su narratividad, igual que la poesía visual, pero al ser tridimensional (un objeto en un espacio) es una escultura.

20) ¿El libro-de-Arte tiene unas características específicas?

Claro que sí. El libro de arte nace cuando el libro se interpreta   como objeto de una confección artesana y artística en sí misma. Es obvio que esta mentalidad surge   a partir de la aparición de la imprenta en el siglo XV y del interés del coleccionismo que, poco a poco, ha hecho que se tome en cuenta lo cuidadoso de una edición. Un libro de arte tiene, así, características definidas. En primer lugar son ediciones reducidas, llegando incluso al ejemplar único, de elaboración y materiales artesanos (encuadernación, papel y tipos de imprenta), con letras de molde o caligrafiadas, pudiendo contener imágenes y dibujos originales en cualquier técnica (grabado, collage, plumilla, etc) variando generalmente en cada ejemplar sus elementos, porque es muy importante singularizar cada libro, hacerlo único, por lo que en el colofón de la obra (el texto con que el impresor termina su trabajo), se indica el número de la serie de cada libro, que será así original de versión múltiple, al decir de algún artista.

21) Qué quiso decir con eso de que la representación fue la gran preocupación de Brossa?

Brossa tenía la gran preocupación de repasar los mecanismos o los procesos a través de los que nosotros, las personas, cualquier persona, percibían el mundo, de modo que podemos decir que nosotros lo que observamos como realidad a nuestro alrededor es una visión producida en gran medida por las ideas del mundo en que hemos sido criados. El intento de Brossa es despegarse de esas gafas de la cultura e intentar ver el mundo objetivamente, lo que le obliga a representar el mundo de un modo distinto, en primer lugar, utilizando el lenguaje de otro modo porque es otra la realidad que quiere expresarnos. Es por ello que la representación, es decir, la idea que tiene del propio mecanismo humano de representar el mundo, es el principal interés de Brossa.

22) Nos podría explicar qué es eso del poeme trouvé

Es una expresión francesa que quiere decir “poema encontrado”, es una variante del surrealismo (recordemos que esta escuela comienza en París) del poema-objeto   para referirse a un tipo de obra recogida literal y materialmente de la calle o en el entorno físico del artista, sin mediar otro tipo de mediación ni transformación por su parte, dando a entender la poesía que subyace en la realidad diaria. Más adelante esta expresión con que se definía un cierto tipo de poemas-objeto se hace extensible a la literatura, porque tiene la misma actitud realista de obra inmediata, rescatada de la realidad sin elaborar ni nada.

23) Qué significa que el signo y la palabra   se limitan a tener una sucesión lineal

Ya hemos hablado de la gramática o del lenguaje que existe de los signos como un sistema de combinaciones (más o menos difíciles) de esos elementos que nos hace entender un mensaje.    Hay muchos tipos de gramática, decíamos, de acuerdo a los diferentes tipos de signos: la música, la informática, etc. La palabra es un tipo de signo sobre el que está basado el lenguaje verbal ( verbal procede del latín verbus que significa, precisamente, “palabra”), cuando hablamos estamos realizando un acto verbal; también cuando escribimos, pero aquí usamos las letras que representan los sonidos del lenguaje verbal. Bien, estas letras para que tengan sentido y comuniquen van en una sucesión ordenadas formando palabras   que constituyen un texto (no decimos “labrapa” ¿verdad? sino “palabra”, se sigue necesariamente un orden). Si esas palabras van unidas unas con otras, por ejemplo “Creo que hemos encontrado algo” nosotros las leemos de acuerdo al orden con que las hemos escrito (una sucesión lineal) ocupando una tras otra un espacio de tiempo. La poesía concreta intenta leer un texto sin tener que seguir esa sucesión lineal, de un golpe digamos, a través del impacto visual que hace desaparecer la sucesión lineal.

24) No he entendido eso de que el tiempo y el espacio son dos dimensiones naturales del caligrama

El caligrama, al representar gráficamente mediante sus propias letras lo que en el mismo poema se nos comunica, la propia estructura del poema está en función de su contenido, es decir, un caligrama es fondo y forma a la vez, estos dos elementos son las dos dimensiones o las dos variables sobre las que existe la literatura, qué decir y cómo decir. El caligrama es en sí mismo fondo y forma, estas son las dimensiones naturales del caligrama lo que produce, por supuesto, la rotura del espacio (la linealidad de la que hablábamos) dentro del tiempo, el sonido de esas palabras o de esas letras liberadas de esa linealidad tradicional.

25) ¿Qué ha querido decir con eso de que la escritura puede tener un significado semiótico?

La semiótica es el estudio de los signos de comunicación y de sus relaciones, es decir, de todos los lenguajes que hemos dicho antes (música, teatro, informática, tráfico, etc.) por tanto, significado semiótico es una redundancia. La palabra semiótica suele significar más frecuentemente el estudio de los signos no verbales, gráficos y sonoros, aunque dentro de la semiótica se estudia la escritura como sistema de signos que comunican un determinado mensaje, encargándose de sus asociaciones. En relación a la poesía visual, decimos que la escritura se semiotiza porque adquiere un valor gráfico capaz de comunicar ideas y emociones, es decir, funciona con un grado mayor de significación al meramente escrito. Por ejemplo, la escultura de la letra A realizada por Brossa que está en Barcelona, al tener un volumen gigantesco, se aparta de su significado literal, la letra a, con un sonido, para adquirir otro tipo de significados de acuerdo a su plasticidad, a su volumen, etc.

26) No entiendo bien la diferencia entre grafía, escritura y signo semiótico

Un signo semiótico, como hemos dicho antes, puede ser cualquier signo, cualquier hecho que esté dentro de un sistema de comunicación, basado en la escritura o no, de modo que la escritura alfabética es un tipo de lenguaje basado en la combinación lógica de una serie de elementos (tradicionalmente las 28 letras del alfabeto occidental, el abecedario que todos conocemos). La escritura, entonces, es un sistema, y, dentro de él, la grafía es su realización, es el cuerpo gráfico de la escritura; cuando escribimos dibujamos las letras, eso es grafía, cada uno tenemos nuestra propia grafía indicativa, que depende de muchos factores físicos y psicológicos, la forma de dibujar las letras es estudiada por la grafología. Aparte, el uso estético de la grafía se llama caligrafía, es una técnica que se utiliza mucho en la pintura contemporánea.

27) ¿Qué relación tiene la semiología con la poesía experimental?

La semiología hace de guía a la experimentación porque estudia y valora el significado de los signos no literarios y no artísticos para incorporarlos a un código de significación artístico. Este intento de hacer artístico algo que no lo es a priori es muy importante para la poesía experimental ya que trata de hacer de sí misma un arte total en donde se reflejen   la mayor parte de las disciplinas artísticas y de la realidad que nos rodea.

28) ¿Por qué se dice que Apollinaire es uno de los padres de la poesía concreta?

Yo no lo diría así, pero es buena la observación. Apollinaire crea el caligrama en donde el contenido es el propio significante del poema, es decir, lo que se dice está reflejado gráficamente. Junto a otros elementos, el caligrama participa en el nacimiento de la poesía concreta, así que Apollinaire tuvo una relación muy directa en este proceso de creación.

29) ¿Qué relación existe entre el futurismo, el dadaísmo y el surrealismo con el arte postal?

Estos tres movimientos están relacionados con el arte postal porque hacen uso de él para desarrollar y transmitir sus ideas; aparte, más que una opción, era una necesidad, ya que en los años en que aparecen esos movimientos,   no existía el fax ni el correo electrónico, ni muchísimo menos los ordenadores, así que, por derecho propio, el correo era el medio principal   y más eficaz de comunicación por aquel entonces.

30) No entiendo bien la diferencia tantas veces empleada al hablar de poesía conceptual, entre modernismo, vanguardismo y arte contemporáneo

La poesía conceptual tiene poco que ver con los demás conceptos, pero vayamos por partes. El modernismo es, como sabéis, una corriente literaria surgida en España y latinoamérica entre fines del siglo XIX y el comienzo del siglo XX,   liderada por Rubén Darío y, también en nuestro país, por la generación del 98, es el lado crítico del modernismo en España, esto aparte, el modernismo es un espíritu que se transmite a diversas disciplinas artísticas, entre ellas,   a las artes plásticas y la arquitectura, de la que es un buen ejemplo en España la obra de Gaudí.

El vanguardismo es una actitud artística basada en la revisión de lenguajes artísticos   ya existentes o en la creación de otros nuevos, y surge sobre todo cuando se necesita expresar unas nuevas emociones o ideas que a través del saber clásico o académico no pueden ser reflejadas en toda plenitud. En la historia del arte y de la literatura se llama “período de las vanguardias” o “época de los ismos” a los años de la posguerra mundial entre 1914 y 1921 más o menos, cuando surgen por toda Europa el abstraccionismo, el cubismo, futurismo, el dadaísmo, el surrealismo, el ultraísmo, en fin, todas las escuelas de las que hemos hablado. Y finalmente, el arte contemporáneo es un concepto que define el arte que se realiza en nuestro tiempo porque “contemporáneo” es un concepto de tiempo que significa algo así como “nuestro tiempo” o en simultaneidad con nosotros. En arte o en literatura, lo contemporáneo abarca desde el fin de la segunda guerra mundial hasta nuestros días.


 

(1) (Nota apócrifa a César) Date cuenta de que el doctor Roberto Dossantos habla siempre desde su posición profesoral, tiene una posición claramente progresista, sí, pero no puede deshacer el poso de su formación académica, que le ha forjado en el subconsciente la existencia virtual de una tradición con que construir, sino forzar,   la realidad de la calle, para embutirla en sus teorías.

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